LILTING

Aunque quedan pocos días para finalizar el Atlántida Film Fest, me permito una pausa del festival para dar paso a otra muestra de cine que se celebra estos días en Barcelona. El Fire!!, muestra de cine de temática LGTBI, llega a sus veinte años de existencia, y como no podía ser de otra manera, un año más merece ser comentado por aquí. Este año el Fire viene cargado de cintas realmente interesantes, llegando a superar los altos niveles de calidad de ediciones anteriores. Solo hace falta echar un ojo a la programación para darse cuenta de ello, o simplemente fijarse en la cinta que se ha encargado de inaugurar el festival: Lilting; película que en los BAFTA optó por la candidatura a mejor ópera prima, además de ganar el de mejor fotografía en Sundance. Fire arranca alto.

Junn vive en un geriátrico consumida por la pena de perder a su único hijo, Kai, y triste por encontrarse en un lugar dónde no se siente a gusto, y dónde no puede comunicarse, ya que Junn es de origen camboyano y no domina el inglés. Richard es un desconocido para ella debido a una fuerte animadversión hacía él, aunque a ambos les une un lazo muy fuerte, ya que Richard era la pareja de Kai, algo que ella desconoce. Richard intenta acercarse a ella, lograr que Junn le acepte e intentar que ésta vaya a vivir con él. Juntos lograrían superar el dolor.

Creada con una sencillez de lo más remarcable, la película de Hong Khaou es una obra delicada y pausada, que lejos de convertirse en un filme simplemente contemplativo destaca en su fuerza narrativa. La historia principal se traduce en una exploración de temas no tan simples como la aceptación de lo distinto a la norma, si no que va más allá, al adentrarse a formulas sociales que no son nuevas, pero si que salen de aquello que se nos quiere hacer pasar por correcto. Así, Khaou nos adentra en el mundo familiar, de una familia descompuesta por la perdida, y aunque a simple vista podríamos no pensar que lo que se nos presenta no tiene nada de troncal, en realidad es el eje más importante.

No contento con ello, y ya por ello alejado de la simpleza narrativa, Khaou nos adentra a otros mundos a través de su relato, en el que caben temas sociales como el del trato al mayor o las diferencias culturales que se vuelven mucho más evidentes en los países occidentales. El autor consigue no sobrecargar con todo ello su película, y despunta en una sencillez agradable, dónde la melancolía y la tristeza se adueñan del metraje.

Una obra delicada e interesante que se convierte en una excelente carta de presentación para la XX edición del Fire!!, demostrando que el cine de temática homosexual va mucho más allá del romance o la denuncia social. Una película completamente actual, que convierte la aceptación en algo consolidado.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Lilting AÑO 2014 DURACIÓN 91 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Mandarín, Inglés DIRECCIÓN Hong Khaou GUIÓN Hong Khaou MÚSICA Stuart Earl FOTOGRAFÍA Urszula Pontikos REPARTO Ben Whishaw, Pei-Pei Cheng, Andrew Leung, Peter Bowles, Naomi Christie, Morven Christie PRODUCTORA Microwave / SUMS* Film and Media / Stink Films

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Vejez. Homosexualidad. Muerte/Duelo. LGBTIQ

SINOPSIS

Sigue los días de una madre china que vive en un geriátrico en Londres, quien acaba de perder a su hijo en un accidente. A su vez, un chico que era la pareja del joven, intenta acercarse a la madre para no abandonarla durante su duelo. Pero hay varias barreras en su relación, sobre todo culturales. No hablan el mismo idioma, y además la madre no sabía que su hijo era homosexual. Frente a este panorama, el joven se esfuerza en generar un acercamiento con la persona que probablemente más entienda el valor de lo que él acaba de perder.

PREMIOS

2014: Premios BAFTA: Nominada a Mejor debut escritor, director o productor británico
2014: Festival de Sundance: Mejor fotografía (World Cinema). Nominada al premio del jurado (Wolrd Cinema)
2014: Britihs Independent: Nominada a mejor actriz (Pei-pei Cheng) y Mejor dirección de producción. Nominada al premio Douglas Hickox

CRÍTICA

+ "Hong Khaou hace un buen debut con esta transcultural pieza de cámara de un silencio resonante." (Justin Chang: Variety)

+ "Delicada y sin prisas casi hasta la exageración, aunque también inquietantemente sexy e incluso a ratos humorística." (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Un drama hábil y delicado." (Mark Adams: Screendaily)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,0		7,1
NOTA MEDIA: 7,0

TRAILER

VER TAMBIÉN

CARMINA Y AMÉN.

Antes de nada avisaros que la celebración del aniversario sigue en Descubrelapeli, una oportunidad de oro de conseguir un montón de puntos y subir a la cabeza del ranking, todos estáis invitados a intentar adivinar los fotogramas, dicho esto, vamos al lio.

Después de obtener el éxito con su opera prima Carmina o revienta (2012), Paco León vuelve a la dirección dos años después con Carmina y Amén, intentando repetir el éxito de la primera, pero esta vez con una distribución menos arriesgada y, por lo tanto, tradicional.

Paco ha muerto. Carmina convence a su hija María que es mejor esperar un par de días antes de dar aviso de la defunción, de este modo podrán cobrar la paga extra que él tenía pendiente, un dinero con el que Carmina contaba para ayudar a María a abrir su peluquería. Durante esos días esconden el cuerpo mientras siguen su vida en la cotidianidad de su barrio.

Paco León evoluciona en su discurso, conservando ese humor casi macabro y escatológico que tan bien le sentó a la primera película dónde conocimos a Carmina Barrios. León depura su mano como realizador, y dota de seriedad su discurso jocoso asentándose en un humor muy valiente, a pesar de sostenerse en las bases de lo más absurdo, el director se crea un discurso propio y lo consigue, por eso asistimos a una maduración narrativa que deja lejos el discurso inicial del film de 2012.

El problema de todo ello, es que tanta maduración también hace que la frescura del original también se pierda por el camino, así nos topamos con un filme que a pesar de ser algo más brutal en las formas se pierde en un tono esencialmente más sencillo, especialmente en la zona satírica, que a pesar de su exponencialización, ésta se degrada por la seriedad con que se trata algo que en realidad merece el estatus de jocoso. Una mezcla algo extraña, que a pesar de su valentía no logra alcanzar el vuelo que cabría esperarse de esta secuela.

Aún así hay que decir que Carmina y amén es una de las mejores comedias que se han visto en nuestro país durante este año, que esquiva los recursos fáciles que suelen usarse en las cintas del género, y apuesta por un guión solido y singular, algo que realmente vale su peso en oro.

Otro de sus logros es, una vez más, la parte actoral, en la que a parte de la enorme Carmina destaca una resuelta Yolanda Ramos, en un papel muy agradecido para la actriz, que demuestra como, a pesar de mantenerse en el registro cómico, puede construir un personaje con una personalidad realmente única.

Lejos de su antecesora, Carmina y amén es divertida, una comedia que supera con creces el bajo nivel de cintas con mucha mayor recaudación comercial, y solo por eso (y su estupendo final) merece la pena.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Carmina y amén. AÑO 2014 DURACIÓN 100 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Paco León GUIÓN Paco León MÚSICA Pony Bravo, Espaldamaceta, Pájaro FOTOGRAFÍA Juan González Guerrero REPARTO Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Yolanda Ramos, Estefanía de los Santos, Manolo Solo, Mari Paz Sayago PRODUCTORA Andy Joke / Telecinco Cinema / Canal +

GÉNERO Comedia. Drama

TEMÁTICA Comedia negra. Comedia dramática. Secuela. Muerte / Duelo. Familia. Crisis económica

SINOPSIS
Tras la súbita muerte de su marido, Carmina convence a su hija María de no dar parte de la defunción hasta pasados dos días y así poder cobrar la paga extra que él tenía pendiente. Durante esos dos días esconden el cadáver y disimulan su duelo en la cotidianidad de un bloque de pisos de un barrio humilde de Sevilla.

PREMIOS

2014: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor comedia
2014: Premios Goya: Nominada a Mejor actriz revelación (Yolanda Ramos)
2014: Festival de Málaga: Mejor guion y actriz de reparto (Ramos)

2014: Feroz: Mejor comedia. 6 Nominaciones.

2014: Cinespaña (Toulouse): Premio del público

CRÍTICA

+ "Momentos graciosos y subversivos, algún diálogo hilarante, un planteamiento que te remite inevitablemente al mundo de Rafael Azcona (...) Tengo más que curiosidad ante las próximas películas de Paco León, de un director tan listo como raro" (Carlos Boyero: Diario El País)

= "Paco León enseña modales a su cine y convierte la revolucionaria extrañeza de su primera película en simple comedia. Brillante, pero simple." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "La mejor comedia española vista por este cronista desde hace muchos meses. (...) Lo mejor: el espectacular salto adelante de Paco León como cineasta. Lo peor: prácticamente nada. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (M. Torreiro: Fotogramas)

+ "Paco León y Carmina Barrios, segundo aviso: otras formas de hacer cine de comedia son posibles (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,8		6,8
NOTA MEDIA: 6,7

TRAILER

VER TAMBIÉN

EL LIBRO DE LA VIDA

Hay que reconocer que 2014 ha sido un buen año para las apuestas animadas made in USA, y eso que Pixar ha estado ausente este año para reformar un poco su linea de estrenos, aunque evidentemente siempre hay en el mercado un hueco para lo mediocre. Las grandes y pequeñas productoras empiezan a mimar más y más lo que tienen entre manos, pues se han dado cuenta que su público potencial, el infantil y sus acompañantes, son un público que ya no se contenta con cualquier cosa, pues con las cintas para todos los públicos se pueden recaudar enormes sumas, pero el fracaso económico también puede llegar a derrumbar a más de un grande (si no que le pregunten a Dreamworks). Todavía tenia pendiente una de estas películas, una de las que más se ha escuchado su nombre este año: El libro de la vida.

Manolo y Joaquín son dos niños enamorados de María, y entre juegos se disputan su amor. Los tres juntos forman una amistad solida que solo se quebrará cuándo, tras un pequeño incidente, María es enviada a España, lejos de su pueblo para aprender a ser una señorita. El tiempo pasa y Joaquín se convierte en todo un héroe para su pueblo, por otro lado Manolo, se ve obligado a seguir la tradición de su familia como torero, pero él en realidad, lo que ama es la música. Con la vuelta de María las disputas amorosas vuelven a la carga, algo que no trascendería más allá del clásico romance si no fuera por la apuesta que La Catrina y Xibalba, dos deidades del inframundo, han echo. Su envite consiste en ver cuál de los dos muchachos terminará junto a María, el resultado puede alterar todo el mundo tal y como lo conocemos.

El libro de la vida es la ópera prima en largo de Jorge R. Gutiérrez, mexicano afincado en California, que gracias al apoyo de Guillermo del Toro ha podido dar vida a esta espiritual cinta animada. Gutiérrez parte de la idea de la celebración del Día de los muertos para crear su propio universo, una apuesta muy fresca para una cinta gestada en Hollywood.

La película es contada como un cuento, dónde un grupo de niños escuchan una historia de la que no habían oído hablar antes. Ahí, Gutiérrez se acerca muy sutilmente, casi de modo simpático, a uno de los problemas de la globalización, mostrándonos como la cultura es una de las sentenciadas a muerte con las políticas capitalistas. Los niños no saben de que va eso del Día de los muertos, ellos solo conocen Halloween, y evidentemente jamás habían oído hablar de La Catrina o Xibalba. Así, se crea un acercamiento a las raíces, e intenta llegar a ese público ya alejado, de la mejor de las maneras. Hay que decir, que las licencias son bastante libres, pues el filme toma prestadas las ideas de la mitología para realizar la suya propia, gestando inframundos que en realidad no son así originalmente y seres a los que les cambia roles, como La Catrina convertida en La Muerte, o Xibalba, que es una mezcla de varias deidades demoníacas (especialmente la de Hun-Can) y tomando nombre del mismo mundo subterráneo de la misma mitología maya. Gutiérrez nos enseña así como el progreso y la mezcla no tiene por que estar reñida con las raíces.

Pero no todo está permitido en El libro de la vida, pues ciertos hábitos culturales pueden ser parte de nuestra identidad, pero no por ello significar que sean correctos. Uno de los aspectos que me chocaban antes de ver el filme era uno de sus protagonistas: Manolo, un torero. Es de sobra conocido por todos que la tauromaquia es considerada por unos como un arte, pero no es difícil darse cuenta de su verdadera cara, más cercana a la barbarie que a cualquier arte. Incluir un personaje como Manolo en una película destinada mayoritariamente a un público infantil me pareció atrevido, incluso llegué a dudar de lo correcto del hecho, pero está claro que no se puede juzgar un libro por su portada, y después de ver el filme me siento muy satisfecho con el trato que se le ha dado.

Lo bueno de El libro de la vida es como consigue defender las raíces culturales reflexionando a su vez sobre ellas. Manolo es torero, pero no por convicción, sigue con la tradición por imposición paterna, él lo que en realidad ama es la música, y aborrece la muerte injustificada. La resolución a tal conflicto no puede estar mejor logrado, pues aunque reconoce las raíces, nos enseña como hay cosas que están por encima de toda creencia, y lo mejor de todo, es que nos lo muestra todo a través del perdón, y ello gracias a una maravillosa canción.

Canción que por supuesto se suma a todas las genialidades de la partitura de Gustavo Santaolalla. Unos ritmos latinos mezclados con el sonido más contemporáneo (incluso canciones pop) que añaden vida a un filme ya de por si rebosante de energía. Canciones maravillosas, sinceras y divertidas.

Pues si una cosa destaca en El libro de la vida es el explosivo diseño colorista que impregna de magia toda la pantalla. Decorados y personajes no solo están diseñados con el mayor de los ingenios, si no que además están echos a medida para la historia que se nos está contando. Su estilo animado es deslumbrante, y poco importa si este está creado por ordenador, al final su belleza es aplastante. Y aunque todo ese diseño se base en los tópicos más rimbombantes de la cultura mexicana, algo que argumentalmente también se siembra en el filme, es fácil ver que se hace sin ningún tipo de soberbia, si no de la más clara de las simpatías, toreando el cliché con buenas maneras.

Existe un gran pero en el filme de Gutiérrez, pues parece que el mexicano no termina de controlar muy bien los ritmos del metraje, así nos deja con la sensación de que la película no termina de arrancar, que se estanca en contarnos una historia de amor a la que le falta fuerza narrativa, y no por culpa de una mala historia, pues aunque sea simple, podría alzarse mucho más si el ritmo del filme estuviese mejor pautado.

Aún así hay que decir que los protagonistas están muy bien tratados y son de lo más redondos, pues el material emocional que presentan está muy bien hilado, además que sirve para ensalzar ese sentimiento de cambio sin perder la esencia de lo que somos. Si ya hablamos de Manolo y su afán por escribir su propia vida, nos queda hablar de María, una mujer que ya de niña no parece estar dispuesta a aceptar ningún rol de género que se le imponga, algo que se va desarrollando a lo largo del metraje de un modo muy directo y acertado, y de Joaquín, que parte de un claro egocentrismo para evolucionar hacía el verdadero sentido de la vida comunitaria, especialmente gracias a la amistad.

No quiero olvidarme de aplaudir el gran trabajo actoral que hay detrás de los personajes animados. En un filme dónde los protagonistas son hispanos, pero hablan inglés, algo de entrada muy chocante, se consigue librar bien el combate gracias a las voces de Diego Luna, Zoë Saldana, Ron Perlman o Channing Tatum. Enamorado de la pequeña aportación de Plácido Domingo. 

El libro de la vida es una película fresca, amena y divertida, todo un soplo de aire fresco para los recurrentes universos del cine de Hollywood. Una pequeña cinta, llena de vida que se disfruta de cabo a rabo.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL The Book of Life AÑO 2014 DURACIÓN 95 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español DIRECCIÓN Jorge R. Gutiérrez GUIÓN Jorge R. Gutiérrez, Douglas Langdale MÚSICA Gustavo Santaolalla VOCES ORIGINALES Diego Luna, Zoe Saldana, Channing Tatum, Ron Perlman, Christina Applegate, Ice Cube, Kate del Castillo, Hector Elizondo, Danny Trejo, Carlos Alazraqui, Ana de la Reguera, Emil-Bastien Bouffard, Elias Garza, Genesis Ochoa, Plácido Domingo, Jorge R. Gutiérrez PRODUCTORA 20th Century Fox Animation / Reel FX Creative Studios / Chatrone PRODUCCIÓN Guillermo del Toro

GÉNERO Animación. Comedia. Fantástico. Musical. Romance

TEMÁTICA Sobrenatural. Toros. 3D. Muerte / Duelo. Mitología. Música

SINOPSIS

La película cuenta el viaje de Manolo, un joven torero que se debate entre cumplir con las expectativas de su familia o seguir su corazón y dedicarse a su verdadera pasión: la música. Antes de escoger el camino que seguirá, emprende una aventura recorriendo tres mundos fantásticos, donde tendrá que superar sus peores miedos.

PREMIOS

2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor filme de animación
2014: Premios Annie: Mejor diseño de personajes. 5 nominaciones
2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje animación
2014: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor largometraje de animación

CRÍTICA

+ "Un trabajo visualmente deslumbrante que disimula su tópica historia con una atmósfera hechizante" (Frank Scheck: The Hollywood Reporter)

+ "Una golosina visual (...) una alegre fábula animada que mezcla viejos mitos con metáforas actuales" (Geoff Berkshire: Variety)

+"Como el mexicano Día de los Muertos, la película mezcla con éxito y de manera muy disfrutable, lo macabro con lo festivo (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordan Hoffman: New York Daily News)

+ "Una alegre celebración del folklore mexicano con un sólido reparto, una sensibilidad irreverente y un maravilloso diseño visual" (Michael Ordona: San Francisco Chronicle)

= "Musical gloriosamente colorido, que casi compensa (pero no lo suficiente) su falta de diálogos concisos con sus imágenes (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Sara Stewart: New York Post)

= "Esta película a menudo hermosa y demasiado moribunda, y exhaustivamente frenética, tiende a ser menos enérgica que las personas muertas que bailan en ella." (Manohla Dargis: The New York Times)

= "Aunque no convenza del todo en cuestión de ritmo y de narrativa, más por falta de control que por tedio, acaba contagiando con su espíritu de cuento intemporal" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Es una delicia visual, abigarrada y colorista como una feria mexicana, y la aparente morbidez del tema de los muertos se resuelve, como en el imaginario burtoniano, con buenas dosis de inventiva y poesía (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

= "La historia no es particularmente estimulante, pero el diseño visual es magnífico (...) El amor incondicional de Jorge R. Gutiérrez por la cultura popular de su país es tan evidente como contagioso (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Cuando el relato se adentra en el inframundo de la Tierra de los Recordados, la avalancha de imaginería cálido-siniestra embelesa los sentidos, y nos hace pensar en un Tim Burton tocado por el ardor latino." (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

+ "Una película que ofrece un despliegue visual impactante y un menú de canciones no menos atractivo ." (Javier Porta Fouz: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,8		7,3
NOTA MEDIA: 7,0

TRAILER

VER TAMBIÉN

BABADOOK

Y hablando de directoras noveles este año es imposible no acordarse de una de las mujeres que ha dado el pelotazo en el campo cinematográfico. La australiana Jennifer Kent, empezó en el mundo audiovisual como actriz televisiva para pasar rápidamente a formar parte del equipo de Lars Von Trier en Dogville (2003) como ayudante. No tardó en realizar su primer cortometraje, Monster (2005), el cual le sirvió como semilla del largometraje que rodaría diez años después: Babadook.

Tras la muerte de su marido Amelia debe hacerse cargo sola de su recién nacido hijo. Con el paso del tiempo, cuándo el niño cumple los seis años de edad, empieza a convertirse en un muchacho problemático, todo a raíz del miedo por los monstruos que cree ver. Tras la aparición de un misterioso libro titulado Babadook, los problemas crecen y el miedo se apodera también de Amelia.

Monster, el cortometraje previo de la realizadora, ya presentaba unas ideas estupendas que creaban una atmósfera única para causar terror. Así, en su paso al largo, Kent no solo conserva esas ideas, si no que las trabaja y las modela para crear sin duda una de las cintas de terror más solidas del año. 

Las ideas siguen siendo las mismas, el terror infantil y la incapacidad por afrontar el echo de educar a un hijo. Pero esta vez los conceptos son llevados hasta limites más lejanos, dónde la locura siembra poco a poco la resolución narrativa de esta historia. Así nos encontramos ante Amelia, una mujer que no logra superar la perdida de su marido especialmente al encontrar en su hijo un recuerdo doloroso de su cónyuge. Samuel, a su vez, es un niño incapaz de comprometerse socialmente, pues el lastre que su madre deposita en él afecta directamente a su manera de percibir el mundo. Kent logra introducirse en unos temas tan complejos a través del fantástico, y materializa los miedos de sus protagonistas en un ser de carne y hueso. Un ejercicio ejemplar para que su filme no se encasille como un mero producto de género, ni tampoco como un profundo drama moral.

Kent conduce la película con una realización muy fresca, en la que no tiene miedo de saltarse algunos esquemas clásicos del montaje, aunque en alguna ocasión eso le cueste algún que otro desliz narrativo. Así las elipsis temporales son realizadas con un sentido muy estético y eficaz que resalta en la narrativa, pero el efecto no solo es estético, si no que se yuxtapone muy bien con la evolución psicológica de su protagonista Amelia.

Toda la primera parte del filme se conduce bajo un terror de atmósfera, en el que no sirven los esquemas clásicos para causar miedo, toda la apuesta está centrada en el devenir de la historia, ajustándose muy bien en ella la fotografía, el sonido, la escasa banda sonora y los decorados, estupendamente diseñados para reforzar un ambiente lúgubre y asfixiante. Todos los elementos son combinados con maestría y el resultado engancha muy bien.

Si el cortometraje ya presentaba elementos de homenaje al género de terror siliente, especialmente en el tono y fotografía, esta vez se lleva el concepto mucho más allá, mostrandolo más explícitamente en varias de sus acertadas secuencias televisivas, que no solo sirven para sumar la prgresiva demencia de sus personajes, si no para también acercarse a los orígenes del cine a través de la reproducción de algunos fragmentos en blanco y negro donde además se permite la licencia de introducir al terrorífico monstruo protagonista de la película.

Partiendo de la base que el filme se gesta a raíz de una historia corta, era de esperar que el momento climático sea quizás la baza menos fuerte de la película, pues es en ese segmento en el que la película toma una senda más cercana a los estándares básicos, y parece que tampoco los termina de resolver del todo bien, pues las ideas originales quedan algo disueltas en pro de un estiramiento narrativo algo poco en sintonía con el conjunto del metraje. Pero no por ello el filme llega a desmerecer, pues incluso en ese segmento el terror llega a apoderarse de nosotros.

La ambigua resolución nos deja satisfechos, pues en ella las lecturas son tan amplias que nos quedamos con la película un tiempo largo en nuestra mente. Los intentos de llegar a entender ese final, e incluso el mágico momento previo a los créditos de cierre son garantía de que Kent es capaz de crear una historia redonda creando uno de esos típicos finales de cinta de terror pero con nuevas herramientas no tan directas.

Otro de los elementos más reseñables es el cuidado diseño artístico del apartado más fantástico, no solo del monstruo, si no también de las pesadillas y como no, del famoso libro dónde nace Babadook. A pesar del miedo, ¿quién no querría tener ese valioso ejemplar de papel para ojearlo por si mismo?

No hay ninguna duda de que Babadook es otra de esas cintas de uno de los géneros más explotados que vuelven a demostrar el margen que todavía queda para crear buenas historias en su regazo, pues la película de Jennifer Kent entrará seguro en cualquier lista de los filmes de los mejores filmes de terror de esta década.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL The Babadook AÑO 2014 DURACIÓN 95 min. PAÍS Australia IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Jennifer Kent GUIÓN Jennifer Kent MÚSICA Jed Kurzel FOTOGRAFÍA Radek Ladzcuk REPARTO Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel Henshall, Hayley McElhinney, Barbara West, Ben Winspear, Tiffany Lyndall-Knight, Tim Purcell, Benjamin Winspear, Cathy Adamek, Carmel Johnson, Adam Morgan, Craig Behenna, Michael Gilmour, Michelle Nightingale, Stephen Sheehan PRODUCTORA Entertainment One / Causeway Films / Smoking Gun Productions

GÉNERO Terror. Thriller. Drama

TEMÁTICA Sobrenatural. Monstruos. Cuentos. Thriller psicológico. Infancia. Muerte / Duelo

SINOPSIS

Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia (Essie Davis) no se ha recuperado todavía, pero tiene que educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Cuando un inquietante libro de cuentos llamado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel llega al convencimiento de que el Babadook es la criatura con la que ha estado soñando. Entonces sus alucinaciones se hacen incontrolables y su conducta, impredecible y violenta. Amelia, cada vez más asustada, se ve forzada a medicarle. Pero, de repente, empieza a sentir a su alrededor una presencia siniestra que la lleva a pensar que los temores de su hijo podrían ser reales.

PREMIOS

2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima
2014: Festival de Sitges: Premio del Jurado y Mejor actriz (Davis)
2014: Critics Choice Awards: 2 nom. incluyendo Película de ciencia-ficción/terror
2014: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor director novel

CRÍTICA

+ "The Babadook es la película más aterradora que he visto jamás." (William Friedkin: Director de El exorcista)

+ "Logra ofrecer verdaderos sustos y al mismo tiempo toca temas tan serios como la pérdida, el dolor y otros demonios que no pueden ser vencidos tan fácilmente." (Scott Foundas: Variety)

+ "Pasarás miedo. Y también, quizás lo que será más aterrador es que te llegará a conmover" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Este thriller psicológico de la talentosa realizadora debutante Jennifer Kent hará que te subas por las paredes simplemente ahondando en la violencia de la mente. Prepárate. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una de la películas de terror más inteligente y efectiva en años (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordan Hoffman: The Guardian)

+ "Impactante ópera prima (...) Proporciona un tipo de angustia que tiene menos que ver con las posesiones demoníacas y más con el traicionero poder de una imaginación salvaje" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Debería existir una ley requiriendo que todas las películas de terror fueran dirigidas por mujeres" (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "La actriz convertida en debutante directora, Jennifer Kent, tiene la habilidad narrativa de mostrarnos una historia de cuentos desplegables y luego hacer que nos retorzamos cuando los eventos predichos se hacen realidad. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Joshua Rothkopf: Time Out)

+ "Un muy buen debut (...) Una pequeña película que pegará extraordinariamente fuerte" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

+ "'Babadook' es como una pesadilla, de esas que no necesitan ser sangrientas para dejarte helado (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Un filme inteligente e insólito, explora el miedo en diferentes niveles (...) Posiblemente la veas más de una vez y sigas haciéndote un montón de preguntas. Imprescindible. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

+ "Es 'Babadook' una de las mejores y más ambiciosas películas de terror que ha dado el género en años. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

+ "Extraordinario film de terror que encajaría perfectamente en el canon de James Wan." (Pablo González Taboada: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,0		6,9
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

TODOS ESTÁN MUERTOS

Chantal Akerman -Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1976)-, Mia Hansen-Løve -El padre de mis hijos (Le père de mes enfants; 2009), Un amour de jeunesse (2011)-, Valérie Donzelli -Declaración de guerra (La guerre est déclarée; 2011), Main dans la main (2012)-, Ida Lupino -Not Wanted (1949)-, Haifaa Al-Mansour -La bicicleta verde (Wadjda, 2012)-, Lisa Cholodenko -Los chicos están bien (The Kids Are All Right; 2010)-, Ava DuVernay -Selma (2014)-, Susanne Bier -Después de la boda (Efter brylluppet; 2006), En un mundo mejor (Hævnen; 2010)-, Kathryn Bigelow -Los viajeros de la noche (Near Dark; 1987), En tierra hostil (The Hurt Locker; 2008)-, Deepa Mehta -Fuego (Fire; 1996), Agua (Water; 2005)-, Leni Riefenstahl -El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens; 1935), Olimpiada (Olympiad; 1938)-, Icíar Bollaín -Te doy mis ojos (2003), También la lluvia (2010)-, Lotte Reiniger -Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed; 1926)-, Lena Dunham -Tiny Furniture (2010), Girls (2012- ?)-, Sofia Coppola -Las vírgenes suicidas (The Virgin Suicides; 1999), Lost in Translation (2003)-, Kelly Reichardt -Wendy y Lucy (Wendy and Lucy; 2008), Meek's Cutoff (2010)-, Julia Loktev -Un planeta solitario (The Loneliest Planet; 2010)-, Miranda July -Tú, yo y todos los demás (Me and You and Everyone We Know, 2005)-, Angelina Jolie -En tierra de sangre y miel (In the Land of Blood and Honey; 2011), Invencible (Unbroken; 2014)-, Claire Denis -Trouble Every Day (2001), Una mujer en África (White Material, 2009)-, Lucrecia Martel (La ciénaga; 2001)-, Naomi Kawase -El bosque del luto (Mogari no mori; 2007)-, Samira Makhmalbaf -A las cinco de la tarde (Panj é asr; 2003)-, Jane Campion -El piano (The Piano; 1993)-, Agnès Varda -Cleo de 5 a 7 (Cléo de 5 à 7; 1961), Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la glaneuse; 2000)-, Mira Nair -La boda del monzón (Monsoon Wedding; 2001)-, Vera Chytilová -Las margaritas (Sedmikrásky, 1966)-, Antonia Bird -Priest (1994)-, Penny Marshall -Big (1988), Despertares (Awakenings, 1990)-, Barbra Streisand -Yentl (1983)-, Isabel Coixet -Mi vida sin mí (2003), Mapa de los sonidos de Tokio (Map of the Sounds of Tokyo; 2009)-, Ana Lily Amirpour -A Girl Walks Home Alone at Night (2014)-, Andrea Arnold -Fish Tank (2009)-, Pilar Miró -El crimen de Cuenca (1979)-, Jacqueline Audry -Gigi (1949)-, Agnieszka Holland -Europa, Europa (1990), In Darkness (W ciemnosci; 2011)-, Nora Ephron -Algo para recordar (Sleepless in Seattle; 1993)-, Margarethe von Trotta -El honor perdido de Katharina Blum (Die Verlorene Ehre der Katharina Blum oder: Wie Gewalt entstehen und wohin sie führen kann; 1975), Hannah Arendt (2012)-, Beatriz Flores Silva -En la puta vida (2001)-, Patricia Cardoso -Las mujeres de verdad tienen curvas (Real Women Have Curves; 2002)-, Guo Xiaolu -Ella, una joven china (She, a Chinese; 2009)-, Alice Guy -El hada de las coles (La fée aux choux; 1896), Falling Leaves (1912)-, Catherine Hardwicke -Crépusculo (Twilight; 2008)-, Mary Harron -American Psycho (2000)-, Xu Jinglei -Carta de una mujer desconocida (Yi ge mo sheng nu ren de lai xin; 2004)-, Claudia Llosa -La teta asustada (2009)-, María Novaro -Danzón (1991)-, Mabel Normand -Charlot en el cabaret (Caught in a Cabaret; 1914)-, Lone Scherfig -Italiano para principiantes (Italiensk for begyndere; 2000), An Education (2009)-, Cristina Comencini -El mejor día de mi vida (Il più bel giorno della mia vita; 2002)-...
Una lista que podría continuar durante horas y horas nombrando solo las cineastas más reconocidas e indispensables en nuestra historia fílmica. Ahora llega el turno de la pregunta. ¿A cuántas de ellas eres capaz de recordar? ¿Cuántas de sus películas has visto? ¿Y si te preguntara por nombres masculinos, recordarías más?
Queda claro que todavía queda mucho camino para reconocer a la mujer con total igualdad de derechos, y en el cine, reflejo social como ninguno, podemos encontrar una muestra de como sigue el papel de la mujer en la sociedad. Ejemplo de ello son las webs de cine de referencia como IMDB, Filmaffinity o Sensacine que siguen creando fichas con la categoría "Director", en vez de usar la palabra "Dirección", mostrando una vez más como, aunque sea por dejadez, la mujer no está muy bien representada. Es por eso que hoy día de la mujer trabajadora es el momento de recordar, una vez más, que la lucha sigue.

Para ilustrar el día no he elegido una cinta que hable sobre el papel de la mujer como eje narrativo, he preferido apostar por una pequeña muestra de el trabajo de una de ellas. La español Beatriz Sanchís se estrena en el largometraje con Todos están muertos, cinta que ha estado nominada este año a los premios Goya como mejor dirección novel y mejor actriz por Elena Anaya, además de una mención especial del jurado en el último Festival de Málaga junto a los premios de mejor música y mejor actriz (galardón que Anaya compartió con Natalia Tena por 10.000 km. [Carlos Marqués-Marcet, 2014]).

En los 80 Lupe fue una estrella de rock, que junto a su hermano ya fallecido, lideraban la banda Groenlandia. Hoy Lupe sufre de agorafobia y se pasa el día en casa vestida con una bata mientras duerme y hace tartas de manzana. Su madre, harta de ver la situación de su hija, decide hablar con una curandera y juntas logran invocar, durante el día de los muertos, el fantasma de su hermano Diego, para que éste intente sacar de la situación en la que vive a la muchacha, ayudándola a convertirse en una verdadera madre para su hijo Pancho.

Sánchis se estrena con un largometraje de lo más curioso. La idea del guión de la propia directora es de entrada de lo más original y trillada, dónde se mezclan los dramas íntimos con el género fantástico.

Pancho es un niño complicado, jamás ha podido contar con su madre como apoyo siendo para él una completa desconocida, y siendo su abuela la encargada de criarlo. Eso no ha evitado que en el niño se despierte también la misma pasión musical que su madre vivió en su época dorada, pero Pancho desconoce por completo cuales son los verdaderos motivos por los que su madre se comporta como tal, él solo es capaz de describirla como un ser egoísta, a pesar de ello, nunca pierde la esperanza de que algún día logren acercarse. A su vez, el muchacho no vive una situación social muy positiva, su única distracción es el grupo coral que ha montado con algunos de los amigos de su pandilla de boy scouts, siendo el hazme reír de algunos de los chicos del barrio. Pancho no lo tiene nada fácil.

Pancho es sin duda el protagonista de esta historia, y sirve de detonador para que el resto de personas que le rodean actúen de una vez por todas para cambiar el cauce de sus vidas. A su vez, el fantasma de Diego es (sin quererlo) el encargado de llevar a todos los personajes por el camino que los acerque a ese cambio a positivo, un camino que no sabemos si podrán alcanzar.

La directora dota de un tono melancólico a su cinta y la plaga de planos detalles que inducen al hermetismo de sus protagonistas. Un acertado tono que hace de Todos están muertos, una película sincera y agraciada que no solo brilla por su original premisa, si no por como se nos cuenta. A pesar de ello hay que reconocer que la complejidad del guión hace que se les vaya la historia un poco de las manos, poblando demasiado la película de elementos narrativos dispares. Lo que podría haber sido una íntima obra, queda en una película interesante, eso sí, lo suficiente para sorprendernos.

Una de las grandes bazas de la película es sin duda su banda sonora, plagada de melodías electro-pop que pertenecen al grupo Akrobats, a los que Sanchís ha echado mano también en sus cortometrajes. La mejor de las elecciones para dar vida al grupo ficticio que es Groenlandía, y al que Lupe y Diego daban vida en aquellos ya lejanos y psicodélicos 80.

Todos están muertos es una muestra de buen cine, y aunque le quede algo de camino para alcanzar la grandeza, Beatriz Sanchís demuestra que sabe lo que hace, y logra crear una película con una identidad muy marcada, y eso siempre gusta.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Todos están muertos AÑO 2014 DURACIÓN 88 min. PAÍS España, México, Alemania IDIOMA Español DIRECCIÓN Beatriz Sanchís GUIÓN Beatriz Sanchís MÚSICA Juan Manuel del Saso, Juan Pastor, Aaron Rux (Akrobats) FOTOGRAFÍA Álvaro Gutiérrez REPARTO Elena Anaya, Angélica Aragón, Nahuel Pérez Biscayart, Christian Bernal, Patrick Criado, Macarena García, Patricia Reyes Spíndola PRODUCTORA Avalon P.C. / Animal de Luz Films / Cacerola Films / Eurimages

GÉNERO Drama. Fantástico. Comedia

TEMÁTICA Fantasmas. Música. Homosexualidad. Muerte / Duelo. LGBTIQ

SINOPSIS

Lupe (Elena Anaya) vive encerrada en su casa, presa de una brutal agorafobia. Viéndola en bata y zapatillas, dependiendo para todo de su madre y con un hijo adolescente que la detesta, nadie diría que en los 80 fue una estrella de rock. Su madre, cansada de ver a su hija convertida en una persona egoísta y conflictiva, la Noche de los Muertos decide hablar con su hijo Diego. Este vuelve a la casa familiar con el aspecto de siempre: un chaval de veintipocos de mirada ausente; lo que hace la situación muy especial es que Diego está muerto...

PREMIOS

2014: Premios Goya: 2 nominaciones incluyendo Mejor actriz (Elena Anaya)
2014: Festival de Málaga: Premio especial del Jurado, Mejor actriz y Mejor música

CRÍTICA

+ "No es una película redonda, pero sí una opera prima arriesgada y cargada de identidad" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Sanchis propone un film curioso y absorbente, y del que la neodirectora sale bien parada (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (M. Torreiro: Fotogramas)

= "Hay ideas muy interesantes y atrevidas pero se desvanecen ante la fragilidad de la estructura que las soporta. Es una lástima, porque con menos nostalgia y respeto habría sido una feliz anomalía (...) Puntuación: ★★½ (sobre 5)" (Manuel Piñón: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,6		6,1
NOTA MEDIA: 6,1

TRAILER

VER TAMBIÉN

LOREAK (FLORES)

Aunque todavía tengo muchas películas favoritas pendientes como la popular La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014), la premiada Magical Girl (Carlos Vermut, 2014) o la internacional 10.000 km. (Carlos Marqués-Marcet, 2014), no puedo evitar posicionarme por el segundo largometraje de ficción del duo de directores vascos José Mari Goenaga y Jon Garaño, que tras sorprender con su película de amor tardío y a contracorriente 80 egunean (En 80 días) (2010), vuelven con un filme totalmente imprescindible, Loreak (Flores), una de las mejores películas españolas de este año.

Parece que la vida de Ane se apaga poco a poco con el descontento que se ha apoderado de ella. De repente un día empieza a recibir semanalmente un ramo de flores que, aunque en un principio cree que son de parte de su frío marido, no tarda en darse cuenta que no es él quién las manda. Aunque siga sin conocer la identidad del culpable de los ramos, Ane empieza a sentirse mejor con ella misma. A su vez, Lourdes y Tere, también ven como unas misteriosas flores trastocan sus vidas al aparecer semanalmente en el lugar dónde un ser querido para ambas falleció. No tienen ni idea de quién puede ser el que esté alimentando el recuerdo, y eso también trastoca sus vidas. 

Sólo son flores.

Loreak se sostiene por dos columnas inamovibles. Su guión es uno de los pilares esenciales, el tándem vasco (al que habría que sumar la colaboración de Aitor Arregi) consigue un texto estupendo a partir de una historia de lo más humana, que hace que el espectador lo viva como algo realmente cercano. Pero hablar de algo como las emociones no es tarea sencilla si queremos conseguir un resultado de nivel, por eso la apuesta de Loreak es de lo más acertada al presentar los afectos mostrando la separación entre la realidad vista desde fuera y la propia, un choque de difícil comprensión, pero que se hace de sencillo entendimiento al verlo plasmado en la pantalla. Unas diferencias que provocan poco entendimiento, y que nos muestran como la objetividad puede ser tan confusa como las propias emociones. De este modo el filme abandona la idea de película de casualidades, para adentrarse de lleno en el mundo de las emociones, montando el eje dramático más allá de los acontecimientos, es decir, construyéndolo dentro de sus personajes.

Conseguir contarnos una película dónde lo emocional prima no sería posible sin una fuerte base como es el nivel actoral del filme, del cual se sustenta todo orden narrativo. Un filme dónde no existen los golpes de efecto, ni los grandes giros de guión necesita de una fuerte presencia por parte de sus personajes, y desde luego Loreak cuenta con ello. Reside pues en los gestos, miradas y movimientos de las protagonistas el verdadero argumento del filme, que se nos cuenta gracias a las interpretaciones de tres mujeres que han sabido captar cada una a su manera el verdadero tinte emocional y argumental de la película.

Itziar Ituño interpreta a una de las más complejas (Lourdes), una mujer que esconde sus emociones, y no sólo a los demás, si no a ella misma, quiere que la dejen vivir en paz, pero no sabe como hacerlo sin amarguras. La variopinta gama de matices de su personaje es difícil de comprender para el espectador, pero Ituño la hace de fácil alcance. Por otro lado, la veterana Itiar Aizpuru, que ya nos enamoró protagonizando la anterior 80 egunean, muestra una vez más la versatilidad con la que es capaz de dotar al personaje más distante con nosotros, pero que a la vez es más fácil de comprender. Aizpuru hace de Tere una mujer compleja, y nos enseña el excelente trabajo que hace de ella con el cambio de registros a los que se presta su personaje. Y por último, destaca especialmente la aportación de Nagore Aranburu con su Ane. El personaje más interesante de los tres, y no precisamente por ser el más matizado, si no por el trabajo que la propia Aranburu consigue con ella utilizando una mudez casi imperante, pero intensas miradas y una gestualidad que dice todo lo que las palabras jamás podrían decir. Pocos actores consiguen conmovernos sin mediar palabra, y la Ane de Aranburu lo consigue, siendo su presencia siempre magnifica en el filme.

El trío actoral es en esencia la fuerza de una película que se construye gracias a ellas, y el refuerzo de unos matizados secundarios a los que también afecta la bomba expansiva de sus emociones. Punto en común con el anterior trabajo de Goneaga y Garaño, dónde se trabajan los conflictos emocionales y las diferencias entre el recuerdo y lo real, pero que en esta ocasión se ve reforzados por una mejora estética y un detallismo impresionante. El mimo con el que se trata cada detalle, cada plano, cada movimiento en Loreak, es tan emocionante como su propia historia. Nada es casual en la película, todo está medido y meditado, así vemos como la planificación, el montaje, la música o la fotografía hacen del filme una obra de inmensa belleza y de un tacto incomparable. Ojalá tuviésemos más ocasiones de ver películas tan bien tratadas como esta. Dónde historia y factura técnica no se pelean, si no que se funden en una sin que el destaque de la otra consiga hacernos perdernos los verdaderos motivos importantes del filme. Excelente.

Las flores que nos envían estos directores vascos son un regalo estupendo para hacernos reflexionar sobre la visión parcial de la realidad, sobre la memoria... y nos enseña diferentes maneras de afrentarse a la pérdida, con el efecto que ello puede tener no solo en nuestras vidas, si no en las de todos los que nos rodean.

Una película deliciosa, sensible, y que emociona con cada uno de sus momentos. Una estupenda apuesta que os recomiendo atrapar antes de que desaparezca de los pocos cines que se han atrevido a proyectarla.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Loreak AÑO 2014 DURACIÓN 99 min. PAÍS España IDIOMA Euskera DIRECCIÓN José Mari Goenaga, Jon Garaño GUIÓN José Mari Goenaga, Jon Garaño, Aitor Arregi MÚSICA Pascal Gaigne FOTOGRAFÍA Javier Agirre REPARTO Nagore Aranburu, Itziar Aizpuru, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea, Ane Gabarain, Gotzon Sanchez, Egoitz Lasa, José Ramón Soroiz, Jox Berasategui PRODUCTORA Irusoin / Moriarti Produkzioak

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Historias cruzadas. Muerte/Duelo. Melodrama

SINOPSIS

La vida de Ane da un giro cuando semanalmente comienza a recibir de forma anónima un ramo de flores en su casa. Por su parte las vidas de Lourdes y Tere también se ven afectadas por unas misteriosas flores. Un desconocido deposita cada semana un ramo en memoria de alguien que fue importante en sus vidas. Esta es la historia de tres mujeres, tres vidas alteradas por la mera presencia de unas flores. Flores que harán brotar en ellas sentimientos que parecían olvidados… Pero al fin y al cabo, no son más que flores.

PREMIOS

2014: Festival de San Sebastián: Sección oficial de largometrajes. Mención especial (SIGNIS)

CRÍTICA

+ "Una cristalina, magnética y muy profunda fábula de la desolación. (...) una brillante y precisa reflexión sobre el aroma del recuerdo, sobre el peso de la pérdida. Cualquiera de ellas." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una hermosa película repleta de sutiles paralelismos entre los personajes (...) supone un gran salto adelante en la filmografía de Garaño y Goenaga" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Emocionante y delicado melodrama, envuelto en la mayor sencillez (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Una de las sorpresas cinéfilas del año (...) Un filme en que no pasa nada y pasa todo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

+ "Loreak bucea en el territorio del drama íntimo, usando a conciencia herramientas propias del thriller (...) Lo mejor: que siga viva, y crezca, tras su visionado. Lo peor: deja cierta desolación en el ánimo del espectador (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Álex Montoya: Fotogramas)

= "Impecable aproximación al drama íntimo, silencioso y minimalista. Aunque a fuerza de tanta perfección, al resultado se le escurre cierta espontaneidad, cierto atrevimiento y, tal vez, cierto calado. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	8,0		7,2		8,1
NOTA MEDIA: 7,8

TRAILER

VER TAMBIÉN