DINS LA FOSCA (DENTRO DE LA OSCURIDAD)

Acaba de arrancar hoy jueves la IV edición de Mostremp, festival de cine rural al Pallars, convirtiéndose ya en una cita anual a la que cualquier aficionado al séptimo arte no debe faltar. Oportunidad de disfrutar de una selección de cortometrajes internacionales creados alrededor del mundo rural que compiten a concurso. Este año además, en la sesión inaugural, podrá verse el largometraje documental Camino a la escuela (Sur le chemin de l'école; Pascal Plisson, 2013), y no faltará el pase infantil dónde se proyectará la maravillosa candidata a los Oscar La canción del mar (Song of the Sea; Tomm Moore, 2014). Este año además debo reseñar el festival por partida doble, pues no sé si recordaréis que hace un tiempo os hablaba de un proyecto de cortometraje llamado Dins la fosca (Dentro de la oscuridad), filme en el que tuve la oportunidad de colaborar y que ha entrado a concurso en la sección Pallars y Ribagorça del festival. Hoy os hablaré un poco del corto y os recomiendo una vez más asistir a Mostremp, pues pocas veces tenemos oportunidad de asistir a una cita en la que disfrutar de un entorno cinematográfico fuera de las grandes urbes.

En una Cataluña de finales del siglo XIX nos encontramos con Frederic, un muchacho que reparte correspondencia de pueblo en pueblo atravesando campos y bosques. En uno de estos repartos, nuestro protagonista se pierde entre los árboles cuándo la noche le atrapa por sorpresa. Frederic no sabe dónde se encuentra y en medio de ésta encrucijada se enfrentará también con algunas de las cosas que le atormentan. Frederic no lo sabe, pero no se encuentra solo en el bosque.

Dins la fosca es la obra primeriza de Joaquim Sicart, estudiante de bellas artes que decide enfocar sus estudios hacía el medio audiovisual. Cuándo nos topamos con un trabajo de estas características es común que las primeras obras sean escasas de medios y eso afecta a la calidad final, ya sea por sus presupuestos o por la inexperiencia de un equipo primerizo. Pero de vez en cuando sorprende encontrar como existen trabajos que se alejan de todo el sentido amateur, y a pesar de ser obras en los que lo que prima es el trabajo de aprendizaje, al final el resultado es más óptimo de lo esperado. La calidad cinematográfica de Dins la fosca entra en este grupo, pues ya desde su arranque se puede observar el mimo y el cuidado que se tiene en todo momento, pues la fotografía y los encuadres dejan un testimonio claro del buen trabajo y la dedicación que hay detrás.

Poco a poco, y sin diálogo alguno, el filme avanza para introducirnos en una historia en la que rápidamente nos sentimos interesados, el ritmo es bueno y su banda sonora, creada especialmente para el filme por el compositor Tomàs Simón e interpretada por la Orquestra Sinfónica de las Tierras del Ebro, acompaña especialmente a la acción en todo momento, una música que profundiza incluso en la relación entre los personajes y que, lejos de querer ser una cinta muda, no empaña los sonidos tan característicos de cualquier entorno rural.

Otro de los aspectos que sorprenden en la película es el uso de los efectos especiales, algo que normalmente suele ser también chapucero y torpe en un trabajo de estas características, pero que en Dins la Fosca sorprende por su calidad e incluso llega a mezclar momentos animados que, también gracias a su banda sonora, nos remiten a uno de los más atrevidos trabajos de Walt Disney: Fantasía (Varios, 1940).

La historia es quizás sencilla, un relato de superación emocional que utiliza el género fantástico para narrarnos esa batalla interna. Pero el ritmo y esa decisión por relatárnoslo todo sin palabras, dejando entrever lo que hay detrás de los personajes sin contarlo directamente, consiguen hacernos a los espectadores cómplices de su relato, y por consiguiente, a disfrutar del filme.

Dins la fosca se podrá ver hoy en uno de los puntos dónde se rodó Masarbonés (Tarragona) y mañana por la tarde en Tremp dentro de la sección Pallars y Ribagorça dentro del festival Mostremp (podéis consultar el resto de la programación aquí). Si seguís el Facebook del corto podréis estar atentos a los próximos pases e incluso saber la fecha en la que será liberado en la red.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Dins la fosca AÑO 2015 DURACIÓN 20 min. PAÍS España IDIOMA Sin diálogos DIRECCIÓN Joaquim Sicart GUIÓN Joaquim Sicart MÚSICA Tomàs Simón FOTOGRAFÍA Jennipher González REPARTO Imanol García, Elisabet M. Arenzana, Victor Solé, Marc Delclos, Ester Romero, Núria Amer, Octavi Gonzàlez, Núria Sala, Odei Morillas, Júlia Pié, Emma Cejuela

GÉNERO Fantástico. Drama

TEMÁTICA Sobrenatural. Brujería. Fantasmas. Vida rural. Cortometraje. Siglo XIX

SINOPSIS

Frederic vive en su propia piel la metáfora del ave fénix, que se encarna en este relato fantástico situado en la Cataluña rural de finales del siglo XIX, cuando las personas todavía mantenían todas las conexiones con sus orígenes terrenales. Eran tiempos donde la gente era movida por unas creencias y unos miedos muy poderosos. Y cuando uno se adentra en estos miedos, sólo encuentra un único camino: el de la oscuridad.

PREMIOS

2015: Mostremp: Cortometrajes a concurso (Sección Pallars y Ribagorça)

TRAILERS

VER TAMBIÉN

THE BLUE HOUR

Seguimos en el Atlántida Film Fest (AFF) con el filme tailandés The Blue Hour (Onthakan; Anucha Boonyawatana, 2015), curiosa película de temática homosexual, muy acorde a estos días, que sorprende en varios aspectos.

Tam es un chico incomprendido en su casa y víctima de abusos escolares por su condición, lo que le convierte en un muchacho solitario hasta que conoce por Internet a Phum, con quién tras un primer encuentro sexual, mantendrá una relación amorosa que llevará a nuestro protagonista a cometer el más atroz de los crímenes.

The Blue Hour se presenta velozmente como una película melancólica y triste sobre las dificultades de un muchacho que, debido a su condición sexual y a la situación familiar en la que vive, se ve abocado a la soledad. La película de partida, a pesar de no presentar nada novedoso fuera de su país de origen, se entona interesante y con un tono que la convierte en una pequeña y delicada cinta de romance y tristeza. Algo con lo que ya podríamos sentirnos satisfechos. Pero el filme de Boonyawatana no pretende ser tan solo eso, y a medida que avanza el metraje nos esperan varias sorpresas que van a descolocar por completo aquello que podríamos esperar de su cinta.

Siendo un filme Tailandés, no sorprendería de entrada la incursión mística puesto que es algo muy recurrente en la filmografía del país, pero tras los primeros fotogramas de The Blue Hour es imposible llegar a pensar que la cinta va a ir por esos caminos, muy a pesar de que se nos anticipe con una historia de fantasmas. Los giros con los que el director nos espera nos dejan totalmente sorprendidos y aunque hay que reconocer que esa es la mejor baza del filme por contra juega a que nos sintamos confusos, y podamos llegar a odiar la película por no comprender hacía dónde se dirige. Pues The Blue Hour apuesta por interiorizarse con su protagonista, y el giro que toma va muy acorde al estado anímico de un personaje complejo, del que es fácil ir distanciándose. Esa introspección logra agotar por completo al espectador, por eso se convierte en una arma de doble filo con la cual el filme me divide por completo, sintiendo atracción y animadversión a partes iguales. De todos modos, y aunque al final quede algo desconcertado y aburrido, se agradece una apuesta tan arriesgada, que rompa por completo los esquemas al uso de cualquier filme de esta índole.

Uno de los factores que más me han cautivado es sin duda la fotografía y puesta en escena del filme, pues en cada segmento se encarga de definir muy bien la situación en la que se encuentra su protagonista. De entrada nos topamos con unos tonos pastel, algo melancólicos, que acompañan muy bien la presentación de Tam, el ritmo y los encuadres están plenamente cuidados y el resultado es realmente perfecto. Sin darnos cuenta el giro dramático y de género va acompañado por un cambio en la imagen que se llena de ese tono nocturno que toma protagonismo en el título de filme, y sigue así evolucionando en los vaivenes narrativos. Un logro más que positivo dadas las circunstancias presupuestarias de la película.

Así, al final, The Blue Hour es un filme interesante, que aunque corre el peligro de ser incomprendido, no se siente en absoluto una perdida de tiempo. Pues a pesar de que al final podamos terminar extremadamente perdidos, el resultado es más que aceptable.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Onthakan (The Blue Hour) AÑO 2015 DURACIÓN 97 min. PAÍS Tailandia IDIOMA Tailandés (Thai) DIRECCIÓN Anucha Boonyawatana GUIÓN Anucha Boonyawatana, Waasuthep Ketpetch MÚSICA Chapavich Temnitikul FOTOGRAFÍA Chaiyapruek Chalermpornpanich, Kamolpan Ngiwtong REPARTO Atthaphan Poonsawas, Oabnithi Wiwattanawarang, Djuangjai Hirunsri, Panutchai Kittisatima, Nithiroj Simkamtom, Chaowalit Teangsap PRODUCTORA G Village / 185º Equator

GÉNERO Drama. Romance. Intriga

TEMÁTICA Adolescencia. Homosexualidad. Sobrenatural. Crimen. Acoso escolar. LGBTIQ

SINOPSIS

Tam es un chico solitario que sufre bullying en su colegio. En casa, su padre, que trabaja en el ejército, siempre le pega. Su madre y su hermano no confían en él. Un día, Tam conoce por internet a Phum, un misterioso chico. Deciden quedar en una piscina abandonada. Se acuestan juntos y empiezan a salir, una relación que lleva a Tam a cometer el mayor crimen de su vida.

PREMIOS

2015: AFF: Sección Oficial a concurso

CRÍTICA

+ "Notable película con un inquietante ritmo cadencioso y con un tercio final muy sorprendente (aunque se vea venir). Dos personajes que parecen flotar en un mundo solitario." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

= "Buenas actuaciones y aspectos técnicos, pero en cuanto a trama la película es un vaivén de géneros que te acaban confundiendo. Aún así, merece la pena echarle un vistazo." (María José Díaz-Maroto: Pandora Magazine)

+ "Las atmósferas, perfectamente trabajadas, funcionan y consiguen atraparte, y zambullirte con los personajes hasta eses último final de liberación." (Miguel González: Revista Magnolia)

- "Una cinta que tiene un puñado de virtudes que acaban diluyéndose de la misma manera que se diluye la historia provocando que el espectador deje de comprender lo que está viendo y, por ello, acabe perdiendo el interés por ella." (Pinguirina: Los guiltys de Pinguirina)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,8		6,4
NOTA MEDIA: 6,1

TRAILER

VER TAMBIÉN

LA MUJER DE NEGRO

En 2012 llegaba a nuestras pantallas la adaptación de una de las novelas más exitosas de Susan Hill, escritora destacada dentro del campo del terror gótico, una cinta que protagonizaba Daniel Radcliffe y que obtuvo una buena acogida general, La mujer de negro (The Woman in Black; James Watkins). El éxito de esa cinta ha hecho que hace poco llegara a los cines una segunda parte del filme: La mujer de negro: El ángel de la muerte (The Woman in Black 2: Angel Of Death; Tom Harper, 2015); esta vez bastante vilipendiado por público y crítica. Pero esta adaptación no ha sido la primera vez que se extrae del papel, pues en 1989 se estrenó la adaptación teatral, cuyo éxito se ha alargado hasta nuestros días, y a su vez, ese mismo año, veía la luz la cinta que hoy os traigo. La mujer de negro llegaba por primera vez a todos los hogares gracias a la televisión, causando terror a los que se atrevieron a verla en sus butacas.

Arthur es un abogado cuyo gabinete envía a un pequeño pueblo de la costa inglesa para gestionar la venta del inmueble de una recién fallecida clienta. Allí descubre como la mujer no tenía familia ni amigos, viviendo sola en un caserón apartado por un camino por el que solo se puede acceder cuándo la marea es baja. En el entierro de la misma, Arthur, se percata de la presencia de una mujer vestida de luto que asiste al sepelio sin acercarse demasiado. ¿Quién es esa extraña mujer? 

Contra todo pronostico hay que decir que la versión de 2012 es más fiel a la novela original, siendo esta un disgusto para la propia autora. De todos modos, en este telefilme que dirige Herbert Wise -director prolífico en trabajos televisivos-, la historia se gesta de un modo más duro y con mayor suspense, dejando algunos de los elementos del relato en un segundo plano, dónde el espectador puede intuirlos con facilidad gracias a la excelente puesta en escena. Un argumento que se desarrolla interesante hasta una resolución de lo más atractiva.

El problema de La mujer de negro es que pese al buen trabajo de diseño ambiental, el filme se configura como una cinta no muy agresiva con el espectador (algo que si sucede con la versión de Watkins), dejando solo un par de momentos en que podamos sentir verdadero miedo a lo que estamos viendo. Eso es algo que no percibimos hasta pasado el ecuador de la cinta, pues la excelente ambientación y las sorprendentes localizaciones ayudan a que sintamos atracción por eso tan misterioso que se nos está mostrando en pantalla. Pero a partir de ese punto el interés va menguando, pues el desarrollo se empieza a volver algo repetitivo e irregular, llegando a cansarnos en algunos momentos en los que deberíamos estar totalmente entregados.

Uno de sus puntos a favor es la presencia de Adrian Rawlins, actor inglés que (¿casualidad?) actualmente es conocido por su papel como James Potter, el padre del mismo Radcliffe en la saga del niño mago (¡!), y que en el filme encarna a Arthur, el protagonista. Rawlins es el punto que ofrece un desarrollo más claro y conciso de lo que estamos viendo, pues es el encargado de ir articulando todo el peso argumental que en él recae, consiguiendo levantar algunos confusos momentos de la película.

La mujer de negro es una cinta estupenda para ser vista como una rareza, o como un aperitivo para la superior versión de 2012, ya que esta última consigue crear una atmosfera mucho más tensa y desarrollarse de un modo mucho más claro y conciso, aunque ello implique menos espacio para que el espectador pueda hacer sus conjeturas. Al final se me ocurre que sería genial una versión en la que se adaptaran los esquemas narrativos de esta primera versión, pero que se hiciera con las buenas maneras del filme más contemporáneo, de bien seguro que tendríamos entre manos no solo un éxito asegurado y un filme que de verdadero pavor, si no una cinta realmente redonda.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL The Woman in Black AÑO 1989 DURACIÓN 100 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Herbert Wise GUIÓN Nigel Kneale (Libro: Susan Hill) MÚSICA Rachel Portman FOTOGRAFÍA Michael Davis REPARTO Adrian Rawlins, Bernard Hepton, David Daker, Pauline Moran, David Ryall, Clare Holman, John Cater, John Franklyn-Robbins, Fiona Walker, William Simons, Robin Weaver, Steven Mackintosh, Andy Nyman, Robert Hamilton PRODUCTORA Central Films Limited / Granada Television

GÉNERO Terror. Intriga

TEMÁTICA Fantasmas. Sobrenatural. Casas encantadas. Telefilm. Vida rural

SINOPSIS

Arthur, un joven abogado, es enviado a un pueblo de la costa inglesa para preparar los tramites de la venta de una casa, cuya propietaria acaba de morir. Mientras asiste al entierro de la mujer, percibe la presencia de una misteriosa mujer vestida de negro que no deja de observarlo.

PREMIOS

1989: Premios BAFTA: 4 nominaciones

CRÍTICA

+ "Nigel Kneale ha hecho un muy buen trabajo adaptando la novela al cine." (Jorge Consiglio: Combogamer)

+ "Una cult movie gracias a su atmósfera sofocante, a su acumulación de detalles visuales perturbadores que sorprenden por el matiz realista de la puesta en escena, y por la excelente interpretación de Adrian Rawlins." (Imagenes)

+ "La película en su época causo furor y terror, pero ahora está un poco desfasada, cosa que para los nostálgicos de las películas de antes no es ningún impedimento, sino todo lo contrario. Aquí no se abusan de efectos especiales, ni de sustos, ni de un gran presupuesto, pero cuenta con una buena atmosfera, actuaciones convincentes y una historia intrigante." (The Dreamers)

PUNTUACIONES

 

	5,0		6,2		7,4
NOTA MEDIA: 6,2

ESCENA

VER TAMBIÉN

JENNIE

Jennie, conocida también como El retrato de Jennie, es una indiscutible obra maestra de la década de los cuarenta, a pesar de ello es de las menos conocidas, y es por eso que hoy me permito el lujo de reseñarla, no vaya a ser que tú, que lees estas lineas, seas uno de los que todavía no ha descubierto esta pequeña joya del cine.

Eben Adams es un pintor que malvive malvendiendo alguna de sus pinturas. Un buen día, en un paseo vespertino en Central Park, conoce a una joven muchacha de nombre Jennie de lo más excéntrica que llama poderosamente su atención. Tras un divertido rato con ella el hombre se inspira haciendo un boceto de la chiquilla que plasma muy bien lo mejor del artista. En un nuevo encuentro con ella decide proponerle que pose para él para hacer un retrato, pero algo ha cambiado en Jennie, parece más adulta, y la atracción hacía ella empieza a convertirse en amor. Eben no conoce en realidad el secreto de Jennie.

William Dieterle dirige esta maravillosa película de brillante y original guión elaborado por Paul Osborn y Peter Berneis, a su vez adaptando la novela homónima de Robert Nathan, que cuenta con una historia de lo más sorprendente en cuanto a argumento. Una obra de realismo mágico que bien podría desmoronarse en cualquier momento, pero que en el filme de Dieterle se conjuga como solida y llena de pasión. El entorno del filme se construye bajo las licencias del cine romántico, pero con dosis de fantástico que pueblan la película de un ambiente onírico absolutamente brillante y eficaz.

El filme nos habla de la obsesión de un artista por encontrar el verdadero camino para lograr expresarse plenamente a través de su arte, y de la magia de las musas, encarnadas en el filme en la figura de Jennie, una chica que juega un papel imprescindible en el filme y que se convierte en un ser medio real medio ficticio que se presta al papel inspirativo de un artista. La presentación de este personaje y de la romántica obsesión del protagonista por ella, se gesta en un relato absorbente y atractivo del que es difícil no quedar prendado. Es quizás el punto más edulcorado (aunque en algunos planteamientos sea una cinta muy adelantada a su tiempo) el que puede enturbiar un poco su desarrollo, pero hay que reconocer que sus estrategias de relato espiritual llevan la cinta por la mejor de las sendas.

Uno de los elementos más acertados, y que se convierte en una herramienta totalmente imprescindible para su éxito, es el uso de la fotografía. En su arranque, su director de fotografía Joseph H. August, apuesta por unas imágenes donde los tonos grises logran que las localizaciones del filme se conviertan en algo fantasmagórico y onírico, muy en sintonía con lo que estamos a punto de ver. Las texturas son granuladas, y se presentan en la pantalla unas imágenes que fácilmente nos recordarían a una pintura. Pero poco a poco, siguiendo el avance de su protagonista, el tono se hace cada vez más claro, y esas tonos turbulentos se quedan solo para anticiparnos la fantasmagórica presencia de esa extraña muchacha llamada Jennie. A medida que nos acercamos al punto más álgido del filme, poco nos esperamos la abrupta evolución que va a sufrir la imagen, pues August se atreve con los filtros más básicos para dar un color verde o rosado a algunas escenas finales, logrando un tono todavía más onírico y a la vez arrollador con el espectador, que explosiona como una tormenta que nos deja realmente enganchados en la butaca. No hay que olvidar que estamos hablando de un filme de los años 40, época en que el color y el blanco y negro compartían a partes iguales la cuotas en las salas de cine. En ese aspecto, Jennie, es una película de una experimentación sin limites, y con un final digno de elogio, pues a día de hoy todavía sorprende su trato y deja latente uno de los conceptos básicos del filme: la perdurabilidad del buen arte, que no se ve afectado por el paso del tiempo.

Maravillosa, así hay que definir esta película imprescindible. Así que tenéis una cita con Jennie, esa gran chica que llena el alma de nuestro protagonista.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Portrait of Jennie AÑO 1948 DURACIÓN 86 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN William Dieterle GUIÓN Paul Osborn, Peter Berneis (Novela: Robert Nathan) MÚSICA Dimitri Tiomkin FOTOGRAFÍA Joseph H. August (B&W) REPARTO Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne, Albert Sharpe, Henry Hull, Florence Bates, Felix Bressart, Clem Bevans, Maude Simmons PRODUCTORA Selznick International Pictures

GÉNERO Drama. Romance. Fantástico

TEMÁTICA Drama romántico. Pintura. Arte. Sobrenatural. Fantasmas. Realismo mágico

SINOPSIS

Un pintor arruinado y abatido por haber perdido la inspiración conoce, un frío día de invierno, a una chiquilla en Central Park vestida de un modo anticuado. A partir de ese momento se suceden otros encuentros, con la particularidad de que en breves intervalos de tiempo la chica se va convirtiendo en una bellísima joven, de la cual el pintor se enamora. Pero Jennie esconde un secreto…

PREMIOS

1948: Oscar: Mejores efectos especiales. 2 nominaciones
1949: Festival de Venecia: Mejor actor (Joseph Cotten)

CRÍTICA

+ "Cuando se tiene talento, hasta el argumento más inverosímil puede servir para rodar una pequeña obra maestra. Apoyándose en la solidez de unas interpretaciones increíblemente creíbles y en la magnificencia de una fotografía que combina magistralmente dos registros opuestos, Dieterle combina con sabiduría el registro realista con el fantástico, para ofrecer un peculiar cuento de hadas que cautiva por su lirismo, su fuerza y su romanticismo." (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)

+ "Cuento de hadas inteligente, extraño, inolvidable." (Antonia Méndez: Alohacriticón)

+ "Película extraña, misteriosa, evocadora, en donde se da esa única conjunción de magia y perfección artística que ocurre pocas veces en el cine." (Natalia Vías: Miradas de cine)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,8		7,8
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

VER TAMBIÉN

EL LIBRO DE LA VIDA

Hay que reconocer que 2014 ha sido un buen año para las apuestas animadas made in USA, y eso que Pixar ha estado ausente este año para reformar un poco su linea de estrenos, aunque evidentemente siempre hay en el mercado un hueco para lo mediocre. Las grandes y pequeñas productoras empiezan a mimar más y más lo que tienen entre manos, pues se han dado cuenta que su público potencial, el infantil y sus acompañantes, son un público que ya no se contenta con cualquier cosa, pues con las cintas para todos los públicos se pueden recaudar enormes sumas, pero el fracaso económico también puede llegar a derrumbar a más de un grande (si no que le pregunten a Dreamworks). Todavía tenia pendiente una de estas películas, una de las que más se ha escuchado su nombre este año: El libro de la vida.

Manolo y Joaquín son dos niños enamorados de María, y entre juegos se disputan su amor. Los tres juntos forman una amistad solida que solo se quebrará cuándo, tras un pequeño incidente, María es enviada a España, lejos de su pueblo para aprender a ser una señorita. El tiempo pasa y Joaquín se convierte en todo un héroe para su pueblo, por otro lado Manolo, se ve obligado a seguir la tradición de su familia como torero, pero él en realidad, lo que ama es la música. Con la vuelta de María las disputas amorosas vuelven a la carga, algo que no trascendería más allá del clásico romance si no fuera por la apuesta que La Catrina y Xibalba, dos deidades del inframundo, han echo. Su envite consiste en ver cuál de los dos muchachos terminará junto a María, el resultado puede alterar todo el mundo tal y como lo conocemos.

El libro de la vida es la ópera prima en largo de Jorge R. Gutiérrez, mexicano afincado en California, que gracias al apoyo de Guillermo del Toro ha podido dar vida a esta espiritual cinta animada. Gutiérrez parte de la idea de la celebración del Día de los muertos para crear su propio universo, una apuesta muy fresca para una cinta gestada en Hollywood.

La película es contada como un cuento, dónde un grupo de niños escuchan una historia de la que no habían oído hablar antes. Ahí, Gutiérrez se acerca muy sutilmente, casi de modo simpático, a uno de los problemas de la globalización, mostrándonos como la cultura es una de las sentenciadas a muerte con las políticas capitalistas. Los niños no saben de que va eso del Día de los muertos, ellos solo conocen Halloween, y evidentemente jamás habían oído hablar de La Catrina o Xibalba. Así, se crea un acercamiento a las raíces, e intenta llegar a ese público ya alejado, de la mejor de las maneras. Hay que decir, que las licencias son bastante libres, pues el filme toma prestadas las ideas de la mitología para realizar la suya propia, gestando inframundos que en realidad no son así originalmente y seres a los que les cambia roles, como La Catrina convertida en La Muerte, o Xibalba, que es una mezcla de varias deidades demoníacas (especialmente la de Hun-Can) y tomando nombre del mismo mundo subterráneo de la misma mitología maya. Gutiérrez nos enseña así como el progreso y la mezcla no tiene por que estar reñida con las raíces.

Pero no todo está permitido en El libro de la vida, pues ciertos hábitos culturales pueden ser parte de nuestra identidad, pero no por ello significar que sean correctos. Uno de los aspectos que me chocaban antes de ver el filme era uno de sus protagonistas: Manolo, un torero. Es de sobra conocido por todos que la tauromaquia es considerada por unos como un arte, pero no es difícil darse cuenta de su verdadera cara, más cercana a la barbarie que a cualquier arte. Incluir un personaje como Manolo en una película destinada mayoritariamente a un público infantil me pareció atrevido, incluso llegué a dudar de lo correcto del hecho, pero está claro que no se puede juzgar un libro por su portada, y después de ver el filme me siento muy satisfecho con el trato que se le ha dado.

Lo bueno de El libro de la vida es como consigue defender las raíces culturales reflexionando a su vez sobre ellas. Manolo es torero, pero no por convicción, sigue con la tradición por imposición paterna, él lo que en realidad ama es la música, y aborrece la muerte injustificada. La resolución a tal conflicto no puede estar mejor logrado, pues aunque reconoce las raíces, nos enseña como hay cosas que están por encima de toda creencia, y lo mejor de todo, es que nos lo muestra todo a través del perdón, y ello gracias a una maravillosa canción.

Canción que por supuesto se suma a todas las genialidades de la partitura de Gustavo Santaolalla. Unos ritmos latinos mezclados con el sonido más contemporáneo (incluso canciones pop) que añaden vida a un filme ya de por si rebosante de energía. Canciones maravillosas, sinceras y divertidas.

Pues si una cosa destaca en El libro de la vida es el explosivo diseño colorista que impregna de magia toda la pantalla. Decorados y personajes no solo están diseñados con el mayor de los ingenios, si no que además están echos a medida para la historia que se nos está contando. Su estilo animado es deslumbrante, y poco importa si este está creado por ordenador, al final su belleza es aplastante. Y aunque todo ese diseño se base en los tópicos más rimbombantes de la cultura mexicana, algo que argumentalmente también se siembra en el filme, es fácil ver que se hace sin ningún tipo de soberbia, si no de la más clara de las simpatías, toreando el cliché con buenas maneras.

Existe un gran pero en el filme de Gutiérrez, pues parece que el mexicano no termina de controlar muy bien los ritmos del metraje, así nos deja con la sensación de que la película no termina de arrancar, que se estanca en contarnos una historia de amor a la que le falta fuerza narrativa, y no por culpa de una mala historia, pues aunque sea simple, podría alzarse mucho más si el ritmo del filme estuviese mejor pautado.

Aún así hay que decir que los protagonistas están muy bien tratados y son de lo más redondos, pues el material emocional que presentan está muy bien hilado, además que sirve para ensalzar ese sentimiento de cambio sin perder la esencia de lo que somos. Si ya hablamos de Manolo y su afán por escribir su propia vida, nos queda hablar de María, una mujer que ya de niña no parece estar dispuesta a aceptar ningún rol de género que se le imponga, algo que se va desarrollando a lo largo del metraje de un modo muy directo y acertado, y de Joaquín, que parte de un claro egocentrismo para evolucionar hacía el verdadero sentido de la vida comunitaria, especialmente gracias a la amistad.

No quiero olvidarme de aplaudir el gran trabajo actoral que hay detrás de los personajes animados. En un filme dónde los protagonistas son hispanos, pero hablan inglés, algo de entrada muy chocante, se consigue librar bien el combate gracias a las voces de Diego Luna, Zoë Saldana, Ron Perlman o Channing Tatum. Enamorado de la pequeña aportación de Plácido Domingo. 

El libro de la vida es una película fresca, amena y divertida, todo un soplo de aire fresco para los recurrentes universos del cine de Hollywood. Una pequeña cinta, llena de vida que se disfruta de cabo a rabo.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL The Book of Life AÑO 2014 DURACIÓN 95 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español DIRECCIÓN Jorge R. Gutiérrez GUIÓN Jorge R. Gutiérrez, Douglas Langdale MÚSICA Gustavo Santaolalla VOCES ORIGINALES Diego Luna, Zoe Saldana, Channing Tatum, Ron Perlman, Christina Applegate, Ice Cube, Kate del Castillo, Hector Elizondo, Danny Trejo, Carlos Alazraqui, Ana de la Reguera, Emil-Bastien Bouffard, Elias Garza, Genesis Ochoa, Plácido Domingo, Jorge R. Gutiérrez PRODUCTORA 20th Century Fox Animation / Reel FX Creative Studios / Chatrone PRODUCCIÓN Guillermo del Toro

GÉNERO Animación. Comedia. Fantástico. Musical. Romance

TEMÁTICA Sobrenatural. Toros. 3D. Muerte / Duelo. Mitología. Música

SINOPSIS

La película cuenta el viaje de Manolo, un joven torero que se debate entre cumplir con las expectativas de su familia o seguir su corazón y dedicarse a su verdadera pasión: la música. Antes de escoger el camino que seguirá, emprende una aventura recorriendo tres mundos fantásticos, donde tendrá que superar sus peores miedos.

PREMIOS

2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor filme de animación
2014: Premios Annie: Mejor diseño de personajes. 5 nominaciones
2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje animación
2014: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor largometraje de animación

CRÍTICA

+ "Un trabajo visualmente deslumbrante que disimula su tópica historia con una atmósfera hechizante" (Frank Scheck: The Hollywood Reporter)

+ "Una golosina visual (...) una alegre fábula animada que mezcla viejos mitos con metáforas actuales" (Geoff Berkshire: Variety)

+"Como el mexicano Día de los Muertos, la película mezcla con éxito y de manera muy disfrutable, lo macabro con lo festivo (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordan Hoffman: New York Daily News)

+ "Una alegre celebración del folklore mexicano con un sólido reparto, una sensibilidad irreverente y un maravilloso diseño visual" (Michael Ordona: San Francisco Chronicle)

= "Musical gloriosamente colorido, que casi compensa (pero no lo suficiente) su falta de diálogos concisos con sus imágenes (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Sara Stewart: New York Post)

= "Esta película a menudo hermosa y demasiado moribunda, y exhaustivamente frenética, tiende a ser menos enérgica que las personas muertas que bailan en ella." (Manohla Dargis: The New York Times)

= "Aunque no convenza del todo en cuestión de ritmo y de narrativa, más por falta de control que por tedio, acaba contagiando con su espíritu de cuento intemporal" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Es una delicia visual, abigarrada y colorista como una feria mexicana, y la aparente morbidez del tema de los muertos se resuelve, como en el imaginario burtoniano, con buenas dosis de inventiva y poesía (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

= "La historia no es particularmente estimulante, pero el diseño visual es magnífico (...) El amor incondicional de Jorge R. Gutiérrez por la cultura popular de su país es tan evidente como contagioso (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Cuando el relato se adentra en el inframundo de la Tierra de los Recordados, la avalancha de imaginería cálido-siniestra embelesa los sentidos, y nos hace pensar en un Tim Burton tocado por el ardor latino." (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

+ "Una película que ofrece un despliegue visual impactante y un menú de canciones no menos atractivo ." (Javier Porta Fouz: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,8		7,3
NOTA MEDIA: 7,0

TRAILER

VER TAMBIÉN

BABADOOK

Y hablando de directoras noveles este año es imposible no acordarse de una de las mujeres que ha dado el pelotazo en el campo cinematográfico. La australiana Jennifer Kent, empezó en el mundo audiovisual como actriz televisiva para pasar rápidamente a formar parte del equipo de Lars Von Trier en Dogville (2003) como ayudante. No tardó en realizar su primer cortometraje, Monster (2005), el cual le sirvió como semilla del largometraje que rodaría diez años después: Babadook.

Tras la muerte de su marido Amelia debe hacerse cargo sola de su recién nacido hijo. Con el paso del tiempo, cuándo el niño cumple los seis años de edad, empieza a convertirse en un muchacho problemático, todo a raíz del miedo por los monstruos que cree ver. Tras la aparición de un misterioso libro titulado Babadook, los problemas crecen y el miedo se apodera también de Amelia.

Monster, el cortometraje previo de la realizadora, ya presentaba unas ideas estupendas que creaban una atmósfera única para causar terror. Así, en su paso al largo, Kent no solo conserva esas ideas, si no que las trabaja y las modela para crear sin duda una de las cintas de terror más solidas del año. 

Las ideas siguen siendo las mismas, el terror infantil y la incapacidad por afrontar el echo de educar a un hijo. Pero esta vez los conceptos son llevados hasta limites más lejanos, dónde la locura siembra poco a poco la resolución narrativa de esta historia. Así nos encontramos ante Amelia, una mujer que no logra superar la perdida de su marido especialmente al encontrar en su hijo un recuerdo doloroso de su cónyuge. Samuel, a su vez, es un niño incapaz de comprometerse socialmente, pues el lastre que su madre deposita en él afecta directamente a su manera de percibir el mundo. Kent logra introducirse en unos temas tan complejos a través del fantástico, y materializa los miedos de sus protagonistas en un ser de carne y hueso. Un ejercicio ejemplar para que su filme no se encasille como un mero producto de género, ni tampoco como un profundo drama moral.

Kent conduce la película con una realización muy fresca, en la que no tiene miedo de saltarse algunos esquemas clásicos del montaje, aunque en alguna ocasión eso le cueste algún que otro desliz narrativo. Así las elipsis temporales son realizadas con un sentido muy estético y eficaz que resalta en la narrativa, pero el efecto no solo es estético, si no que se yuxtapone muy bien con la evolución psicológica de su protagonista Amelia.

Toda la primera parte del filme se conduce bajo un terror de atmósfera, en el que no sirven los esquemas clásicos para causar miedo, toda la apuesta está centrada en el devenir de la historia, ajustándose muy bien en ella la fotografía, el sonido, la escasa banda sonora y los decorados, estupendamente diseñados para reforzar un ambiente lúgubre y asfixiante. Todos los elementos son combinados con maestría y el resultado engancha muy bien.

Si el cortometraje ya presentaba elementos de homenaje al género de terror siliente, especialmente en el tono y fotografía, esta vez se lleva el concepto mucho más allá, mostrandolo más explícitamente en varias de sus acertadas secuencias televisivas, que no solo sirven para sumar la prgresiva demencia de sus personajes, si no para también acercarse a los orígenes del cine a través de la reproducción de algunos fragmentos en blanco y negro donde además se permite la licencia de introducir al terrorífico monstruo protagonista de la película.

Partiendo de la base que el filme se gesta a raíz de una historia corta, era de esperar que el momento climático sea quizás la baza menos fuerte de la película, pues es en ese segmento en el que la película toma una senda más cercana a los estándares básicos, y parece que tampoco los termina de resolver del todo bien, pues las ideas originales quedan algo disueltas en pro de un estiramiento narrativo algo poco en sintonía con el conjunto del metraje. Pero no por ello el filme llega a desmerecer, pues incluso en ese segmento el terror llega a apoderarse de nosotros.

La ambigua resolución nos deja satisfechos, pues en ella las lecturas son tan amplias que nos quedamos con la película un tiempo largo en nuestra mente. Los intentos de llegar a entender ese final, e incluso el mágico momento previo a los créditos de cierre son garantía de que Kent es capaz de crear una historia redonda creando uno de esos típicos finales de cinta de terror pero con nuevas herramientas no tan directas.

Otro de los elementos más reseñables es el cuidado diseño artístico del apartado más fantástico, no solo del monstruo, si no también de las pesadillas y como no, del famoso libro dónde nace Babadook. A pesar del miedo, ¿quién no querría tener ese valioso ejemplar de papel para ojearlo por si mismo?

No hay ninguna duda de que Babadook es otra de esas cintas de uno de los géneros más explotados que vuelven a demostrar el margen que todavía queda para crear buenas historias en su regazo, pues la película de Jennifer Kent entrará seguro en cualquier lista de los filmes de los mejores filmes de terror de esta década.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL The Babadook AÑO 2014 DURACIÓN 95 min. PAÍS Australia IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Jennifer Kent GUIÓN Jennifer Kent MÚSICA Jed Kurzel FOTOGRAFÍA Radek Ladzcuk REPARTO Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel Henshall, Hayley McElhinney, Barbara West, Ben Winspear, Tiffany Lyndall-Knight, Tim Purcell, Benjamin Winspear, Cathy Adamek, Carmel Johnson, Adam Morgan, Craig Behenna, Michael Gilmour, Michelle Nightingale, Stephen Sheehan PRODUCTORA Entertainment One / Causeway Films / Smoking Gun Productions

GÉNERO Terror. Thriller. Drama

TEMÁTICA Sobrenatural. Monstruos. Cuentos. Thriller psicológico. Infancia. Muerte / Duelo

SINOPSIS

Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia (Essie Davis) no se ha recuperado todavía, pero tiene que educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Cuando un inquietante libro de cuentos llamado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel llega al convencimiento de que el Babadook es la criatura con la que ha estado soñando. Entonces sus alucinaciones se hacen incontrolables y su conducta, impredecible y violenta. Amelia, cada vez más asustada, se ve forzada a medicarle. Pero, de repente, empieza a sentir a su alrededor una presencia siniestra que la lleva a pensar que los temores de su hijo podrían ser reales.

PREMIOS

2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima
2014: Festival de Sitges: Premio del Jurado y Mejor actriz (Davis)
2014: Critics Choice Awards: 2 nom. incluyendo Película de ciencia-ficción/terror
2014: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor director novel

CRÍTICA

+ "The Babadook es la película más aterradora que he visto jamás." (William Friedkin: Director de El exorcista)

+ "Logra ofrecer verdaderos sustos y al mismo tiempo toca temas tan serios como la pérdida, el dolor y otros demonios que no pueden ser vencidos tan fácilmente." (Scott Foundas: Variety)

+ "Pasarás miedo. Y también, quizás lo que será más aterrador es que te llegará a conmover" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Este thriller psicológico de la talentosa realizadora debutante Jennifer Kent hará que te subas por las paredes simplemente ahondando en la violencia de la mente. Prepárate. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una de la películas de terror más inteligente y efectiva en años (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordan Hoffman: The Guardian)

+ "Impactante ópera prima (...) Proporciona un tipo de angustia que tiene menos que ver con las posesiones demoníacas y más con el traicionero poder de una imaginación salvaje" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Debería existir una ley requiriendo que todas las películas de terror fueran dirigidas por mujeres" (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "La actriz convertida en debutante directora, Jennifer Kent, tiene la habilidad narrativa de mostrarnos una historia de cuentos desplegables y luego hacer que nos retorzamos cuando los eventos predichos se hacen realidad. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Joshua Rothkopf: Time Out)

+ "Un muy buen debut (...) Una pequeña película que pegará extraordinariamente fuerte" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

+ "'Babadook' es como una pesadilla, de esas que no necesitan ser sangrientas para dejarte helado (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Un filme inteligente e insólito, explora el miedo en diferentes niveles (...) Posiblemente la veas más de una vez y sigas haciéndote un montón de preguntas. Imprescindible. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

+ "Es 'Babadook' una de las mejores y más ambiciosas películas de terror que ha dado el género en años. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

+ "Extraordinario film de terror que encajaría perfectamente en el canon de James Wan." (Pablo González Taboada: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,0		6,9
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

VER TAMBIÉN