Antes de nada avisaros que la celebración del aniversario sigue en Descubrelapeli, una oportunidad de oro de conseguir un montón de puntos y subir a la cabeza del ranking, todos estáis invitados a intentar adivinar los fotogramas, dicho esto, vamos al lio.
Después de obtener el éxito con su opera prima Carmina o revienta (2012), Paco León vuelve a la dirección dos años después con Carmina y Amén, intentando repetir el éxito de la primera, pero esta vez con una distribución menos arriesgada y, por lo tanto, tradicional.
Paco ha muerto. Carmina convence a su hija María que es mejor esperar un par de días antes de dar aviso de la defunción, de este modo podrán cobrar la paga extra que él tenía pendiente, un dinero con el que Carmina contaba para ayudar a María a abrir su peluquería. Durante esos días esconden el cuerpo mientras siguen su vida en la cotidianidad de su barrio.
Paco León evoluciona en su discurso, conservando ese humor casi macabro y escatológico que tan bien le sentó a la primera película dónde conocimos a Carmina Barrios. León depura su mano como realizador, y dota de seriedad su discurso jocoso asentándose en un humor muy valiente, a pesar de sostenerse en las bases de lo más absurdo, el director se crea un discurso propio y lo consigue, por eso asistimos a una maduración narrativa que deja lejos el discurso inicial del film de 2012.
El problema de todo ello, es que tanta maduración también hace que la frescura del original también se pierda por el camino, así nos topamos con un filme que a pesar de ser algo más brutal en las formas se pierde en un tono esencialmente más sencillo, especialmente en la zona satírica, que a pesar de su exponencialización, ésta se degrada por la seriedad con que se trata algo que en realidad merece el estatus de jocoso. Una mezcla algo extraña, que a pesar de su valentía no logra alcanzar el vuelo que cabría esperarse de esta secuela.
Aún así hay que decir que Carmina y amén es una de las mejores comedias que se han visto en nuestro país durante este año, que esquiva los recursos fáciles que suelen usarse en las cintas del género, y apuesta por un guión solido y singular, algo que realmente vale su peso en oro.
Otro de sus logros es, una vez más, la parte actoral, en la que a parte de la enorme Carmina destaca una resuelta Yolanda Ramos, en un papel muy agradecido para la actriz, que demuestra como, a pesar de mantenerse en el registro cómico, puede construir un personaje con una personalidad realmente única.
Lejos de su antecesora, Carmina y amén es divertida, una comedia que supera con creces el bajo nivel de cintas con mucha mayor recaudación comercial, y solo por eso (y su estupendo final) merece la pena.
TÍTULO ORIGINAL Carmina y amén. AÑO 2014 DURACIÓN 100 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Paco León GUIÓN Paco León MÚSICA Pony Bravo, Espaldamaceta, Pájaro FOTOGRAFÍA Juan González Guerrero REPARTO Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Yolanda Ramos, Estefanía de los Santos, Manolo Solo, Mari Paz Sayago PRODUCTORA Andy Joke / Telecinco Cinema / Canal +
GÉNERO Comedia. Drama
TEMÁTICA Comedia negra. Comedia dramática. Secuela. Muerte / Duelo. Familia. Crisis económica
SINOPSIS Tras la súbita muerte de su marido, Carmina convence a su hija María de
no dar parte de la defunción hasta pasados dos días y así poder cobrar
la paga extra que él tenía pendiente. Durante esos dos días esconden el
cadáver y disimulan su duelo en la cotidianidad de un bloque de pisos de
un barrio humilde de Sevilla.
PREMIOS
2014: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor comedia 2014: Premios Goya: Nominada a Mejor actriz revelación (Yolanda Ramos) 2014: Festival de Málaga: Mejor guion y actriz de reparto (Ramos)
2014: Feroz: Mejor comedia. 6 Nominaciones.
2014: Cinespaña (Toulouse): Premio del público
CRÍTICA
+ "Momentos graciosos y subversivos, algún diálogo hilarante, un planteamiento que te remite inevitablemente al mundo de Rafael Azcona (...) Tengo más que curiosidad ante las próximas películas de Paco León, de un director tan listo como raro" (Carlos Boyero: Diario El País)
= "Paco León enseña modales a su cine y convierte la revolucionaria extrañeza de su primera película en simple comedia. Brillante, pero simple." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
+ "La mejor comedia española vista por este cronista desde hace muchos meses. (...) Lo mejor: el espectacular salto adelante de Paco León como cineasta. Lo peor: prácticamente nada. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (M. Torreiro: Fotogramas)
+ "Paco León y Carmina Barrios, segundo aviso: otras formas de hacer cine de comedia son posibles (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)
Antes de que la Navidad nos estalle en las narices tenemos tiempo de empezar a disfrutar de una nueva edición del Festival Márgenes, una cita con el cine español (ampliado al iberoamericano) creado al margen de toda convención, un cine único en su género y desgraciadamente de difícil acceso. Esta cuarta edición vuelve una vez más a ofrecerse vía online y de modo gratuito para todo el que quiera adentrarse en las películas de la selección oficial, que pueden encontrarse al completo en su página web hasta el 31 de diciembre. Este año las cintas destacadas han sido El rostro (Gustavo Fontán, 2013) como mejor película, África 815 (Pilar Monsell, 2014) con el premio exhibición, Carmita (2013) de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas llevándose una mención especial y con una mención honorífica Los ausentes (2014) de Nicolás Pereda. Completa la lista de destacadas Crónica de un comité (José Luis Sepúlveda y Carolina Adriazola; 2014) al que la crítica le concedió su premio. Para empezar el ciclo decidí dejarme llevar por la que más me llamara la atención argumentalmente, y esa fue Vida Activa. Al inicio de la actual crisis económica el gobierno de Portugal creó un programa llamado Nuevas Oportunidades dirigido a aquellas personas que abandonaron la escolarización en edad temprana, para re-elaborar su "experiencia de vida" y a través de sus experiencias reflexionar sobre lo vivido y actualizarse al presente. Así, Vida Activa, recoge las historias de diferentes personas que juntas ofrecen un claro panorama de la situación del país. El documental de la portuguesa Sausana Nobre, sigue su propia colaboración al programa dónde entrevistó a muchos de los usuarios que allí se encontraban. La mayoría de ellos viviendo de prestaciones públicas dado que se encuentran en el paro, personas que se han visto en la calle al ver como la empresa dónde han trabajado toda la vida ha quebrado y sobretodo gente que decidieron, o mejor dicho, no tuvieron otra opción, abandonaron los estudios de bien jóvenes para ayudar a sus familias a tirar adelante. Las experiencias que recoge el filme seguramente nos sonarán a más de uno, lo que convierte Vida activa en un trabajo cercano al espectador. Un mosaico en que conoceremos el afán de superación de la gente, la nostalgia con la que recuerdan sus tiempos pasados, la mayoría de ellos no tan felices aunque sus rostros reflejen un merecido orgullo al contarnos como a pesar de todo, consiguieron tirar adelante, y se convirtieron en las personas que son hoy. Así, el programa de Nuevas Oportunidades se entiende perfectamente, ya que no es complicado ver la auto-reflexión a la que se someten al darse cuenta como todo lo que han ido viviendo se ha convertido en un fuerte currículo de experiencias imposible de borrar. El problema del filme de Nobre es la repetición en la que cae después de escuchar unos pocos de sus testimonios, no tardamos en ver pasar ante nuestros ojos y oídos una serie de relatos en los que se repiten los esquemas y de este modo es fácil que nuestra mente se vaya a otra cosa, y dejemos de lado lo que está pasando en la pantalla. Pero existe un motivo para ello, ya que el propio filme se presta a conseguir un resultado así, y nos daremos cuenta hacía el final, cuando uno d. e los participantes, Mario, es preguntado por su experiencia, y su respuesta es contundente: ¿Qué va a contar él que no nos hayan contado ya el resto? Es justo ese el punto en el que es fácil entender el motivo de las repeticiones. Vida activa ha creado un reflejo totalmente acertado de la situación de las personas de cuna humilde, dónde a pesar del paso del tiempo, nos enseñan como el mundo laboral se ha encargado de condicionar a todos nuestras vidas. Solo me queda repetir que tenéis tiempo hasta final de este mes de diciembre, para disfrutar totalmente gratis de la oferta de películas que presenta esta cuarta edición del Festival Márgenes, y os invito a echar un ojo a su web y dar una oportunidad a las seleccionadas.
TÍTULO ORIGINAL Vida activa AÑO 2013 DURACIÓN 92 min. PAÍS Portugal IDIOMA Portugués DIRECCIÓN Susana Nobre GUIÓN Susana Nobre FOTOGRAFÍA Susana Nobre REPARTO Maria Isabel Pereira, Jose Alberto Costa Galamba PRODUCTORA Terratreme Filmes
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Trabajo/Empleo. Crisis económica
SINOPSIS
Documental constuido sobre las experiencias de vida y trabajo de
personas que acudieron al programa Nuevas Oportunidades de un centro de
formación laboral en la localidad de Alverca entre los años 2006 y 2010,
teniendo como telón de fondo la realidad portuguesa de los últimos 40
años. Partiendo las historias de vida de los protagonistas, la película
se convierte en un debate sobre el trabajo en el mundo contemporáneo.
PREMIOS
2014: Márgenes: Película a concurso
CRÍTICA
+ "Por medio de esta filmación observacional de su encuentro con los participantes del programa (con mucha frecuencia como si de una estética webcam se tratara, aséptica) y el material de archivo de sus vidas laborales, la realizadora va creando todo un mapa de las diferentes condiciones de trabajo, los modos de incorporación y de ascenso dentro del mismo. Y como estos han cambiado vertiginosamente rápido dejando fuera a una parte de la población activa." (J. Ignacio Canosa: Blogs&Docs)
En lo que va de año ya son tres los documentales independientes que se han centrado en varios problemas que parece están afectando a la ciudad de Barcelona. Títulos como Ciutat morta (Ciudad muerta) (Xavier Artigas, Xapo Ortega, 2014), que se centra en la impunidad policial, legal y administrativa; MACBA: la dreta, l'esquerra i els rics (MACBA: la derecha, la izquierda y los ricos) (Societat U, 2014), que intenta comprender la ética de las políticas gentrificadoras de la ciudad; o la que hoy nos ocupa: Bye Bye Barcelona, que si habéis estado al tanto de la prensa durante este último mes, se centra en un problema que cada vez más preocupa a los ciudadanos de Barcelona, la masificación turistica.
Bye Bye Barcelona intenta comprender la problemática del turismo en la ciudad Condal a través de varias entrevistas a académicos del sector turístico, historiadores y vecinos de la provincia catalana, que explican su visión subjetiva de cómo está influenciando la llegada de tantos visitantes a la ciudad, siendo esta la tercera ciudad más visitada de toda Europa, por detrás de Venecia y París. Para ello se centra en las zonas que reciben más visitantes y se divide en siete capítulos: 1. La Rambla; 2. El auge del turismo; 3. El motocultivo turístico; 4. Plan de usos de Ciutat Vella; 5. Sagrada Familia; 6. Parc Güell; 7. Pisos turísticos.
¿Qué sucede en Barcelona? ¿Por qué un sector que se supone da riqueza a la ciudad, está siendo objeto de tantas protestas, como hemos visto estos últimos días en la prensa? Eduardo Chibás, residente de Barcelona, vecino de la Sagrada Familia, se pregunta que está pasando con la ciudad de la cual se enamoró y que por consiguiente eligió para vivir. En su documental intenta encontrar respuesta a sus preguntas, y para ello habla con personas que también echan de menos la ciudad que conocían.
Es cierto que la película tiene claro el enfoque que quiere dar dando voz a las personas para denunciar la masificación, el incivismo, la privatización, la degradación del nivel de vida, la perdida del comercio tradicional, y muchos otras problemáticas que genera el modelo turístico que está ganando la ciudad y como estos afectan a sus vecinos, pero también intenta recordar, que es precisamente ese sector el que más dinero aporta a sus ciudadanos y que es a la vez el que permite dar un buen nivel de vida, algo contradictorio, ya que es el mismo el que lo da y el que lo quita.
La película es en todo caso muy esclarecedora. Los datos son realmente escalofriantes al ver como el número de visitantes llega a doblar al número de residentes de la ciudad, encontrando lógico el miedo a la generación de una ciudad de cartón piedra para estos últimos, que a su vez denuncian como este mismo modelo no es bueno para los que vienen a conocer a la ciudad, ya que lo que se encuentran es decepcionante. Pero a la vez se echa en falta la visión de alguno de los que permiten que este tipo de turismo sea el imperante en la ciudad condal, para hacernos una idea de los motivos de esta permisividad a todo precio, y que den un contrapunto que dote de objetividad al filme, ya que a pesar de las explicaciones de algunos de los entrevistados que explican la riqueza que deja el modelo, no llega a conseguir que sintamos esa total visión objetiva.
Otro de los puntos que no explota la película, pero que planea directamente sobre ella, es la xenofobia que despierta una problemática de este tipo, y que puede generar también el visionado malentendido de un filme de estas características. Que el racismo está despertando en Europa no es ninguna novedad, evidentemente la crisis económica es la mayor fuerza ante esta nueva oleada, pero en Bye Bye Barcelona podemos darnos cuenta como otros aspectos de invasión pueden hacer renacer poco a poco esa chispa. Es evidente que alguien que ha asentado su hogar en una zona, y ve como su estilo de vida está siendo invadido por gente de fuera (aunque no sean estos los culpables directos de esta permitida invasión), vaya poco a poco creando un rechazo a lo foráneo.
De todos modos tenemos delante un documento muy interesante, cuya exploración puede llevarse a otros puntos de la geografía mundial, y que deja clara la falta de actuación por parte de gobernantes, y el malestar que puede generar un concepto mal conducido, a pesar que este parta de una idea amable de la industria.
TÍTULO ORIGINALBye Bye Barcelona AÑO 2014 DURACIÓN 55 min. PAÍS España IDIOMA Catalán, Español DIRECCIÓN Eduardo Chibás Fernández GUIÓN Eduardo Chibás FernándezFOTOGRAFÍA Eduardo Chibás Fernández MÚSICA Sebastián Seifert, Kill. Minima, Chris Zabriskie, Dan-o, Kevin McLeodREPARTO Pepe Collado, Mario García Mas, Gabriel Picart, Conchi Roque, Enric Vila Delcòs, Juan Itxaso, Llum Ventura, Marc Javierre, María Martínez, Reme Gómez, María Mas, José María Perceval, Santiago Tejedor, Rodrigo Arroyo, Daniel Pardo, Tomás Durán, Alfredo Tarre, Fabiola González PRODUCTORA Eduardo Chibás
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Mediometraje. Cine social. Corrupción. Crisis económica. Política
SINOPSIS
Bye Bye Barcelona es un documental acerca de una ciudad y su relación
con el turismo, acerca de la difícil convivencia entre Barcelona y los
barceloneses, y el turismo y los turistas. Es un documental que expone,
de la mano de algunos de sus residentes, los graves efectos que tiene
el turismo masivo en la ciudad condal. Es un documental que puedes ver
entero, o por capítulos y a tu ritmo, y que no pretende otra cosa que
servir de contrapunto a la tan repetida idea de que con el turismo
ganamos todos. Este es un documental sobre lo que perdemos.
CRÍTICA
+ "La película se explica como un contrapunto dónde se comprueba que el ciudadano siente que va perdiendo espacios ante una invasión sin parangón del turismo low cost, del consumo rápido de la ciudad, en el que el urbanismo, las políticas públicas y los habitantes se entremezclan de manera perversa y, en ocasiones, implacable." (Lucía Lijtmaer: Eldiario.es)
Ya estamos de lleno en el ecuador de la nueva edición del D'A (Festival internacional de cine de autor de Barcelona) que se celebra en la ciudad condal del 25 de abril al 2 de mayo (10 de mayo con las retrospectivas en la Filmoteca). Como ya comenté el año pasado es una gran oportunidad no sólo para descubrir películas de extraña o escasa distribución en las salas comerciales (especialmente con la crisis de las distribuidoras que más tocan este cine, como el caso de la inminente desaparición Altafilms), si no también para descubrir miradas cinematográficas únicas con propuestas sobradamente interesantes y de gran variedad. Si lo que buscáis es seguir al dedillo todo lo que va pasando por el festival os remito a Lost Highway Blog y Después de 1984, que un año más nos regalan una crónica bien completa.
Entre las secciones de este año encontramos Direcciones, dónde se programan las mejores películas que se han podido "ver" este año y sin distribución comercial para poder disfrutarlas, títulos como À perdre la Raison de Joachim Lafosse, A long and Hapy Life del ruso Borís Khlebnikov, Frances Ha de Noah Baumbach o The We and I, del sobradamente conocido Michael Gondry. En Realidades se nos ofrecen aquellas películas con personajes sobrepasados por los limites de la realidad, dónde los dramas reales llenan la pantalla, en esta sección se pueden descubrir filmes como La pirogue de Moussá Touré o The Land of Hope del japonés Sion Sono. En Filmes diaries podemos descubrir aquellas películas rodadas en primera persona, que mezclan lo biográfico y personal con la ficción (o no), son imperdibles películas como Mi loco erasmus de Carlo Padial, Mapa de León Siminiani, o Dos días y medio de Pablo Diconca. En Autoría catalana propuestas tan sugerentes como la notable Otel·lo de Hammudi Al-Rahmon Font, Volar de la pirenaica Carla Subirana, o Et dec una nit de divendres de Dimas Rodríguez son algunas de las películas dónde los autores catalanes ofrecen sus mejores trabajos con una perspectiva fresca y distinta. Este año el festival tiene como país destacado Rumanía, creando una retrospectiva en la Filmoteca y una selección de los mejores filmes de Cine rumano que podrán verse durante los días del festival, Best Intentions de Adrian Sitaru, California Dreamin' de Cristian Nemescu o Martes, después de Navidad son algunas de las propuestas además de una estupenda selección de cortometrajes. Por último en Talentos, una selección de nombres que podrían ser los nuevos autores del futuro del cine de autor, una serie de propuestas dónde encontramos propuestas tan sugerentes como Kauwboy de Boudewijin Koole, Los ilusos de Jonás Trueba, Wasteland de Rowan Athale o el filme que hoy nos ocupa, la estupenda Boy eating the Bird's Food/ Ektoras Lygizos de Ektoras Lygizos.
Tenemos la suerte que esta es la segunda vez, y en poco margen de tiempo, que Boy eating the Bird's Food puede verse en nuestro país, ya que algunos pudieron descubrirla en el último Atlantida Film Fest, y disfrutar de ella (o no), cosa bastante extraña y que habrá sucedido gracias a la alineación de algunos planetas, esperemos que esta no sea la última oportunidad y se pueda disfrutar por nuevos medios (aunque sea festivaleros).
En Europa contamos, o hemos contado, con filmografías tan potentes como la francesa, la italiana, la austríaca o la británica, que han conseguido grandes éxitos comerciales, importantes cintas históricas, o múltiples premios internacionales, por eso es interesante echar la mirada a aquellos países con una filmografía más pequeña, pero tan potente (y parece ser que emergente) como la griega, dónde nombre como Angelopoulos o Costa-Gavras han sido de los pocos en hacerse un hueco como grandes. Pero poco a poco van apareciendo jóvenes realizadores con mucho que contar, y que empiezan a crear despacito un nuevo movimiento de cine europeo en su país, el cual tiene mucho que ofrecernos (os recomiendo el artículo de Guillermo Roqués en Nonada: La crisis, Grecia y el cine raro, para ampliar información sobre el tema). De estos nuevos realizadores no puede faltar el novel Ektoras Lygizos y su Boy eating The Bird's Food.
Un joven contratenor del que poco sabemos deambula en el tiempo sin beneficio ninguno, conviviendo en su pequeño piso con tan solo un canario como compañero de piso. El joven, a causa de sus pocos recursos económicos, verá poco a poco degradada su existencia intentando encontrar la manera de llevar-se algo a la boca. Hurtar un poco de azúcar al vecino, aceptar comida de desconocidos o compartir el alpiste con su pájaro son sólo algunas de las maneras de engañar a su estomago mientras poco a poco su vida va cayendo en una espiral de final inexacto.
Lygizos nos zambulle así en una historia tan actual y universal como es la nueva pobreza de la clase media, en una crítica tan blanca que de bien seguro puede no gustar a muchos, pero esa misma actitud es la que puede encandilar a otros tantos. Autores como los Dardenne o Loach se centran en el drama social más claro para emocionarnos, Haneke o Trier lanza su crítica con ferocidad o Aronofsky se centra en el impacto visual y videoclipero, con excelentes e interesantes resultados, pero pocos se han decantado por ofrecernos una visión contemplativa y austera sobre estos temas, ejemplo de ello son las películas de Kelly Reichardt como Wendy y Lucy, o la opera prima de Lygizos.
De este modo tan austero se nos introduce en una película con un protagonista con el que posiblemente no consigamos empatizar, y es ese mismo motivo el que convierte el metraje en interesante, ya que de este modo nos topamos con un protagonista al que no queremos conocer, cómo a cualquier vagabundo de la calle al que intentamos no mirar cuando nos cruzamos, rompiendo así todas las reglas del cine, y no por ello no consigue acercarnos a su historia y a sentirnos atraídos por ella. Cámara en mano, su realizador nos conduce a espaldas de ese joven pelirrojo desconocido, en su día a día, abriéndonos su soledad, sus problemas, pero sin presentarnos la radiografía que le envuelve, sin interiorizar en sus pensamientos, sus anteriores problemas, no podemos saber que le lleva a algunas acciones, es tan solo un personaje anónimo más de la sociedad que nos envuelve, y que tan poco nos importa.
El filme, de imagen clara y escasos diálogos, ha creado polémica a causa de una secuencia tachada de pornográfica y oportunista por su explicitad, aunque a mi parecer vacía de porno gracias al contenido del filme y sin mucho más interés alarmista que le quieran dar algunos, en tiempos que corren, muchas otras películas ya han abordado imágenes de este tipo y por eso me sorprende las críticas centradas en algo tan pequeño y que se pueden leer por ahí intentando eclipsar la totalidad de un filme tan fresco como Boy eating the Bird's Food. A lo que si da pie este pequeño momento del filme, además del resto del metraje, es en la estupenda implicación e interpretación de un joven Yiannis Papadopoulos que parece nacido para este complicado papel, un actor que parece haber sido creado para esta ocasión, y que sin dudar es una de las agradables sorpresas de la cinta griega.
Que Boy eating the Bird's Food es una película complicada para el gran público a causa de su estilo contemplativo es un hecho, pero no un motivo de suficiente peso para no lanzarse a su descubrimiento, ya que a pesar de que finalmente uno no se quede satisfecho por completo con ella, si se quede satisfecho por haberse adentrado en un campo tan novedoso en estilo como en contenido, que puede dejar huella en nuestra cabeza. Una de las mejores cintas que he podido ver en lo que llevamos de año, y que no dudaría en volver a devorar.
TÍTULO ORIGINAL To agori troei to fagito tou pouliou AÑO 2012 DURACIÓN 80 min. PAÍS Grecia IDIOMA Griego DIRECCIÓN Ektoras Lygizos GUIÓN Ektoras Lygizos FOTOGRAFÍA Dimitris Kasimatis REPARTO Yiannis Papadopoulos, Lila Mpaklesi, Vangelis Kommatas, Kharálampos Goyós, Konstadinos Voudouris PRODUCTORA Guanaco / Stefi Films GÉNERO Drama TEMÁTICA Crisis económica. Pobreza. Drama social
SINOPSIS
Si los nuevos ricos ostentan, los nuevos pobres llevan la procesión por dentro, bajo un barniz de incierta clase media. Un joven y nervioso contratenor sin empleo vive en un desangelado piso ateniense sin apenas contacto con otros seres humanos ni alimentos que llevarse a la boca. La obtención de nutrientes es un serio problema que capea de mil diversas maneras: desde distraer el azúcar del vecino hasta compartir alpiste con su canario. Un tenso deambular copa sus días, sólo interrumpido por eléctricos y desesperados estallidos de acción, desconcertantes epifanías que llegarán a su clímax cuando el agua deje de salir de los grifos y el desahucio empiece a amenazar.
PREMIOS
2012: Festival de Sevilla: Giraldillo de plata (2ª mejor película), mejor actor (Yiannis Papadopoulos) 2012: Festival de Toronto: Nominada al Discovery Award i al FIPRESCI 2012: Karlovy: Mención especial para el actor Yiannis Papadopoulos, nominada al Globo de cristal 2012: Festival Thessaloniki: Mejor actor (Yannis Papadopoulos), premio FIPRESCI sección griega 2012: Festival Tallinn Black Nights: Nominada al Gran premio 2012: D'A: A concurso en la sección Talents (pendiente de resultado)
CRÍTICAS
+ "En su imperfección y sus errores, existe
algo crudo y hermoso en esta cinta. Puede que sea excesiva para los
distribuidores (la anteriormente mencionada escena de onanismo
desanimará a más de uno), pero Boy Eating the Bird's Food debería
hacerse con un hueco en el circuito de festivales. Lygzios es un talento
al que seguir de cerca de cara al futuro." (Laurence Boyce: Cineuropa)
+ "Boy Eating the Bird’s Food es un poderoso retrato, incómodamente honesto y verdaderamente devastador de un hombre joven que lucha no sólo para alimentar y albergarse a sí mismo, sino también agarrando un sentido desvanecimiento de la identidad, la masculinidad y la autoestima. Una actuación valiente de Papadopoulos en el consumado debut de Lygizos, así que merece todo el reconocimiento de la crítica, ya que sin duda, la recibirá en el circuito de festivales y más allá." (Jessica Shields: NY Times)
+ "El hambre y la alienación en las calles de Atenas de hoy en día. (...) Un estudio de carácter íntimo con un subtexto mordazmente tópico, este drama indie Atenas-set ofrece una alternativa más sombría de la corriente griega New Wave del surrealismo estilizado personificado por Yorgos Lanthimos y Athina Rachel Tsangari." (Stephen Dalton: Hollywood Reporter)
- "[...] La película, con una idea muy interesante y alguna gran escena (no puedo
olvidarme de ese grito) peca de autocomplaciente en su propio
rupturismo ególatra y confuso que en mi caso hace que la historia me
vaya dejando de interesar durante su metraje y en muchos momentos, me
aburra. Y de verdad que es una lástima porque podría haber dado mucho
más de sí. Nota: 3 de 5" (David Amorós: Lost Highway Blog)
+ "Boy Eating the Bird’s Food es otra de esas obras que, además de
extraña, resulta tan intrincada como poco o nada placentera, pero
consigue entretejer un discurso convencido y decidido a analizar la
situación de un país cuyo camino encuentra semejante en el asfixiante
periplo de un personaje que nos sumerge en la (ir)realidad de una patria
que él mismo configura como desnutrida, oculta y rodeada de ruinas, por
si alguien llegó a creer que Yorgo comía alpiste por capricho." (Ruben Collazos: Cine maldito)
- "La historia, deslavazada y falta de ritmo, parece que lo que busca es que comprendamos a quien, directamente, no se hace entender. El tiempo de las adivinanzas, de los acertijos cinematográficos, pasó. No se trata de que nos lo den todo mascado, pero sí al menos que el espectador cuente con unos mínimos datos que puedan hacerle saber qué terreno está pisando." (Enrique Colmena: Criticalia)
+ "Enmarcada en la nueva ola de cine griego nacida justo cuando el país heleno se ve sumido dentro de un contexto político, económico y social con tintes ciertamente catastróficos, Boy Eating the Bird’s Food, debut en el largometraje de Ektoras Lygizos, se basta del anodino día a día de ese errático y perturbado joven en paro para tejer un profundo y demoledor discurso sobre una contemporaneidad sumida en la recesión." (Daniel Jimenez: Cinema Ad Hoc)
Cinco metros cuadrados, gran triunfadora en el festival de Málaga 2011, es una película de gran contenido, la especulación inmobiliaria, un tema que anteriormente ya se habían atrevido a tocar grandes cineastas de nuestro cine con El Verdugo o El pisito, pero que hasta ahora nadie había abordado de una perspectiva tan dramática y realista.
Álex y Victoria son una pareja llena de ilusiones, buscan un nuevo lugar donde vivir para así casarse y formar una familia. Ven una oportunidad al encontrarse con una nueva promoción de pisos que se están construyendo a las afueras de Madrid, cansados de tirar el dinero en alquileres se aventuran a convertir-se por primera vez en propietarios de su hogar. Todo marcha a las mil maravillas hasta que ven que la obra no termina de avanzar y por si eso no fuera poco, el departamento de medio ambiente para el proyecto a causa de una serie de irregularidades. La pareja ve su vida convertida en un infierno, mal viviendo en pensiones y trabajando en jornadas maratonianas para poder seguir adelante. Su relación poco a poco se va deteriorando a la vez que la empresa promotora de su casa no les ofrece alternativas sintiéndose como tantas familias en similar situación: engañados.
El arranque del film es prometedor, pero a medida que la cinta avanza los sentimientos hacía ella son contradictorios, una historia de estas características es realmente de gran interés, sobretodo porqué su director, Max Lemcke, se inclina hacia un relato realista y dramático con el que es fácil empatizar, o lo sería si no fuese por la falta de algo de chispa, de mala uva, y de garra, quedando la cinta en lo que podría haber sido y no es. A pesar de arremeter con fuerza contra "los malos" parece que se queda corta en ello, y de otra banda, no terminamos de ver como la situación de los protagonistas puede ser realmente dura, centrándose más en soluciones e idas y venidas que no terminan de llevarnos a ninguna parte y que no profundizan en el estado emocional de la pareja. A ello debemos sumar que la parte final del film da un giro de género que pasa de lo dramático hacía el thriller costumbrista de un modo poco acertado que estropea el trabajo hecho anteriormente.
A pesar de ello, es interesante ver el trabajo del dúo Tejero-Alterio, que dan una vuelta de registro a sus interpretaciones que hasta ahora se habían centrado siempre en el campo de la comedia, demostrando que son unos interpretes capaces de ofrecernos mucho más de lo que habíamos visto hasta ahora, en los que son sin duda sus mejores papeles. De igual modo es apreciable el trabajo de realización de Lemcke, que ya demostró en su Casual Day sus ansias por experimentar y que en esta ocasión no abandona a pesar de decantarse por un estilo más clásico.
Es curioso observar también como de un modo extremadamente escalofriante, nos damos cuenta de que a pesar de la distancia enorme en el tiempo con films como El Verdugo de Berlanga, las cosas en vez de mejorar han empeorado hasta
encontrarnos en la situación en la que estamos, haciéndonos ver como el cine español ha perdido bastante de sus orígenes pero que de vez en cuando aparecen obras que nos recuerdan aquellos años que bailaban entre el neorrealismo y la sátira que luchaba por franquear la censura, unos tiempos que por suerte o por desgracia estamos recuperando.
Sin lugar a dudas es una lástima que está película se haya quedado en ese limbo de quiero y no puedo, ya que en realidad todo el jugo que podríamos haberle sacado se ha quedado dentro. Lo esperanzador de todo es que realizadores como Lemcke, que se alejan de los circuitos habituales, son personas atrevidas y dispuestas a contarnos aquello que queremos escuchar y es evidente que hay que apostar por ellos.
TÍTULO ORIGINAL Cinco metros cuadrados AÑO 2011 DURACIÓN 86 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECTOR Max Lemcke GUIÓN Pablo Remón, Daniel Remón MÚSICA Fernando Velázquez FOTOGRAFÍA José David Montero REPARTO Fernando Tejero, Malena Alterio, Emilio Gutiérrez Caba, Manuel Morón, Jorge Bosch, Secun de la Rosa PRODUCTORA Aliwood Mediterráneo Producciones S.L. GÉNERO Drama TEMÁTICA Drama social. Crisis económica
SINOPSIS
Álex y Virginia compran un piso, sobre plano, en las afueras de una gran
ciudad porque no pueden permitirse grandes lujos. Con sus ahorros pagan
la entrada y aceptan una hipoteca a 40 años. Cuando sólo faltan unos
meses para la entrega de la vivienda, el edificio aún está sin terminar.
Un día, inesperadamente, precintan la zona y paran las obras. Los
compradores forman una plataforma de protesta y denuncian a la
constructora. Así es como Álex conoce a Toño, otro afectado, que trabaja
en la construcción, y que está convencido de que se trata de una
maniobra para deshacerse de ellos. Un año después, los afectados han
dejado de reunirse. Alex, cada vez más tenso y deprimido, empieza a
descuidar el trabajo y a tener problemas con Virginia, pero se niega a
rendirse y decide actuar para encontrar una solución.
PREMIOS
2011: Festival de Málaga: Mejor película, actor (Tejero), actor sec.(Bosch), guión y Premio de la Crítica 2012: Circulo de escritores: Nominada a mejor actor (Tejero) 2012: Premios Turia: Mejor actor (Tejero) (compartido con Coronado por No habrá paz para los malvados), actriz (Alterio), nuevo director (compartido con Mateo Gil por Blackthorn)
CRÍTICAS
+ "Notable película (...) Con convicción, humanidad, fuerza interpretativa
y, lo más difícil, brillantes toques de humor negro con los que se pasa
del amargo drama a una durísima sorna" (Javier Ocaña: Diario
El País)
- "Pisa firme en el linóleo del costumbrismo hispánico, aunque le cuesta
crear vínculos de empatía con sus protagonistas y no sabe muy bien qué
hacer con un conflicto que resulta tan agotador y cansino para ellos
como para el espectador" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)
= "Una obra honesta y cívica a la que le falta algo de fuerza y arrojo,
algo de mala leche (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Jordi
Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)
+ "Escalofriante arranque (...) la historia es una rotonda entre la
avenida Kafka y el bulevar Fernán Gómez (...) Y Tejero y Alterio
sencillamente perfectos (...) Puntuación: *** (sobre 5)"
(Javier Cortijo: Diario ABC)
La burbuja inmobiliaria no dejó rincón en nuestro país sin querer explotar, y la película que hoy comentamos ilustra a la perfección los resultados que ha dejado la expansión de semejante avaricia. Para ello nos conduce hasta Espui, un pequeño pueblo rural en la comarca catalana del Pallars Jussà, en pleno Pirineo, un lugar dónde la sociedad y la naturaleza conviven en perfecta armonía.
Anna Soldevila debuta con este pequeño documental estrenado en televisión y visto en algunos festivales del país y del extranjero, un trabajo que ilustra muy bien no solo la situación en que nos ha dejado el boom del ladrillo, si no el modo de vida de algunas de las zonas más maravillosas de nuestro territorio (nunca va mal un poco de publicidad de mi tierra).
La cinta nos cuenta a través de la visión de los vecinos de Espui como es la vida en el pueblo, como los jóvenes han ido abandonado el territorio a causa de una falta de oportunidades con las que labrarse un futuro o por no querer seguir con la tradición ganadera o de cultivos que poco a poco va mermando su existencia. Con ello una empresa de construcción ofrece a los vecinos una oportunidad de abrir horizontes construyendo un complejo que conectará con las estaciones de esquí y que atraerá el turismo al territorio, consiguiendo así que no se pierda la población en el olvido. Después de años y años de obras, la empresa abandona el proyecto dejando el pueblo patas arriba y a los nuevos inquilinos del lugar con la sensación de haber sido engañados.
Indudablemente lo que nos cuenta está sobrado de interés, si bien la mezcla de tonos que usa Soldevila confunde la narración de la que se podrían haber sacado dos películas distintas. De entrada nos ofrece un documental que quiere ser intimo, narrando las experiencias desde un punto de misticismo de manos de su familia y vecinos de Espui, acercándose a producciones como El cielo gira, pero la mezcla con el reportaje puro y duro no termina de cuajar los dos conceptos, perdiendo fuerza y enmascarándose uno con el otro. Si la directora hubiese decidido centrarse por completo en narrar los hechos de la problemática abandonando la idea más intima el resultado hubiese sido doblemente interesante.
De todos modos, el resultado cuenta con el suficiente interés como para querer visionar la película, que no se posiciona hacia ningún lado, contándonos por un lado los aspectos positivos del proyecto de construcción, y mostrando por el otro los negativos y los pésimos resultados que ha dejado, a pesar de ello nuestro sentido común sabe ver semejante idea como una locura, a la vez que comprende y empatiza con los habitantes de la población viendo una salida de futuro en la idea.
Un trabajo interesante que a pesar de sus puntos flacos no defrauda en su visionado y que nos acerca a una realidad a veces desconocida.
TÍTULO ORIGINAL Espui AÑO 2010 DURACIÓN 71 min. PAÍS España IDIOMA Catalán DIRECTOR Anna Soldevila GUIÓN Anna Soldevila MÚSICA Florenci Ferrer FOTOGRAFÍA Anna Soldevila PRODUCTORA Soona films / Televisió de Catalunya GÉNERO Documental TEMÁTICA Vida rural. Crisis económica.
SINOPSIS
La vida transcurre tranquila en Espui hasta que un día llegan las
excavadoras y las grúas. Se construirá una zona residencial con pista de
esquí y campo de golf. Sus habitantes vivirán en primera persona la
explosión de la burbuja inmobiliaria.
La rosa púrpura del Cairo es un filme que marca un cambio importante en la filmografía de Woody Allen, su estilo se aleja de sus anteriores trabajos donde nos presentaba a personajes neoyorquinos con problemas en sus relaciones y desaparecen sus conocidos monólogos y la propia presencia como actor, aunque a pesar de ello su huella siga impregnando todo el metraje.
Su último y estupendo trabajo, Midnight in Paris, repite la formula que presenta en este viejo trabajo, me atrevería a decir que incluso mejorando algunos aspectos. Mia Farrow interpreta a una joven enamorada del cine que de repente ve su vida descolocada (una vida que no recomendamos para nadie) al encontrarse en un extraño cuadrado romántico. Tras acudir varios días al cine a ver la misma película uno de los personajes de la misma se da cuenta de su presencia y decide abandonar la pantalla para encontrarse con ella. Este surrealista suceso es el eje de la película, y se sucede de un modo tan natural que sorprende, Cecilia, personaje que interpreta Farrow acompaña al nuevo compañero a conocer su mundo y le ayuda a esconderse de todos los que intentan conseguir que vuelva a la película. Los estudios deciden entonces enviar al actor que interpreta al héroe que abandonó el film para encontrarlo y convencerlo de volver, con ello conocerá a Cecilia y aprenderá una lección sobre la humildad.
El contraste entre los dos personajes que interpreta Jeff Daniels es tremendamente interesante, por un lado tenemos al héroe con el que todas las féminas de la época soñaban, un hombre ideal, atento, romántico, amable... Por contra el actor real que muestra la cara del hombre real, una persona cargada de cinismo y egoísmo. A estos debemos sumarle el personaje del marido de Cecilia, un tirano que la aterroriza por su rudeza y al que mantiene en sus vicios. La síntesis que podemos hacer de sus apariciones ya es suficiente para ver que nos encontramos ante un film complejo y bien construido.
Su ambientación histórica ayuda a potenciar su mensaje de amor por el cine, nos encontramos durante la Gran Depresión que se vivió en los años 30 en Estados Unidos, en la que es conocido como el cine ayudó a la dispersión de las personas que vieron día a día mermada su calidad de vida, acudiendo al cine con asiduidad a ver las evasivas comedias sofisticadas que les ayudaban a desconectar de todas sus preocupaciones. Sería interesante analizar como ahora que vivimos una situación similar a la de los 30, se repiten esas formulas donde suben las ventas de libros, el consumo de cine, y de aquel ocio más económico.
El guión de Allen logra deshacer la complejidad de su historia de un modo que otro no podría conseguir, su trabajo de metacine es tan único que es imposible que no se haya vuelto a copiar, incluso como he comentado antes, él mismo se copia en Medianoche en París cambiando el cine y el amor, por la historia y la nostalgia, siendo en esencia de igual resultado.
Su reflexión sobre la ilusión y una excelente conclusión en absoluto cínica ni previsible, deja un mensaje romántico único: La ficción puede salvar nuestras vidas, Allen consigue convencernos de ello. Sólo me queda despedir con esta frase del film que sintetiza a la perfección ese mensaje y nos recuerda al conocido final de Con faldas y a lo loco intensificando el mensaje sobre la magia del cine:
"He conocido a un hombre maravilloso. Es imaginario, pero ¿qué importa eso? No se puede tener todo"
TÍTULO ORIGINAL The Purple Rose of Cairo AÑO 1985 DURACIÓN 85 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECTOR Woody Allen GUIÓN Woody Allen MÚSICA Dick Hyman FOTOGRAFÍA Gordon Willis REPARTO Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello, Dianne Wiest, Van Johnson, Irving Metzman, Stephanie Farrow, Zoe Caldwell, John Wood, Milo O'Shea, Edward Herrmann PRODUCTORA Orion Pictures. Productores: Jack Rollins & Charles H. Joffe GÉNERO Romance. Comedia. Fantástico TEMÁTICA Comedia romántica. Cine dentro del cine. Gran Depresión. Crisis económica. Años 30
SINOPSIS
EE.UU., Gran Depresión. Mientras Cecilia trabaja como camarera en Nueva
Jersey, su marido se dedica a hacer el vago. Su única vía de escape es
el cine, al que acude una y otra vez para evadirse de la realidad y
soñar con un mundo de champagne, trajes de noche y fiestas elegantes.
Una noche, el protagonista de su película favorita, "La rosa púrpura de
El Cairo", se fija en ella y atraviesa la pantalla para conocerla.
PREMIOS
1985: Festival de Cannes: Premio FIPRESCI
1985: Nominada al Oscar: Guión original
1985: BAFTA: Mejor película
1985: Premios de la Academia Británica: Mejor película y mejor guión
CRÍTICAS
+ "Interesantísima comedia, llena de imaginación y sentido del humor al
más puro estilo Allen, con un reparto muy acertado para un mítico
largometraje. Un lujo" (Fernando Morales: Diario El País)
+ "Deliciosa, inteligente y divertidísima fábula cinéfila (...) Un paso
adelante en una filmografía que desde entonces no vivirá un solo momento
de desmayo" (Luis Martínez: Diario El País)
FRASES
* He conocido a un hombre maravilloso. Es imaginario, pero ¿qué importa eso? No se puede tener todo.
* Es increíble. La semana pasada no me quería nadie y hoy se enamoran de mi dos personas... que son el mismo hombre
CURIOSIDADES
- Esta era la segunda película en la que intervenía Viggo Mortensen, pero igual que le paso la vez anterior, sus escenas también fueron eliminadas del montaje final. A la tercera fue la vencida y debutó en Único Testigo.
- Woody Allen comentó acerca de la película que: la razón de ser de ¨La
Rosa Púrpura de El Cairo¨ es el final. Si Hubiera tenido otro final, es
decir, un final final, habría sido una película trivial
