NIGHTCRAWLER

Deberíamos estar ya acostumbrados a que las televisiones (y prensa escrita) nos ametrallen con las noticias más escabrosas y sensacionalistas que encuentran entre sus teletipos, viniendo como no, acompañadas de las imágenes correspondientes, cuánto más explicitas mejor. Aunque hay que reconocer que aunque en nuestro país las emisoras privadas no llegan al nivel enfermizo de las cadenas estadounidenses, si que intentan emularlas acercándose más al estilo carroñero de sus compañeras made in USA. Y del seno del país americano nos llega Nightcrawler, un filme que carga duramente contra todo lo que rodea este sistema por conseguir audiencia. Uno de los trabajos hollywoodenses del pasado año que más desapercibido ha pasado por nuestras salas, e incluso fue injustamente olvidado en los premios de su academia.

Lou Bloom no consigue encontrar trabajo, hasta que un buen día se da cuenta de lo sencillo que parece conseguir dinero buscando accidentes y vendiendo las imágenes a las televisiones. Los Ángeles es la mejor ciudad para la prensa criminalista, y Bloom no tendrá reparo en pasar por encima de quién sea para conseguir lo que busca.

Dan Gilroy, guionista de filmes como la onírica The Fall: El sueño de Alexandria (The Fall; Tarsem Singh, 2006) o las cintas de acción Acero puro (Real Steel; Shawn Levy, 2011) y El legado de Bourne (The Bourne Legacy; Tony Gilroy, 2012), se aventura en la dirección con un resultado más que notable. La buena mano para contar historias por escrito se transcribe a la pantalla con una maestría sobresaliente. El tono neo-noir con que el que dota a las imágenes de Nightcrawler, demuestran una sensibilidad especial y es por eso curioso que no se haya tenido en cuenta en muchas de las candidaturas de su país.

El filme toma una fotografía de colores saturados, centrada en la nocturnidad de una gran ciudad como es L.A. creando un estilo vampírico que refuerza muy bien aquello contra lo que arremete. Su pausado ritmo solo se verá quebrantado por las escenas de peligrosa acción, jugando con nuestros nervios y creando una tensión para nada fácil de conseguir con un contraste de este tipo. El filme de Giroy es pura dinamita para los sentidos y su dureza narrativa de aplauso.

El a priori sencillo entramado nos recuerda a filmes tan aclamados como la cinta de Sidney Lumet Network, un mundo implacable (Network; 1976), aunque la apuesta por el crimen como marco argumental la acerca más a la tensión de filmes de nueva hornada como las cintas de Nicolas Winding Refn Drive (2011) o Solo Dios perdona (2013), especialmente teniendo en cuenta el estilo interpretativo y de montaje de estas. Pero centrándonos en el satírico mensaje nos traslada más a la bilis de la obra de Lumet, en la que retrata a los medios de comunicación como nidos de rapaces capaces de llegar a cualquier limite por la audiencia.

Jake Gyllenhaal da vida a lo mejor de ambos bandos, su personaje es la cría de buitre más satisfactoria que podría salir de Network, y a su vez interpreta a su personaje al más puro estilo Refn. Ya desde sus primeros trabajos –en especial con Donnie Darko (Richard Kelly, 2001)- Gyllenhaal nos ha enseñado lo bien que se le da el papel de personaje cerrado en si mismo, y su actuación en Nightcrawler lo convierte sin duda en lo mejor de la película. Bloom es un ser despreciable en muchos sentidos, pero no lo es sin motivo alguno, aunque no se nos llegue a mostrar claramente es fácil entrever la situación de rechazo social en la que ha vivido el muchacho, no es de extrañar que tales vivencias le conduzcan a ser un hombre frío y calculador, y que en su mirada no sintamos que el remordimiento le convenza de que sus acciones puedan estar mal. Gyllenhaal ofrece una de sus mejores interpretaciones de su carrera, y demuestra de una vez por todas que es un estupendo actor.

Uno de los mejores filmes de su año, Nightcrawler es una cita cinéfila que queda más que pendiente para aquellos que todavía no se hayan dejado atrapar por sus imágenes. Altamente recomendable, difícilmente digerible.

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TÍTULO ORIGINAL Nightcrawler AÑO 2014 DURACIÓN 113 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Dan Gilroy GUIÓN Dan Gilroy MÚSICA James Newton Howard FOTOGRAFÍA Robert Elswit REPARTO Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed, Bill Paxton, Kevin Rahm, Ann Cusack, Eric Lange, Anne McDaniels, Kathleen York, Michael Hyatt PRODUCTORA Open Road Films / Bold Films

GÉNERO Thriller

TEMÁTICA Crimen. Periodismo. Televisión. Sátira. Thriller psicológico. Trabajo/empleo

SINOPSIS

Tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), un apasionado joven que no consigue encontrar trabajo, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor guión original
2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor actor principal - Drama (Jake Gyllenhaal)
2014: Premio BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor actor (Jake Gyllenhaal)
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: National Board of Review: Mejores 10 películas del año
2014: Independent Spirit Awards: Mejor ópera prima y guión
2014: Premios Gotham: 2 nominaciones, incluyendo Mejor nuevo director2014: Satellite Awards: Mejor guión original
2014: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor actor (Jake Gyllenhaal)
2014: Critics Choice Awards: 3 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Críticos de Chicago: 3 nominaciones, incluyendo Mejor actor (Gyllenhaal)

CRÍTICA

+ "Demencial y brillante Jake Gyllenhaal (...) Entre la parodia y el fino análisis social, el director acierta a radiografiar la basura de un tiempo (el nuestro) obsesionado en convertirse en espectador de sus miserias." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Estimulante película (...) un personaje apasionante al que Jake Gyllenhaal pone rostro demente (...) fascinante atmósfera" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Nightcrawler es implacable, y como intriga hipertensa consigue mantener al espectador con los dedos del pie en alerta y sin saber con certeza dónde colocar su fascinación por el monstruo. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Tiene momentos de cine negro, con una mirada descarnada donde la doblez moral es evidente. Estamos ante una crítica, pero también ante una parodia revestida de thriller nocturno (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "En realidad este sobresaliente debut en la dirección de Dan Gilroy es un film de denuncia sobre la pornografía de la noticia de estos tiempos multipantalla. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Joan Pons: Fotogramas)

+ "Una sátira contra el hambre de morbo y la falta de ética de los media (...) Gyllenhaal en una interpretación pletórica de ferocidad impasible, posiblemente la mejor que ha ofrecido nunca (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Nando Salvá: Cinemanía=

+ "'Nightcrawler serpentea y sisea para introducirse en tu cabeza con demoníaca habilidad (...) Un trabajo deliciosamente retorcido (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

= "Un festín de la interpretación con mayúsculas que a veces es divertido de ver pero que no resulta creíble ni por un segundo." (Scott Foundas: Variety)

+ "Un sueño oscuro de thriller, lleno de maldad, que flota como una nube tóxica a través de una ciudad ya corrompida (...) el deslumbrante retrato de Gyllenhaal está lejos de ser la única distinción de un debut cinematográfico impecablemente realizado" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

+ "Lo que más asusta de 'Nightcrawler', la nueva película de Jake Gyllenhaal, es Jake Gyllenhaal (...) un héroe de Billy Wilder trasplantado a la tierra de David Lynch (...) (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "Afilada, oscura, satírica y de un macarrismo electrizante (...) La 'Drive' de este año (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Dan Jolin: Empire)

+ "Si 'El gran carnaval' de Billy Wilder y 'Network' tuvieran un bebé mutante, probablemente se parecería al 'Nightcrawler' de Dan Gilroy." (Lou Lumenick: New York Post)

= "Al igual que su errático protagonista, Gilroy no siempre sabe cuándo calmarse o dejar de hacerlo, y los constantes cambios de tono de la película pueden hacerse pesados, aunque la acción en su conjunto nunca se haga aburrida." (Jordan Mintzer: The Hollywood Reporter)

+ "Más cercana en espíritu a la perversidad amplificada por los medios de comunicación de la 'Taxi Driver' y 'El rey de la comedia' de Martin Scorsese, 'Nightcrawler' se percibe como un gran retrato de un apetito enfermo e insaciable (...) Puntuación: ***** (sobre 5)"

PUNTUACIONES

 

	8,0		7,3		7,9
NOTA MEDIA: 7,7

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BUZZARD

Arrancamos con Atlántida Film Fest (AFF) con una propuesta que ya pudo verse antes en Barcelona de la mano de Americana Film Fest: Buzzard, cinta con la que Americana inauguraba su última edición, pase al cual, por desgracia, no pude acudir. Apareciendo en ambos festivales debía ser una propuesta interesante a la fuerza.

Marty se aburre en su monótono trabajo temporal y subsiste a través de pequeñas artimañas que encuentra en los vacíos legales de su banco, mintiendo en su empleo, o aprovechando cualquier oportunidad para sacar lo que sea. Su vida sigue a un ritmo lento, hasta que una de esas trampas le sale mal, y no solo puede que le cueste el empleo, si no que puede buscarse problemas mayores. Así Marty decide no aparecer por su casa y su trabajo durante un tiempo, escabulléndose ya sea en casa de un amigo o en hoteles y/o pensiones, dependiendo de su estado monetario.

Y aunque las referencias previas apuntaban a Buzzard -película independiente que cierra una trilogía creada por Joel Potrykus- hacía el estrellato, en realidad el filme queda lejos de alzarse como la propuesta más interesante de AFF. Vayamos por partes.

De entrada nos topamos con una propuesta que ya de entrada apunta maneras, no deja dudas en que busca romper esquemas, el filme no quiere parecerse a nada, necesita su propio sello, y a pesar de las inevitables las influencias (e incluso las referencias claras del filme), consigue asentarse como una cinta única dejando de lado esas influencias de cineastas como Michael Haneke en su agresividad -Funny Games (1997)- o Solondz con sus personajes desencantados y perdedores -Dark Horse (2011), por citar un par.

De este modo, Potrykus, crea una película que nos habla sin rodeos sobre la generación que nació en los 80/90, una generación que ha quedado anclada al pasado, necesitada de sus referentes juveniles, incapaz de madurar y adaptarse al sistema social que hemos creado. Una generación eclipsada por la alargada sombra de la sobreprotección de unos padres que han luchado por su bienestar, pero que han creado unas criaturas incapaces de subsistir por ellos mismos, ya sea por la actual situación socio-económica o por no haber estado lo suficientemente preparados para afrontar lo que la vida les depara.

Potrykus sabe lo que quiere presentarnos y sabe como hacerlo. Las múltiples referencias a mitos de los 80 como Freddy Krueger o la Nintendo NES se encargan de situar a nuestro protagonista y a alguno de los secundarios, la relación con la familia, el estado laboral y la soledad que rodea a Marty son realmente lo que da fuerza y credibilidad a una historia algo trillada, que se basa en el exceso y juega con un humor algo difícil, pero que se sustenta de todas todas.

El problema del filme aparece hacía la mitad del mismo, cuándo la película poco a poco va convirtiéndose en un Déjà vu constante, no consigue llegar a ninguna parte, y aunque esa sea seguramente una de sus intenciones, al final el resultado es hastiante y poco hueco. Algo nada agradecido para el espectador, pues a pesar de que una de los mejores momentos del filme sea cuando el protagonista pide un plato de pasta, pues define muy bien la situación del personaje y nos lo acerca a nosotros lo máximo posible, es realmente un punto dónde la película ya ha perdido toda su fuerza y se convierte en un producto que no para de perder interés, incluso muy a pesar de un final que intenta terminar de la mejor de las maneras, pero para entonces ya estamos deseando ver los títulos de crédito y despedirnos para siempre de Marty y sus chorradas.

Así que al final, y muy a pesar de las buenas ideas, el filme no cumple con las expectativas, y se convierte en tan solo un intento de reflejo social de formas muy distintas a las que el cine nos puede tener acostumbrados, una lástima, ya que en Buzzard podríamos haber encontrado una película mucho mejor.

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TÍTULO ORIGINAL Buzzard AÑO 2014 DURACIÓN 97 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español (Algunas palabras) DIRECCIÓN Joel Potrykus GUIÓN Joel Potrykus FOTOGRAFÍA Adam J. Minnick REPARTO Joel Potrykus, Joshua Burge, Jason Roth PRODUCTORA Sob Noisse Movies

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Cine independiente USA. Comedia dramática. Trabajo/Empleo

SINOPSIS

Marty es un trabajador temporal que se aburre en su monótona oficina y que cree que se merece algo mejor en su vida. Por ello, poco a poco se ha ido convirtiendo en un estafador de poca monta. Cuando su último fraude le sale mal, entra en un estado de paranoia y decide esconderse. Primero en el sótano de su compañero de trabajo y luego en un barrio desolado de Detroit. Allí, dependiendo del dinero que pueda conseguir, se alojará en un hotel de lujo o en un sucio motel. Pronto su paranoia se transformará en un estado de nihilismo puro en el que se sentirá invencible.

PREMIOS

2014: Americana Film Fest: Premio del jurado joven.
2014: Little Rock: Nominada a mejor película.
2014: Locarno: Mención especial del jurado joven.

CRÍTICA

+ "Una gélida alegoría cuyo antihéroe es, al mismo tiempo, atractivo y repulsivo" (John DeFore: The Hollywood Reporter)

+ "La tercera entrega de la trilogía anijmal de Joel Potrykus se revela tan fascinante como desconcertante" (Ronnie Scheib: Variety)

= "Buzzard bebe de la vulgaridad y se siente orgullosa de ser una obra fea. Tan fea que o la aplaudes entre carcajadas o te pasas la película pendiente del móvil en busca de algo más interesante." (Guillem Casals: Dentro de la sala)

- "Buzzard se queda en un film de bajo presupuesto que, sabedor de ello, prefiere explotar esa condición a intentar cuidar un poco algunas de sus puestas en escena y encuadres o diálogos e interpretaciones (destacando, eso sí, la de los dos protagonistas, por cierto de ellos el propio director). Y claro, tanta cutrería, sin venir acompañada de un gancho, acaba convirtiéndola en aburrida, aunque su primera mitad sea bastante disfrutable." (Arantxa Acosta: Cine Divergente)

- "Buzzard ni bizarra ni punky ni nada por el estilo. Un intento de ser diferente que se queda a medio camino. Una lástima." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

PUNTUACIONES

 

	5,0		6,1		6,4
NOTA MEDIA: 5,8

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PRIDE

No voy a ser yo el que caiga en el tópico de que estos días de fiesta no hay demasiadas películas interesantes en cartelera, pues parece que esta semana santa ha quedado completita en lo que a variedad se refiere. Así, uno puede optar por cualquiera de los blockbusters que suelen aparecer durante estas fechas en las salas, o por alguna de las pequeñas joyas apartadas de lo más comercial. Por mi parte prefiero situarme en un punto medio, pues Pride, uno de los bombazos de esta última temporada, reside en ese limbo de cine que sirve de unión con ambas partes. La cinta de Matthew Warchus ha logrado triunfar con el público y con la crítica, siendo sin duda una (que no la única) de las comedias del año.

En 1984, en pleno gobierno Tatcher, el Sindicato Nacional de Mineros convoca una huelga que durará una larga temporada. A su vez, el verano de ese mismo año, y en plena celebración del Orgullo gay en Londres, un pequeño grupo de homosexuales decide recaudar fondos para las familias de los mineros. La unión de ambos sectores sociales se convierte en toda una muestra de lucha hermanada en pro de los derechos, aunque para algunos la moral y la decencia impida la aceptación de la ayuda de un grupo de personas que hacen gala de su "desviada" orientación sexual.

Basándose en un hecho histórico, Pride no es ninguna novedad cinematográfica, pues repite formulas muy vistas por todos. Heredera de la comedia social británica, la cinta de Warchus es un ejemplo más de película que se ve lastrada por el éxito arrasador que tuvo una cinta como Full Monty (The Full Monty; Peter Cattaneo, 1997) -a su vez deudora del cine cómico inglés-. Pues adentrarse en un entramado social a través de la comedia es algo ya sobradamente explotado. Pero no por ello hay que decir que la película no merezca un gran reconocimiento, todo lo contrario, pues a pesar de esas reformulaciones, Pride, consigue presentarse como una película fresca, emotiva y realmente divertida, muy en contra de lo que los tópicos podrían hacernos pensar, pues consigue hacerse suyo cada uno de esos elementos tan recurrentes con los que es fácil sentirse atrapado.

Pride es ante todo una sana comedia, una comedia construida a raíz de un acontecimiento real a priori nada dado a la jocosidad, pues no hay que olvidar que estamos hablando de un momento en el que la lucha obrera, la lucha por la igualdad social, y la expansión del VIH, estaba en boca de todos. Construir una comedia basada en el respeto a raíz de estas premisas ya es de por si un noble acto, pero hacerlo con un resultado como el de Pride es todavía más aplaudible. Es curioso, que hayan tenido que pasar 30 años, para que alguien decida construir un filme basándose en unos hechos tan curiosos como la unión de dos sectores (a priori) tan distintos.

Sin recurrir a grandes amaneramientos técnicos ni artísticos, pues Pride no juega en esa liga, Warchus presenta el guión de Stephen Beresford de la mejor de las maneras. Un guión inteligente, armado con decisión y con una entrega que es fácil de identificar. Los momentos álgidos y los diálogos llenos de chispa no se echan en falta en ningún momento, pues la película está sembrada de cabo a rabo con ellos. Su grupo de actores se encarga de dar vida a esas ideas, y lo hacen con entrega, y con un feeling que hace fácil la digestión.

Pero lo mejor de la formula, algo que rara vez no funciona, es el logro de hacernos reír y a su vez emocionarnos, que aunque sea una mezcla cuyo resultado suela ser de agrado de casi todo el mundo, también hay que reconocer que es difícil llevarla a cabo con éxito, pues la salida de tono puede ser de lo más sonada. Pride lo consigue, nos hace emocionar y reír al mismo tiempo, y se presenta como un producto no solo entretenido, si no que para más inri con unas intenciones morales de lo más aceptables, aunque haya pasado mucho tiempo, su relato sigue estando muy vigente.

Muy recomendable para todo aquel que busque pasar el mejor de los ratos con un filme totalmente entregado. Apto para todos, algo de lo que pocas películas pueden presumir. Y para más inri podemos disfrutar de una banda sonora, que por si sola consigue entusiasmarnos.

Estupenda.

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TÍTULO ORIGINAL Pride AÑO 2014 DURACIÓN 120 min. PAÍS Reino Unido, Francia IDIOMA Inglés, Galés DIRECCIÓN Matthew Warchus GUIÓN Stephen Beresford MÚSICA Christopher Nightingale FOTOGRAFÍA Tat Radcliffe REPARTO Ben Schnetzer, Monica Dolan, George MacKay, Bill Nighy, Andrew Scott, Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine, Joseph Gilgun, Sophie Evans, Jessie Cave, Freddie Fox PRODUCTORA Calamity Films / Pathé / BBC Films / Proud Films / BFI / Canal+ / Ciné+

GÉNERO Comedia. Drama

TEMÁTICA Drama social. Comedia dramática. Basada en hechos reales. Años 80. Homosexualidad. Cine social. Trabajo/Empleo. SIDA. LGBTIQ

SINOPSIS

En el verano de 1984, siendo primera ministra Margaret Thatcher, el Sindicato Nacional de Mineros (NUM) convoca una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un grupo de lesbianas y gays se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los trabajadores, pero el sindicato no acepta el dinero. El grupo decide entonces ponerse en contacto directo con los mineros y van a un pueblecito de Gales. Empieza así la curiosa historia de dos comunidades totalmente diferentes que se unen por una causa común.

PREMIOS

2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor película - Comedia o musical
2014: Premios BAFTA: Mejor debut de un escritor, director o productor británico. 2 Nominaciones
2014: British Independent Film Awards: Mejor película independiente, Mejor actriz de reparto (Imelda Staunton), Mejor actor de reparto (Andrew Scott). 4 Nominaciones
2014: Cannes: Queer Palm

CRÍTICA

+ "Una película hecha para gustar al público, en el mejor sentido (...) 'Pride' no es sutil cuando señala sus propósitos, pero, por desgracia, son temas que todavía necesitan señalarse (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "La fórmula 'Full Monty' está viva, en buen estado y todavía es irresistible (... ) tiene sus toques cursis pero consigue una honesta reacción emocional con su conmovedor final" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Una huelga desgraciadamente separatista en la Gran Bretaña de Margaret Thatcher, promueve la improbable unión solidaria entre mineros asediados y activistas gays en esta conmovedora historia real" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "La historia del olvidado movimiento LGSM (...) tiene tantos matices inspiradores de buen rollo, que la única verdadera sorpresa es que haya tardado tres décadas en ser desenterrada para propósitos cinematográficos" (Charles Gant: Variety)

+ "Warchus es director de teatro de profesión, y 'Pride' vibra con la misma energía y el mismo estímulo que una gran obra sobre el escenario. Busca los aplausos, y se los gana. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Es cálida e ingeniosa, con unas interpretaciones fenomenales; el guión de Stephen Beresford es rápido y divertido y tiene una entusiasta banda sonora de Chris Nightingale. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Para ser una película descaradamente comercial, no tiene reticiencias o reparos para gritar a favor del poder de la solidaridad, la amistad y la empatía (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Dave Calhoun: Time Out)

= "De ambiciosa temática y desarrollo algo esquemático, 'Pride' encuentra la emoción cuando busca la verdad de sus personajes, y el resquemor cuando huye de los problemas por medio de bromas que buscan la risa más fácil." (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "'Pride' se disfruta sin querer, emociona sin avasallar, divierte sin ofender. Definitivamente, esta es la película que todo el mundo recomendaría a todo el mundo sin la menor posibilidad de arrepentimiento." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Demasiado amable en su conjunto, con clímax de dudoso gusto, contiene, sin embargo, interpretaciones convincentes y momentos agradecidos (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Se enmarca en el efectivo linaje de la feel-good movie británica: cine de sonrisas y lágrimas, con trasfondo social (...) 'Pride' no esconde que busca el aplauso del público. Y lo consigue. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Roger Salvans: Fotogramas)

= "Es entretenida y emotiva, aunque, en ocasiones, resulte demasiado naíf y pueda caer en tópicos (que los hay). Pero logra su objetivo (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	8,0		7,2		7,8
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

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VIDA ACTIVA

Antes de que la Navidad nos estalle en las narices tenemos tiempo de empezar a disfrutar de una nueva edición del Festival Márgenes, una cita con el cine español (ampliado al iberoamericano) creado al margen de toda convención, un cine único en su género y desgraciadamente de difícil acceso. Esta cuarta edición vuelve una vez más a ofrecerse vía online y de modo gratuito para todo el que quiera adentrarse en las películas de la selección oficial, que pueden encontrarse al completo en su página web hasta el 31 de diciembre. Este año las cintas destacadas han sido El rostro (Gustavo Fontán, 2013) como mejor película, África 815 (Pilar Monsell, 2014) con el premio exhibición, Carmita (2013) de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas llevándose una mención especial y con una mención honorífica Los ausentes (2014) de Nicolás Pereda. Completa la lista de destacadas Crónica de un comité (José Luis Sepúlveda y Carolina Adriazola; 2014) al que la crítica le concedió su premio. Para empezar el ciclo decidí dejarme llevar por la que más me llamara la atención argumentalmente, y esa fue Vida Activa.

Al inicio de la actual crisis económica el gobierno de Portugal creó un programa llamado Nuevas Oportunidades dirigido a aquellas personas que abandonaron la escolarización en edad temprana, para re-elaborar su "experiencia de vida" y a través de sus experiencias reflexionar sobre lo vivido y actualizarse al presente. Así, Vida Activa, recoge las historias de diferentes personas que juntas ofrecen un claro panorama de la situación del país.

El documental de la portuguesa Sausana Nobre, sigue su propia colaboración al programa dónde entrevistó a muchos de los usuarios que allí se encontraban. La mayoría de ellos viviendo de prestaciones públicas dado que se encuentran en el paro, personas que se han visto en la calle al ver como la empresa dónde han trabajado toda la vida ha quebrado y sobretodo gente que decidieron, o mejor dicho, no tuvieron otra opción, abandonaron los estudios de bien jóvenes para ayudar a sus familias a tirar adelante.

Las experiencias que recoge el filme seguramente nos sonarán a más de uno, lo que convierte Vida activa en un trabajo cercano al espectador. Un mosaico en que conoceremos el afán de superación de la gente, la nostalgia con la que recuerdan sus tiempos pasados, la mayoría de ellos no tan felices aunque sus rostros reflejen un merecido orgullo al contarnos como a pesar de todo, consiguieron tirar adelante, y se convirtieron en las personas que son hoy. Así, el programa de Nuevas Oportunidades se entiende perfectamente, ya que no es complicado ver la auto-reflexión a la que se someten al darse cuenta como todo lo que han ido viviendo se ha convertido en un fuerte currículo de experiencias imposible de borrar.

El problema del filme de Nobre es la repetición en la que cae después de escuchar unos pocos de sus testimonios, no tardamos en ver pasar ante nuestros ojos y oídos una serie de relatos en los que se repiten los esquemas y de este modo es fácil que nuestra mente se vaya a otra cosa, y dejemos de lado lo que está pasando en la pantalla. Pero existe un motivo para ello, ya que el propio filme se presta a conseguir un resultado así, y nos daremos cuenta hacía el final, cuando uno d. e los participantes, Mario, es preguntado por su experiencia, y su respuesta es contundente: ¿Qué va a contar él que no nos hayan contado ya el resto?

Es justo ese el punto en el que es fácil entender el motivo de las repeticiones. Vida activa ha creado un reflejo totalmente acertado de la situación de las personas de cuna humilde, dónde a pesar del paso del tiempo, nos enseñan como el mundo laboral se ha encargado de condicionar a todos nuestras vidas.

Solo me queda repetir que tenéis tiempo hasta final de este mes de diciembre, para disfrutar totalmente gratis de la oferta de películas que presenta esta cuarta edición del Festival Márgenes, y os invito a echar un ojo a su web y dar una oportunidad a las seleccionadas.

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TÍTULO ORIGINAL Vida activa AÑO 2013 DURACIÓN 92 min. PAÍS Portugal IDIOMA Portugués DIRECCIÓN Susana Nobre GUIÓN Susana Nobre FOTOGRAFÍA Susana Nobre REPARTO Maria Isabel Pereira, Jose Alberto Costa Galamba PRODUCTORA Terratreme Filmes

GÉNERO Documental

TEMÁTICA Trabajo/Empleo. Crisis económica

SINOPSIS

Documental constuido sobre las experiencias de vida y trabajo de personas que acudieron al programa Nuevas Oportunidades de un centro de formación laboral en la localidad de Alverca entre los años 2006 y 2010, teniendo como telón de fondo la realidad portuguesa de los últimos 40 años. Partiendo las historias de vida de los protagonistas, la película se convierte en un debate sobre el trabajo en el mundo contemporáneo.

PREMIOS

2014: Márgenes: Película a concurso

CRÍTICA

+ "Por medio de esta filmación observacional de su encuentro con los participantes del programa (con mucha frecuencia como si de una estética webcam se tratara, aséptica) y el material de archivo de sus vidas laborales, la realizadora va creando todo un mapa de las diferentes condiciones de trabajo, los modos de incorporación y de ascenso dentro del mismo. Y como estos han cambiado vertiginosamente rápido dejando fuera a una parte de la población activa." (J. Ignacio Canosa: Blogs&Docs)

PUNTUACIONES

 

	5,5		-,-		-,-
NOTA MEDIA: 5,5

TRAILER

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MUJERES ENAMORADAS (OTHER MEN'S WOMEN)

Hollywood, 1931, el sonoro ya terminaba de asentar sus bases y la explotación del mismo a través del marco musical empezaba a hastiar a los espectadores. Para evitar la huida del público Mujeres enamoradas (Other Men's Women), que originalmente debía llamarse The Steel Highway, se olvidó casi por completo del uso de la música, para centrarse en una historia que un par de años más tarde, con la entrada del código Hays, hubiese sido imposible de llevar a las pantallas.

Bill es un vividor al que le encanta beber y tener un amor en cada puerto, después de que su casera se harte de soportarle, el hombre se verá en la calle de la noche a la mañana. Por suerte Jack, su buen amigo y compañero de trabajo, como él ingeniero de locomotoras, le acoge en su hogar, dónde convivirán además con Lily, la simpática mujer de Jack. La amistad de los dos se verá truncada cuando Bill empiece a sentir una fuerte atracción por Lily.

Alcohol, infidelidades y gamberradas diversas son la carta de presentación para este cómico drama, que como ya he dicho, se convierte en una de esas rarezas que el código Hays se encargó de volver invisibles. Mujeres enamoradas responde por completo a una situación histórica en la que la gran depresión hacía acto de presencia, por lo que se convierte en un documento gráfico inigualable para entender -aunque de un modo algo superficial- el modo de vida de una época. De ahí el acierto de situar la acción en plena estación de ferrocarril de Eats, dónde la camaradería y la dureza del trabajo (algo comúnmente presente en el cine de William A. Wellman) en manos de los empleados del lugar, son la herramienta perfecta para ello.

Esa misma camaradería sirve también de punto de partida, y de sustento, para la historia que escribe Maude Fulton, y que presenta unos personajes (esencialmente los protagonistas) de una fuerza y vitalidad abrumadoras, cada uno de ellos dentro de su estatus. Unos actores provenientes del cine mudo (Mary Astor, que se come literalmente la pantalla con su personaje, es la que más evidencia deja de ello) son los encargados de lograr expresar el abanico de emociones que se vive en el filme de Wellman, un abanico que se presenta desde una madurez casi desconocida en los filmes de los años treinta.

Lo más curioso del filme es sin duda la valentía y mano dura con la que se presenta la figura femenina, que aunque los roles no se distancien demasiado con los reales de la época, entiéndase la mujer que sólo sueña con un buen marido, la que se encarga de las tareas del hogar, y la que se preocupa del bienestar de su pareja, se presenta también como una guerrera de cuidado, algo no muy común en un filme de calado romántico.

Aunque Mujeres enamoradas no sea ni de lejos una película que haya permanecido fresca con el paso del tiempo, tiene la virtud de poder presentarse como un documento cinematográfico único, el cual es imposible no enmarcar históricamente en varias opciones, ya sea para entender la producción de una época concreta, como la frescura de su argumento, es por eso que merece un pequeño descubrimiento.

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TÍTULO ORIGINAL Other Men's Women AÑO 1931 DURACIÓN 70 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN William A. Wellman GUIÓN Maude Fulton FOTOGRAFÍA Barney McGill (B&W) REPARTO Grant Withers, Mary Astor, Regis Toomey, James Cagney, Fred Kohler, J. Farrell MacDonald, Joan Blondell, Lillian Worth, Walter Long PRODUCTORA Warner Bros. Pictures

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Trenes/Metros. Amistad. Comedia romántica. Drama romántico. Alcoholismo. Trabajo/empleo. Gran depresión. Pre-Hays

SINOPSIS

La relación de Bill y Jack, dos ingenieros de locomotoras y grandes amigos, se verá afectada cuando Bill se sienta atraído por la mujer de Jack.

CRÍTICA

+ "Wellman sabe ser sensible, pero en ningún momento olvida su garra cinematográfica." (The cinema)

PUNTUACIONES

 

	5,5		6,8		6,6
NOTA MEDIA: 6,3

TRAILER

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LA MAYORÍA DE LA GENTE (THE MASS OF MEN)

Y llegamos a la última película del año, antes claro del tradicional resumen de lo mejor de 2013 en el próximo post, y para despedir lo hago con el filme ganador en la última edición de Filmets (Badalona Film Festival), un cortometraje que además ha conseguido premios en otros tantos festivales internacionales como Locarno, San Sebastián o Berlín. Hablo de The Mass of Men.

Un hombre sin trabajo acude a su cita con la oficina de empleo tres minutos tarde, la funcionaria que le atiende no tiene más remedio que amonestar su retraso descontándole dos semanas del cobro del paro.

Inspirándose en los acontecimientos sobre los disturbios de Londres de 2011 y criticando el discurso realizado por el primer ministro David Cameron, este metraje puramente inglés dirigido por el cortometrajista Gabriel Gauchet, abre con unas inquietantes imágenes de calidad dudosa supuestamente grabadas por una cámara de vigilancia en unas oficinas, no terminamos de entender lo que está pasando, y empezamos a creer que lo que estamos viendo es algún tipo de obra experimental de la que costará sacarle el entramado, pero de repente todo parece estabilizarse y nos topamos con Richard, el protagonista del filme que espera el autobús que le lleve a su cita.

Este inicio tan revelador no es fruto de la estética, una vez contextualizado en el total de la película veremos que su uso va más allá de la anticipación, logrando un enlace con la idea, o si lo preferís, moraleja de la película. Aunque de entrada nos pueda parecer una obra cómica no tardaremos a entender que lo que en realidad ofrece es una sátira bastante dramática del tiempo que nos ha tocado vivir, de como a pesar de la lucha contra viento y marea de la sociedad, siempre estará el establishment dispuesto a imponer su visión nada objetiva, la mayoría de ocasiones sin ápice de humanidad presente.

Es fácil disfrutar de un trabajo como este, a pesar de la denuncia la falta de sencillez en imponer una moraleja, hacen de The Mass of Men una obra fresca además de estar estructurada bajo una originalidad única. Los premios que ha logrado ostentar no son para nada baladí, es imposible desviar la mirada de lo que nos ofrece. The Mass of Men es sin duda, un estupendo trabajo.

"La mayoría de los hombres llevan vidas de callada desesperación. Lo que se llama resignación es desesperación confirmada."

(Henry David Thoreau)

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TÍTULO ORIGINAL The Mass of Men
AÑO 2012
DURACIÓN 17 min.
PAÍS Reino Unido
IDIOMA Inglés
DIRECCIÓN Gabriel Gauchet
GUIÓN Gabriel Gauchet, Rungano Nyoni
MÚSICA Matt Kelly
FOTOGRAFÍA Nick Cooke
REPARTO Peter Faulkner, Dominic Kinnaird, Graham Bohea
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Cortometraje. Comedia dramática. Trabajo/Empleo

SINOPSIS

Richard, un desempleado de 55 años, llega tres minutos tarde a su cita en un centro de búsqueda de empleo. La orientadora, reprimida por el sistema en el que trabaja, no tiene más remedio que penalizarlo por impuntual. Para evitar caer en la indigencia, Richard toma medidas desesperadas.

PREMIOS

2012: San Sebastián: Premio Film School Meeting
2013: Berlín: Mejor fotografía
2013: Locarno: Leopardo de Oro
2013: Festival de cortos de Río de Janeiro: Gran premio
2013: Tabor: Mejor película de ficción

CRÍTICAS

+ "Una cinta poderosa, dura y realista sobre cómo el hombre puede ser el más despiadado de los seres humanos cuando se encuentra desbordado, cuando el sistema le está matando poco a poco y siente la asfixia." (Elena Clemente: Cultura enGuada)

+ "Un escopetazo de rabia social [...] expuesto de manera tan cruda como en una película de Michael Haneke. Deseo y horror a partes iguales. (Laia Pons: Cortosfera)

+ "Éste es uno de esos cortos que, muy narrativamente, construye una historia ficcional con el único objetivo de envolver la auténtica bomba “mensajística” que lleva dentro." (Mona León Siminiani: Cortosfera)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,5

- Filmaffinity: -

- IMDB: 7,6

* Media: 7,6

FRAGMENTO (OJO, SPOILER)

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LA SAL DE LA TIERRA

Aprovechando un día como hoy nos acercamos a una joya del cine que en su tiempo se las vio negras para llegar a las pantallas, con el tiempo y mucho esfuerzo no sólo logró esa meta, si no que en 1999 la película fue incluida entre los filmes que preserva el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser considerada "cultural, histórica, o estéticamente significativa". Y no es para menos, La sal de la tierra es una película imprescindible.

"¿Cómo contar una historia que no tiene principio?", se pregunta una voz en off que no tardamos en identificar como la de Esperanza Quintero, protagonista del metraje. La pobreza, discriminación y explotación laboral son factores siempre presentes en una pequeña población de Nuevo México, los trabajadores de la mina, hartos de los abusos deciden plantar cara a la patronal con una huelga con el fin de llegar a mejorar sus condiciones laborales y estatus de vida. Pero los mineros no son los únicos que tienen algo que decir, también sus esposas están cansadas del trato que se les da, así que deciden ir a por todas en la lucha para el beneficio de todos.

Antes de nada es interesante situar el filme en los tiempos que vivió (aunque no sea eso necesario para disfrutarlo). En 1947 no era extraño que un director o guionista terminara entre rejas al plasmar sus ideales (de izquierda) en sus obras, añadidos también a la larga lista negra del apolillado Hollywood de entonces. Herbert J. Biberman, director del filme fue uno de ellos, pero sus creencias no se vieron apagadas y armado con valentía se junto con un par de parias más del sector: Michael Wilson (guionista) y Paul Jarrico (productor); de este modo nacía la idea de un filme que causaría revuelo: La sal de la tierra.

Pocas películas han sido tan clandestinas, tan perseguidas y saboteadas en terreno norteamericano como el trabajo de estos señores. Para ello decidieron trasladarse a Nuevo México y basarse en la historia real de la huelga de unos mineros y sus familias del lugar. Para el equipo técnico y artístico necesitaron contar con otros especialistas vetados y nuevos y valientes rostros dispuestos a participar en una aventura de tal calibre, participando también en el elenco de actores unos secundarios de categoría, los propios mineros y esposas para interpretarse a si mismos. Sólo faltaba dar con la pareja protagonista, después de barajar varias posibilidades dieron con la potente Rosaura Revueltas, actriz mexicana dispuesta a enrolarse en la aventura, y más tarde y con dudas, a Juan Chacón, presidente de la Unión de Mineros sin ningún tipo de experiencia como actor y que además nada tenía que ver con la idea que el director tenía del personaje, sin embargo la decisión no pudo ser más acertada, ya estaba todo a punto, así nacía La sal de la tierra.

La realización fue dura, de entrada la prensa se hizo eco del rodaje y pronto empezó a correr el rumor de que un filme dirigido desde Moscú se guisaba en tierras americanas a modo de película-espia al servicio de Rusia. Los obstáculos a partir de aquí fueron de lo más arduos, incluso los prestigiosos laboratorios Pathé se negaron a seguir revelando el material que iban recibiendo del filme. Matones a sueldo, aeroplanos vigilando desde el cielo constantemente, amenazas escritas... Incluso de repente la oficina de inmigración decidió retirar el visado de Rosaura Revueltas enviándola de nuevo a su país. Hechos de este tipo hicieron trabajar al equipo en estudios clandestinos y pasar el material a través de la frontera como contrabando.

Una vez finalizado el rodaje (milagrosamente), todavía faltaba la parte de post-producción, difícil fue encontrar un laboratorio lo suficientemente valiente para procesar el material, y varios fueron los editores que fueron trabajando la película en estudios improvisados, pero finalmente el subversivo trabajo de Biberman estaba finalizado.

Los problemas no terminaban ahí, las presiones al sindicato de proyeccionistas hizo imposible la proyección en las salas comerciales, no fue hasta dar con el Grande Theater de Nueva York, una sala de carácter underground, que vieron su película en la gran pantalla y con público.

El resto fue rodado, a pesar de que críticos oficiales (incluso sin ver el filme) se encargaron de que el público no se acercara a las salas, famosos críticos independientes empezaron a elogiar la magnitud del trabajo, así, la película logró un exito apabullante en el extrangero, en especial en Francia dónde fue multi-galardonada y en México dónde su protagonista se convirtió en toda una aclamada estrella. Tuvieron que pasar más de diez años para que recibiese el reconocimiento merecido en su país de origen, Estados Unidos, para ser hoy una película clave de su historia.

Resumidos los acontecimientos podemos centrarnos en el metraje, un metraje que a pesar de estar claramente posicionado no pierde un ápice de la fuerza que tiene su historia. La película va mucho más allá de mostrar la injusticia que vivían los trabajadores y mostrarnos su lucha en pro de unos derechos no reconocidos, La sal de la tierra nos muestra además como las desigualdades también se encontraban dentro de las familias proletarias, dónde la mujer poco tenía que decir frente las decisiones de su marido, así nace una doble lucha en la que las mujeres se levantan para buscar sus propios derechos pero luchando siempre en el bando de sus maridos demostrándoles que sin ellas están perdidos. Es sorprendente ver la evolución de los acontecimientos, de como los roles del hombre y la mujer se invierten siendo ellas las que encabezan la lucha y ellos los que deben cuidar de sus hijos y hogares. Han pasado muchos años, y en ese aspecto el filme sigue teniendo la misma fuerza del mismo día.

La veracidad casi documental en los rostros de los más de cien secundarios no hacen más que reforzar el fuerte pulso del relato, y la presencia de una Revueltas que literalmente se come la pantalla sigue impresionando a día de hoy. En ocasiones también cuesta creer que Juan Chacón no era un actor preparado, que da a su personaje una veracidad increíblemente impresionante por su distanciamiento del cliché.

De igual modo su imponente fotografía y su épica banda sonora no hacen más que reforzar cualquier aspecto positivo de este reivindicativo metraje, lleno de momentos impresionantes y atrayentes en cada recoveco de su extensión.

La sal de la tierra es una película que no hay que dejar escapar, aunque sólo sea para ver que cincuenta años después las mejoras que hemos conseguido sólo han sido gracias a acciones como las del filme, pero también podemos ver cómo no hay que bajar la guardia, ya que las cosas en esencia no han cambiado tanto.

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TÍTULO ORIGINAL Salt of the Earth
AÑO 1954
DURACIÓN 95 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés, Español
DIRECTOR Herbert J. Biberman
GUIÓN Michael Wilson
MÚSICA Sol Kaplan
FOTOGRAFÍA Stanley Meredith, Leonard Stark (B&W)
REPARTO Juan Chacón, Will Geer, Rosaura Revueltas, Mervin Williams, Frank Talavera, Clinton Jencks, Virginia Jencks
PRODUCTOR Paul Jarrico
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Cine social. Cine Independiente USA. Trabajo/empleo. Mujer

SINOPSIS

Unos mineros de Nuevo México van a la huelga tras una serie de incidentes, librando una dura y amarga batalla en la que recibirán el apoyo de sus mujeres. Controvertido melodrama semidocumental en el que intervienen personajes auténticos, y que tuvo innumerables problemas durante y después del rodaje; el director, el productor, es guionista, el compositor y el actor Will Geer estaban, en aquella época, en la "lista negra" del comité de actividades antiamericanas del senador McCarthy. Hoy en día "Salt of the Earth" es uno de los pocos films preservados por la Librería del Congreso de los Estados Unidos por su importancia histórica y cultural.

CRÍTICAS

+ "Maravilloso clásico, a medio camino entre el documental y la ficción (...) Un filme comprometido, profeminista y reivindicativo, repleto de imágenes bellísimas" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

FRASES

* ¿Te sientes mejor si hay alguien inferior a ti?

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 8

- Filmaffinity: 7,6

- IMDB: 7,4

* Media: 7,7

TRAILER

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