CÍRCULO

Hoy en día, tras el paso de precedentes tan emblemáticos como Cube (Vincenzo Natali, 1997), e incluso la española El método (Marcelo Piñeyro, 2005), las nuevas cintas que giran entorno a un grupo de personajes atrapados en un lugar sin saber como han llegado ahí y que deben averiguar como escapar sacando lo peor de ellos mismos y pisando a cualquiera que se le ponga por delante, caen en un lastre en el que la originalidad brilla por su ausencia al ser incapaces de encontrar un verdadero punto de brillantez que consiga diferenciarlas del resto. Eso es así. Pero partiendo de lo complicado que es conseguir una nueva cinta que nazca en el seno de este pequeño subgénero, hay que aplaudir que películas como Círculo intenten de algún modo convencer a una audiencia que, si no está cansada de no encontrar nada más en ellas, al menos puedan hacerlo nuevos espectadores.

Cincuenta desconocidos despiertan en una habitación formada en círculo y de la que no pueden moverse, ya que ello les costaría la vida. No saben como ni porqué están ahí, solo que no tienen tiempo de pensar mucho en ello, ya que cada dos minutos uno fallecerá, ya sea por elección propia, por decisión del extraño mecanismo del centro, o por votación democrática del resto. Por este motivo deberán decidir quién debe morir y quién sobrevivir para llegar a un final desconocido.

Como digo, el género está más que obsoleto, cintas como las ya mencionadas, que cautivaron nuestros sentidos cinefilos, ya fueron precedidas por otras con menos suerte, véanse títulos como Exam (Stuart Hazeldine, 2009) o La habitación de Fermat (Luis Piedrahita, Rodrigo Sopeña, 2007) que cayeron en un saco de sinsentido en el que nada salvaba sus pocas gracias. A pesar de ello, se sigue insistiendo, pues es un formato que por lo general presenta pocos problemas presupuestarios y sirve además como una buena carta de presentación para directores noveles. Ejemplo de ello son las más recientes y exitosas películas Coherence (James Ward Byrkit, 2013) o La invitación (The Invitation; Karyn Kusama, 2015), ambas curiosamente premiadas en el Festival de Sitges, y que gracias a unos sólidos guiones de estilo high-concept, consiguen cautivar con facilidad reinventando sus psicológicos entramados, pero una vez más, ofreciendo en esencia lo mismo.

Círculo es una más de ellas, y como no, sus directores Aaron Hann y Mario Miscione, dos nombres nuevos en el campo cinematográfico. De nuevo una ópera prima de género que con recetas antiguas consigue poner en relieve a nuevos realizadores. Pero ojo, no voy a asociar el concepto como algo negativo, pues a pesar de los irremediables déjà vu, no deja de ser una película entretenida y capaz de cautivar por elementos propios.

En este caso, y a pesar de un arranque extremadamente forzado -algo común en estas producciones-, el guión que tanto Hann como Miscione construyen contiene cierto calado social bien trabajado que despierta el interés trasladando ingredientes de actualidad a una antigua receta, lo que da algo de frescura al plato final. Los directores programan sus personajes con tópicos, para trabajarlos y representar en un pequeño escenario, lo mejor y lo peor de todo aquello que representa el ideal de vida americano, -evidentemente, la globalización, hace que esos elementos sean igual de funcionales para la gran mayoría de espectadores occidentales-. De este modo, algo tan manido como un tópico, se moldea para conseguir un efecto más positivo, dónde el juego de rivalidades se convierte en algo secundario, y dónde el cariz social obtiene un papel más relevante y agradecido.

El resultado final es otro thriller psicológico que, como he dicho, nos sonará repetitivo, pero que gracias a un trabajo de base consigue tambalear un poco el sistema planteándonos en que consiste la actual democracia en la que vivimos, o deberíamos vivir, algo que siempre agradeceré en una cinta de género.

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TÍTULO ORIGINAL Circle AÑO 2015 DURACIÓN 87 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español DIRECCIÓN Aaron Hann, Mario Miscione GUIÓN Aaron Hann, Mario Miscione MÚSICA Justin Marshall Elias FOTOGRAFÍA Zoran Popovic REPARTO Julie Benz, Michael Nardelli, Carter Jenkins, César García, Kaiwi Lyman, Matt Corboy, Lawrence Kao, Lisa Pelikan, Jordi Vilasuso, Molly Jackson, Allegra Masters, Mercy Malick, Rivka Rivera, Daniel Lench, Sara Sanderson, Zachary James Rukavina, Michael McLafferty, Cameron Cruz, Daniel Yelsky, Bill Lewis, Ashley Key, John Edward Lee, Kurt Long, Jamie Lee Redmon, Muneer Katchi, Rene Heger, David Reivers, Marc Cedric Smith, Jacquelyn Houston, Michael DiBacco, David Saucedo, Aimee McKay, Gloria Sandoval, Howard S. Miller, Shane Spalione, Jay Hawkins, Fay DeWitt, Autumn Federici, Kevin Sheridan, Emilio Rossal, Leandra Terrazzano, Rory Uphold, Marisol Ramirez, Brent Stiefel, Han Nah Kim, Vee Kumari, Coley Speaks, DeMaris Gordon, Nasrin Mohammedi, Floyd Foster Jr. PRODUCTORA Taggart Productions / Votiv Films

GÉNERO Intriga. Thriller. Ciencia ficción

TEMÁTICA Cine independiente USA. Thriller psicológico. Extraterrestres

SINOPSIS

Cincuenta desconocidos se despiertan encarcelados juntos dentro de una cámara misteriosa formando un circulo. En tiempo real, deben identificar a sus captores y decidir cuál de ellos merece sobrevivir, en un juego macabro que nadie sabe cómo puede terminar.

CRÍTICA

= "Habría sido ideal para un corto o incluso un mediometraje. [...] Es un entretenimiento curioso al que merece la pena echar un vistazo. Evidentemente hay cosas que se pueden mejorar, pero ante ésta propuesta humilde poco más le podemos pedir." (Dante Martín: Cineybso)

+ "Circle es un film que transciende su mera fachada fantástica para dejarnos un escalofriante y realista retrato sobre la humanidad. Totalmente recomendable y de obligado visionado." (Emilio Gutiérrez Rodríguez: El primo de Ridley Scott)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,6		6,1
NOTA MEDIA: 6,1

TRAILER

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ALIEN: RESURRECCIÓN

Cierro la saga Alien -aunque Ridley Scott intente alargada con otra saga en forma de precuela (algo fuera de órbita) llamada Prometheus (2012)- con la película menos querida del grupo: Alien: Resurrección. La cuarta y última entrega dónde veremos las aventuras de nuestra amada Ripley (supuestamente muerta en la anterior entrega).

Un par de siglos más tarde de los hechos que dieron lugar a la muerte de Ripley, unos laboratorios que experimentan con la clonación dan vida de nuevo a nuestra heroína. El problema viene cuándo el ADN de una reina Xenoforme se cruza con el de Ripley y nace un híbrido que a pesar de parecer la propia teniente, cuenta con las peligrosas capacidades de los Aliens.

En perspectiva es normal que la cuarta entrega de la saga sea la menos apreciada por los seguidores, pues es sin duda la que más se separa del estilo denominador de las otras tres cintas. El motivo principal de estas diferencias es la mano que ejecuta la dirección de la película, el francés Jean-Pierre Jeunet. Director que antes de dar forma a Alien: Resurrección, logro dar vida junto a Marc Caro a trabajos como Delicatessen (1991) o La ciudad de los niños perdidos (La Cité des enfants perdus; 1995), aunque su mayor éxito, y filme más reconocido, corresponde a la posterior Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain; 2001), cinta con la que regaló una carrera internacional a Audrey Tautou.

Con estos datos tan reveladores no es de extrañar que el resultado de esta cuarta parte de Alien, un filme que de entrada poco tiene que ver con el imaginario de Jeunet, no sea del agrado de muchos. A pesar de que sus anteriores entregas también contaran con nombres relevantes del cine como Scott, James Cameron y un novato David Fincher, a estos podemos relacionarlos más con el cine de género al uso, en cambio al director francés se lo relaciona con un cine más autoral (a pesar del fondo comercial de sus películas), algo que confunde al relacionarlo con un blockbuster.

De todos modos, y a pesar de que muchos no lo han sabido ver, la esencia de la saga sigue intacta en la película de Jeunet, dónde lo que cambia son las formas, al llevarse el director toda la película hacía su terreno, impregnándolo de sus señas identitarias, y haciéndose suya la cinta (algo que en el fondo también hicieron los anteriores directores, lo distinto es la huella).

Así, en Alien: Resurrección, vemos un tono mucho más cercano al estilo comiquero que siempre nos ha regalado Jeunet en sus cintas, viéndose resaltado con un argumento que invita mucho más a la relación. La fotografía de su inseparable Darius Khondji (y que el director hereda para toda su obra incluso cuándo no cuenta con su colaboración) de tonos verdes y amarillos, ofrece un resalte de ese estilo, con el cual dota de una mayor fuerza estilística a la cint, acercándola algo más a la comedia, sin duda el elemento que más ha dinamitado la aceptación de los espectadores.

Jeunet cuenta también con sus habituales (y franceses) actores -Ron Perlman o Dominique Pinon, por citar un par- que junto a otros personajes dan un toque muy humorístico a la más bien sosa historia, la cual, deja claro el intento de estirar la franquicia para sacar todo el jugo posible. El resultado, una vez más, se separa por completo de sus tres hermanas.

Pero si somos capaces de aceptar que una película de Alien se convierta por completo en una cómica cinta de autor, algo que personalemente, y salvando las distancias, encuentro totalmente gracioso y permisible, podremos disfrutar de un entretenimiento que nos sorprenderá y que nos llegará en forma de un renovado viento fresco. Quizás el mejor modo de ello, es no relacionándola ni comparándola con sus antecesoras.

De todos modos, aunque sea la más cómica y/o irritante de las cuatro, hay que reconocerle que también es la más valiente. Su tono violento y sexual la hacen única, y responde por completo a las ideas que se pueden palpar dentro de la obra del ya fallecido H.R. Giger, que aunque no colaboró en esta última parte, parece que es la más cercana a sus trabajos, pues la fálica figura del Alien no es en esta película el único factor que se acerca a él. La relación de la nueva Ripley con la también nueva reina Alien, y el final el cual voy a omitir por motivos de no destripar nada argumentalmente, dan fe de ello, y nos ofrecen un éxtasis en su clímax tan distinto a cualquier otra cosa vista en cualquier filme de gran recaudación, que ya por eso merece la pena.

Lo dicho, si sois capaces de presentar un sentido crítico más libre frente a Alien: Resurrección, la película se disfruta y se convierte en una obra realmente desquiciante. De lo contrario os sumaréis fácilmente a la horda de detractores de una película que, a mi parecer, ha sido injustamente menospreciada (Winona Ryder incluida).

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TÍTULO ORIGINAL Alien Resurrection AÑO 1997 DURACIÓN 108 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inlgés DIRECCIÓN Jean-Pierre Jeunet GUIÓN Joss Whedon (Personajes: Dan O'Bannon & Ronald Shusett) MÚSICA John Frizzell FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Sigourney Weaver, Winona Ryder, Ron Perlman, Dan Hedaya, J.E. Freeman, Brad Dourif, Michael Wincott, Leland Orser, Raymond Cruz, Dominique Pinon, Gary Dourdan PRODUCTORA 20th Century Fox / Brandywine Productions

GÉNERO Ciencia ficción. Terror. Acción

TEMÁTICA Extraterrestres. Secuela. Saga

SINOPSIS

Más de doscientos años después de su muerte, Ripley (Sigourney Weaver) vuelve a la vida gracias al empleo de técnicas avanzadas de clonación. Pero, durante el proceso, el ADN de Ripley se ha mezclado con el de la Reina Alien, por lo que Ripley empieza a desarrollar ciertas características de la peligrosa alienígena.

PREMIOS

1998: Academia de Ciencia Ficción, Terror y Fantasía (USA): 6 nominaciones. Incluyendo mejor película de Ciencia Ficción
1998: Blockbuster Entertainment Awards: Mejor actriz de reparto- Sci-Fi (Winona Ryder). Nominada a mejor actriz principal - Sci-Fi (Sigourney Weaver)
1998: Satellite Awards: 1 Nominación

CRÍTICA

= "Sorprende por ser quizá la más sanguinaria, brutal, sórdida y agresiva, pero le falta fascinación" (Ángel Retamar: Cinemanía)

+ "Simpático delirio de genes y golpes de efecto (...) Interesante" (Luis Martínez: Diario El País)

+ "En “Alien: Resurrection” todo es tan “Over the Top” que dicen los anglos que uno se queda inmunizado al delirio y termina por comprarlo todo… porque todo vale." (A.M.M.: Ultramundo)

= "Alien resurrection está bien si consigues olvidar la idiotez del argumento y su delirante final. Por momentos funciona como película de acción y aventuras, si bien no entusiasma." (Luis Cifer: Las críticas de Luis Cifer)

- "No hay por donde cogerla." (Cinebso)

PUNTUACIONES

 

	7,0		5,6		6,3
NOTA MEDIA: 6,3

TRAILER

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LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS

De vez en cuando aparecen remakes de películas emblemáticas que consiguen no solo hacer un buen trabajo, si no que en ocasiones superan con creces a su antecesora. Un buen ejemplo de ello es La cosa (El enigma de otro mundo) (The thing; 1982), dirigida por John Carpenter, versión de la mítica obra de serie B El enigma de otro mundo (La cosa de otro mundo) (The Thing from Another World; Christian Nyby, 1951). Philip Kaufman no ha destacado por dirigir grandes películas, es por eso que La invasión de los ultracuerpos es sin duda su mejor trabajo, una estupenda película que también logra estar a la altura de su anterior versión, aunque esta vez tenía el listón realmente alto, ya que superar uno de los títulos mas emblemáticos del sci-fi como es La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers; Don Siegel, 1956), es harto complicado.

Elisabeth, empleada del departamento de sanidad de San Francisco, percibe que su marido empieza a comportarse de un modo completamente distinto al habitual, y preocupada le comenta a su compañero de trabajo Matthew lo que está sucediendo. Ambos terminan descubriendo que detrás se esconden unos seres de otro planeta, que han viajado a la tierra y están empezando a suplantar a los humanos.

La gran diferencia de las dos versiones reside en su momento histórico. Es sobradamente conocido como las películas de género de los 50-60 en Estados Unidos, se nutrían de la paranoia comunista, relacionando la acción de sus películas con el ataque de supuestas armas químicas, o como es el caso de La invasión de los ladrones de cuerpos, el miedo a que cualquiera de nuestros conocidos podría ser un espía al servicio del enemigo. A pesar de la total fidelidad -variaciones a parte-, esta nueva versión abandona por completo esas ideas para adentrarse de lleno en el cine de género, dónde el mensaje más claro que encontramos es el ataque a a individualidad del individuo dentro del sistema social.

Así, La invasión de los ultracuerpos, se entrega por completo a ofrecernos una terrorífica historia, dónde la paranoica atmósfera, logra introducirnos en grandes momentos de angustia. El enrarecido clima se respira durante toda la película. Después de unos títulos de crédito realmente estupendos, en los que se aprovecha, sin diálogo alguno, para contarnos el grueso del argumento del filme, para así no tener que devanarse en intentar explicarnos durante toda la película los motivos por los que sucede todo lo que vemos -algo que sin duda ayuda a que la película sea mucho más fresca, ya que no cae en la repetición argumental al repetirse en un nuevo filme-, nos topamos con una (demasiado) idílica estampa dónde las maestras llevan a sus alumnos de excursión al parque, los niños juegan, y los curas se balancean sonrientes en los columpios, una estampa que se ve alterada gracias a la climática banda sonora que compone Denny Zeitlin, y que nos acompaña durante todo el metraje, para propinarnos una buena dosis extra de nerviosismo, y advertirnos de la latente amenaza.

Si uno de los aciertos del filme de Kaufman son sus efectos especiales, impresionantes para su época, algo más denostados en la nuestra (aunque sigan siendo realmente fabulosos), es curioso como este no abusa de ellos, y los utiliza tan solo en los momentos cumbres del filme -la escena dónde vemos como las vainas engendran a los clones, eriza la piel a cualquiera-, para apostar por un trabajo más psicológico, que deja de lado la violencia o la abundante sangre, prefiriendo trabajar aquello que remite al miedo subconsciente, nacido a través de la desconfianza a lo desconocido. La impotencia y la inquietud de escenas rodadas al aire libre, fuera de todo elemento claustrofóbico, llega a ser de un nivel pocas veces logrado en localizaciones de este tipo, y ello es gracias a la realización y el ritmo que Kaufman elige para el filme, dando una gran lección de imaginación cinematográfica.

Entre los grandes momentos del filme, cabe destacar uno, que a pesar de ser esencialmente un simple homenaje, explota en nuestras narices en la primera parte del filme, y que juega a abrir el debate entre hasta que punto La invasión de los ultracuerpos es un remake o una secuela de La invasión de los ladrones de cuerpos. Un debate que podríamos incluso llevar más allá, al dotarlo de paralelismos sobre la repetición de los errores en los que la humanidad cae una y otra vez. El momento en cuestión es cuándo un hombre se arroja sobre el coche de los protagonistas, anunciando el desastre que está a punto de ocurrir, un momento que sirvió para dar el cierre de la versión de 1956 y que vuelve a interpretar su protagonista: Kevin McCarthy. Realmente el enlace da mucho juego para la especulación. (Otro de los cameos del filme es el de Don Siegel, director de la antecesora, que aparece interpretando a un sospechoso taxista).

Hablando de figuras en el filme, no podemos olvidarnos del plantel actoral. Nos encontramos con una serie de profesionales conocidos por su participación en películas que mucho tienen que ver con la de los ladrones de cuerpos, y que son caras sobradamente conocidas para todo fan del cine de género. Tenemos por ejemplo al dúo protagonista: el genial Donald Sutherland, que es la cara del filme y que su aportación ha conseguido que una de las secuencias más impresionantes de la película (su "silencioso" final), pase a los anales de la historia; y a Brooke Adams, que trabajó más tarde bajo las ordenes de Cronenberg en la "Stephenkinguiana" La zona muerta (The Dead Zone; 1983). Otras de las caras conocidas son Jeff Goldblum, muy conocido por varios papeles, pero que destaca por protagonizar otro filme de (¡coincidencia!) Cronenberg, La mosca (The Fly; 1986), o Verónica Cartwright, una de los 8 pasajeros que conocimos en Alien, el octavo pasajero (Alien; Ridley Scott, 1979). La puntilla la pone Leonard Nimoy, al cual le sobra toda presentación.

Kaufman logra sin lugar a dudas un trabajo de aplauso, con una inquietante cinta de terror y ciencia ficción, que logra sobrevivir al histórico fracaso que suelen vivir las nuevas versiones de trabajos de culto. Montarse con ambas un ciclo es realmente una gran idea, seguro que el impactante final de La invasión de los ultracuerpos, no os deja indiferentes.

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TÍTULO ORIGINAL Invasion of the Body Snatchers AÑO 1978 DURACIÓN 115 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Philip Kaufman GUIÓN W.D. Richter (Novela: Jack Finney) MÚSICA Denny Zeitlin FOTOGRAFÍA Michael Chapman REPARTO Donald Sutherland, Brooke Adams, Leonard Nimoy, Jeff Goldblum, Veronica Cartwright, Art Hindle, Lelia Goldoni, Kevin McCarthy, Don Siegel, Tom Luddy, Michael Chapman PRODUCTORA MGM

GÉNERO Ciencia ficción. Fantástico. Terror

TEMÁTICA Extraterrestres. Remake

SINOPSIS

Unos microorganismos de un lejano planeta han llegado a la Tierra. Matthew trabaja como funcionario en el departamento de sanidad de la ciudad de San Francisco. Una de sus mejores empleadas es Elizabeth, por la que siente algo más que admiración profesional. Cuando Elizabeth le comenta a Matthew que su marido ha cambiado, que toda su personalidad ha sufrido una transformación, el funcionario se lo toma a broma. Sin embargo, en el transcurso del día, Matthew observa que otras personas empiezan a sentir el mismo recelo hacia sus parejas o amigos. Versión, con ligeras variaciones, del clásico de ciencia-ficción de Don Siegel que narra la invasión de unos extraterrestres.

PREMIOS

1979: Academia de Ciencia ficción, Fantástico y Terror (USA): Mejor director. Mejor sonido. 6 Nominaciones.
1979: Sociedad de críticos Estadounidenses: Nominada a mejor guión.

CRÍTICA

+ "Título imprescindible para entender el cine de terror de los 70 [...] 'La invasión de los ultracuerpos' fue la prueba palpable de que se podía volver a contar una misma historia sin traicionar el espíritu del modelo original, enriqueciéndola con nuevos matices y mejorándola en muchos aspectos." (José Antonio Martín: El antepenúltimo Mohicano)

+ "Una espléndida película que no llega a la altura del original, pero que resulta enormemente convincente. Uno de los títulos de terror clave de los 70, y que igual que la versión de Siegel, influyó poderosamente en el cine posterior." (Alberto Abuín: Blogdecine)

+ "Una de las mejores producciones de género fantástico de la historia. Una película que como remake no se limita a calcar al título original, sino que aporta nuevos puntos de vista y, además, mejora los elementos que hicieron grande a la versión de Siegel. Imprescindible." (Alberto Vilar: Roy D. Mustang Blog)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,1		7,4
NOTA MEDIA: 7,2

TRAILER

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ANI*KURI15

Se cumplen hoy cuatro años de la triste muerte del gran Satoshi Kon, el cual nos ha dejado como legado un -aunque reducido- grupo de películas cada cual mejor, una excelente serie: Paranoia Agent (Môsô Dairinin; 2004), y una serie de mangas que podemos disfrutar en nuestro país en algún recopilatorio como Historias Cortas de Satoshi Kon (Planeta DeAgostini, 2012) o Seraphim (Planeta DeAgostini, 2014), obra póstuma inacabada con guión de Mamoru Oshi. Como todas las películas del director japonés ya han sido reseñadas con anterioridad, echo mano de Ani*Kuri15, una miniserie de televisión que en conjunto recoge 15 micrometrajes de 15 famosos animadores japoneses (exceptuando a Michael Arias, aunque también ha realizado trabajos en el país nippon), dónde Satoshi Kon destaca sobre el resto.

Ani*Kuri15 se emitió en tres temporadas de cinco cortometrajes cada una, los cuales fueron encargados a distintos directores de animación con la única premisa de que los trabajos debían durar un minuto exacto cada uno.

El conjunto no puede ser más irregular, y vistos del tirón dejan al espectador un poco desorientado, ya que todavía no hemos asimilado el inicio del primero, que el segundo ya está en marcha. Esa sensación se hace especialmente clara en la primera parte del metraje, ya que los cortos de ese segmento son realmente un delirio de velocidad, imposible de digerir. Por suerte poco a poco la cosa va mejorando, y en su tramo final se encuentran sin duda los mejores trabajos, siendo el de Kon el encargado de cerrar, y como no, el mejor de ellos.

Estos son los micrometrajes:

Attack of Higashimachi 2nd Borough (Shinji Kimura, 2007). Tres alienígenas llegan a una tierra de cartón para invadirla. 

El primero de los cortometrajes no puede ser más loco, lo que hace que el inicio de Aki*Kuri15 sea totalmente confuso, el listón parte bajo, y con él las esperanzas de que lo que venga después vaya a mejorar. Kimura elige la animación digital pero la trata como un cruce entre la tradicional y el cut-motion, aunque el resultado es algo tosco, el diseño es colorido y muy en el tono del corto.



From the Other Side of the Tears (Namida no Mukou; Akemi Hayashi, 2007). Una muchacha se recupera de una ruptura.

La segunda propuesta dirigida por Akemi Hayashi, se separa radicalmente del estilo de Attack of Higashimachi 2nd Borugh, no solo por su esilo, ya que este recurre directamente a la animación tradicional y los tonos pastel, si no también al eje argumental, que abandona la comedia loca y de ciencia ficción, para adentrarse en los porvenires del desamor. Lo mejor de From the Other Side of the Tears es que nos aclara que no todos los cortos son iguales, y que seguramente encontraremos alguno que nos convenza. Si el metraje de Hayashi no pareciese más un clip musical, y se centrara más en contarnos la historia, seguramente entenderíamos mejor su metraje, y el resultado hubiese sido mucho más satisfactorio.

Blaze Man (Hyotoko; Yasufumi Soejima, 2007). Un grupo de guerreros nativos atacan a un kami gigante con forma de oso. El kami toma uno de ellos y le prende el fuego espiritual.

El tercer trabajo nos vuelve a desilusionar. A pesar de centrarse en seres míticos japoneses (los kami), su argumento dista mucho de lo mágico de estos. El segmento de Soejima, diseñado totalmente en CGI, parece más el trailer de un videojuego que una historia en si misma, algo que refuerzan los excesivos efectos visuales de la película.



Sancha (The Aromatic Tea) (Osamu Kobayashi, 2007). El avaro dueño de una tienda de discos imagina el poder adquisitivo de sus clientes, según su aspecto y sus comentarios.

Kobayashi sorprende con su estilo animado, algo que llega como viento fresco tras ver los trabajos anteriores, aunque aquí el ritmo desmesurado sigue haciendo acto de presencia, esta vez es más acorde a las imágenes que se nos muestran. Lo malo de Sancha es que nos quedamos con la sensación de que hubiese salido una historia divertida de él, y al final sólo queda en un simple gag.



Invasion from Space - Hiroshi's Case (Uchujin Raikou Hiroshi no Baai; Shojiro Nishimi, 2007). Hiroshi intenta leer su manga, pero un pequeño robot está disparando bolitas para distraerlo y así poder escapar.

Muy en la línea del anterior, el trabajo de Nishimi parece que nos va a sorprender en cualquier momento, y a pesar de su entrañable humor, termina como Sancha (The Aromatic Tea), como un simple gag humoristico. Lo mejor de este Invasion from Space, no es solo la inventiva, si no que parece que el autor no necesita el ritmo desenfrenado para contarnos una historia en poco tiempo, algo muy de agradecer.

Project Mermaid (Mamoru Oshii, 2007). Un pez se convierte en una sirena que nada para escapar de una ciudad post apocapiltica.

El sobradamente conocido Mamoru Oshii por obras cumbre como la saga Ghost in the Shell (Kokaku kidotai; 1995) o Patlabor: La película (Kidô Keisatsu Patoreibâ: The Movie; 1989), nos ofrece el primer metraje realmente interesante, aunque irregular. A través de un cut-motion totalmente digital, Oshii nos muestra el viaje de este ser a través de este mundo post-apocalíptico digital, muy en la linea de sus anteriores trabajos. La metáfora de la evolución está servida, y Oshii intenta con su trabajo ofrecer algo más que un estimulo visual para el espectador.

Yurururu (Nichijou Hen) (Kazuto Nakazawa, 2007). Un animador pasa todo el día animando un clip de 1 segundo sobre un pez gigante en una ciudad.

Aunque Nakazawa siga con el gag visual, esta vez intenta reflexionar sobre el rutinario trabajo de un animador, y el esfuerzo por parte del director por ofrecer algo de interés en su trabajo queda perfectamente reflejado en el resultado final. Lo mejor de Yurururu es sin duda la mezcla de estilos que presenta, ya que lo que parte siendo un stop-motion fotografiado de una propia animación, se convierte en animación pura para hacernos arrancar una carcajada y finalmente volver al origen que nos presentó. El trabajo de Nakazawa aquí está a la altura. Es la propuesta más fresca hasta ahora.

Gyrosopter (Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, 2007). Una joven piloto girosóptica visita un espejo de agua y recuerda una batalla girosóptica y la muerte de un amigo en un planeta acuático.

El trabajo creado mano a mano entre Ranji Murata y Tatsuya Yabuta parece más una escena del videojuego Final Fantasy que un cortometraje en sí. El estilo digital, a pesar de preciosista, es burdo y cuadriculado, algo que desmerece en una propuesta que quiere ser una evocación de la nostalgia. Pero Gyrospoter tiene algo que lo salva del debacle absoluto y es la creación de un universo propio, que a pesar de que solo podamos verlo durante un minuto, nos deja con ganas de descubrir más sobre él. Un imaginario muy a la altura de los mundos de Miyazaki, en por ejemplo El castillo en el cielo (Laputa) (Tenkû no shiro Rapyuta; 1986), eso sí, mucho más futurista y lejos del Stempunk.

Wandaba Kiss (Atsushi Takeuchi, 2007). Un niño y su perro inventan una compleja máquina para robarle un beso a una chica.

La novena propuesta de Ani*Kuri15 se convierte en lo más Kawaai del conjunto de la obra. Con tonos pastel, y una animación que danza entre lo tradicional y el retoque digital, Takeuchi apuesta por una historia sencilla y agradable, dejando la espectacularidad solo para el diseño del invento de su pequeño protagonista. El corto es un trabajo sencillo y tierno, quizás nada del otro mundo, pero muy agradable y simpático (además de muy mono).


Colonel Sports (Supaatsu Taisa; obira Oda, Yasuyuki Shimizu, 2007). El coronel Sports va a las montañas huyendo de su enemigo Paul.

Es curioso que la propuesta más rompedora sea la que elija un estilo animado totalmente artesanal, y que juegue solo con la línea negra en un estilo de dibujo de lo más sencillo. De este modo se hace imposible no interesarse ni que sea un poco en la décima propuesta de Ani*Kuri15, aunque al final su argumento sea algo pobre.




A Gathering of Cats (Neko no Shûkai; Makoto Shinkai, 2008). Al gato de la familia le han pisado la cola tantas veces que sueña con la venganza.

Makoto Shinkai es un nombre que no podemos olvidar, poco a poco sus obras se están abriendo camino a nivel internacional y cosecha premios allá dónde pisa. Películas como 5 centímetros por segundo (Byôsoku go Senchimêtoru; 2007), Viaje a Agartha (Hoshi o Ou Kodomo; 2011) o la más reciente El jardín de las palabras (Kotonoha no Niwa; 2013) son un buen ejemplo de un cine con huella propia y que tiene mucho que ofrecer. Su aportación a Ani*Kuri15 no va a ser menos, y se presenta como la más destacada (sin contar la de Kon) del grupo. Sin dejar de lado el estilo de color que usa siempre el animador, A Gathering of Cats se presenta como una obra cómica, que se aparta un poco del estilo melancólico tan usual en el realizador. Shinkai sabe aprovechar sus sesenta segundos al máximo y lo hace ofreciéndonos una historia divertida, fresca, alegre y que gracias a su bigotudo protagonista, enamora.

Princess Onmitsu (Onmitsu Hime; Mahiro Maeda, 2008). Una niña mágica y su muñeco deben derrotar a una horda invasora de piratas aéreos.

Maeda es conocida básicamente por su aportación en Animatrix (The Animatrix; Andrew R. Jones, Shinichirô Watanabe, Mahiro Maeda, Yoshiaki Kawajiri, Takeshi Koike, Kôji Morimoto, Peter Chung, 2003) y también, aunque en menor medida por su Blue Submarine No. 6 (Ao no roku gô; Mahiro Maeda, Masahiro Ozawa, Toru Fukushi, 1998), trabajos que quedan lejos de la estética Magical Girl a la que echa mano en esta propuesta. Un micrometraje que podría ser de los que suscitan interés si no fuese por que al final simplemente nos deje con la sensación de haber visto la promo de una nueva serie estilo Sailoor Moon (Bishôjo Senshi Sêrâ Mûn; Junichi Sato, 1992-1997). Una vez más el ritmo alocado vuelve a reinar en este segmento y no nos deja apreciar si realmente esconde algo interesante.

Okkakekko (Michael Arias, 2008). Un grupo de niños corren por el campo y juegan con un robot gigante que no les da miedo.

A pesar de su nacionalidad americana, Arias es sobradamente conocido por su trabajo en Japón, por ejemplo es reconocible su adaptación del cómic de Taiyou Matsumoto Tekkon kinkreet (Tekkonkinkreet) (Tekon kinkurîto [Tekkonkinkreet]; Michael Arias, Himaki Ando, 2006). En su segmento podemos ver como el director vuelve una vez más adentrarse en el universo de la mente infantil para ofrecernos un trabajo de gran belleza plástica, que aunque a simple vista parezca simple y de poca profundidad, en realidad esconde un universo lleno de matices. Un minuto es poco para todo lo que Arias nos cuenta en su metraje, y por eso Okkakekko resulta algo fallida, aunque insisto, no exenta de interés. Un largometraje con esas ideas sería realmente una gozada.

Project Omega (Shoji Kawamori, 2008). Cuando una fuerza extraña se precipita hacia la sede de la NHK en Tokio, el edificio cobra vida como un Evangelion transformador para combatir al enemigo.

Project Omega vuelve una vez más al asunto de la invasión extraterrestre -ya es el tercer metraje inspirado en ellos-, pero esta vez el filme decide apostar por homenajear, y a la vez construir una sátira, al género de los mechas (Robots). Lo que de entrada parece que va a tomar un tono propio del cine de catástrofes, enseguida aparece la vena cómica aunque Kawamori logre ocultarla tras un aspecto más formal, lo que se funde en un híbrido realmente curioso. Más allá de la reacción de sus personajes y la inesperada transformación del robot, el filme no ofrece mucho más, un minuto es un minuto para Kawamori.

Good Morning (Ohayô; Satoshi Kon, 2008). Una joven se levanta de la cama y medio dormida trata de despertarse a sí misma.

Good Morning sería el último trabajo de Satoshi Kon en el campo cinematográfico de no ser por su desaparición, ya que todavía no se sabe que pasará con su inacabada The Dreaming Machine (Yume miru kikai), por lo pronto, su último trabajo en pantalla no podía ser mejor. El trabajo de Kon es sin lugar a dudas el mejor de los cortometrajes que se reúnen en esta obra, el director japonés no sólo ha sabido aprovechar los sesenta segundos de margen al máximo, si no que además ha logrado llevárselos a su terreno ofreciéndonos una pequeña joya muy en la tónica del resto de sus obras. Kon ha apostado por la sencillez, y aún así ha podido ahondar en sus ideas de lo onírico y el subconsciente, simplemente al seguir el despertar de una muchacha. El estilo animado es el mismo al que el artista nos tiene acostumbrados, dónde prima el detalle y el realismo. La aportación de Kon es sin duda el mejor sello para Aki*Kiri15.

Es común que en estos trabajos hechos a diferentes manos, nos topemos con obras algo irregulares que muestren lo difícil de conjugar las ideas de varios artistas en una sola, así Ani*Kiri15 no es una excepción, y la irregularidad de sus trabajos limita en ocasiones la apreciación de los unos y los otros, así que aunque podamos verlos del tirón, es bueno poder degustarlos uno a uno, para ver como individualmente gozan de mayor presencia.

Para despedir, si queréis una reseña que ahonde en profundidad sobre la lista de autores de estos microcortometrajes os remito al estupendo blog de Cineticamente, dónde encontraréis una estupenda entrada que realizó en 2012.

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TÍTULO ORIGINAL Ani*Kuri15 (Ani-Kuri 15) AÑO 2007 DURACIÓN 18 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon GUIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon MÚSICA Tenmon, Varios VOCES ORIGINALES Takeshi Maeda, Akira Nakagawa, Shizuka Okohira, Yuka Terasaki PRODUCTORA Studio 4°C / Gainax / Gonzo / Madhouse / Production IG / NHK 

GÉNERO Animación. Fantástico. Ciencia ficción. Acción. Romance. Comedia

TEMÁTICA Miniserie de TV. Película de episodios. Cortometraje. Robots. Magia. Comedia absurda. Extraterrestres. Manga. Futuro postapocalíptico. Gatos.

SINOPSIS

Colección formada por quince cortos realizados por diferentes directores y creadores japoneses del campo de la animación, incluyendo a un estadounidense, Michael Arias, productor de "Animatrix" y director de "Tekkon Kinkreet". La duración de cada corto es de un minuto. Su emisión se dividió en tres temporadas de cinco cortos cada una, para su emisión en fechas determinadas.

Lista de cortos:
- Attack of Higashimachi 2nd Borough
- From the Other Side of the Tears
- Blaze Man
- Sancha (The Aromatic Tea) Blues
- Invasion from Space - Hiroshi's Case
- Project Mermaid
- Yurururu (Nichijou Hen)
- Gyrosopter
- Wandaba Kiss
- Supaatsu Taisa
- A Gathering of Cats
- Princess Onmitsu
- Okkakekko
- Project Omega
- Good Morning

CRÍTICA

+ "Además del interés del proyecto en sí otro de los puntos destacables es que se buscaran animadores que no necesariamente tuvieran su carrera centrada en la dirección, incluyendo representantes de varios otros departamentos desde los más creativos a los más técnicos, dándoles por primera vez la oportunidad de organizar toda una pieza con su propia visión. Y dado que son vistazos más que rápidos no deja de resultar en una revisión interesante.
Está claro que este tipo de conjuntos siempre resultarán algo irregular, por no hablar de que el tiempo tan limitado a veces podría no darle el mejor empuje a alguna propuesta en particular. Aunque al mismo tiempo eso permite que no nos aburramos en ningún momento y que si bien algunos cortos puedan ser menos interesantes o logrados que otros, sea difícil que resulten especialmente negativos. (S.: Cineticamente)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,3		7,3
NOTA MEDIA: 6

TRAILER

Podéis ver 'Ani*Kuri15' completo subtitulado al español aquí.

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