DINS LA FOSCA (DENTRO DE LA OSCURIDAD)

Acaba de arrancar hoy jueves la IV edición de Mostremp, festival de cine rural al Pallars, convirtiéndose ya en una cita anual a la que cualquier aficionado al séptimo arte no debe faltar. Oportunidad de disfrutar de una selección de cortometrajes internacionales creados alrededor del mundo rural que compiten a concurso. Este año además, en la sesión inaugural, podrá verse el largometraje documental Camino a la escuela (Sur le chemin de l'école; Pascal Plisson, 2013), y no faltará el pase infantil dónde se proyectará la maravillosa candidata a los Oscar La canción del mar (Song of the Sea; Tomm Moore, 2014). Este año además debo reseñar el festival por partida doble, pues no sé si recordaréis que hace un tiempo os hablaba de un proyecto de cortometraje llamado Dins la fosca (Dentro de la oscuridad), filme en el que tuve la oportunidad de colaborar y que ha entrado a concurso en la sección Pallars y Ribagorça del festival. Hoy os hablaré un poco del corto y os recomiendo una vez más asistir a Mostremp, pues pocas veces tenemos oportunidad de asistir a una cita en la que disfrutar de un entorno cinematográfico fuera de las grandes urbes.

En una Cataluña de finales del siglo XIX nos encontramos con Frederic, un muchacho que reparte correspondencia de pueblo en pueblo atravesando campos y bosques. En uno de estos repartos, nuestro protagonista se pierde entre los árboles cuándo la noche le atrapa por sorpresa. Frederic no sabe dónde se encuentra y en medio de ésta encrucijada se enfrentará también con algunas de las cosas que le atormentan. Frederic no lo sabe, pero no se encuentra solo en el bosque.

Dins la fosca es la obra primeriza de Joaquim Sicart, estudiante de bellas artes que decide enfocar sus estudios hacía el medio audiovisual. Cuándo nos topamos con un trabajo de estas características es común que las primeras obras sean escasas de medios y eso afecta a la calidad final, ya sea por sus presupuestos o por la inexperiencia de un equipo primerizo. Pero de vez en cuando sorprende encontrar como existen trabajos que se alejan de todo el sentido amateur, y a pesar de ser obras en los que lo que prima es el trabajo de aprendizaje, al final el resultado es más óptimo de lo esperado. La calidad cinematográfica de Dins la fosca entra en este grupo, pues ya desde su arranque se puede observar el mimo y el cuidado que se tiene en todo momento, pues la fotografía y los encuadres dejan un testimonio claro del buen trabajo y la dedicación que hay detrás.

Poco a poco, y sin diálogo alguno, el filme avanza para introducirnos en una historia en la que rápidamente nos sentimos interesados, el ritmo es bueno y su banda sonora, creada especialmente para el filme por el compositor Tomàs Simón e interpretada por la Orquestra Sinfónica de las Tierras del Ebro, acompaña especialmente a la acción en todo momento, una música que profundiza incluso en la relación entre los personajes y que, lejos de querer ser una cinta muda, no empaña los sonidos tan característicos de cualquier entorno rural.

Otro de los aspectos que sorprenden en la película es el uso de los efectos especiales, algo que normalmente suele ser también chapucero y torpe en un trabajo de estas características, pero que en Dins la Fosca sorprende por su calidad e incluso llega a mezclar momentos animados que, también gracias a su banda sonora, nos remiten a uno de los más atrevidos trabajos de Walt Disney: Fantasía (Varios, 1940).

La historia es quizás sencilla, un relato de superación emocional que utiliza el género fantástico para narrarnos esa batalla interna. Pero el ritmo y esa decisión por relatárnoslo todo sin palabras, dejando entrever lo que hay detrás de los personajes sin contarlo directamente, consiguen hacernos a los espectadores cómplices de su relato, y por consiguiente, a disfrutar del filme.

Dins la fosca se podrá ver hoy en uno de los puntos dónde se rodó Masarbonés (Tarragona) y mañana por la tarde en Tremp dentro de la sección Pallars y Ribagorça dentro del festival Mostremp (podéis consultar el resto de la programación aquí). Si seguís el Facebook del corto podréis estar atentos a los próximos pases e incluso saber la fecha en la que será liberado en la red.

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TÍTULO ORIGINAL Dins la fosca AÑO 2015 DURACIÓN 20 min. PAÍS España IDIOMA Sin diálogos DIRECCIÓN Joaquim Sicart GUIÓN Joaquim Sicart MÚSICA Tomàs Simón FOTOGRAFÍA Jennipher González REPARTO Imanol García, Elisabet M. Arenzana, Victor Solé, Marc Delclos, Ester Romero, Núria Amer, Octavi Gonzàlez, Núria Sala, Odei Morillas, Júlia Pié, Emma Cejuela

GÉNERO Fantástico. Drama

TEMÁTICA Sobrenatural. Brujería. Fantasmas. Vida rural. Cortometraje. Siglo XIX

SINOPSIS

Frederic vive en su propia piel la metáfora del ave fénix, que se encarna en este relato fantástico situado en la Cataluña rural de finales del siglo XIX, cuando las personas todavía mantenían todas las conexiones con sus orígenes terrenales. Eran tiempos donde la gente era movida por unas creencias y unos miedos muy poderosos. Y cuando uno se adentra en estos miedos, sólo encuentra un único camino: el de la oscuridad.

PREMIOS

2015: Mostremp: Cortometrajes a concurso (Sección Pallars y Ribagorça)

TRAILERS

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LA MUJER DE NEGRO

En 2012 llegaba a nuestras pantallas la adaptación de una de las novelas más exitosas de Susan Hill, escritora destacada dentro del campo del terror gótico, una cinta que protagonizaba Daniel Radcliffe y que obtuvo una buena acogida general, La mujer de negro (The Woman in Black; James Watkins). El éxito de esa cinta ha hecho que hace poco llegara a los cines una segunda parte del filme: La mujer de negro: El ángel de la muerte (The Woman in Black 2: Angel Of Death; Tom Harper, 2015); esta vez bastante vilipendiado por público y crítica. Pero esta adaptación no ha sido la primera vez que se extrae del papel, pues en 1989 se estrenó la adaptación teatral, cuyo éxito se ha alargado hasta nuestros días, y a su vez, ese mismo año, veía la luz la cinta que hoy os traigo. La mujer de negro llegaba por primera vez a todos los hogares gracias a la televisión, causando terror a los que se atrevieron a verla en sus butacas.

Arthur es un abogado cuyo gabinete envía a un pequeño pueblo de la costa inglesa para gestionar la venta del inmueble de una recién fallecida clienta. Allí descubre como la mujer no tenía familia ni amigos, viviendo sola en un caserón apartado por un camino por el que solo se puede acceder cuándo la marea es baja. En el entierro de la misma, Arthur, se percata de la presencia de una mujer vestida de luto que asiste al sepelio sin acercarse demasiado. ¿Quién es esa extraña mujer? 

Contra todo pronostico hay que decir que la versión de 2012 es más fiel a la novela original, siendo esta un disgusto para la propia autora. De todos modos, en este telefilme que dirige Herbert Wise -director prolífico en trabajos televisivos-, la historia se gesta de un modo más duro y con mayor suspense, dejando algunos de los elementos del relato en un segundo plano, dónde el espectador puede intuirlos con facilidad gracias a la excelente puesta en escena. Un argumento que se desarrolla interesante hasta una resolución de lo más atractiva.

El problema de La mujer de negro es que pese al buen trabajo de diseño ambiental, el filme se configura como una cinta no muy agresiva con el espectador (algo que si sucede con la versión de Watkins), dejando solo un par de momentos en que podamos sentir verdadero miedo a lo que estamos viendo. Eso es algo que no percibimos hasta pasado el ecuador de la cinta, pues la excelente ambientación y las sorprendentes localizaciones ayudan a que sintamos atracción por eso tan misterioso que se nos está mostrando en pantalla. Pero a partir de ese punto el interés va menguando, pues el desarrollo se empieza a volver algo repetitivo e irregular, llegando a cansarnos en algunos momentos en los que deberíamos estar totalmente entregados.

Uno de sus puntos a favor es la presencia de Adrian Rawlins, actor inglés que (¿casualidad?) actualmente es conocido por su papel como James Potter, el padre del mismo Radcliffe en la saga del niño mago (¡!), y que en el filme encarna a Arthur, el protagonista. Rawlins es el punto que ofrece un desarrollo más claro y conciso de lo que estamos viendo, pues es el encargado de ir articulando todo el peso argumental que en él recae, consiguiendo levantar algunos confusos momentos de la película.

La mujer de negro es una cinta estupenda para ser vista como una rareza, o como un aperitivo para la superior versión de 2012, ya que esta última consigue crear una atmosfera mucho más tensa y desarrollarse de un modo mucho más claro y conciso, aunque ello implique menos espacio para que el espectador pueda hacer sus conjeturas. Al final se me ocurre que sería genial una versión en la que se adaptaran los esquemas narrativos de esta primera versión, pero que se hiciera con las buenas maneras del filme más contemporáneo, de bien seguro que tendríamos entre manos no solo un éxito asegurado y un filme que de verdadero pavor, si no una cinta realmente redonda.

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TÍTULO ORIGINAL The Woman in Black AÑO 1989 DURACIÓN 100 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Herbert Wise GUIÓN Nigel Kneale (Libro: Susan Hill) MÚSICA Rachel Portman FOTOGRAFÍA Michael Davis REPARTO Adrian Rawlins, Bernard Hepton, David Daker, Pauline Moran, David Ryall, Clare Holman, John Cater, John Franklyn-Robbins, Fiona Walker, William Simons, Robin Weaver, Steven Mackintosh, Andy Nyman, Robert Hamilton PRODUCTORA Central Films Limited / Granada Television

GÉNERO Terror. Intriga

TEMÁTICA Fantasmas. Sobrenatural. Casas encantadas. Telefilm. Vida rural

SINOPSIS

Arthur, un joven abogado, es enviado a un pueblo de la costa inglesa para preparar los tramites de la venta de una casa, cuya propietaria acaba de morir. Mientras asiste al entierro de la mujer, percibe la presencia de una misteriosa mujer vestida de negro que no deja de observarlo.

PREMIOS

1989: Premios BAFTA: 4 nominaciones

CRÍTICA

+ "Nigel Kneale ha hecho un muy buen trabajo adaptando la novela al cine." (Jorge Consiglio: Combogamer)

+ "Una cult movie gracias a su atmósfera sofocante, a su acumulación de detalles visuales perturbadores que sorprenden por el matiz realista de la puesta en escena, y por la excelente interpretación de Adrian Rawlins." (Imagenes)

+ "La película en su época causo furor y terror, pero ahora está un poco desfasada, cosa que para los nostálgicos de las películas de antes no es ningún impedimento, sino todo lo contrario. Aquí no se abusan de efectos especiales, ni de sustos, ni de un gran presupuesto, pero cuenta con una buena atmosfera, actuaciones convincentes y una historia intrigante." (The Dreamers)

PUNTUACIONES

 

	5,0		6,2		7,4
NOTA MEDIA: 6,2

ESCENA

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JENNIE

Jennie, conocida también como El retrato de Jennie, es una indiscutible obra maestra de la década de los cuarenta, a pesar de ello es de las menos conocidas, y es por eso que hoy me permito el lujo de reseñarla, no vaya a ser que tú, que lees estas lineas, seas uno de los que todavía no ha descubierto esta pequeña joya del cine.

Eben Adams es un pintor que malvive malvendiendo alguna de sus pinturas. Un buen día, en un paseo vespertino en Central Park, conoce a una joven muchacha de nombre Jennie de lo más excéntrica que llama poderosamente su atención. Tras un divertido rato con ella el hombre se inspira haciendo un boceto de la chiquilla que plasma muy bien lo mejor del artista. En un nuevo encuentro con ella decide proponerle que pose para él para hacer un retrato, pero algo ha cambiado en Jennie, parece más adulta, y la atracción hacía ella empieza a convertirse en amor. Eben no conoce en realidad el secreto de Jennie.

William Dieterle dirige esta maravillosa película de brillante y original guión elaborado por Paul Osborn y Peter Berneis, a su vez adaptando la novela homónima de Robert Nathan, que cuenta con una historia de lo más sorprendente en cuanto a argumento. Una obra de realismo mágico que bien podría desmoronarse en cualquier momento, pero que en el filme de Dieterle se conjuga como solida y llena de pasión. El entorno del filme se construye bajo las licencias del cine romántico, pero con dosis de fantástico que pueblan la película de un ambiente onírico absolutamente brillante y eficaz.

El filme nos habla de la obsesión de un artista por encontrar el verdadero camino para lograr expresarse plenamente a través de su arte, y de la magia de las musas, encarnadas en el filme en la figura de Jennie, una chica que juega un papel imprescindible en el filme y que se convierte en un ser medio real medio ficticio que se presta al papel inspirativo de un artista. La presentación de este personaje y de la romántica obsesión del protagonista por ella, se gesta en un relato absorbente y atractivo del que es difícil no quedar prendado. Es quizás el punto más edulcorado (aunque en algunos planteamientos sea una cinta muy adelantada a su tiempo) el que puede enturbiar un poco su desarrollo, pero hay que reconocer que sus estrategias de relato espiritual llevan la cinta por la mejor de las sendas.

Uno de los elementos más acertados, y que se convierte en una herramienta totalmente imprescindible para su éxito, es el uso de la fotografía. En su arranque, su director de fotografía Joseph H. August, apuesta por unas imágenes donde los tonos grises logran que las localizaciones del filme se conviertan en algo fantasmagórico y onírico, muy en sintonía con lo que estamos a punto de ver. Las texturas son granuladas, y se presentan en la pantalla unas imágenes que fácilmente nos recordarían a una pintura. Pero poco a poco, siguiendo el avance de su protagonista, el tono se hace cada vez más claro, y esas tonos turbulentos se quedan solo para anticiparnos la fantasmagórica presencia de esa extraña muchacha llamada Jennie. A medida que nos acercamos al punto más álgido del filme, poco nos esperamos la abrupta evolución que va a sufrir la imagen, pues August se atreve con los filtros más básicos para dar un color verde o rosado a algunas escenas finales, logrando un tono todavía más onírico y a la vez arrollador con el espectador, que explosiona como una tormenta que nos deja realmente enganchados en la butaca. No hay que olvidar que estamos hablando de un filme de los años 40, época en que el color y el blanco y negro compartían a partes iguales la cuotas en las salas de cine. En ese aspecto, Jennie, es una película de una experimentación sin limites, y con un final digno de elogio, pues a día de hoy todavía sorprende su trato y deja latente uno de los conceptos básicos del filme: la perdurabilidad del buen arte, que no se ve afectado por el paso del tiempo.

Maravillosa, así hay que definir esta película imprescindible. Así que tenéis una cita con Jennie, esa gran chica que llena el alma de nuestro protagonista.

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TÍTULO ORIGINAL Portrait of Jennie AÑO 1948 DURACIÓN 86 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN William Dieterle GUIÓN Paul Osborn, Peter Berneis (Novela: Robert Nathan) MÚSICA Dimitri Tiomkin FOTOGRAFÍA Joseph H. August (B&W) REPARTO Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne, Albert Sharpe, Henry Hull, Florence Bates, Felix Bressart, Clem Bevans, Maude Simmons PRODUCTORA Selznick International Pictures

GÉNERO Drama. Romance. Fantástico

TEMÁTICA Drama romántico. Pintura. Arte. Sobrenatural. Fantasmas. Realismo mágico

SINOPSIS

Un pintor arruinado y abatido por haber perdido la inspiración conoce, un frío día de invierno, a una chiquilla en Central Park vestida de un modo anticuado. A partir de ese momento se suceden otros encuentros, con la particularidad de que en breves intervalos de tiempo la chica se va convirtiendo en una bellísima joven, de la cual el pintor se enamora. Pero Jennie esconde un secreto…

PREMIOS

1948: Oscar: Mejores efectos especiales. 2 nominaciones
1949: Festival de Venecia: Mejor actor (Joseph Cotten)

CRÍTICA

+ "Cuando se tiene talento, hasta el argumento más inverosímil puede servir para rodar una pequeña obra maestra. Apoyándose en la solidez de unas interpretaciones increíblemente creíbles y en la magnificencia de una fotografía que combina magistralmente dos registros opuestos, Dieterle combina con sabiduría el registro realista con el fantástico, para ofrecer un peculiar cuento de hadas que cautiva por su lirismo, su fuerza y su romanticismo." (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)

+ "Cuento de hadas inteligente, extraño, inolvidable." (Antonia Méndez: Alohacriticón)

+ "Película extraña, misteriosa, evocadora, en donde se da esa única conjunción de magia y perfección artística que ocurre pocas veces en el cine." (Natalia Vías: Miradas de cine)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,8		7,8
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

VER TAMBIÉN

TODOS ESTÁN MUERTOS

Chantal Akerman -Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1976)-, Mia Hansen-Løve -El padre de mis hijos (Le père de mes enfants; 2009), Un amour de jeunesse (2011)-, Valérie Donzelli -Declaración de guerra (La guerre est déclarée; 2011), Main dans la main (2012)-, Ida Lupino -Not Wanted (1949)-, Haifaa Al-Mansour -La bicicleta verde (Wadjda, 2012)-, Lisa Cholodenko -Los chicos están bien (The Kids Are All Right; 2010)-, Ava DuVernay -Selma (2014)-, Susanne Bier -Después de la boda (Efter brylluppet; 2006), En un mundo mejor (Hævnen; 2010)-, Kathryn Bigelow -Los viajeros de la noche (Near Dark; 1987), En tierra hostil (The Hurt Locker; 2008)-, Deepa Mehta -Fuego (Fire; 1996), Agua (Water; 2005)-, Leni Riefenstahl -El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens; 1935), Olimpiada (Olympiad; 1938)-, Icíar Bollaín -Te doy mis ojos (2003), También la lluvia (2010)-, Lotte Reiniger -Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed; 1926)-, Lena Dunham -Tiny Furniture (2010), Girls (2012- ?)-, Sofia Coppola -Las vírgenes suicidas (The Virgin Suicides; 1999), Lost in Translation (2003)-, Kelly Reichardt -Wendy y Lucy (Wendy and Lucy; 2008), Meek's Cutoff (2010)-, Julia Loktev -Un planeta solitario (The Loneliest Planet; 2010)-, Miranda July -Tú, yo y todos los demás (Me and You and Everyone We Know, 2005)-, Angelina Jolie -En tierra de sangre y miel (In the Land of Blood and Honey; 2011), Invencible (Unbroken; 2014)-, Claire Denis -Trouble Every Day (2001), Una mujer en África (White Material, 2009)-, Lucrecia Martel (La ciénaga; 2001)-, Naomi Kawase -El bosque del luto (Mogari no mori; 2007)-, Samira Makhmalbaf -A las cinco de la tarde (Panj é asr; 2003)-, Jane Campion -El piano (The Piano; 1993)-, Agnès Varda -Cleo de 5 a 7 (Cléo de 5 à 7; 1961), Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la glaneuse; 2000)-, Mira Nair -La boda del monzón (Monsoon Wedding; 2001)-, Vera Chytilová -Las margaritas (Sedmikrásky, 1966)-, Antonia Bird -Priest (1994)-, Penny Marshall -Big (1988), Despertares (Awakenings, 1990)-, Barbra Streisand -Yentl (1983)-, Isabel Coixet -Mi vida sin mí (2003), Mapa de los sonidos de Tokio (Map of the Sounds of Tokyo; 2009)-, Ana Lily Amirpour -A Girl Walks Home Alone at Night (2014)-, Andrea Arnold -Fish Tank (2009)-, Pilar Miró -El crimen de Cuenca (1979)-, Jacqueline Audry -Gigi (1949)-, Agnieszka Holland -Europa, Europa (1990), In Darkness (W ciemnosci; 2011)-, Nora Ephron -Algo para recordar (Sleepless in Seattle; 1993)-, Margarethe von Trotta -El honor perdido de Katharina Blum (Die Verlorene Ehre der Katharina Blum oder: Wie Gewalt entstehen und wohin sie führen kann; 1975), Hannah Arendt (2012)-, Beatriz Flores Silva -En la puta vida (2001)-, Patricia Cardoso -Las mujeres de verdad tienen curvas (Real Women Have Curves; 2002)-, Guo Xiaolu -Ella, una joven china (She, a Chinese; 2009)-, Alice Guy -El hada de las coles (La fée aux choux; 1896), Falling Leaves (1912)-, Catherine Hardwicke -Crépusculo (Twilight; 2008)-, Mary Harron -American Psycho (2000)-, Xu Jinglei -Carta de una mujer desconocida (Yi ge mo sheng nu ren de lai xin; 2004)-, Claudia Llosa -La teta asustada (2009)-, María Novaro -Danzón (1991)-, Mabel Normand -Charlot en el cabaret (Caught in a Cabaret; 1914)-, Lone Scherfig -Italiano para principiantes (Italiensk for begyndere; 2000), An Education (2009)-, Cristina Comencini -El mejor día de mi vida (Il più bel giorno della mia vita; 2002)-...
Una lista que podría continuar durante horas y horas nombrando solo las cineastas más reconocidas e indispensables en nuestra historia fílmica. Ahora llega el turno de la pregunta. ¿A cuántas de ellas eres capaz de recordar? ¿Cuántas de sus películas has visto? ¿Y si te preguntara por nombres masculinos, recordarías más?
Queda claro que todavía queda mucho camino para reconocer a la mujer con total igualdad de derechos, y en el cine, reflejo social como ninguno, podemos encontrar una muestra de como sigue el papel de la mujer en la sociedad. Ejemplo de ello son las webs de cine de referencia como IMDB, Filmaffinity o Sensacine que siguen creando fichas con la categoría "Director", en vez de usar la palabra "Dirección", mostrando una vez más como, aunque sea por dejadez, la mujer no está muy bien representada. Es por eso que hoy día de la mujer trabajadora es el momento de recordar, una vez más, que la lucha sigue.

Para ilustrar el día no he elegido una cinta que hable sobre el papel de la mujer como eje narrativo, he preferido apostar por una pequeña muestra de el trabajo de una de ellas. La español Beatriz Sanchís se estrena en el largometraje con Todos están muertos, cinta que ha estado nominada este año a los premios Goya como mejor dirección novel y mejor actriz por Elena Anaya, además de una mención especial del jurado en el último Festival de Málaga junto a los premios de mejor música y mejor actriz (galardón que Anaya compartió con Natalia Tena por 10.000 km. [Carlos Marqués-Marcet, 2014]).

En los 80 Lupe fue una estrella de rock, que junto a su hermano ya fallecido, lideraban la banda Groenlandia. Hoy Lupe sufre de agorafobia y se pasa el día en casa vestida con una bata mientras duerme y hace tartas de manzana. Su madre, harta de ver la situación de su hija, decide hablar con una curandera y juntas logran invocar, durante el día de los muertos, el fantasma de su hermano Diego, para que éste intente sacar de la situación en la que vive a la muchacha, ayudándola a convertirse en una verdadera madre para su hijo Pancho.

Sánchis se estrena con un largometraje de lo más curioso. La idea del guión de la propia directora es de entrada de lo más original y trillada, dónde se mezclan los dramas íntimos con el género fantástico.

Pancho es un niño complicado, jamás ha podido contar con su madre como apoyo siendo para él una completa desconocida, y siendo su abuela la encargada de criarlo. Eso no ha evitado que en el niño se despierte también la misma pasión musical que su madre vivió en su época dorada, pero Pancho desconoce por completo cuales son los verdaderos motivos por los que su madre se comporta como tal, él solo es capaz de describirla como un ser egoísta, a pesar de ello, nunca pierde la esperanza de que algún día logren acercarse. A su vez, el muchacho no vive una situación social muy positiva, su única distracción es el grupo coral que ha montado con algunos de los amigos de su pandilla de boy scouts, siendo el hazme reír de algunos de los chicos del barrio. Pancho no lo tiene nada fácil.

Pancho es sin duda el protagonista de esta historia, y sirve de detonador para que el resto de personas que le rodean actúen de una vez por todas para cambiar el cauce de sus vidas. A su vez, el fantasma de Diego es (sin quererlo) el encargado de llevar a todos los personajes por el camino que los acerque a ese cambio a positivo, un camino que no sabemos si podrán alcanzar.

La directora dota de un tono melancólico a su cinta y la plaga de planos detalles que inducen al hermetismo de sus protagonistas. Un acertado tono que hace de Todos están muertos, una película sincera y agraciada que no solo brilla por su original premisa, si no por como se nos cuenta. A pesar de ello hay que reconocer que la complejidad del guión hace que se les vaya la historia un poco de las manos, poblando demasiado la película de elementos narrativos dispares. Lo que podría haber sido una íntima obra, queda en una película interesante, eso sí, lo suficiente para sorprendernos.

Una de las grandes bazas de la película es sin duda su banda sonora, plagada de melodías electro-pop que pertenecen al grupo Akrobats, a los que Sanchís ha echado mano también en sus cortometrajes. La mejor de las elecciones para dar vida al grupo ficticio que es Groenlandía, y al que Lupe y Diego daban vida en aquellos ya lejanos y psicodélicos 80.

Todos están muertos es una muestra de buen cine, y aunque le quede algo de camino para alcanzar la grandeza, Beatriz Sanchís demuestra que sabe lo que hace, y logra crear una película con una identidad muy marcada, y eso siempre gusta.

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TÍTULO ORIGINAL Todos están muertos AÑO 2014 DURACIÓN 88 min. PAÍS España, México, Alemania IDIOMA Español DIRECCIÓN Beatriz Sanchís GUIÓN Beatriz Sanchís MÚSICA Juan Manuel del Saso, Juan Pastor, Aaron Rux (Akrobats) FOTOGRAFÍA Álvaro Gutiérrez REPARTO Elena Anaya, Angélica Aragón, Nahuel Pérez Biscayart, Christian Bernal, Patrick Criado, Macarena García, Patricia Reyes Spíndola PRODUCTORA Avalon P.C. / Animal de Luz Films / Cacerola Films / Eurimages

GÉNERO Drama. Fantástico. Comedia

TEMÁTICA Fantasmas. Música. Homosexualidad. Muerte / Duelo. LGBTIQ

SINOPSIS

Lupe (Elena Anaya) vive encerrada en su casa, presa de una brutal agorafobia. Viéndola en bata y zapatillas, dependiendo para todo de su madre y con un hijo adolescente que la detesta, nadie diría que en los 80 fue una estrella de rock. Su madre, cansada de ver a su hija convertida en una persona egoísta y conflictiva, la Noche de los Muertos decide hablar con su hijo Diego. Este vuelve a la casa familiar con el aspecto de siempre: un chaval de veintipocos de mirada ausente; lo que hace la situación muy especial es que Diego está muerto...

PREMIOS

2014: Premios Goya: 2 nominaciones incluyendo Mejor actriz (Elena Anaya)
2014: Festival de Málaga: Premio especial del Jurado, Mejor actriz y Mejor música

CRÍTICA

+ "No es una película redonda, pero sí una opera prima arriesgada y cargada de identidad" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Sanchis propone un film curioso y absorbente, y del que la neodirectora sale bien parada (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (M. Torreiro: Fotogramas)

= "Hay ideas muy interesantes y atrevidas pero se desvanecen ante la fragilidad de la estructura que las soporta. Es una lástima, porque con menos nostalgia y respeto habría sido una feliz anomalía (...) Puntuación: ★★½ (sobre 5)" (Manuel Piñón: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,6		6,1
NOTA MEDIA: 6,1

TRAILER

VER TAMBIÉN

THE RING (EL CÍRCULO)

Del 3 al 12 de Octubre se celebra la 47a edición del Festival Internacional de cine fantástico de Sitges, una muestra a la que por descontado le sobra presentación. Para ponernos un poco en sintonía aquí va una de las películas que se ha alzado con el mayor galardón del festival en una de sus ediciones, The Ring (El círculo) -Ringu en su título original-, que consiguió el premio a mejor película en el año 1999.

Una periodista de sucesos extraños investiga una leyenda urbana que habla de una cinta que tras su visionado, hace que el espectador conozca la muerte al cabo de una semana. El fallecimiento de su sobrina parece tener relación con esa cinta, así que la mujer hará lo imposible para encontrarla y conocer la verdad que se oculta detrás. Una suerte que mejor nunca hubiese encontrado.

A estas alturas me sorprendería encontrar alguien que no conociera la existencia de la película de Hideo Nakata, ya sea tanto por propios méritos, como por el remake americano que supo aprovechar bien los mejores recursos de esta. Conocida es la nueva oleada de terror japonés que llegó después de que Ringu triunfara internacionalmente, ya sea con películas del propio Nakata: como la secuela de esta y de la versión gringa, u otro de sus éxitos: Dark Water (Honogurai mizu no sokokara; 2002); e incluso por otras cintas asiáticas de terror como: The Eye (Gin gwai [Jian gui]; Oxide Pang Chun, Danny Pang, 2002), La maldición (The Grudge) (Ju-on: The Grudge; Takashi Shimizu, 2002), Llamada perdida (Chakushin ari; Takashi Miike, 2003)... Una infinidad de títulos que lograron poner de moda el J-horror y que dio material de sobras para remakes de Hollywood, que sacaron el jugo de la moda hasta el cansancio, dejando pocas propuestas sin una versión americana de las mismas.

De este modo, ver Ringu hoy en día quizás no nos sorprenda y nos aterrorize tanto como si descubriésemos este tipo de películas sin tanto precedente que nos influya, lo que hace que desmerezca un poco en su resultado final, y de un modo algo injusto. Por que es cierto que la película de Nakata, a pesar de haberse vendido como alto totalmente novedoso, en realidad no lo fuera -incluso se hizo una serie de televisión antes que el filme, basándose en la misma novela-, pero es innegable la influencia que ha logrado a la hora de entender el cine de terror contemporáneo.

Aunque la cinta no impresione a los ya curtidos en el género, es fácil seguirse sintiendo inquieto con ella. La atmósfera turbadora que consigue, y la tensión que se respira entorno todo el metraje, sigue muy viva por muchas películas similares que hayamos devorado. Ringu sigue desconcertando a cualquiera que se atreva con ella. Y que una película de terror logre algo así hoy en día, es merito suficiente para no menospreciarla, es por eso que el filme cuente ya con el título de película de culto, ya sea por potencia filmica, como por influencia histórica. 

A estas alturas os puedo preguntar a los que ya habéis visto Ringu, ¿Os atreveríais a poner la turbadora cinta una noche estando solos, en plena oscuridad?

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TÍTULO ORIGINAL Ringu (The Ring) AÑO 1998 DURACIÓN 91 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Hideo Nakata GUIÓN Hiroshi Takahashi (Novela: Kôji Suzuki) MÚSICA Kenji Kawai FOTOGRAFÍA Junichirô Hayashi REPARTO Nanako Matsushima, Miki Nakatani, Hiroyuki Sanada, Yuko Takeuchi, Hitomi Sato, Yoichi Numata PRODUCTORA Kadokawa Shoten Publishing / Omega Project

GÉNERO Terror. Intriga

TEMÁTICA Sobrenatural. Fantasmas. Película de culto. J-Horror

SINOPSIS

En una pequeña y apacible localidad japonesa, entre los estudiantes circula una leyenda en torno a unos videos malditos cuya visión provoca la muerte. Tras la muerte de su sobrina, una periodista investigará el origen de dichos videos.

PREMIOS

1999: Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges: Premio Mejor Película, efectos especiales.
1999: Academia Japonesa: Premio del público. Nominada a mejor actriz (Nanako Matsushima)
1999: Festival Fantástico de Bruselas: Cuervo de oro
1999: Fant-Asia: Mejor película asiática
2001: NatFilm: Premo del público.

CRÍTICA

+ "El estallido que el cine oriental de terror ha vivido en los últimos años debe mucho a Hideo Nakata y aún más a esta obra, una de las más inquietantes de los últimos años. Un absorbente drama terrorífico (...) Sin apenas estridencias, bajo las gélidas imágenes de "The Ring" late el más profundo y vertiginoso horror." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

+ "Ringu es una película clásica que todos estamos obligados a ver, más allá de cómo sean nuestras críticas luego. Si bien no es la mejor del ciclo que inaugura, tiene una de las mejores historias trabajadas elocuentemente hasta el momento, y sin lugar a duda el personaje de Sadako resulta efectivamente superior a las imitaciones que luego llegarían. Por todo esto y más, Ringu es una de las mejores películas de terror de la historia." (Cine de Terror oriental)

+ "“The Ring” es una muy buena película, muy bien planteada, muy original e inspirada en un cine anterior del que toma muchos elementos. Buena combinación de rasgos orientales muy bien fusionados con elementos del cine americano. Es entretenida, poética, hace pensar, tiene mensaje y tiene momentos sin concesiones y realmente aterradores [...]  Es cine en estado puro. Una noche, unas palomitas y una buena compañía para una muy buena película. (Ultramundo: Jorge Jovino Fernandez)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,8		7,3
NOTA MEDIA: 6,9

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EL ALUCINANTE MUNDO DE NORMAN

El ya anunciado estreno para octubre del nuevo filme de Laika Films, Los Boxtrolls (The Boxtrolls; Graham Annable, Anthony Stacchi, 2014) pone el ojo de mira a esta pequeña productora que ya se consolida como una de las mejores en el campo del stop-motion, con permiso de Aardam, ya que tres años después de la estupenda Los mundos de Coraline (Coraline; Henry Selick, 2009), nos sorprendían con una nueva propuesta de terror llamada El alucinante mundo de Norman -mucho más acertado su título original, Paranorman-, que aunque no alcanza la frescura de Coraline, tiene mucho que ofrecer. Esperemos que Los Boxtrolls termine por consolidar la compañía animada y podamos seguir teniendo tan buenos trabajos disponibles en los cines, de momento su trailer es bastante interesante.

Norman no es un chico como los demás, su peculiaridad es que puede ver y hablar con los muertos. Ese extraño poder le convierte en objetivo de risas e insultos por parte de compañeros de colegio y vecinos. Pero la maldición de una bruja que pesa sobre su pueblo hará que, gracias a sus poderes, Norman tenga la oportunidad de demostrar a sus vecinos que es un héroe.

Es imposible no analizar Paranorman sin fijarnos en una serie de puntos que parece son seña de los estudios Laika, con lo cual se hacen imposibles las comparaciones con su antecesora Coraline. El primero de ellos, y más obvio, es la utilización del stop-motion, una técnica que por pesada y cara no se utiliza muy a menudo en los estudios de Hollywood, que siempre prefieren echar mano del CGI, mucho más económico y rápido. A pesar del costoso trabajo que presenta la animación fotograma a fotograma, Laika se atreve a ello, y no duda en ir a pedir ayuda a la animación digital cuándo se requiere, sin perder nunca ápice del resultado artesano que ofrece el cine articulado.

El segundo punto, y seguramente por el cual ha recibido peores críticas, ya que acusan a Laika de repetición, es el apostar por el género de terror aplicado a cintas de animación de tono más infantil, es imposible no pensar que han descubierto un filón en Coraline, y no han dudado en explotarlo, pero no es justo poner mala cara si el resultado al final es tan correcto como el que podemos ver en Paranorman. No solo así, si no que parece que han decidido quedarse con el tono, y volver al tema de la oscuridad y los monstruos en Los Boxtrolls, convirtiendo en una seña más este género cinematográfico.

Y aunque menos evidente, es el trato que se le da a uno de los temas que se mueven entre las tramas de sus filmes: la familia. Si en Coraline nos encontrábamos con una niña olvidada por sus padres, la cual termina por preferir una madre sustituta, que pese a demostrar un lado temiblemente oscuro, parece la comprende mejor, en Paranorman nos encontramos con un muchacho que está totalmente incomprendido por sus padres, especialmente su padre, que lo cree demente y no sabe como tratarlo. Esta seña parece volverá a repetirse este tercer trabajo, como podemos ver en su primer teaser, se centra completamente en un discurso familiar, para introducirnos en la historia del niño huérfano. Curioso por cierto, el discurso progresista que encontramos en él, y que sorprende además al verlo también al final de Paranorman, a través de una pequeña sorpresa argumental, que choca especialmente si pensamos que el filme va dirigido a un público de corta edad, algo que hay que aplaudir en Laika, y que además demuestra que no trata a su público de tonto, como si hacen algunas otras productoras.

El alucinante mundo de Norman no es una comedia de terror al uso, aunque contenga suficientes chistes y momentos graciosos para hacérnoslo pasar bien, su mayor premisa es atraernos a través de pequeños homenajes de género, algo estupendo que por desgracia también se ha criticado, ya que el estreno ese mismo año de un filme tan similar, aunque de tono distinto, como es Frankenweenie (Tim Burton, 2012) no le hizo ningún favor al filme.
Así, Paranorman, se atreve con los Zombies, las brujas y cualquier guiño a sub-géneros o películas concretas, como Viernes 13 (Friday the 13th; Sean S. Cunningham, 1980), Halloween (John Carpenter, 1978) o El sexto sentido (The Sixth Sense; M. Night Shyamalan, 1999), por citar algunas, algo que el público adulto sabremos agradecer.

El filme tiene unos personajes muy bien construidos, que bailando con el tópico lo sabe de-construir y nos muestra un perfil más elaborado de ellos, así la bella y arrogante chica popular se nos muestra también como una mujer con carácter y valentía, el musculado tontorrón, como un hombre dulce y responsable, o al gordito tímido, como un amigo fiel, luchador y sin miedo a plantar cara a los abusones. Por este lado hace falta aplaudir también el tono que se le da a la narración, que queda lejos de las fantasías animadas de las princesas Disney actualizando a nuestros días su discurso, pero no llega a los exagerados límites de Dreamworks, dónde los personajes se ponen a cantar rap en medio de un filme medieval. Paranorman sabe encontrar el tono, conoce la radiografía social de nuestra época, y la sabe plasmar bien.

La belleza pictórica del filme no queda atrás, el diseño de personajes, decorados y ambientes, es tan acorde al filme como acertado, no se recurrr al uso de patrones normales, si no que se opta por un diseño de tono agrio, que mezclado con el colorido de escenas que otros hubiesen rodado más oscuras, ofrecen un resultado visual único e impresionante.

Por estos motivos no cabe duda que El alucinante mundo de Norman es un filme bastante destacable, que además presenta un argumento divertido y entretenido para todos. Y no cabe duda, que si Laika sigue por este camino, va a ir ganándose un buen número de seguidores de sus trabajos, y no nos vamos a perder las propuestas que nos vayan presentando.

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TÍTULO ORIGINAL ParaNorman AÑO 2012 DURACIÓN 92 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Chris Butler, Sam Fell GUIÓN Chris Butler MÚSICA Jon Brion VOCES ORIGINALES Kodi Smit-McPhee, Tucker Albrizzi, Anna Kendrick, Casey Affleck, Christopher Mintz-Plasse, Leslie Mann, Jeff Garlin, Elaine Stritch, Bernard Hill, Jodelle Ferland, Tempestt Bledsoe, Alex Borstein, John Goodman, Hannah Noyes, Jack Blessing PRODUCTORA Focus Features / LAIKA

GÉNERO Animación. Fantástico. Comedia. Terror. Aventuras

TEMÁTICA Comedia de terror. Fantasmas. Zombis. Stop Motion. 3D. Brujería. Familia. Amistad

SINOPSIS

Los aterrorizados habitantes de un pueblo asediado por zombis sólo pueden pedir ayuda al incomprendido Norman, un joven que sabe hablar con los muertos. Además de plantar cara a los zombis, tendrá que enfrentarse a fantasmas, brujas y, lo que es peor, a adultos de lo más atontados para salvar su pueblo de una maldición milenaria.

PREMIOS

2012: Oscar: Nominada a Mejor película de animación
2012: Premios Annie: 2 premios. 8 nominaciones, incluyendo mejor película
2012: Premios BAFTA: Nominada a mejor largometraje de animación
2012: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor película de animación
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película de animación

CRÍTICA

+ "La historia, una fábula entretenida, si bien no demasiado novedosa (...) es principalmente un vehículo para la belleza pictórica y meticulosamente detallista de la película" (Manohla Dargis: The New York Times)

+ "Pocas películas tan relacionadas con la muerte parecen tan rotundamente vivas como 'ParaNorman', la última maravilla artesanal de los artistas del stop-motion de LAIKA" (Justin Chang: Variety)

- "La película en cuestión es una película de niños de ambiente ocultista que apunta a una burtonesca mezcla de risas y escalofríos, fallando ambos por un largo trecho (...) Puntuación: ★½ (sobre 4)" (Colin Covert: Minneapolis Star Tribune)

+ "Pixar no es la única que hace animacion de primer nivel. Hay magia en 'ParaNorman', un pequeño milagro de stop-motion en 3-D (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

= "Tiene sus momentos entretenidos, pero esta comedia de terror paranormal en stop-motion suplica una mayor actividad" (Michael Rechtshaffen: The Hollywood Reporter)

+ "Casi un Arthur Miller, el de 'Las brujas de Salem', un Fritz Lang, el de 'Furia', un James Whale, el de 'Frankenstein', para niños del nuevo milenio, en formato animado en tres dimensiones y en tono de comedia negra sobrenatural. En fin, un triunfo. (...) extraordinaria película" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "La belleza artesanal de la animación con plastilina se combina con los hallazgos del digital para crear una miniatura preciosa que camina con armonía de funambulista por una trama delgada, simple y eficaz (...) Una experiencia visual de primera magnitud, digna del Burton de la primera época" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Otra obra señera de la animación, en la que las escenas memorables se pisan los talones (...) francamente brillante el diseño de personajes (...) un divertimento inteligente, altamente elaborado, para públicos de todas las edades. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Un virtuoso compendio de pop-up (y pop art, claro) (...) Cuando asoma el toque Ealing-Hammer, recordamos lo grande que podía haber sido un filme que se queda «solo» en estupendo (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Javier Cortijo: Diario ABC)

+ "Retrato ácido y melancólico del lado oscuro de la niñez (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)"n(Nando Salvá: Cinemanía)

+ "Es la obra de un equipo de animadores con pleno dominio de la versatilidad de la poesía trenzada fotograma a fotograma. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordi Costa: Diario El País)

PUNTUACIONES

 

	7,5		6,3		7,0
NOTA MEDIA: 6,9

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