THE IMITATION GAME (DESCIFRANDO ENIGMA)

Parece que una de las películas candidatas al Oscar, ha abierto una brecha olvidada para los ingleses. Benedict Cumberbatch, que da vida a Alan Turing en The Imitation Game (Descifrando Enigma), junto al actor Stephen Fry, han mandado una carta abierta al Gobierno inglés, así como a los Duques de Cambride, pidiendo que el país pida perdón a los 49.000 homosexuales que han sido condenados por su orientación sexual. La Reina Isabel II concedió el perdón a Turing en 2013, un gesto que no es suficiente para un país considerado democrático y donde la igualdad de derechos justo ahora empieza a alcanzarse. Sin lugar a dudas, la popularidad del filme y el gesto de los actores, hacen que sintamos más interés sobre la vida del matemático que ha cambiado nuestra forma de vida, y es por eso que esta película dirigida por Morten Tyldum y candidata a ocho premios Oscar, se hace hoy un hueco en el blog.

Alan Turing, un joven y brillante matemático, es puesto en cabeza de un equipo secreto destinado a descifrar los mensajes secretos que la máquina Enigma que los Nazis utilizan para pasar su información durante la II Guerra mundial. El trabajo de Turing y su equipo se convierte en clave para el giro de una guerra que los ingleses empezaban a dar por perdida. Pero lejos de ser convertido en un héroe, Turing termina siendo investigado por su condición de homosexual.

Ya hace unos días os hablé del documental Codebreaker (Britain's Greatest Codebreaker; Clare Beavan, Nic Stacey, 2011), el cual ya nos ofrecía todos los datos sobre la vida del importante matemático. En The Imitation Game se intentan construir algunos de los momentos claves de esa vida, centrándose sobretodo en la construcción de la máquina capaz de romper el código Enigma, para acercar al público la interesante figura de Turing.

Tyldum, el director, convierte este filme en uno de esos biopics que se pueden englobar en el grupo de esas películas que son buenas por el simple relato que nos cuentan. Eso no hace ningún favor a The imitation Game, ya que una película de ficción no puede sostenerse tan solo por sus ideas, si no que necesita de muchos otros elementos que la hagan grande. Alguno de ellos tiene, pero a modo global no consigue explotarlos hasta el punto de convertirse en una obra imprescindible, ni mucho menos.

Aunque el filme construya muy bien el personaje de Turing, que se refuerza por la interpretación de Cumberbatch, y los detalles importantes de su vida estén representados dentro del metraje, parece que lo único que se consigue es que simplemente sean eso: detalles, cuándo en realidad cosas importantes de su vida sean poco exploradas para terminar de construir una figura que despierte del todo el interés del espectador. En ese aspecto, parece un error centrarse especialmente en una sola etapa de su vida, dejando el resto menos exploradas, siendo otras las que quizás hubiesen sacado mayor provecho del personaje. Pero la decisión de la temporalidad da, por contra, motivos reivindicativos a la película ya sea por la figura del homosexual marginado o por la reivindicación feminista de la que se aprovecha el personaje interpretado por Keira Knightley. Unas reivindicaciones algo maniqueas, pero que al fin y al cabo nos acercan a la realidad de una época, en la que poco importaba la capacidad de una persona si esta era de un género considerado inferior o de una orientación sexual no aceptable.

Así nos encontramos más que con un biopic, con una película que relata un momento concreto de la vida del matemático, la cual se utiliza para contar un relato más sobre unas reivindicaciones que sobre la poco conocida figura de Turing.

Si al menos Tyldum nos hubiese obsequiado con una realización más atrevida, que se alejase de los clasicismos más aburridos ya fuese por el ritmo, las planificaciones o el montaje, el filme hubiese logrado asomar un poco más de originalidad y frescura en una historia que se presenta en un envoltorio demasiado soso y repetitivo.

Por suerte, ahí están los actores para dar un poco de vida al asunto, y es sobretodo el polifacético Benedict Cumberbatch el que se encarga de potenciar lo mejor de la película. Cumberbatch parece entender muy bien la psique de un personaje algo complejo, del cual no solo copia tics y maneras de ser, si no que se lo hace suyo y convence por completo con su interpretación. También está Desplat y su música, para dar algo de vida al conjunto del filme, componiendo unas canciones que se encargan de llevar todo el ritmo de la película, algo que el director no consigue hacer por si solo, y que necesita de las marcas sonoras para avanzar sin precipitarse.

En conclusión, The Imitation Game es una película algo simple, y que no alcanza el nivel deseado sobre el personaje tan interesante que nos plantea. Así que se convierte en una sencilla aunque amena cinta que promete más de lo que ofrece. De este modo, si lo queréis es pasar un rato de entretenimiento algo más complejo que el que pueden ofrecer un blockbuster palomitero, el filme de Tyldum es más que aceptable, si por contra lo que buscáis es una verdadera obra que nos sorprenda con la figura de Turing, os recomiendo mejor el documental producido por Channel 4 Codebreaker, que en menos tiempo ofrece mucho más material sobre su figura, y de más fácil asimilación.

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TÍTULO ORIGINAL The Imitation Game AÑO 2014 DURACIÓN 114 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Morten Tyldum GUIÓN Graham Moore (Libro: Andrew Hodges) MÚSICA Alexandre Desplat FOTOGRAFÍA Óscar Faura REPARTO Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Charles Dance, Matthew Goode, Matthew Beard, Allen Leech, Tuppence Middleton, Rory Kinnear, Tom Goodman-Hill, Hannah Flynn, Steven Waddington, Alex Lawther, Jack Bannon, James Northcote, Ancuta Breaban, Victoria Wicks PRODUCTORA The Weinstein Company / Black Bear Pictures / Ampersand Pictures

GÉNERO Drama. Thriller

TEMÁTICA Biográfico. II Guerra Mundial. Años 40. Años 50. Homosexualidad. Histórico. LGBTIQ

SINOPSIS

Biopic sobre el matemático británico Alan Turing, famoso por haber descifrado los códigos secretos nazis contenidos en la máquina Enigma, lo cual determinó el devenir de la II Guerra Mundial (1939-1945) en favor de los Aliados. Lejos de ser admirado como un héroe, Turing fue acusado y juzgado por su condición de homosexual en 1952.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 8 nominaciones incluyendo Mejor película y director
2014: Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película - Drama
2014: Premios BAFTA: 9 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del público)
2014: National Board of Review: Mejores 10 películas del año
2014: Satellite Awards: 8 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: Sindicato de Actores (SAG): 3 nominaciones, incluyendo Mejor reparto
2014: Critics Choice Awards: 6 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Críticos de Chicago: 3 nominaciones, incluyendo Mejor actor (Cumberbatch)

CRÍTICA

= "Un pretencioso biopic británico sobre el prodigioso matemático (...) Alan Turing, servido con un buen gusto tan infalible (...) que cada tragedia personal y cada triunfo profesional llega justo a tiempo y sin siquiera un pelo fuera de lugar." (Scott Foundas: Variety)

+ "La principal fuerza de la película es Cumberbatch, un gran actor cuyo talento brilla aquí en sus cotas más altas. Es una actuación explosiva, emocionalmente compleja. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una película apasionante y conmovedora que cuenta con una destacada interpretación de Benedict Cumberbatch, digna de Oscar (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

= "Es demasiado reacia a sumergirse en el quid de la cuestión (...) Pero por encima de todo está Cumberbatch, cuyo carisma (...) y talento a la hora de mostrar una mente que nunca descansa (... ) ayuda a crear un retrato totalmente creíble del genio en el trabajo." (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Es una historia maravillosa sobre ciencia y humanidad, con una gran interpretación de Benedict Cumberbatch, además de ser cine de primer nivel" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

- "Turing sobrevivirá a su película con su enigma intacto, pero la película en sí misma es lo opuesto a lo enigmático y Cumberbatch merece más" (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "Un thriller soberbio y un digno biopic de un héroe real (...) un impresionante debut del guionista Graham Moore y uno de los puntos álgidos de la carrera de Benedict Cumberbatch en la gran pantalla (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Dan Jolin: Empire)

+ "Es una triste y desgarradora historia que te mantiene clavado a la butaca durante sus 114 minutos de metraje (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Rex Reed: The New York Observer)

+ "Un thriller apasionante y conmovedor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Mark Kermode: The Guardian)

+ "'The Imitation Game' encuadra con eficiencia la vida de éxitos y tragedias del hombre considerado como padre de la informática moderna (...) un triunfo para Cumberbatch" (Lou Lumenick: New York Post)

= "Irregular, pero aún así en ocasiones relevante, la película, por supuesto, nos recuerda no sólo el daño a largo plazo de los secretos y las mentiras, sino también el doloroso sufrimiento personal de Alan Turing." (Rodrigo Perez: Indiewire)

= "Piel suntuosa y algunos tópicos. (...) No se puede decir que la película sea original ni tampoco todo lo contrario. Funciona." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "La película tiene poco de enigmática, pero forma un andamiaje dramático perfecto. Algo nada fácil de conseguir, pero tampoco brillante. Y Turing, siempre arriesgado, merecía más audacia y menos fórmula." (Javier Ocaña: Diario El País)

= "El principal problema es que tiene una historia demasiado amplia que contar. (...) esplendoroso segmento central (...) Mención extraordinaria para el trabajo de Cumberbatch (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,3		8,2
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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CODEBREAKER (ALAN TURING: CODEBREAKER)

Se acaba de estrenar en España The Imitation Game (Descifrando Enigma) (Morten Tyldum; 2014), un filme que ya ha empezado a cosechar premios y nominaciones como los Globos de Oro, los Satellite Awards o en el festival de Toronto dónde se llevó el premio del público como mejor película. El filme de Tyldum nos presenta la figura del genio matemático Alan Turing, cosa que me viene al dedo para hablaros de una de las películas que tuve oportunidad de disfrutar en el último FIRE! de Barcelona, Codebreaker, cinta documental creada para la televisión inglesa, que intenta ser un acercamiento a ese genio despreciado que fue Turing.

Alan Turing fue un genio matemático que logró descifrar los códigos secretos nazis determinando el devenir de la II Guerra Mundial, además de ser precursor de la computación. A pesar de sus logros, en vez de ser tratado como un héroe, lo fue como un criminal, todo debido a su homosexualidad.

La película creada por y para Channel 4, esta configurada como un documental dramatizado, dónde a través de unos actores se nos presenta al brillante matemático hablando con su amigo y terapeuta Franz Greenbaum, exponiéndole varios de los sucesos que condicionaron su vida. De este modo podemos olvidarnos de un relato que se acerque a los esquemas del reportaje clásico, en pro de una narrativa más cercana al ámbito cinematográfico y que convierten este documental biográfico en una cinta llena de interés, dónde el misterio crea una atmósfera de lo más acertada.

Gracias al enfoque del filme, que se centra en los dos protagonistas, podemos entender la presión física y mental a la que Turing fue sometido, creando un perfil psicológico redondo algo complicado de crear en una película totalmente documental que utilice imágenes del pasado y deba echar mano de materiales de archivo y recreaciones históricas. Por lo tanto, el espectador que no esté acostumbrado al género documental puede entrar perfectamente en las entrañas de esta película sin que el tedio le invada en ningún momento.

La película, más allá del biopic, nos invita a una reflexión histórica sobre el trato de la homosexualidad con el paso del tiempo. Turing fue un sueño, y es innegable que sin su aportación hoy en día los libros de historia hablarían de la II Guerra mundial de un modo distinto, por no hablar de su enorme contribución al campo informático. A pesar de ello es curioso como su orientación sexual eclipsó por completo cualquier bien realizado, y en vez de ser tratado como un héroe de guerra, o un erudito en su campo, fue automáticamente convertido en un criminal. El paso del tiempo ha sido lento para el ya fallecido Turig, y no ha sido hasta 2013 que, la Reina de Inglaterra, le concedió un "indulto" (el cual fue negado por el ministro de justicia de Reino Unido, solo un año antes) a uno de los mayores genios de su tierra.

Codebreaker es un buen aperitivo que nos abrirá la curiosidad a los que de entrada no tenían pensado acercarse a los cines a ver The Imitation Game, y que completará información sobre su figura a los que ya  han visto el filme de Tyldum. Una película interesante, amena y reivindicativa.

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TÍTULO ORIGINAL Britain's Greatest Codebreaker AÑO 2011 DURACIÓN 52 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Clare Beavan, Nic Stacey GUIÓN Craig Warner, Simon Berthon MÚSICA Edward White FOTOGRAFÍA Rob Goldie, Andy Jackson REPARTO Ed Stoppard, Henry Goodman, Paul McGann, Asa Briggs, Jean Valentine, David Leavitt, Rolf Noskwith, Dermot Turing, Christopher Morcom, Ian Stewart, Martin Davis, Matt Parker, Steve Wozniak, Alma Whitten, Tony Sale, Simon Schaffer, Jeffrey Weeks, Allan Pacey, Maria Summerscale, Barbara Maher, Andrea Sella PRODUCTORA Story Center Films / Furnace / Channel 4

GÉNERO Documental. Drama

TEMÁTICA Homosexualidad. Mediometraje. Telefilm. Biográfico. II Guerra Mundial. Años 40. Años 50. LGBTIQ

SINOPSIS

Documental sobre la vida de Alan Turing como brillante matemático y precursor de la computación, así como homosexual dentro de una sociedad que, en lugar de reconocer sus méritos, le aísla y criminaliza.

PREMIOS

2013: GLAAD: Nominado a mejor documental independiente

CRÍTICA

+ "Excelente y absorbente" (Rage Monthly)

PUNTUACIONES

 

	6,5		-,-		6,9
NOTA MEDIA: 6,7

TRAILER

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EL VIENTO SE LEVANTA (SE LEVANTA EL VIENTO)

Retirada por todo lo alto del gran Hayao Miyazaki, El viento se levanta (Kaze tachinu; 2013) puede disfrutarse ahora en las salas de cine más dispares: de las comerciales a las de autor; y es que hay pocos directores que han conseguido poner de acuerdo a los más opuestos, y él es una estupenda excepción. Hay que aprovechar las contadas ocasiones que tenemos de disfrutar de buen cine de animación en los cines, y esta es una oportunidad que no hay que dejar pasar.

Jirô sueña con diseñar los más bellos aviones y volar junto a ellos, así lo seguiremos desde su niñez hasta su edad adulta, época en la que creará uno de los caza de combate más famosos de la histórica de la aviación bélica.

"Se levanta el viento. ¡Debemos intentar vivir!"

Con estas palabras del poeta y filósofo francés Paul Valéry, al que Miyazaki admira y con el que comparte ideas, arranca este último regalo del director nipón. Un biopic sobre Jirô Horikoshi, otro personaje que Miyazaki admira, aunque de modo distinto, por ser una figura que persiguió su sueño: hacer real sus sueños, aunque quizás sin quererlo, también creo pesadillas ya que Horikoshi diseño el caza moderno que tanto dolor causó en Pearl Harbor.

Es curioso ver como los sectores más ultra-derechistas de su país han criticado a Miyazaki por recrear un personaje histórico con dudas morales en vez de un patriótico ingeniero aeronáutico, y a su vez, algunos sectores de izquierda lo han juzgado por el simple echo de dedicar tiempo y esfuerzo a realizar un biopic sobre un hombre que tanto tuvo que ver con la muerte de tantas personas. Como curiosidad también se ha ganado la antipatía de los sectores anti-tabaco más reaccionarios, que no han sido capaces de soportar la veracidad histórica con la que el autor japonés ha retratado a su personaje, mostrándolo como fumador empedernido. Lo que está claro es que Miyazaki está en otra liga, él no quiere en absoluto dar la espalda a un echo, pero tampoco sobredimensionarlo, simplemente lo utiliza para lanzar su propio mensaje, un mensaje que nos viene lanzando hace décadas, así en síntesis es fácil ver cómo el argumento del filme trata sobre los sueños de un hombre, y como estos se vieron atrapados por los influjos de la guerra.

El viento se levanta no es en absoluto el filme más complejo  del co-fundador de los estudios animados Ghibli, pero si es una de sus obras más personales -qué no la única-, y a mi parecer la más emotiva y llena de belleza. No se me ocurre una mejor despedida para la filmografía de uno de los directores japoneses más representativos de nuestro tiempo. Llama la atención, eso sí, que esta vez el director haya optado por un estilo más clásico y realista abandonando levemente uno de los géneros que tan bien le definen: el fantástico; y se acerca así más al relato de su compañero y amigo Isao Takahata, pero remarco el "levemente", ya que lo onírico hace acto de presencia en el filme y de un modo totalmente esencial para el relato, de echo es en esos momentos en los que podemos encontrar las señas más comunes del director, y los recursos recurrentes en su filmografía (si queréis una lectura muy interesante y completa sobre esos elementos y otros asuntos relacionados con la figura de Miyazaki, haceros con el libro de Laura Montero Plata: El mundo invisible de Hayao Miyazaki -Dolmen Editorial, 2012-; sin duda la tesis más completa sobre el director que se ha publicado en nuestro país.).
El viento se levanta se va transformando en un melodrama trágico a medida que avanza por sus escenas dibujadas a mano, y ese es a grandes rasgos lo que la diferencia del resto de su obra, y eso lo acerca más a figuras como Ozu o Naruse, aunque las relaciones siempre han estado presentes, aquí se hacen más explicitas.
El protagonista, Jiro, personaje masculino que lejos queda de las jóvenes y luchadoras niñas de la obra del director, se debate entre sus sueños, la lealtad a su país, su propia moral y el amor de su vida... Trágico amor que tiene como protagonista a Nahoko, una valiente muchacha -aunque de clase alta- que debe batir su propia lucha y que demuestra un espíritu de sacrificio -esta vez sí- propio de las muchachas que Miyazaki nos ha presentado anteriormente, Nohoko podría sin duda tener su propio filme.

A pesar del realismo del argumento, Miyazaki vuelve a apostar por un estilo animado más sencillo, más cercano a primera instancia a Ponyo en el acantilado (Gake no Ue no Ponyo; 2008), pero el detallismo de fondos y personajes es el propio de filmes anteriores al de la niña pez, comparables a los de El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi; 2001) o La princesa Mononoke (Mononoke Hime; 1997). Unas pinturas que, a pesar de la tristeza final que se respira en El viento se levanta, inflan de belleza y esperanza el relato, convirtiéndolo en un filme de lo más conmovedor, sin caer jamás en los típicos sentimentalismos.

A estas alturas sólo podemos arrodillarnos ante la imponente banda sonora del filme, y no sólo por la maravillosa música que una vez más compone para Ghibli Joe Hisaishi, si no también a los artesanales efectos de sonido, nada sintéticos, realizados en ocasiones por voces humanas y que erizan la piel en todo momento, un detalle artístico que no hace más que sumarse al conjunto de orfebrería que compone El viento se levanta.

Sólo queda una pequeña reflexión que analizar detrás de lo que Miyazaki nos cuenta en su película. La pregunta sería si el biopic que hay detrás de El viento se levanta ¿nos habla realmente de un ingeniero aeronáutico o es en realidad un auto-retrato del propio director? La plasmación que hace Miyazaki sobre su protagonista va esta vez más allá que en ocasiones anteriores, como por ejemplo en Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro; 1988) dónde nos cuenta una experiencia de su infancia, ya aquí los matices e ideales de Jiro pueden ser claramente relacionados con la forma de vida del artista.

Una despedida como he dicho por todo lo alto, pues El viento se levanta no será la obra más compleja, pero si la más bella que jamás ha realizado este artista japonés que se ha ganado un hueco en nuestros corazones.

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TÍTULO ORIGINAL Kaze tachinu (The Wind Rises) AÑO 2013 DURACIÓN 125 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés, Alemán, Italiano, Francés DIRECCIÓN Hayao Miyazaki GUIÓN Hayao Miyazaki (Cómic: Hayao Miyazaki. Novela: Tatsuo Hori) MÚSICA Joe Hisaishi VOCES ORIGINALES Hideaki Anno, Miori Takimoto, Hidetoshi Nishijima, Masahiko Nishimura, Steve Alpert, Morio Kazama, Keiko Takeshita, Mirai Shida, Jun Kunimura, Shinobu Otake, Nomura Mansai PRODUCTORA Studio Ghibli 

GÉNERO Animación. Drama

TEMÁTICA Biográfico. Melodrama. Aviones. II Guerra Mundial. Años 20. Años 30. Manga. Catástrofes. Terremotos

SINOPSIS

Jiro, que sueña con volar y diseñar hermosos aviones, se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Corto de vista desde niño y por ello incapaz de volar, se une a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería en 1927. Su genio pronto es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos. Film biográfico que recrea hechos históricos que marcaron su vida, como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial.

PREMIOS

2013: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de animación
2013: Globos de Oro: Nominada a mejor película extranjera
2013: National Board of Review (NBR): Mejor película de animación
2013: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
2013: Críticos de Chicago: Mejor película de animación
2013: Asociación de críticos de Los Angeles: 2ª Mejor película de animación
2013: Critics Choice: Nominada a Mejor película de animación
2013: Premios Annie: Mejor guión. Nominada a Mejor película
2013: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
2013: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de animación

CRÍTICA

+ "Drama histórico de una belleza inquietante (...) Miyazaki está en la cima de su arte visual, alternando exuberantes paisajes rurales de colores vivos, con épicos lienzos urbanos superpoblados." (Scott Foundas: Variety)

+ "Miyazaki, que es a la vez artista e ingeniero, ha vivido su década dorada por tercera vez, y sin embargo, continúa dejándonos atónitos." (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Puede que no sea la película más accesible del director, pero es una de sus más fascinantes y seductoras" (Oliver Lyttelton: Indiewire)

= "Su 'look' es asombroso, pero no logra hacer frente bien a la política de su tema. (...) Naturalmente la animación es un placer para la vista (...) pero la película es demasiado controlada, le falta garra (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Xan Brooks: The Guardian)

+ "Una película sobre el preludio a la guerra y la belleza de volar, cuyos superlativos efectos visuales remarcan cuán maravillosa es la vida." (Deborah Young: The Hollywood Reporter)

+ "El señor Miyazaki provee la vida y los sueños de Jiro de una elegancia lírica y una dolorida angustia." (Nicolas Rapold: The New York Times)

+ "Si Miyazaki finalmente no se retira, le costará superar este maravilloso, encantador biopic (...) La perseverancia y la fuerza de sus personajes, su amor por la humanidad, se sienten como un oasis en un desierto de cinismo." (Alonso Duralde: The Wrap)

+ "Jiro es un ingeniero serio y un romántico, no un soldado. Y 'The Wind Rises' transmite la poesía visual a la que hace referencia su título. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Es una gran historia, y en este hito de película Miyazaki cumple cada demanda. Siéntate y observa. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Si este es el adiós de Miyazaki, es un buen adiós. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

= "Tiene momentos estéticamente deslumbrantes (...) Y un tono tan romántico como veraz (...) Miyazaki habla de las pasiones de este hombre singular con imágenes muy hermosas, pero dilata innecesariamente el metraje." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Sin poseer la lírica desatada y cautiva de sus mejores trabajos, la película se ofrece sin embargo como un perfecto, agónico y doloroso resumen de, quizá, una vida entera entregada a hacer desaparecer la pantalla de los cines; a empapar la realidad con el veneno del deseo." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Quizá sea la más contenida y antiespectacular de las películas [de Miyazaki] (...) El director logra hacer palpable lo invisible (...) un hondo melodrama de la resignación" (Jordi Costa: Diario El País)

= "Un testamento en el que uno echa en falta un corazón dramático menos confuso (...) Miyazaki no se atreve a preservar el recuerdo de la destrucción colectiva y lo disuelve en el dolor personal [del protagonista] (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Es una película monumental y deslumbrante (...) Bella y escrita con mimo (...) regala una inolvidable historia de amor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

+ "El maestro Miyazaki se despide del cine por todo lo alto (...) Puntuación: ★★★★½ (sobre 5)" (Rubén Romero: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	9,5		7,4		8,1
NOTA MEDIA: 8,3

TRAILER

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SONRISAS Y LÁGRIMAS

Tenía pensada para hoy (intento actualizar con más asiduidad) otra película, pero tras leer la noticia de la muerte de una de Eleanor Parker, actriz clásica algo olvidada de Hollywood he dicho: bueno, vayamos a dedicarle la entada de hoy. A pesar de empezar como actriz temprana tardó bastante en lograr algún reconocimiento por su trabajo, su primera interpretación a gran escala fue una participación secundaria en la apoteósica Murieron con las botas puestas, aunque finalmente las escenas en las que aparecía Parker fueron eliminadas, más tarde continuaría con pequeñas cintas de serie B dónde consiguió su primer papel protagonista. Así que no fue hasta la década de los 50 en que la joven y bella actriz llegó a su apogeo fílmico, nominada por la academia americana en su papel en el estupendo drama carcelario Sin remisión, por fin consiguió el merecido reconocimiento. La gloria no tardó en desaparecer ya que diez años más tarde fue apartada de la gran pantalla por las nuevas jóvenes estrellas y tuvo que dedicarse casi exclusivamente a los papeles para televisión, hasta que a llegado 1965 apareció un musical muy recordado por todo el mundo y que rescató a Eleanor Parker del olvido, Sonrisas y lágrimas, película que utilizo para este pequeño homenaje a la actriz de Ohio.

María es una novicia que se ve apartada de la abadía en la que se encuentra al no terminar de encajar en el estatus de una monja, sus ideas y acciones son más de una chica libre y alegre, difícil permanecer encerrada en un convento. su superiora la envía como institutriz de una familia compuesta por un severo y patriótico padre, militar austriaco retirado, y sus siete hijos. Allí llenará de alegría una casa que perdió la felicidad hace mucho tiempo.

Es fácil desmontar una película como Sonrisas y lágrimas, realmente pocas cosas destacan en ella y la película se escuda en el tremendo éxito de taquilla que consiguió en su época, efecto que causó una sobreadmiración con el paso del tiempo, aunque estrenada hoy seguramente no sería de igual calado, y no precisamente por sus decorados de cartón piedra o el absurdo de realizar un filme localizado en Austria y con personajes tan patrióticos en inglés. Pero tiene esta película que adapta el musical de Broadway, a su vez adaptación de la novela auto-biográfica de la famosa familia Von Trapp, cierta magia que atrapa, especialmente por sus canciones, que aunque pueden gustar más o menos, enganchan y se quedan en la memoria para la posteridad.

Tampoco es baladí, que la película haya sido imitada hasta la saciedad en incontables ocasiones, y es que su estilo y argumento, que consiguieron hacer de ella una de las películas más rentables de la historia del cine, son un señuelo estupendo para los empresarios cinematográficos que han querido igualar ese éxito para sus bolsillos.

Claro está que la ñoñez desmesurada de la película no es excusa para no reconocer el trabajo bien hecho en esta producción de grandes estrellas, una realización cuidada y un guión que podría haber sido todavía más edulcorado si no hubiese caído en manos del veterano Ernest Lehman, salvan la película de la desgracia y ofrecen por contra un filme agradable y entrañable. Igual de acierto es apostar por el musical, ya que no veo mejor uso para un género tan agotador como este, que el de ser utilizado para contarnos un pequeño fragmento de una familia tan relacionada con la música.

Poca profundidad podemos socavar de Sonrisas y lágrimas, de hecho aunque trate de un tema tan peliagudo como fue la Segunda Guerra Mundial, parece que se lo tome a risa al meterse en el juego del gato y el ratón sin aprovechar la fuerza dramática de unos hechos de ese calibre. Pero aprovechando el personaje de la homenajeada de hoy, la que debería ser la antítesis del personaje de Julie Andrews de la película, pero que está extremadamente suavizada y de enemiga tiene más bien poco, tiene tales paralelismos con la historia real de Eleanor Parker, que asusta. El momento de "yo siempre he sido la más reconocida y admirada, pero que de repente debo apartarme para dar paso a la nueva sangre, de una joven y cantarina mujer", es tremendamente similar a la situación que vivió Parker cuando vio que las nuevas y jovencitas actrices de Hollywood la apartaban de las pantallas. Pero aunque Plummer terminara eligiendo a Andrews en la ficción, sus declaraciones tras la muerte de la veterana actriz dejan claro que de ser por él las cosas hubiesen sido distintas: "es una de las mujeres más bellas" que ha conocido en su vida, "como persona y como belleza".

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TÍTULO ORIGINAL The Sound of Music
AÑO 1965
DURACIÓN 172 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Robert Wise
GUIÓN Ernest Lehman
MÚSICA Richard Rodgers & Oscar Hammerstein II
FOTOGRAFÍA Ted McCord
REPARTO Julie Andrews, Christopher Plummer, Richard Haydn, Eleanor Parker, Peggy Wood, Heather Menzies, Charmian Carr, Anna Lee, Marni Nixon
PRODUCTORA United Artists
GÉNERO Musical. Drama. Romance
TEMÁTICA Familia. Años 30. II Guerra mundial. Biográfico

SINOPSIS
Austria, 1938. María es una alegre novicia que abandona la abadía para convertirse en la institutriz de los siete hijos de un militar retirado, el capitán von Trapp, viudo desde hace poco tiempo. La casa de los von Trapp funciona como un cuartel, pero María consigue devolver la alegría a los niños y ganarse su respeto y cariño.

PREMIOS
1965: 5 Oscars: Película, director, sonido, bso (adaptada), montaje. 10 nominaciones
1965: Globos de Oro: Mejor película y actriz (Andrews) -Comedia/Musical. 4 nom.
1965: Premios David di Donatello: Mejor actriz extranjera (Julie Andrews)
1965: Círculo de críticos de Nueva York: Nominada a Mejor actriz (J. Andrews)

CRÍTICAS
+ "Bonito musical en el que, como indica su título, hay tiempo para reír y para llorar" (Fernando Morales: Diario El País)

= "Lujosa adaptación de una comedia musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein sobre la historia de la familia Trapp, que ya fuera tratada en un par de olvidables películas alemanas durante los 50. El espectáculo asume la cursilería como estilo, y en este sentido puede afirmarse que triunfa plenamente, aunque chirrie en más de un momento." (Fotogramas)

- "“Sonrisas y lágrimas” es una película tremendamente básica, y por eso es tan fácil llenar los huecos de una narración pésima." (Carlos del Río: El rincón de Carlos del Río)







PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6
- Filmaffinity: 6,9
- IMDB: 7,9
* Media: 6,9

TRAILER

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Y de estas despido el post:

ADIÓS, MUCHACHOS

Louis Malle es un director que siempre me ha ofrecido sentimientos encontrados, me gusta su cine, me parece un autor serio y con mucho que contarnos, pero sus películas se quedan en un extraño umbral dónde sus virtudes me juegan una mala pasada.

El caso de Adiós, muchachos no es distinto. El filme, sobradamente conocido por ser una de las películas más sensibles jamás rodada y sin contar con una sola pizca de sensiblería, nos cuenta en clave autobiográfica la historia de Quentin, un niño de casa acomodada que comparte su infancia en un internado católico para chicos. En ese lugar conoce a Bonnet, uno de los nuevos chicos recién llegados a la escuela y por el que poco a poco se irá interesando. Todo ello relatado en la Francia de 1943, en plena ocupación alemana del país.

El filme cuenta con varios aspectos interesantes que analizar, de entrada dejar que me centre en esa sobriedad con la que el autor nos relata su trabajo. Si bien ese es sin dudarlo el aspecto más brillante del filme, necesita una fácil empatía por nuestra parte, ya que al no forzar nuestros sentimientos al estar totalmente vacuo de sensiblería necesita de nuestra voluntad para profundizar en él. Por mi parte encontré una película tremendamente triste y dura, pero no conseguí sentir aquello que tanta gente ha vivido con las imágenes que Malle nos regala en este trabajo, de ahí que a pesar de reconocer que Adiós, muchachos es una película mayúscula, me quede con un leve chasco al no poder meterme más en sus entrañas.

Dejando de lado lo comentado podemos centrarnos en los otros puntos de vista que  encontrar en el filme. Además de no querer hacer un melodrama, Malle, tampoco quiere hacer un relato bélico posicionado y prefiere así centrarse en el día a día de la escuela, mostrarnos la vida allí, los juegos, las amistades, los hábitos de todos los que habitan el lugar... La guerra no es más una sombra que planea sobre sus cabezas y que forma parte del conjunto, los nazis no son más que unos matones que se dejan caer de vez en cuando por el sitio. Todo ello se nos relata desde la visión infantil, o de unos niños que están dejando de serlo. La relación entre los personajes se forja poco a poco a lo largo de todo el metraje ayudando de este modo a la identificación emotiva con ellos, tanto el autoconocimiento como la autoreflexión son piezas clave pare los muchachos, en especial el joven protagonista, que descubrirá poco a poco como la vida no es tan blanca ni tan negra como él cree. Así llegamos a un final que entra de cabeza en la historia de finales trágicos que se han visto del cine, aunque este lo sea de un modo totalmente ebrio, en el que el relato de la voz en off, y las imágenes casi inmóviles tienen mucho que contar.

A pesar de dejarme algo frío, no puedo dejar de recomendar esta película e invitaros a descubrirla vosotros mismos si no lo habéis hecho ya, realmente merece la pena descubrir su modo de narración. Por mi parte seguiré buscando el filme de Malle que por fin deje de producirme estas sensaciones tan contradictorias.

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TÍTULO ORIGINAL Au revoir les enfants
AÑO 1987
DURACIÓN 104 min.
PAÍS Francia, Alemania, Italia
IDIOMA Francés, alemán, inglés
DIRECTOR Louis Malle
GUIÓN Louis Malle
MÚSICA Franz Schubert, Camille Saint-Saëns
FOTOGRAFÍA Renato Berta
REPARTO Gaspard Manesse, Raphaël Fetjo, Francine Racette, Stanislas Carré de Malberg, Philippe Morier-Genoud, François Berléand, François Négret, Peter Fitz, Pascal Rivet, Bendit Henriet, Xavier Legrand, Irène Jacob
PRODUCTORA Nouvelles Éditions de Films / MK2 Productions / Stella Films
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Amistad. Infancia. Años 40. II Guerra Mundial

SINOPSIS
Invierno de 1943. Durante la ocupación alemana de Francia, en un internado católico para chicos, Julián, un muchacho de trece años, queda impresionado por la personalidad de Bonnet, un nuevo compañero que ingresa en el colegio después de iniciado el curso. 

PREMIOS

1987: 2 Nominaciones al Oscar: Mejor película extranjera, guión original
1987: Globos de oro: Nominada Mejor película de habla no inglesa
1987: Festival de Venecia: León de Oro - Mejor película
1987: 7 Premios Cesar, incluyendo mejor película
1987: Premios David di Donatello: 3 premios, incluyendo Mejor film extranjero

CRÍTICAS

+ Louis Malle demuestra, una vez más, la diferencia entre sensibilidad y sensiblería. Esta obra maestra posee la primera a raudales sin acercarse siquiera a rozar la segunda. Las relaciones entre los jóvenes de un internado durante la Segunda Guerra Mundial le sirven al director para trazar un bellísimo retrato no sólo de la adolescencia, sino también de conceptos tales como la fidelidad o la traición. Bellísima. (Daniel Andreas: FILMAFFINITY) 

+ "Sutil, hermosa, compleja, dura, tierna y honesta" (Carlos Boyero: Diario El Mundo) 

+ "Bonita película, nada partidista y que refleja una historia sincera y muy emotiva" (Fernando Morales: Diario El País) 

CURIOSIDADES

- Adiós Muchachos es la historia de su director Louis Malle, recuerdos melancólicos que de forma totalmente deliberada recrean el fin de su propia infancia, con lo que la película adquiere un aire muy personal.

- Malle quiso realizar, de entrada, el filme en blanco y negro

- La película desencadenó una pólemica política por su representación de la colaboración francesa durante la ocupación nazi. El filme se estrenó justo cuando el nazi alemán Klaus Barbie iba a ser juzgado. Louis Malle (director del film) fue acusado de buscar culpables sobre todo en el bando francés y, algo inusual en la filmografía de Malle, de dar una imágen muy benévola de la iglesia.

FRASES

* Han pasado más de cuarenta años, pero, hasta el día de mi muerte, recordaré cada segundo de aquella mañana de Enero.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7

- Filmaffinity: 7,9

- IMDB: 8

* Media: 7,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

EL ARTISTA Y LA MODELO

El artista y la modelo es una película hermosa, un trabajo hecho con mimo por parte de Fernando Trueba que realmente se convierte en una de las películas más preciosas del cine español en esta que llevamos de década.

El film que nos propone Trueba nos cuenta la historia de Marc Cros, un escultor de ya avanzada edad y vacío de estímulos para seguir con su trabajo. Entonces es cuando aparece Mercè, una joven que hará el el artista recupere la inspiración para realizar la que debe ser su última obra. Todo ello ambientado en la decadente II Guerra mundial en una pequeña zona francesa cerca de la frontera con España.

Es un gusto sumergirse con la película en ese amor por el arte y la perfección por capturar la belleza a través de él, ver la lucha del escultor por su compromiso hacia aquello que ama tanto y cree está por encima del resto, como puede ser la locura del hombre. Es inevitable hacer ciertas comparaciones entre el avance de la historia y el propio Trueba, y es que esa búsqueda por la perfección se hace patente también en el trabajo del realizador, que con esta película logra alcanzar momentos realmente bellos. Trueba ya demostró con su anterior trabajo, Chico & Rita, que a pesar de su extensa carrera siguen intactas sus ganas de buscar su propia huella afrontando retos nuevos, y ahí que el mismo nos recuerde a su propio escultor como alter ego.

No hace falta hacer demasiado alarde de la maestría de Fernando Trueba en la dirección del filme, ya que a estas alturas es sobradamente conocido cual es su nivel en el campo. La película evita recursos que empañan la película como puede ser la banda sonora para así sincerarse con un cine metafórico, lleno de serenidad y pureza.

El guión es tan complejo como difícil de tratar, algo que se consigue transmitir en la pantalla gracias a la presencia de sus actores, unos Jean Rochefort y una Aida Folch supremos en su trabajo por transmitir todo aquello que oímos, pero que nos cuentan con su mirada. Una historia dónde el trasfondo belicista se convierte en una almohada de poca importancia, acercándonos así a la figura del artista, sin caer en equívocos de contarnos otra historia que poco tenga que ver con el sincero amor por el arte. Por contra encontramos los siempre pequeños detalles que a pesar de ser también estupendos parece que no hacen más que estorbar en el eje principal, en una película que se hubiese sostenido solamente con la relación entre el artista y su modelo. Hablamos por ejemplo de la estupenda presencia de Chus Lampreave, con un personaje muy divertido pero que hubiese sido mejor dejarlo para otra ocasión, por otra parte la desaprovechada presencia de una potente Claudia Cardinale que nos deja con la sensación de que nos quedamos huérfanos al no conocer de lleno su relación como esposa del esculor y que seguramente podría habernos dado más pistas de la casi perfilada personalidad del artista. A pesar de ello el filme sigue siendo lo suficientemente interesante como para quedar completamente prendado de sus imágenes en blanco y negro.

Sin duda alguna una de las películas del año que al compartir estreno con Blancanieves quedará algo apartada de las miradas del público, algo que no es más que un error, ya que ambas son lo suficientemente interesantes como para no perderse ninguna.

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TÍTULO ORIGINAL El artista y la modelo (L'artiste et son modèle)
AÑO 2012
DURACIÓN 104 min.
PAÍS España
IDIOMA Francés, Español
DIRECTOR Fernando Trueba
GUIÓN Fernando Trueba, Jean-Claude Carriere
FOTOGRAFÍA Daniel Vilar (B&W)
REPARTO Jean Rochefort, Aida Folch, Claudia Cardinale, Chus Lampreave, Götz Otto, Christian Sinniger
PRODUCTORA Fernando Trueba Producciones Cinematográficas S.A. / Bonne Pioche
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Años 40. II Guerra Mundial. Arte

SINOPSIS

Verano de 1943. En un lugar de la Francia ocupada, no lejos de la frontera española, vive retirado un viejo y famoso escultor que se siente hastiado de la vida y de la locura de los hombres. Ya nada es capaz de animarle, de servirle de estímulo. Sin embargo, con la llegada de una joven española que se ha fugado de un campo de refugiados y que le servirá de musa, renace en él el deseo de volver a trabajar y esculpir su última obra. 

PREMIOS

2012: Festival de San Sebastián: Concha de Plata - Mejor director

2012: Candidata a la preselección española de los Oscar.

CRÍTICAS

+ "Trueba firma una de sus obras más personales y lúcidas (...) Todo en ella se antoja perfectamente medido, controlado, sin aspavientos, libre de gestos o pausas muertas" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una reflexión llena de arte sobre el arte. (...) Hay muchas cosas que me fascinan en esta película a contracorriente, profunda, escrita con mimo" (Carlos Boyero: Diario El País)

= "Se notan (para bien) las influencias de las que bebe Trueba (el realismo poético francés, Renoir), pero el resultado es inequívocamente personal, y parece completar una secreta trilogía con dos de sus mejores películas, «El año de las luces» y «Belle Epoque»" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Entronca con el mejor cine de Trueba (...) una obra profundamente intimista (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,7

- Filmaffinity: 6,7

- IMDB: 6,9

* Media: 7,1

TRAILER

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