LILTING

Aunque quedan pocos días para finalizar el Atlántida Film Fest, me permito una pausa del festival para dar paso a otra muestra de cine que se celebra estos días en Barcelona. El Fire!!, muestra de cine de temática LGTBI, llega a sus veinte años de existencia, y como no podía ser de otra manera, un año más merece ser comentado por aquí. Este año el Fire viene cargado de cintas realmente interesantes, llegando a superar los altos niveles de calidad de ediciones anteriores. Solo hace falta echar un ojo a la programación para darse cuenta de ello, o simplemente fijarse en la cinta que se ha encargado de inaugurar el festival: Lilting; película que en los BAFTA optó por la candidatura a mejor ópera prima, además de ganar el de mejor fotografía en Sundance. Fire arranca alto.

Junn vive en un geriátrico consumida por la pena de perder a su único hijo, Kai, y triste por encontrarse en un lugar dónde no se siente a gusto, y dónde no puede comunicarse, ya que Junn es de origen camboyano y no domina el inglés. Richard es un desconocido para ella debido a una fuerte animadversión hacía él, aunque a ambos les une un lazo muy fuerte, ya que Richard era la pareja de Kai, algo que ella desconoce. Richard intenta acercarse a ella, lograr que Junn le acepte e intentar que ésta vaya a vivir con él. Juntos lograrían superar el dolor.

Creada con una sencillez de lo más remarcable, la película de Hong Khaou es una obra delicada y pausada, que lejos de convertirse en un filme simplemente contemplativo destaca en su fuerza narrativa. La historia principal se traduce en una exploración de temas no tan simples como la aceptación de lo distinto a la norma, si no que va más allá, al adentrarse a formulas sociales que no son nuevas, pero si que salen de aquello que se nos quiere hacer pasar por correcto. Así, Khaou nos adentra en el mundo familiar, de una familia descompuesta por la perdida, y aunque a simple vista podríamos no pensar que lo que se nos presenta no tiene nada de troncal, en realidad es el eje más importante.

No contento con ello, y ya por ello alejado de la simpleza narrativa, Khaou nos adentra a otros mundos a través de su relato, en el que caben temas sociales como el del trato al mayor o las diferencias culturales que se vuelven mucho más evidentes en los países occidentales. El autor consigue no sobrecargar con todo ello su película, y despunta en una sencillez agradable, dónde la melancolía y la tristeza se adueñan del metraje.

Una obra delicada e interesante que se convierte en una excelente carta de presentación para la XX edición del Fire!!, demostrando que el cine de temática homosexual va mucho más allá del romance o la denuncia social. Una película completamente actual, que convierte la aceptación en algo consolidado.

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TÍTULO ORIGINAL Lilting AÑO 2014 DURACIÓN 91 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Mandarín, Inglés DIRECCIÓN Hong Khaou GUIÓN Hong Khaou MÚSICA Stuart Earl FOTOGRAFÍA Urszula Pontikos REPARTO Ben Whishaw, Pei-Pei Cheng, Andrew Leung, Peter Bowles, Naomi Christie, Morven Christie PRODUCTORA Microwave / SUMS* Film and Media / Stink Films

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Vejez. Homosexualidad. Muerte/Duelo. LGBTIQ

SINOPSIS

Sigue los días de una madre china que vive en un geriátrico en Londres, quien acaba de perder a su hijo en un accidente. A su vez, un chico que era la pareja del joven, intenta acercarse a la madre para no abandonarla durante su duelo. Pero hay varias barreras en su relación, sobre todo culturales. No hablan el mismo idioma, y además la madre no sabía que su hijo era homosexual. Frente a este panorama, el joven se esfuerza en generar un acercamiento con la persona que probablemente más entienda el valor de lo que él acaba de perder.

PREMIOS

2014: Premios BAFTA: Nominada a Mejor debut escritor, director o productor británico
2014: Festival de Sundance: Mejor fotografía (World Cinema). Nominada al premio del jurado (Wolrd Cinema)
2014: Britihs Independent: Nominada a mejor actriz (Pei-pei Cheng) y Mejor dirección de producción. Nominada al premio Douglas Hickox

CRÍTICA

+ "Hong Khaou hace un buen debut con esta transcultural pieza de cámara de un silencio resonante." (Justin Chang: Variety)

+ "Delicada y sin prisas casi hasta la exageración, aunque también inquietantemente sexy e incluso a ratos humorística." (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Un drama hábil y delicado." (Mark Adams: Screendaily)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,0		7,1
NOTA MEDIA: 7,0

TRAILER

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LUNÁTICO

Después de varios filmes fallidos parecía que la Sección Oficial del Atlántida Film Fest (AFF) contenía películas que, a pesar del alto nivel de experimentación fílmica, no alcanzaban a ser obras muy a tener en cuenta en cuanto a resultados finales. La programación de este año se estaba comenzando a convertir más en una tortura que no en un disfrute fílmico, una pena para un festival tan prometedor y de referencia como es el AFF. Pero por suerte no todo está perdido, por fin una luz ha alumbrado todo el festival, pues tras el visionado el primer filme como director de Eduard Sola, Lunático, la pereza de seguir con el festival ha desaparecido, pues si todavía quedan obras tan notables como ésta oda familiar, la muestra puede seguir prometiendo, y mucho.

Eduard Sola decide rodar un documental sobre sus abuelos Eduardo y Rosario acompañándolos en su día a día y entrevistándolos para saber como se conocieron. Un acercamiento especialmente a la figura de su abuelo, uno hombre de pueblo aficionado a los inventos con el cual Eduard descubrirá un gran secreto que esconde y que hará tambalear su situación familiar.

Sola no es nuevo en el mundo del cine catalán, pues ya ha destacado por sus buenos guiones en otras ocasiones y con películas que a pesar de presentar claros y diferenciados estilos, siempre han conservado una seña muy concreta de Sola, que apuesta por un relato algo melancólico y muy humano. Hablo de películas como la interesante y nada rutinaria Tots els camins de Déu (Gemma Ferraté, 2014) o la sobradamente conocida Barcelona, nit d’estiu (Dani de la Orden, 2013) o su secuela en producción Barcelona, nit d’hivern (Dani de la Orden, 2015). Pero es la primera vez que Sola se coloca a la cabeza de una película en vez de hacerlo con el texto y el resultado no podía ser mejor.

Lunático arranca como un filme documental en el que el propio director participa en pantalla. Una película que no tarda en conquistarnos gracias a sus dos personajes principales, Eduardo y Rosario, los entrañables y naturales abuelos del propio director. En la película rápidamente reconocemos un estilo cercano, y sus primeras intenciones se hacen claras. Nos encontramos ante un filme que busca un acercamiento a nuestros mayores, a reconocer nuestras propias raíces, una película sobre el amor a pesar de tiempo y el amor a pesar de la distancia generacional. Pero por si eso no fuese suficiente, Lunático da un giro para contarnos todo esto de un modo muy distinto, a través de unas ideas deslumbrantes dónde la colaboración de todos los implicados en pantalla se hace simplemente imprescindible.

El director echa mano de la mezcla ficción/realidad para hablarnos de ese amor que sus abuelos sienten, de ese respeto que él mismo siente por ellos, y del giro de tornas que suele presentarse cuándo los hijos pasan a ser los que están a cargo de sus padres, un momento en la vida en el que descubrimos como a veces se antepone la cordura y el miedo, ante la libertad, muy a pesar de que ello sea por el bien de los implicados, ya que no deja de ser una decisión triste.

No es de extrañar que con éstas formulas, la película nos mantenga atentos durante toda su duración, pues es imposible no sentirse atraído por su cercanía. El tono que Sola da a Lunático es muy propicio a ello, pues el director apuesta por las situaciones en las que, como la vida misma, hay sitio para el humor, la melancolía, el drama, la tristeza o la intriga. Un espiral emocional que da pie a que los espectadores nos emocionemos junto a sus protagonistas y quedemos prendados con lo que vemos en pantalla.

Sin lugar a duda Lunático se ha convertido en mi favorita para postularse con el premio a mejor filme de la Sección Oficial en los Blogos de Oro de otorgamos para AFF, aunque queda mucho por ver, y existe todavía algún que otro filme prometedor.

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TÍTULO ORIGINAL Lunático AÑO 2014 DURACIÓN 73 min. PAÍS España IDIOMA Español, Catalán DIRECCIÓN Eduard Sola GUIÓN Eduard Sola, Mireia Ubero MÚSICA Adri Mena, Gerard Pastor FOTOGRAFÍA Ricard Canyellas, Clara Civit REPARTO Eduardo Guerrero, Rosario Delgado, Carmen Flores, Adela Ayala, Eduard Sola PRODUCTORA ESCAC Films

GÉNERO Drama. Ciencia Ficción

TEMÁTICA Comedia dramática. Falso documental. Vejez. Familia. Cine dentro del cine. Vida rural

SINOPSIS

En un pueblo en el campo catalán viven los abuelos andaluces de Eduard Solà. "Lunático" documenta lo que podría ser una historia más de inmigración, amor mutuo y trabajo duro, sino fuera porque el abuelo de Solà es inventor. Es así como en sus ratos libres y a lo largo de toda su vida, el abuelo ha dado vida a toda clase de invenciones disparatadas y de utilidad dudosa: desde unas pinzas luminosas para tender por la noche, a una máquina de tocar el violín. Sólo que, pronto descubriremos, el abuelo tiene una invención que gana por goleada a todas las demás. Y que puede llevarle (y llevarnos) más allá de la estratosfera.

PREMIOS

2015: AFF: Película a concurso.

CRÍTICA

+ "Una de las más agradables sorpresas del Atlántida Film Fest, una pequeña joya que nos recuerda cómo las pequeñas cosas pueden dar grandes películas, cómo en los personajes más cotidianos y las historias más insignificantes podemos encontrar héroes y épicas hazañas. Una película realizada no sólo con un buen hacer técnico sino con mucho corazón, tanto que sabe trascender la pantalla. Recomendable." (Enoch: Raven Heart)

+ "Pequeñas realizaciones como ésta demuestran que lo difícil no es disponer de millones para relatar algo grande y vacío, si no tener talento para que algo humilde y cercano cale tan hondo como para remover algo en tu interior." (Javi: Cine de Patio)

+ "Lunático es un homenaje del director a sus abuelos, una muestra de que el verdadero amor existe, un canto a la persecución de los sueños y a vivir de ilusiones sin importar la edad, una muestra de amor incondicional, una película totalmente recomendable." (Azu Pereira: Criticas en 8 mm.)

PUNTUACIONES

 

	8,5		6,7		-,-
NOTA MEDIA: 7,6

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SOMOS MARI PEPA

Cierra ya la cuarta edición del Festival de Cine de Autor de Barcelona, y aunque todavía no se conocen los resultados del premio del público si se conoce la decisión de la crítica que ha premiado el filme francés Mouton (Gilles Deroo, Marianne Pistone, 2012), galardonando a sus directores con el premio Nou talent. Por desgracia no he podido dejarme caer por el festival más que en una de las sesiones, así que si queréis un buen resumen os recomiendo esperar la crónica de Lost Highway Blog o de Después de 1984. Por mi parte aquí os traigo Somos Mari Pepa, primer largometraje del mexicano Samuel Kishi y una de las cintas de la sección "À toute vitesse", dedicada especialmente a la nueva visión de cineastas debutantes sobre la adolescencia.

Alex es el líder de un grupo de punk-rock que decide presentarse a una guerra de bandas. Los jóvenes deberán crear un nuevo tema propio y ensayar en poco tiempo si quieren quedar bien en el concierto. Alex verá que sueño se torna cada vez más complicado al darse cuenta que sus amigos están en otras cosas a la vez que ve como su abuela, con la que vive, se torna cada vez más dependiente de él.

Aunque Samuel Kishi presente su largometraje como una secuela de su premiado corto Mari Pepa (2011) rodado dos años antes, en realidad es una ampliación del mismo, repitiendo conceptos aunque actualizándolos a la edad de los muchachos y añadiendo algunos nuevos, aunque eso haga que se pierda parte de la frescura de su original si que consigue que esos nuevos elementos maduren exponencialmente el argumento del filme.

El primero de los aciertos es mantener la variación de cámaras y formatos que hace que el filme se haga cercano y sincero hacia el espectador, mismo uso que se le da al sonido, aunque este último se presente más peligroso ya que en más de una ocasión se hacen ininteligibles los diálogos de la película. Otro de los atinos es mantener el reparto original, pudiendo jugar pues con algunas imágenes de archivo que refuerzan un estupendo espíritu semi-documental.

Y es un acierto ese tono documental para la película ya que de este modo podemos disfrutar de una radiografía social estupenda que se esconde detrás de la narración de la película, que se entrevé en cada uno de los fotogramas y que nos muestra la vida del barrio dónde nació y se crió Kishi, y sin lugar a dudas un factor esencial para poder disfrutar de la propuesta.

Mucho se ha contado ya de la etapa de pre-maduración de las personas, y Somos Mari Pepa no presenta nada nuevo al respeto, tan solo el formato se presenta como algo novedoso a la radiografía adolescente que hace. En esta nos encontramos a un protagonista que madura a marchas forzadas, que de un modo pesimista dice adiós a los sueños y que no tarda en conocer los peores devenires de la vida, la relación con su familia y especialmente con su abuela, la situación delictiva del barrio dónde vive, la ruptura de lazos sobre la amistad que se creía eterna, los primeros amores... Nada distinto a lo que les va a ocurrir a su grupo de amigos, que terminan de confeccionar un mosaico sobre el paso de niño a adulto. Un conjunto de factores que van rompiendo con lo cómico del filme para tornarse en algo agri-dulce.

Somos Mari Pepa es una película dónde es imposible que el sentimiento de nostalgia no recorra nuestros cuerpos, aunque el final del filme sea el mayor detonante para aflorar nuestras emociones, la preparación a lo largo de la película está cuidadosamente preparada, sorprendentemente sin recurrir al uso de recursos comunmente utilizados para conseguir algo así, ya que en Somos Mari Pepa no nos encontraremos con una banda sonora melancólica, una fotografía en tonos pastel, ni unos diálogos profundos en escenas pausadas, no, Kishi consigue la explosión con sumo realismo, contándonos aquello que él mismo podría haber vivido.

A pesar de las buenas intenciones del filme, de contar con elementos con suficiente garra y de tener la suerte de presentar un elenco excelente, al final nos encontramos con una película algo descafeinada, que nos sabe a poco, y muy a pesar poco original en conceptos, pero tiene la suficiente energía y valores como para que nos fijemos en ella, quizás es mejor quedarse con el cortometraje, ya que la síntesis es bastante lograda.

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TÍTULO ORIGINAL Somos Mari Pepa AÑO 2013 DURACIÓN 95 min. PAÍS México IDIOMA Español DIRECCIÓN Samuel Kishi GUIÓN Samuel Kishi, Sofía Gómez Córdova MÚSICA Kenji Kishi FOTOGRAFÍA Octavio Arauz REPARTO Alejandro Gallardo, Arnold Ramírez, Rafael Andrade Muñoz, Moisés Galindo, Jaime Miranda, Petra Iñiguez Robles PRODUCTORA Teonanacatl Audiovisual / Cebolla Films

GÉNERO Comedia. Drama. Musical

TEMÁTICA Música. Amistad. Adolescencia. Vejez

SINOPSIS

Alex, un chico de 16 años que vive con su abuela, tiene distintos objetivos para el verano: crear junto con su grupo de rock una nueva canción, conseguir trabajo y tener su primera experiencia sexual. Al mismo tiempo descubre que su abuela comienza a ser más dependiente de él. Conforme avanza el verano, Alex empieza a darse cuenta de que las cosas van a cambiar para siempre y tendrá que madurar y aprender a decir adiós.

PREMIOS

2014: Berlín: Nominada al oso de cristal.
2014: Miami Film Fest: Mejor Ópera prima Ibero-americana (Mención especial)
2014: D'A: Filme a concurso.

CRÍTICA

+ "la ópera prima de Samuel Kishi Leopo, es un ensayo fresco y novedoso sobre las implicaciones de la adolescencia para los chicos de hoy" (Mabel Salinas: En la butaca)
= "La cinta funciona, se siente amable y deja ver incluso la enorme depresión en que vive una ciudad como Guadalajara que, paso a paso, error tras error, pierde encanto y sobre todo futuro. Eso sí, ello resulta el tema ideal para este pequeño viaje punk sin pretensiones. El problema es que, conforme el final se acerca, a veces uno cree que la cinta debió de tener algunas." (Erick Estrada: Cinegarage)

PUNTUACIONES

 

	6,0		7,2		7,5
NOTA MEDIA: 6,9

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AMOR

El cine de Michael Haneke siempre es bienvenido por estos lares, y su último trabajo (cinematográfico se entiende, ya que si no deberíamos detenernos en la dirección operística de Così fan tutte) ya tardaba en aparecer por aquí. Amor (Amour, 2012) es sin duda una de las mejores propuestas de su año, además de ser seguramente la obra más personal de director de Múnich. 

Anne y Georges son una pareja de profesores de música retirados que han alcanzado ya su vejez. Anne sufre un día un infarto y es operada con urgencia, tras pasar por quirófano la mujer queda dañada con una hemiplejia derecha, necesitando atenciones constantes por su marido.

Michael Haneke arranca su película contándonos el final, vemos como un grupo de bomberos encuentra el cuerpo de Anne en el salón de su hogar cubierto de flores, de este modo el director austriaco deja claras dos características del filme, por un lado que no habrá finales emotivos y felices, él nos va a relatar una vez más la realidad. Por otro lado nos ayuda a ver ya desde el inicio que no vamos a ver una película que construya un canto al romanticismo basándose en el amor de dos ancianos y el sacrificio de uno por el otro, no quiero decir con ello que la cinta esté carente de estos significados, no es así, pero Haneke no va a construir una película basándose en el lirismo de esos sentimientos.

De este modo podemos ver como no hay ningún tipo de embellecimiento de la acción, en ese sentido Haneke es tan parco como siempre, y aunque pueda retratar lo más duro del ser humano, lo hace esta vez desde el rigor y el respeto, algo muy visible al ver como trata con dulzura Jean-Louis Trintignant al personaje de Emmanuelle Riva, pero con dureza en los momentos de flaqueza del anciano.

Quizás pueda parecer que el director no es el mismo que conocíamos de películas tan violentas como Funny Games (Juegos divertidos) (Funny Games; 1997) o Caché (Escondido) (Caché; 2005), pero no hace falta fijarse mucho para ver como es el mismo en las formas y conceptos, el dolor sigue estando ahí, al igual que el retrato de la complejidad humana. Así qué, ¿es Amor una extraña avis en la filmografía de Haneke? ¿Dónde está el frío observador de la crueldad, debilidades y perversión? Después de La cinta blanca (Das weisse Band; 2009) es fácil tener la sensación de que ha desaparecido, pero la verdad es que sigue ahí, pero con una historia dónde la desesperación se vive, y se percibe, de otro modo.

Solo hace falta revisar su primer largometraje: El séptimo continente (Der siebente Kontinent; 1989), para darnos cuenta que en realidad lo que está haciendo es volver a sus inicios, cerrando sin darse cuenta un ciclo redondo, siempre volviendo a retarnos con largos planos de clímax de fuerza descomunal (esta vez en una danza de dureza, amor, compasión y brutalidad). Es tenebroso escuchar a Emmanuelle Riva comentar como tanto su primer filme –Hiroshima, mon amour (Alain Resnais; 1959)- como este último contienen la palabra Amour en su título, esperemos que ni ella, ni Haneke, estén cerrando de este modo su aportación al mundo cinematográfico.

Hablando de Riva, no puedo proseguir con el comentario de este filme sin antes alabar el estupendo trabajo interpretativo de la actriz francesa, merecedora de todos los premios habidos y por haber (¡demonios! ¡ese Oscar era suyo!), y mucho mejor la presencia de su partenere Jean-Louis Trintignant del que se ha hablado menos pero que realmente consigue un trabajo espectacular, sincero y sin concesión alguna.

Volviendo al filme, hay que decir que hay muchas películas sobre la muerte y la enfermedad, pero la mayoría de ellas se centran en acercarse al entorno familiar y lo social, el trato hospitalario, o el sufrimiento físico... Pero Haneke lanza su mirada a lo emocional, ¿cómo debe enfrentarse alguien a algo tan común como el sufrimiento, y especialmente alguien al que amamos? Solemos ver eso en otros filmes que intentan emocionarnos al presentarnos ante niños con enfermedades incurables, parejas jóvenes a las que la muerte les sorprende... pero Haneke se pregunta sobre algo tan natural e inevitable, aquello a lo que nos deberemos enfrentar todos de un modo u otro, al alcanzar los últimos años de nuestra vida, y es justo ahí dónde el director más nos asalta.

La música desempeña otro papel esencial, la pareja protagonista eran maestros de música, por lo tanto la importancia de esta en sus vidas es la misma que el aire que necesitan para respirar, y es por eso que a lo largo del filme encontramos varias composiciones diegéticas, y sólo hace falta fijarnos un poco en ellas para darnos cuenta como todas ellas son bruscamente interrumpidas antes de alcanzar su final. El mensaje es claro y no es casualidad que el título inicial del filme sea La musique s'arrête (La música acaba).

Amour es un relato poco violento en el sentido de la gratuidad, poco tiene que ver con la sangre de Tarantino o los filmes belicistas dónde se tortura a gente y que Haneke siempre ha despreciado. Esa oferta de violencia tan común en el cine comercial siempre ha merecido su desprecio, es por eso que él siempre la ha utilizado en un formato de denuncia, quería alejar al espectador de la pantalla, y todos sabemos que lo ha sabido hacer muy bien. Con Amour se torna más realista, y es por eso que consigue impresionar más, ya que el espectador siente el mensaje como valido, lejos de la artificialidad de la violencia como divertimiento, entendido este último como irreal y, por lo tanto, lejos de toda angustia.

Amour es sin duda una gran película, y no hay que dejarla escapar.

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TÍTULO ORIGINAL Amour AÑO 2012 DURACIÓN 127 min. PAÍS Austria, Francia, Alemania IDIOMA Francés, Inglés DIRECCIÓN Michael Haneke GUIÓN Michael Haneke MÚSICA Franz Schubert, Ludwig Van Beethoven, Johann Sebastian Bach FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanco, Alexandre Tharaud, Laurent Capelluto, Carole Franck, Dinara Drukarova PRODUCTORA Les Films du Losange / X-Filme Creative Pool / Wega Film / France 3 cinéma / ARD degeto / Bayerischer Rundfunk / Westdeutscher Rundfunk / Canal + / France télévisions

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Drama romántico. Vejez. Enfermedad. Discapacidad

SINOPSIS

Georges y Anne, dos ancianos de ochenta años, son profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija, que también se dedica a la música, vive en Londres con su marido. Cuando, un día, Anne sufre un infarto que le paraliza un costado, el amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.

PREMIOS

2012: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 5 Nominaciones, incluyendo película
2012: Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor película)
2012: 5 Premios César, incluyendo mejor película y director. 10 nominaciones
2012: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa
2012: Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, actor y actriz. 6 nominaciones
2012: Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones
2012: 2 Premios BAFTA: Mejor película extranjera y actriz (Riva). 4 nominaciones
2012: Independent Spirit Awards: Mejor película extranjera
2012: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2012: National Board of Review (NBR): Mejor película extranjera
2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película
2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor película extranjera y mejor actriz (Riva)
2012: Premios Guldbagge: Mejor película extranjera
2012: Premios David di Donatello: Mejor película europea
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera
2013: Premios Goya: Mejor película europea

CRÍTICA

+ "Magnífica en su simplicidad y en su implacable honestidad acerca de la vejez, la enfermedad y la muerte (...) No hay un paso en falso ni una sola escena superflua" (Deborah Young: The Hollywood Reporter)

+ "El film más íntimo de Haneke en casi un cuarto de siglo, (...) con unas interpretaciones conmovedoras, un mano a mano inusualmente tierno" (Peter Debruge: Variety)

+ "La nueva película de Michael Haneke, un estudio de los efectos de la demencia y el envejecimiento en un agraciado matrimonio, es cine inteligente de primer orden (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5) (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Obra maestra (...) Una tierna, desgarradora e impecablemente dirigida historia sobre el amor y la muerte" (Manohla Dargis: The New York Times)

+ "Paralizante y extraordinariamente emotiva, quizás la película más inolvidablemente honesta sobre la vejez que se haya hecho nunca" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

+ "Un tipo inesperado de obra maestra de Haneke (...) No te esperas una seriedad tan inquebrantable, tanta profundidad (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Duro y sobresaliente drama. (...) Michael Haneke ha hecho su película más sutil y tierna –hasta donde puede llegar Haneke en ternura, claro- con 'Amor'" (Gregorio Belinchón: Diario El País)

+ "Deslumbrante y lúcido paseo de Haneke por el dolor y la muerte. (...) pese a la aparente frialdad, cada segundo de metraje conmueve. Conmociona y arrasa." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una película que, ¡brrrroooom!, te convierte en cascotes todo tu edificio personal. (...) Es un trabajo tan bueno que parece un milagro que no caiga en un solo momento en ninguno de los muchos agujeros sentimentales que podría haber" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Atractiva película (...) Te deja abrumado, con el cuerpo y el espíritu revueltos, deseando que se acabe y volver a respirar en la calle. O sea, Haneke ha vuelto a lograr lo que se propone con su cine sombrío, retorcido y perverso." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "La historia de amor más auténtica del cine reciente (...) obra maestra absoluta" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "'Amor' es puro Haneke, pero, al mismo tiempo, es algo que el austriaco no había hecho nunca: una película humanísima, sin autoengaños, ni infecciones sentimentales. Una obra mayor y… problemática." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Haneke filma esta lección de humanismo con gran sencillez: serenidad expositiva, un tempo medidísimo, calidez en la textura de la imagen. Lo demás lo aportan los dos veteranos actores, soberbios y compenetradísimos. Un poder de emoción de verdadero cine recorre 'Amor' de proa a popa (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES

 

	8,5		7,6		7,8
NOTA MEDIA: 8,0

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ESPERANDO LA CARROZA

Ya han pasado años desde que en 1962 se estrenaba en teatros el libreto de Jacobo Langsner, Esperando la Carroza, una comedia negra que radiografiaba la sociedad argentina de entonces (aunque extrapolable a muchos otros rincones del globo) de un modo realmente jocoso. Curioso que en 1985, momento en que se adaptó al cine, su contenido continuaba igual de actual; pero lo más sorprendente es, que hoy, lo que nos cuenta, sigue siendo igual de fresco. Es entonces cuándo nos damos cuenta de cómo el cine más allá de puro entretenimiento o de muestra de arte, es una importante herramienta crítica e histórica.

Mama Cora vive con el mayor de cuatro hermanos, junto a su nuera y su nieto recién nacido. Susana, la esposa de su hijo, empieza a padecer ataques de nervios, a causa de sus problemas económicos, la falta de espacio en el hogar y los inevitables achaques de la edad que sufre su suegra. Susana decide aprovechar una reunión familiar para quejarse de su situación y plantear que ha llegado el momento del relevo y que otro de los hermanos debe hacerse cargo de la anciana. Mientras discuten la situación, Cora desaparece y la noticia de una anciana hallada muerta en las vías del tren hará aflorar “lo mejor” de cada uno de los miembros de la familia.

Alejandro Doria nos conduce por una película realmente hilarante, en la que unos diálogos excelentes y unas interpretaciones a la altura, nos hace pasar uno de los mejores ratos posibles delante de una pantalla. Adaptando el libreto de la obra al cine, Doria sigue aprovechando la esencia del escenario sin renunciar jamás a las herramientas dinámicas que ofrece la cámara, de este modo consigue una puesta en escena directa que no necesita de demasiada filigrana para atrapar al espectador y meterle de lleno en sus enredos.

Es pues el texto, el que nada más arrancar el filme, atrapa todo nuestro interés y demuestra que lo que estamos a punto de ver nos va ha hacer pasar el mejor de los ratos. Sus ácidas frases son la clave, estas han logrado un calado tan grande en el espectador que ha día de hoy han convertido el filme en una película de culto, muchas de ellas se han incorporado en el imaginario colectivo siendo todavía hoy utilizadas por muchas personas que quedaron prendados de estas, y no es para menos.
Evidentemente, estas no serían nada si no fuera por haber sido interpretadas por los actores del filme, personas procedentes del teatro, que incluso ya habían trabajado antes en la obra original, y que  hacen suyos esos fabulosos diálogos. Aunque todos ellos están a la altura es imposible no destacar a China Zorrilla que se come literalmente la pantalla (y de vez en cuándo algún pastel), que a través de su sobradamente conocida verborrea se hace suyo uno de los personajes más divertidos del filme.

Pero Esperando la carroza no es una comedia negra sin más, el filme no duda en mostrar una fabulosa radiografía social en la que se muestran diferentes niveles de la clase social argentina a través de los cuatro hermanos; Antonio, casado con Nora, representa la clase alta cuyo cinismo es sorprendente (estupenda la escena dónde Antonio comenta a uno de sus hermanos que se le parte el corazón al ver como sus primos sólo tienen dos empanadas que sobraron de la cena de ayer para comer, algo que no le priva de comerse una), Sergio, representando la clase media, intentando aparentar lo que no es y casado con Elvira. Jorge, de la humilde clase baja, emparejado con Susana con la que compartirán apuros para llegar a final de mes, y finalmente Emilia, única mujer de la familia, viuda y con un desastre de hijo al cargo, vive en la pobreza.
A través de la familia Musicardi el texto representa de un modo totalmente irónico la realidad de un país que se divide en unas clases sociales muy marcadas, además de acercarse también a la precariedad a la que son sometidos los mayores en particular y las relaciones familiares en general.

A pesar de la dura acogida por la crítica y un escaso éxito de público, el filme de Doria ha ido convirtiéndose con honores en una película de culto, logrando así que se programe una vez al año en la televisión argentina, e incluso consiguiendo en 2008 una secuela (de nivel muy inferior), y es que perderse una película tan hilarante y a la vez interesante no es algo que merezca nadie. Tras su visionado uno se da cuenta que acaba de ver una joya, y quedará atrapado sin querer, gracias a sus estupendos diálogos y surrealistas situaciones. Os recomiendo pues su inmediato visionado, sin excusas (Youtube os lo pone fácil), y ya me contaréis el estupendo rato que habéis pasado.

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TÍTULO ORIGINAL Esperando la carroza
AÑO 1985
DURACIÓN 87 min.
PAÍS Argentina
IDIOMA Español
DIRECCIÓN Alejandro Doria
GUIÓN Alejandro Doria & Jacobo Langsner
MÚSICA Feliciano Brunelli
FOTOGRAFÍA Juan Carlos Lenardi
REPARTO Luis Brandoni, China Zorrilla, Antonio Gasalla, Julio De Grazia, Betiana Blum, Mónica Villa, Juan Manuel Tenuta, Andrea Tenuta, Cecilia Rossetto, Enrique Pinti, Darío Grandinetti, Lidia Catalano
PRODUCTORA Rosafrey / Susy Suranyi y Asociados
GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Familia. Comedia negra. Vejez

SINOPSIS

Mamá Cora, muy cerca ya de los ochenta años, tiene tres hijos y una hija. Vive con uno de ellos, precisamente el más pobre. un día la familia se reune para celebrar una comida de aniversario, y es en ese momento cuando se plantea el gran dilema: ¿Quién será el próximo heredero de doña Cora? ¿Quién se hará cargo de ella llevandosela a su casa? El peliagudo asunto se complica cuando reciben la noticia de que la anciana se ha tirado a la vía del tren.

CRÍTICAS

+ "Un clásico de lo grotesco (...) no hay que pestañear (cada fotograma es un fragor) (...) y aguzar bien el oído para no perderse ni una lasca de los diálogos (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC )

= "Una de las comedias más exitosas del reciente cine argentino, en la que se satirizan los mitos de la clase media a través de una parodia de los melodramas domésticos. Sabe mantener el tono adecuado, evitando caer en lo grotesco, aunque no lleva demasiado lejos sus estimulantes premisas. Puntuación: ★★★ (sobre 5)." (Fotogramas)

CURIOSIDADES

- El personaje Mamá Cora, siguió siendo interpretado por Antonio Gasalla en diversos programas televisivos, incluso la obra tuvo una versión televisiva en 1993. Actualmente Gasalla hace el personaje ―que ahora se llama La Abuela― como invitado en el programa de Susana Giménez y en Showmatch de Marcelo Tinelli.

- En esta película se ve un guiño a la película La nona (de 1979), donde también un hombre (Pepe Soriano) interpreta a una anciana abuelita (la Nona).

- La casa donde transcurren las principales escenas, se encuentra en la calle Echenagucía, muy cerca de la plaza Ciudad de Banff, en el barrio de Versalles de la ciudad de Buenos Aires. Fue declarada Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

- En septiembre de 2008 se rodó una secuela titulada Esperando la carroza 2 con los mismos actores principales de la original, exceptuando a China Zorrilla, Julio de Grazia, Antonio Gasalla, Enrique Pinti y Darío Grandinetti. Fue estrenada el 2 de abril de 2009.

- En Esperando la carroza 2 el papel de Jorge lo tomó Roberto Carnaghi suplantando a Julio de Grazia (Jorge en la primera parte) que se suicidó en 1989.

- Entre las distintas adaptaciones internacionales, figuran una película para la televisión portuguesa titulada Querida mãe (basada en la película), y una pieza teatral realizada en Madrid (España) hecha con actores españoles hablando con acento argentino. En 2008 se realizó una adaptación brasileña de la historia, llamada A guerra dos Rocha, protagonizada por Ary Fontoura. Fue realizada por Fox Filmes do Brasil con apoyo de Globo Filmes.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,6

- Filmaffinity: 7,6

- IMDB: 7,7

* Media: 7,6

TRAILER

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NACIDAS PARA SUFRIR

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Comedia entrañable, amable y divertida, poco da para destacar, pero poco podemos recriminar a esta producción española que nos hace pasar un rato agradable sin muchas otras pretensiones.

Curiosa es la historia que nos cuenta: Flora es una mujer de 72 años que vive soltera en su casa del pueblo, Purita una chica que vive con ella y que había estado al cargo de su tía hasta su reciente muerte. Flora asustada con que sus sobrinas a las que ha cuidado desde bien pequeñas la metan en una residencia decide casarse con Purita para de este modo asegurarse una vejez con cuidados en todo momento, y de rebote que su amiga Purita tenga un futuro arreglado una vez ella fallezca, aunque eso sólo suene a excusa para tener a su compañera trabajando par ella sin más.

La historia se va enredando a medida que avanza y nos trae ecos de las comedias melodramáticas de Almodovar, aunque no llega a alcanzar el nivel del director manchego consigue salvarse en todo momento de caer en errores, siguiendo con el argumento con buena fluidez y grandes y divertidos momentos. La radiografía que hace en tono de comedia negra sobre las personas, descubriendo el egoísmo disfrazado de bondad, no deja de ser interesante no solo por su concepto, si no por como nos es contado.

El film, sin las interpretaciones de su dúo protagonista sería otra cosa, tanto Petra Martínez como Adriana Ozores ofrecen lo mejor de ellas en unos agradecidos papeles, en especial Adriana que demuestra que puede ofrecernos más y mejores registros.

Una película para disfrutar en horas dónde lo que queramos es desconectar y relajarnos pasando un rato agradable y ameno, sin por ello tener que tragarnos películas tontorronas e inconfesables que a la larga son indigestas.

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TÍTULO ORIGINAL Nacidas para sufrir
AÑO 2009
DURACIÓN 112 min.
PAÍS España

IDIOMA Español
DIRECTOR Miguel Albaladejo
GUIÓN Miguel Albaladejo
MÚSICA Lucio Godoy
FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica
REPARTO Petra Martínez, Adriana Ozores, Malena Alterio, María Alfonsa Rosso, Mariola Fuentes, María Elena Flores, Marta Fernández-Muro, Sneha Mistri, Jorge Calvo, Antonio Gamero, Mari Franc Torres, Ricard Borrás, Empar Ferrer, Josele Román
PRODUCTORA Tornasol Films / Castafiore Films / Alta Films S.A.
GÉNERO Drama. Comedia
TEMÁTICA Comedia negra. Vejez. Familia. Vida rural

SINOPSIS

La tía Flora, de 72 años, es una solterona que vive en un pueblo pequeño y que siempre ha estado al cuidado de sus familiares. Su única hermana murió muy joven y le dejó tres sobrinas huérfanas de las que también tuvo que ocuparse. Las tres sobrinas crecieron y se fueron del pueblo, y ahora Flora está asustada porque, al llegar a la vejez, ve que llega el momento en que tendrán que cuidar de ella, y teme que la lleven a la residencia donde trabaja una de ellas. Su única salvación es Purita, una joven que ha estado ayudándole en los últimos años a cuidar de sus ancianos parientes, y que es la única con la que se siente en familia.

PREMIOS

2010: Premios del ciculo de criticos cinematograficos: Mejor actriz (Petra Martínez)

CRÍTICAS

+ "Soberbias interpretaciones de Petra Martínez y Adriana Ozores, (...) una gran capacidad para trasladar a la pantalla hechos cotidianos (...) casi todo en la película rezuma verdad dentro de su aparente locura." (Javier Ocaña: Diario El País)

- "Un comienzo brillante (...) A partir de ese arranque, la propia estructura de la cinta juega en su contra. La trama se va despojando de personajes, los diálogos escasean y, a falta de humor visual, el drama eclipsa la comedia (...) Puntuación: ** (sobre 5)." (Federico Marín Bellón: Diario ABC) 

= "En algunos momentos, Albaladejo parece recuperar el brío de 'Rencor' (...) Pero se echa en falta una mayor ambición para evitar los excesos de una caricatura demasiado previsible." (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

- "Albaladejo dibuja sus personajes a base de trazos simples y gruesos. (...) situaciones construidas brusca y caprichosamente, y eso hace que la historia se desarrolle de forma tan previsible como artificiosa. (...) Puntuación: ** (sobre 5)."

+ "Merece la pena la carcajada de la sorpresa en esta historia del todo vale para evitar envejecer y morir solos. El miedo a la soledad, en especial a la vejez, pues, es el desencadenante de una serie de acontecimientos de los que nos reímos, aunque en el fondo sintamos lástima por esa pobre mujerica que pasa por el mandil y la guadaña su moral cristiana, y a la que clava una hilarante Petra Martínez, pareja perfecta de Adriana Ozores interpretando a purita, una también perfecta candidata a sosa del pueblo. La religión y las tradiciones son el objetivo del humor negro y la ironía de un solvente y mejorado Miguel Albaladejo." (Irene Crespo: Cinemanía)

+ "Verdadero y demoledor ataque verbal (los diálogos y réplicas apuntalan más la cinta que su puesta en escena), Nacidas para sufrir habla (y deja hablar) a mujeres que solo parecían tener voz en La Mancha mítica almodovariana. Y lo que dicen es descacharrante e hiriente a partes iguales (y tierno), mucho más moderno, feminista o político que otras aproximaciones al mujerío sin brochazos de glamour de mercadillo. Pero por encima de todo, de su negro humor rural y su capacidad de hacernos tronchar con el apunte de un biopic gay de Doña Rogelia, Nacidas para sufrir cede la palabra a esas secundarias y secundarios excelsos del cine español." (Fausto Fernández: Fotogramas)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,8

- Filmaffinity: 6,2

- IMDB: 6,3

* Media: 6,4

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ARRUGAS

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No todo van a ser novelas en nuestro recorrido literario, ya que existen otras formas de lectura que ofrecen otra manera de disfrutar de una buena historia, en este caso nos centramos en el cómic (o novela gráfica), con una de la que ha sido película del año en España (con su correspondiente resonancia internacional), un título sin duda merecido que ha culminado con dos premios Goya a mejor film de animación y mejor guión, siendo esta la primera obra animada a llevarse tal galardón.

Lo que atrae de Arrugas no es precisamente su animación limitada, que aunque muy cuidada en detalles no recurre al potencial de ese recurso artístico, tampoco ofrece una realización vanguardista que la eleve a obra de arte, pero si que cuenta con una historia cargada con una fuerza emocional única que toca la fibra hasta del más duro.

Fiel adaptación de su hermana de papel, Arrugas nos cuenta la historia de Emilio, una persona que a llegado a la vejez y se ve destinada a compartir asilo en una residencia para ancianos, allí no solo conocerá compañeros con los que compartir vivencias, también le acompañaremos en su viaje a través del miedo a lo que he de venir, conoceremos en primera persona los sinsabores del Alzheimer, y lo que es el final de nuestras vidas.

Arrugas cuenta con un reparto animado excelente, ya sea por su protagonista Emilio, que nos ayuda a empatizar con la historia, o por su inseparable compañero y amigo Miguel, un anciano avispado, que ha vivido su vida como ha querido llevando siempre el timón y que no quiere por nada perder el control, sus secundarios además se encargan de complementar la fuerza emocional de ese fabuloso guión que a pesar de su contenido dramático no olvida que la vida se compone además del humor, elemento que introduce a la perfección y que no hace más que enfatizar la historia.

El texto contiene infinidad de elementos que demuestran un ingenio soberbio, la escena en que Emilio descubre su enfermedad, el flashback de infancia de Dolores y Modesto, la divertida escena en el gimnasio, el fuera de campo a través de las voces de la planta de arriba... Infinidad de piezas que encajan en un puzzle unico y soberbio que debería ser ejemplo de muchos. Quizás sea el apunte final, que añade una entrañable pieza al metraje, pero que rompe un poco con el final del film, quizás buscado por su autor para aliviarnos un poco del agridulce sabor que transmite el film.

La banda sonora cuenta con piezas dulces que por si sola también merece una atención especial, cumple su cometido de enfatizar la acción a la perfección facilitando el transito emocional entre imagen y espectador. Especial atención a los créditos finales, una sincera canción que nos regala una voz anónima y que termina de emocionarnos del todo.

Solo me queda dejar un triste apunte, y es que nunca me cansaré de reivindicar el cine en versión original, pero con Arrugas existe un problema a causa del lastre de la tradición de doblaje en nuestro país. El film, a pesar de ser una producción gallego-catalana, está rodado en lengua gallega con diálogos en español, pues parece increíble, pero no existe una versión subtitulada del film, sólo puede disfrutarse en versión original para los que conozcan el gallego, en español que a pesar de estar doblada por los mismos actores de la versión original pierde parte de la fuerza original, y una versión en catalán de la cual mejor ni hablaremos. No existe la excusa que siempre se usa con el cine de animación: "Es para niños, no lo podemos ofrecer en versión original". No señores no, el film es de animación, no para niños, no somos idiotas. Una lástima que a estas alturas todavía existan estas barreras que sólo hacen que no podamos disfrutar al 100% del cine.

Nada más, sólo lanzar la firme recomendación este gran trabajo entre Perro Verde Films (Gritos en el pasillo; Los muertos van deprisa) y Cromosoma (Les tres bessones/Las tres mellizas; Bicicleta, cullera, poma), que quizás ofrezca a través de una fuerte carga emocional, pero que el film ha conseguido establecer en mi a base de honores, espero que también lo logre con vosotros, no os la perdáis.

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TÍTULO ORIGINAL Arrugas
AÑO 2011
DURACIÓN 80 min.
PAÍS España
IDIOMA Gallego, Español (Versión integra española alternativa)
DIRECTOR Ignacio Ferreras
GUIÓN Ágel de la Cruz, Paco Roca, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini (Cómic: Paco Roca)
MÚSICA Nani García
REPARTO Tacho González, Álvaro Guevara, Mabel Rivera
PRODUCTORA Perro Verde Films / Cromosoma
GÉNERO Animación. Drama. Comedia
TEMÁTICA Alzheimer. Vejez. Familia. Amistad. Discapacidad. Cómic. Animación para adultos

SINOPSIS

Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico se hacen amigos. Emilio, que padece un principio de Alzheimer, cuenta inmediatamente con la ayuda de Miguel y otros compañeros que tratarán de evitar que vaya a parar a la planta de los desahuciados. Su disparatado plan tiñe de humor y ternura el tedioso día a día de la residencia, pues para ellos acaba de empezar una nueva vida.

WEB OFICIAL

PREMIOS

2011: 2 Premios Goya: Mejor película de animación y mejor guión adaptado
2011: Gudí: Nominada a mejor película de animación
2011: Premios Annie: Nominada a Mejor película

CRÍTICAS

+ "Un cómic excepcional, una película sobresaliente." (Gregorio Belinchón: Diario El País)

+ "Es una película notable que no devalúa ni tergiversa sus fuentes (...) el clímax final construido con gran inteligencia narrativa y deslumbrante despliegue de recursos formales" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "No hay descubrimientos en lo que oferta 'Arrugas' (...) pero sí hay en esta película una mirada inteligente y cálida (también erizada) a la última planta de nuestra estancia en la tierra, además de una estimable voluntad de sortear lo melodramático" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "En su paso al cine, la novela gráfica de Paco Roca parece tocada por la poesía de Hayao Miyazaki (...) es fascinante cómo elude todo asomo de melodramatismo (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Adaptación fiel de una obra cumbre del cómic en lengua hispana. (...) todo un muestrario de inolvidables vejetes que luchan contra su destino geriátrico con ironía, crueldad e imaginación como sus únicas armas (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergio F. Pinilla: Cinemanía)

CURIOSIDADES

- Fue candidata a los Oscar a mejor película de animación, no logró ser seleccionada en la etapa final.

- Originalmente, Paco Roca (autor de la novela gráfica) apuntó en su libreta la idea de un relato sobre un grupo de ancianos que planean el asalto a un casino en una visita organizada por su residencia (hecho al que se hace referencia en el film), tras leer que, alcanzados los setenta años, no podían encerrarte en la cárcel. Tres hechos terminaron por impulsarle definitivamente a desarrollar la historieta:

* El progresivo envejecimiento de sus padres.
* El rechazo de un cartel publicitario donde había incluido unos ancianos.
* El Alzheimer que padecía Emilio, el padre de McDiego, uno de sus mejores amigos.

- A fecha de hoy la película ostenta el puesto 6 en el TOP 30 de cine de animación para adultos en Filmaffinity, sobre excelentes películas como Akira, Vals con Bashir o El planeta salvaje.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 9

- Filmaffinity: 7,6

- IMDB: 7,2

* Media: 7,9

TRAILER ESPAÑOL

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