THE IMITATION GAME (DESCIFRANDO ENIGMA)

Parece que una de las películas candidatas al Oscar, ha abierto una brecha olvidada para los ingleses. Benedict Cumberbatch, que da vida a Alan Turing en The Imitation Game (Descifrando Enigma), junto al actor Stephen Fry, han mandado una carta abierta al Gobierno inglés, así como a los Duques de Cambride, pidiendo que el país pida perdón a los 49.000 homosexuales que han sido condenados por su orientación sexual. La Reina Isabel II concedió el perdón a Turing en 2013, un gesto que no es suficiente para un país considerado democrático y donde la igualdad de derechos justo ahora empieza a alcanzarse. Sin lugar a dudas, la popularidad del filme y el gesto de los actores, hacen que sintamos más interés sobre la vida del matemático que ha cambiado nuestra forma de vida, y es por eso que esta película dirigida por Morten Tyldum y candidata a ocho premios Oscar, se hace hoy un hueco en el blog.

Alan Turing, un joven y brillante matemático, es puesto en cabeza de un equipo secreto destinado a descifrar los mensajes secretos que la máquina Enigma que los Nazis utilizan para pasar su información durante la II Guerra mundial. El trabajo de Turing y su equipo se convierte en clave para el giro de una guerra que los ingleses empezaban a dar por perdida. Pero lejos de ser convertido en un héroe, Turing termina siendo investigado por su condición de homosexual.

Ya hace unos días os hablé del documental Codebreaker (Britain's Greatest Codebreaker; Clare Beavan, Nic Stacey, 2011), el cual ya nos ofrecía todos los datos sobre la vida del importante matemático. En The Imitation Game se intentan construir algunos de los momentos claves de esa vida, centrándose sobretodo en la construcción de la máquina capaz de romper el código Enigma, para acercar al público la interesante figura de Turing.

Tyldum, el director, convierte este filme en uno de esos biopics que se pueden englobar en el grupo de esas películas que son buenas por el simple relato que nos cuentan. Eso no hace ningún favor a The imitation Game, ya que una película de ficción no puede sostenerse tan solo por sus ideas, si no que necesita de muchos otros elementos que la hagan grande. Alguno de ellos tiene, pero a modo global no consigue explotarlos hasta el punto de convertirse en una obra imprescindible, ni mucho menos.

Aunque el filme construya muy bien el personaje de Turing, que se refuerza por la interpretación de Cumberbatch, y los detalles importantes de su vida estén representados dentro del metraje, parece que lo único que se consigue es que simplemente sean eso: detalles, cuándo en realidad cosas importantes de su vida sean poco exploradas para terminar de construir una figura que despierte del todo el interés del espectador. En ese aspecto, parece un error centrarse especialmente en una sola etapa de su vida, dejando el resto menos exploradas, siendo otras las que quizás hubiesen sacado mayor provecho del personaje. Pero la decisión de la temporalidad da, por contra, motivos reivindicativos a la película ya sea por la figura del homosexual marginado o por la reivindicación feminista de la que se aprovecha el personaje interpretado por Keira Knightley. Unas reivindicaciones algo maniqueas, pero que al fin y al cabo nos acercan a la realidad de una época, en la que poco importaba la capacidad de una persona si esta era de un género considerado inferior o de una orientación sexual no aceptable.

Así nos encontramos más que con un biopic, con una película que relata un momento concreto de la vida del matemático, la cual se utiliza para contar un relato más sobre unas reivindicaciones que sobre la poco conocida figura de Turing.

Si al menos Tyldum nos hubiese obsequiado con una realización más atrevida, que se alejase de los clasicismos más aburridos ya fuese por el ritmo, las planificaciones o el montaje, el filme hubiese logrado asomar un poco más de originalidad y frescura en una historia que se presenta en un envoltorio demasiado soso y repetitivo.

Por suerte, ahí están los actores para dar un poco de vida al asunto, y es sobretodo el polifacético Benedict Cumberbatch el que se encarga de potenciar lo mejor de la película. Cumberbatch parece entender muy bien la psique de un personaje algo complejo, del cual no solo copia tics y maneras de ser, si no que se lo hace suyo y convence por completo con su interpretación. También está Desplat y su música, para dar algo de vida al conjunto del filme, componiendo unas canciones que se encargan de llevar todo el ritmo de la película, algo que el director no consigue hacer por si solo, y que necesita de las marcas sonoras para avanzar sin precipitarse.

En conclusión, The Imitation Game es una película algo simple, y que no alcanza el nivel deseado sobre el personaje tan interesante que nos plantea. Así que se convierte en una sencilla aunque amena cinta que promete más de lo que ofrece. De este modo, si lo queréis es pasar un rato de entretenimiento algo más complejo que el que pueden ofrecer un blockbuster palomitero, el filme de Tyldum es más que aceptable, si por contra lo que buscáis es una verdadera obra que nos sorprenda con la figura de Turing, os recomiendo mejor el documental producido por Channel 4 Codebreaker, que en menos tiempo ofrece mucho más material sobre su figura, y de más fácil asimilación.

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TÍTULO ORIGINAL The Imitation Game AÑO 2014 DURACIÓN 114 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Morten Tyldum GUIÓN Graham Moore (Libro: Andrew Hodges) MÚSICA Alexandre Desplat FOTOGRAFÍA Óscar Faura REPARTO Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Charles Dance, Matthew Goode, Matthew Beard, Allen Leech, Tuppence Middleton, Rory Kinnear, Tom Goodman-Hill, Hannah Flynn, Steven Waddington, Alex Lawther, Jack Bannon, James Northcote, Ancuta Breaban, Victoria Wicks PRODUCTORA The Weinstein Company / Black Bear Pictures / Ampersand Pictures

GÉNERO Drama. Thriller

TEMÁTICA Biográfico. II Guerra Mundial. Años 40. Años 50. Homosexualidad. Histórico. LGBTIQ

SINOPSIS

Biopic sobre el matemático británico Alan Turing, famoso por haber descifrado los códigos secretos nazis contenidos en la máquina Enigma, lo cual determinó el devenir de la II Guerra Mundial (1939-1945) en favor de los Aliados. Lejos de ser admirado como un héroe, Turing fue acusado y juzgado por su condición de homosexual en 1952.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 8 nominaciones incluyendo Mejor película y director
2014: Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película - Drama
2014: Premios BAFTA: 9 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del público)
2014: National Board of Review: Mejores 10 películas del año
2014: Satellite Awards: 8 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: Sindicato de Actores (SAG): 3 nominaciones, incluyendo Mejor reparto
2014: Critics Choice Awards: 6 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Críticos de Chicago: 3 nominaciones, incluyendo Mejor actor (Cumberbatch)

CRÍTICA

= "Un pretencioso biopic británico sobre el prodigioso matemático (...) Alan Turing, servido con un buen gusto tan infalible (...) que cada tragedia personal y cada triunfo profesional llega justo a tiempo y sin siquiera un pelo fuera de lugar." (Scott Foundas: Variety)

+ "La principal fuerza de la película es Cumberbatch, un gran actor cuyo talento brilla aquí en sus cotas más altas. Es una actuación explosiva, emocionalmente compleja. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una película apasionante y conmovedora que cuenta con una destacada interpretación de Benedict Cumberbatch, digna de Oscar (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

= "Es demasiado reacia a sumergirse en el quid de la cuestión (...) Pero por encima de todo está Cumberbatch, cuyo carisma (...) y talento a la hora de mostrar una mente que nunca descansa (... ) ayuda a crear un retrato totalmente creíble del genio en el trabajo." (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Es una historia maravillosa sobre ciencia y humanidad, con una gran interpretación de Benedict Cumberbatch, además de ser cine de primer nivel" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

- "Turing sobrevivirá a su película con su enigma intacto, pero la película en sí misma es lo opuesto a lo enigmático y Cumberbatch merece más" (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "Un thriller soberbio y un digno biopic de un héroe real (...) un impresionante debut del guionista Graham Moore y uno de los puntos álgidos de la carrera de Benedict Cumberbatch en la gran pantalla (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Dan Jolin: Empire)

+ "Es una triste y desgarradora historia que te mantiene clavado a la butaca durante sus 114 minutos de metraje (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Rex Reed: The New York Observer)

+ "Un thriller apasionante y conmovedor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Mark Kermode: The Guardian)

+ "'The Imitation Game' encuadra con eficiencia la vida de éxitos y tragedias del hombre considerado como padre de la informática moderna (...) un triunfo para Cumberbatch" (Lou Lumenick: New York Post)

= "Irregular, pero aún así en ocasiones relevante, la película, por supuesto, nos recuerda no sólo el daño a largo plazo de los secretos y las mentiras, sino también el doloroso sufrimiento personal de Alan Turing." (Rodrigo Perez: Indiewire)

= "Piel suntuosa y algunos tópicos. (...) No se puede decir que la película sea original ni tampoco todo lo contrario. Funciona." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "La película tiene poco de enigmática, pero forma un andamiaje dramático perfecto. Algo nada fácil de conseguir, pero tampoco brillante. Y Turing, siempre arriesgado, merecía más audacia y menos fórmula." (Javier Ocaña: Diario El País)

= "El principal problema es que tiene una historia demasiado amplia que contar. (...) esplendoroso segmento central (...) Mención extraordinaria para el trabajo de Cumberbatch (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,3		8,2
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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CODEBREAKER (ALAN TURING: CODEBREAKER)

Se acaba de estrenar en España The Imitation Game (Descifrando Enigma) (Morten Tyldum; 2014), un filme que ya ha empezado a cosechar premios y nominaciones como los Globos de Oro, los Satellite Awards o en el festival de Toronto dónde se llevó el premio del público como mejor película. El filme de Tyldum nos presenta la figura del genio matemático Alan Turing, cosa que me viene al dedo para hablaros de una de las películas que tuve oportunidad de disfrutar en el último FIRE! de Barcelona, Codebreaker, cinta documental creada para la televisión inglesa, que intenta ser un acercamiento a ese genio despreciado que fue Turing.

Alan Turing fue un genio matemático que logró descifrar los códigos secretos nazis determinando el devenir de la II Guerra Mundial, además de ser precursor de la computación. A pesar de sus logros, en vez de ser tratado como un héroe, lo fue como un criminal, todo debido a su homosexualidad.

La película creada por y para Channel 4, esta configurada como un documental dramatizado, dónde a través de unos actores se nos presenta al brillante matemático hablando con su amigo y terapeuta Franz Greenbaum, exponiéndole varios de los sucesos que condicionaron su vida. De este modo podemos olvidarnos de un relato que se acerque a los esquemas del reportaje clásico, en pro de una narrativa más cercana al ámbito cinematográfico y que convierten este documental biográfico en una cinta llena de interés, dónde el misterio crea una atmósfera de lo más acertada.

Gracias al enfoque del filme, que se centra en los dos protagonistas, podemos entender la presión física y mental a la que Turing fue sometido, creando un perfil psicológico redondo algo complicado de crear en una película totalmente documental que utilice imágenes del pasado y deba echar mano de materiales de archivo y recreaciones históricas. Por lo tanto, el espectador que no esté acostumbrado al género documental puede entrar perfectamente en las entrañas de esta película sin que el tedio le invada en ningún momento.

La película, más allá del biopic, nos invita a una reflexión histórica sobre el trato de la homosexualidad con el paso del tiempo. Turing fue un sueño, y es innegable que sin su aportación hoy en día los libros de historia hablarían de la II Guerra mundial de un modo distinto, por no hablar de su enorme contribución al campo informático. A pesar de ello es curioso como su orientación sexual eclipsó por completo cualquier bien realizado, y en vez de ser tratado como un héroe de guerra, o un erudito en su campo, fue automáticamente convertido en un criminal. El paso del tiempo ha sido lento para el ya fallecido Turig, y no ha sido hasta 2013 que, la Reina de Inglaterra, le concedió un "indulto" (el cual fue negado por el ministro de justicia de Reino Unido, solo un año antes) a uno de los mayores genios de su tierra.

Codebreaker es un buen aperitivo que nos abrirá la curiosidad a los que de entrada no tenían pensado acercarse a los cines a ver The Imitation Game, y que completará información sobre su figura a los que ya  han visto el filme de Tyldum. Una película interesante, amena y reivindicativa.

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TÍTULO ORIGINAL Britain's Greatest Codebreaker AÑO 2011 DURACIÓN 52 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Clare Beavan, Nic Stacey GUIÓN Craig Warner, Simon Berthon MÚSICA Edward White FOTOGRAFÍA Rob Goldie, Andy Jackson REPARTO Ed Stoppard, Henry Goodman, Paul McGann, Asa Briggs, Jean Valentine, David Leavitt, Rolf Noskwith, Dermot Turing, Christopher Morcom, Ian Stewart, Martin Davis, Matt Parker, Steve Wozniak, Alma Whitten, Tony Sale, Simon Schaffer, Jeffrey Weeks, Allan Pacey, Maria Summerscale, Barbara Maher, Andrea Sella PRODUCTORA Story Center Films / Furnace / Channel 4

GÉNERO Documental. Drama

TEMÁTICA Homosexualidad. Mediometraje. Telefilm. Biográfico. II Guerra Mundial. Años 40. Años 50. LGBTIQ

SINOPSIS

Documental sobre la vida de Alan Turing como brillante matemático y precursor de la computación, así como homosexual dentro de una sociedad que, en lugar de reconocer sus méritos, le aísla y criminaliza.

PREMIOS

2013: GLAAD: Nominado a mejor documental independiente

CRÍTICA

+ "Excelente y absorbente" (Rage Monthly)

PUNTUACIONES

 

	6,5		-,-		6,9
NOTA MEDIA: 6,7

TRAILER

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HISTORIAS DE NAVIDAD

Las películas navideñas son en si mismas un género. Un género dónde es fácil identificar tópicos, melodías y situaciones recurrentes. Es por eso que, aunque no haya año que se nos obsequie con la producción de turno, se nos vuelve complicado encontrar una película que no nos de un solo motivo para añadirla al montón de producciones que es mejor no visionar si no es bajo los efectos del turrón. Pero no hay que ser alarmista, ya que todos tenemos nuestras películas imprescindibles sobre estas fiestas, e incluso entre ellas nos podemos encontrar con filmes de esos que es imperdonable no conocer, obras maestras donde poco importan las fechas en las que sitúa su acción, ver películas como Plácido (Luis García Berlanga, 1961) o Qué bello es vivir (It's a Wonderful Life; Frank Capra, 1946) -por citar un par- es tarea obligada para cualquier cinéfilo que se precie. Y dentro de esas listas privadas seguro que más de uno tendrá escrito Historias de Navidad, un título navideño de lo más reivindicable, que de bien seguro nos ayuda a pasar mejor estas fiestas.

Ralphie quiere un rifle de aire comprimido por Navidad, pero parece que ningún adulto puede entender los motivos por los que un niño podría querer un regalo tan peligroso. ¿Es que Ralphie quiere perder un ojo? Mientras el pequeño nos va mostrando sus pequeñas aventuras en la época previa a la Navidad, iremos descubriendo las historias más curiosas del entorno que le rodea, como aquel premio en forma de pierna que recibió su padre, la pelea con los gamberros de barrio o el fatídico desenlace de la comida de Navidad que preparó su madre.

Historias de Navidad es una de esas películas a las que parece que el tiempo no ha afectado. Y los motivos por los que consigue esa frescura es el humor tan gamberro que impregna cada uno de sus fotogramas. Todo en el filme de Bob Clark nos invita a pasar un rato divertido, da igual la broma con la que nos ataque, siempre la encontraremos divertida, no importa lo que el guión nos tenga preparado, de bien seguro que, en un primer visionado, lo encontraremos curioso y realmente gracioso. Situaciones de lo más absurdas que atacan a todo el imaginario navideño de la sociedad americana (cada vez más extendida en Europa y América Latina).

Es también su aire nostálgico, no olvidemos que es un filme de los 80 ambientado en los 40, el que ayuda a que nos sintamos totalmente atraídos por él. Es imposible no sentir empatía con unos personajes con lo que tan fácil es identificarnos, ¿quién no ha querido por Navidad algún regalo que sabría que jamás llegaría?

Clark conduce el argumento del filme a través de una voz en off, que nos cuenta, vía recuerdos de infancia, una de las Navidades más inolvidables de su vida. Resulta imposible que una época así no sea recordada a pesar del paso del tiempo. La decisión de seguir la narrativa de este modo anexa a la perfección los tres segmentos diferenciables del argumento, y nos hace la película llevadera y realmente entretenida.

Estupendas y exageradas interpretaciones para un filme dónde los excesos son bien recibidos. Si los adultos dan lo mejor de sí, los niños tampoco quedan atrás, conseguir buenas interpretaciones infantiles jamás es tarea fácil, y ni el mejor Macaulay Culkin de Solo en casa (Home Alone; Chris Columbus, 1990) podría superar a este divertido y entrañable Peter Billingsley.

Historias de Navidad es pues una divertida apuesta para pasarlo en grande solos o acompañados durante estas fiestas, un buen motivo para perder un poco de tiempo delante de una pantalla disfrutando del relato de Ralphie y de su divertida historia sobre como intentó conseguir aquel rifle Red Ryder BB en una de las Navidades de su infancia.

Felices fiestas a todos/as.

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TÍTULO ORIGINAL A Christmas Story AÑO 1983 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos, Canadá IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Bob Clark GUIÓN Jean Sheperd, Leigh Brown, Bob Clark MÚSICA Carl Zittrer, Paul Zaza FOTOGRAFÍA Reginald Morris REPARTO Melinda Dillon, Darren McGavin, Peter Billingsley, Ian Petrella, Scott Schwartz, R.D. Robb, Tedde Moore, Yano Anaya, Zack Ward, Jeff Gillen PRODUCTORA Christmas Tree Films / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

GÉNERO Comedia

TEMÁTICA Infancia. Navidad. Años 40

SINOPSIS

En los años cuarenta, un niño quiere como regalo de navidad un rifle de aire comprimido. Claro está, los padres piensan que no es una buena idea. Comedia familiar extraordinariamente popular en Estados Unidos que se basa en las historias del humorista Jean Shepherd. Calificada como divertida y conmovedora a partes iguales, una tierna historia con mensaje que encandila tanto a los adultos como a los más jóvenes.

PREMIOS

2012: La película se incluyó en Registro Nacional de Cine para ser preservada en el grupo de películas culturales, históricas o estéticamente significativas.

CRÍTICA

+ "Una cinta muy divertida, bien actuada, dirigida y guionada, que desarrolla un final muy efectivo, reflexivo y entretenido. Una muy bien lograda película, con un estilo muy marcado y original, ambientada en la navidad que vale la pena volver a ver, disfrutar y recordar." (Martín Morales: mmcríticas)

+ "Demasiado curiosa para ser ignorada y ya en estas fechas una buena recomendación para pasar la tarde." (Matius Lenin: CGnauta blog)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,3		8,1
NOTA MEDIA: 7,5

TRAILER

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PORQUE TE VI LLORAR

No se puede negar que el valor histórico del cine es impagable, y si pensamos en la filmografía española ese valor se hace mucho más interesante por lo cercano y testimonial que ha sido siempre nuestro cine, eso sí, inevitablemente y por mayoría: un cine panfletario y de gran carga ideológica, ya sea de un bando u otro. De este modo es interesante echar la vista atrás para entender nuestro pasado, y compararlo con la situación actual en la que nos encontramos. Lo que puede pasar en ocasiones, es que nos podemos dar cuenta del retroceso social que estamos viviendo, al ver como un filme de principio de los años 40, podría presentarse como una película totalmente actual. Para poner un ejemplo aquí está Porque te vi llorar, película de uno de los más reconocidos directores de nuestro país, Juan de Orduña, realizador de taquilleros éxitos folclóricos como El último cuplé (1957) y uno de los primeros en explotar el cine histórico ampuloso sobre los romances de palacio, con por ejemplo Agustina de Aragón (1950). Gracias a su filmografía, se convierte en uno de los directores preferidos no solo por el público, si no por el régimen, que aplaude cada uno de sus filmes por su contenido claramente falangista. Con Porque te vi llorar es imposible no pensar en la reforma de la ley del aborto que nuestro actual gobierno nos quiere imponer, dejando claro que a pesar del paso del tiempo, tenemos por desgracia en España una herencia muy difícil de dejar atrás.

Después de la guerra civil que dejó atrás la segunda república y que da comienzo a la nueva era de franquista, las sociedades burguesas empiezan a ocupar sus puestos socio-económicos en las altas esperas del país. Ahí nos encontramos una joven pareja que durante la fiesta de compromiso verá truncado su futuro al ser atacados por una pequeña resistencia republicana, siendo él asesinado, ella violada.

La historia se centra en la vida de la muchacha, una vez ha dado a luz del niño fruto de esa violación, y de los tormentos que deberá vivir en la sociedad que le rodea. Lo que es curioso es como la película de CIFESA (productora falangista), plantea unos hechos que causan tanto dolor a la joven protagonista, un retrato que demuestra el calvario que representa tener que tener un hijo fruto de tal tropelía, el rechazo de la propia familia a la joven, el olvido por parte de amistades, y el destierro social al que debe someterse. De echo podemos escuchar de boca de la muchacha uno de los diálogos más reveladores del filme, mientras ésta habla con su ama, y le da fe de sus pensamientos más dolorosos:

Si me hubieran matado aquella noche como a José Ignacio... [... ] Era preferible a vivir así, como si en vez de una víctima, fuera una culpable.

Tales palabras no hacen más que reforzar la idea de la terrible opción del camino tomado, algo que parece no ir en sintonía con las ideas de la productora predilecta del caudillo, pero Orduña no tarda en tejer una red que va poco a poco desviando hacía otro sendero el relato, al fin y al cabo no olvidemos que el abuso fue a causa de un ataque republicano.

Así la chica toma una decisión, debe dejar atrás su vida y empezar una nueva en un lugar dónde nadie la conozca, para ello deberá encontrar a algún hombre que le pueda dar un apellido a su hijo y así dejar de vivir en los márgenes de la indecencia, alcanzando así esa nueva vida tan deseada. Los padres de la chica deciden casarla, bajo pago, con un muchacho que parece de buen corazón, pero el destino ataca de nuevo a la joven cuándo se da cuenta que ese hombre es en realidad el verdadero padre de la criatura.

A partir de aquí es cuándo Juan Quintero, guionista del metraje, empieza a dar señales del verdadero mensaje falangista del filme al al mostrarnos como la muchacha se va interesando por el joven con el que acaba de contraer matrimonio. Poco a poco conocemos la humilde vida de este, y nos va normalizando la narración para que no nos parezca tan chocante la idea de que la chica termine por simpatizar con el hombre que la agredió sexualmente, algo que en todo momento vemos tan descabellado como peliagudo, pero que a los artífices de la historia no parece escamar en absoluto, al fin y al cabo ellos saben que la sorpresa estallará en el iluminado final del relato, cuándo los espectadores conoceremos la verdad oculta tras las imágenes de Porque te vi llorar.

Si olvidamos el claro posicionamiento político del filme, es interesante analizar el terror vivido en una situación así para la mujer, y no es nada complicado llevar el relato a nuestros días que mágicamente da la vuelta al original y verdadero origen de la película para ofrecernos una lectura totalmente contraria a la que dio en su época, y demostrar una vez mas, y como ya he comentado al inicio del escrito, la importancia de volver a mirar atrás para darnos cuenta de lo poco que pueden llegar a cambiar algunas cosas. En ese sentido, un filme imprescindible.

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TÍTULO ORIGINAL Porque te vi llorar AÑO 1941 DURACIÓN 80 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Juan de Orduña GUIÓN Santiago de la Escalera MÚSICA Juan Quintero FOTOGRAFÍA Alfredo Fraile (B&W) REPARTO Pastora Peña, Manuel Arbó, Eloísa Muro, Luis Peña, Rafaela Satorrés, José María Seoane, Domingo Rivas, Alejandrina Caro, María Asquerino, Fernando Aguirre, Manuel San Román, Mario Mur, Fortunato Bernal PRODUCTORA CIFESA

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Abusos sexuales. Años 30. Años 40. Crimen. Familia. Melodrama

SINOPSIS

En pleno delirio victorioso, mientras media España comienza a pagar las culpas de los delitos cometidos durante el delirio republicano, los jóvenes y no tan jóvenes hijos de las clases pudientes que han dado y dan forma a las fuerzas militares del nuevo régimen que habrá de durar cuarenta años se disponen a iniciar una carrera de imparables ascensos en la esfera social y económica. Sin embargo, entre esas filas borrachas de victoria quedan aún genuinos salvadores de la patria como el joven protagonista de esta historia, hijo de buena casa, católico como el que más, falangista de pro, quien, conmocionado por las lágrimas y las intenciones suicidas de una chica a la que pretendió en tiempos pretéritos y que fue más tarde violada por la horda roja decide casarse con ella y entregar su muy noble apellido al hijo nacido de semejante tropelía.

CRÍTICA

- "Cómo explicar que la mayor transgresión de todo el cine español la dirigiera Juan de Orduña [...]El 18 de julio de 1936 (menudo día para una pedida de mano) milicianos asturianos, de Castralto, asesinan a un joven y violan a su prometida.[...]Animalada de guión aparte, la película no deja de ser más propagandística del bando nacional.[...]¿Y si...? Quitándole las referencias a la Guerra de España, esta truculencia, este folletín insensato, podría haberse convertido en una obra maestra en manos de Fassbinder, de Buñuel, de Douglas Sirk..., hasta del Raoul Ruiz de Misterios de Lisboa. Solo la boda/funeral merece un lugar en cualquier antología." (Jaime Parra: Duelos y quebrantos)

- "De un golpe, Orduña dirige tres joyas de la más rancia estirpe: ésta, El frente de los suspiros y el inefable canto al sudor patrio ¡A mí la legión! La hija de los marqueses de Luanco ha sido violada por el más truhán de la horda (roja, por supuesto). Para reparar la afrenta está el soldado de marras dispuesto a la boda y posterior adopción de la descendencia (¡ole! el caballero español). Es decir, de traca." (Luis Martínez: El país)

- "Risible folletín que resume todas las esencias del franquismo.[...]acumula tópicos y clichés sin el menor sentido del ridículo: rojos malvados, aristócratas violadas y franquistas pobres pero honrados. Sólo puede ser consumida desde un espíritu de chanza." (Fotogramas)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,3		-,-
NOTA MEDIA: 5,7

PELÍCULA COMPLETA

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ADIÓS, MUCHACHOS

Louis Malle es un director que siempre me ha ofrecido sentimientos encontrados, me gusta su cine, me parece un autor serio y con mucho que contarnos, pero sus películas se quedan en un extraño umbral dónde sus virtudes me juegan una mala pasada.

El caso de Adiós, muchachos no es distinto. El filme, sobradamente conocido por ser una de las películas más sensibles jamás rodada y sin contar con una sola pizca de sensiblería, nos cuenta en clave autobiográfica la historia de Quentin, un niño de casa acomodada que comparte su infancia en un internado católico para chicos. En ese lugar conoce a Bonnet, uno de los nuevos chicos recién llegados a la escuela y por el que poco a poco se irá interesando. Todo ello relatado en la Francia de 1943, en plena ocupación alemana del país.

El filme cuenta con varios aspectos interesantes que analizar, de entrada dejar que me centre en esa sobriedad con la que el autor nos relata su trabajo. Si bien ese es sin dudarlo el aspecto más brillante del filme, necesita una fácil empatía por nuestra parte, ya que al no forzar nuestros sentimientos al estar totalmente vacuo de sensiblería necesita de nuestra voluntad para profundizar en él. Por mi parte encontré una película tremendamente triste y dura, pero no conseguí sentir aquello que tanta gente ha vivido con las imágenes que Malle nos regala en este trabajo, de ahí que a pesar de reconocer que Adiós, muchachos es una película mayúscula, me quede con un leve chasco al no poder meterme más en sus entrañas.

Dejando de lado lo comentado podemos centrarnos en los otros puntos de vista que  encontrar en el filme. Además de no querer hacer un melodrama, Malle, tampoco quiere hacer un relato bélico posicionado y prefiere así centrarse en el día a día de la escuela, mostrarnos la vida allí, los juegos, las amistades, los hábitos de todos los que habitan el lugar... La guerra no es más una sombra que planea sobre sus cabezas y que forma parte del conjunto, los nazis no son más que unos matones que se dejan caer de vez en cuando por el sitio. Todo ello se nos relata desde la visión infantil, o de unos niños que están dejando de serlo. La relación entre los personajes se forja poco a poco a lo largo de todo el metraje ayudando de este modo a la identificación emotiva con ellos, tanto el autoconocimiento como la autoreflexión son piezas clave pare los muchachos, en especial el joven protagonista, que descubrirá poco a poco como la vida no es tan blanca ni tan negra como él cree. Así llegamos a un final que entra de cabeza en la historia de finales trágicos que se han visto del cine, aunque este lo sea de un modo totalmente ebrio, en el que el relato de la voz en off, y las imágenes casi inmóviles tienen mucho que contar.

A pesar de dejarme algo frío, no puedo dejar de recomendar esta película e invitaros a descubrirla vosotros mismos si no lo habéis hecho ya, realmente merece la pena descubrir su modo de narración. Por mi parte seguiré buscando el filme de Malle que por fin deje de producirme estas sensaciones tan contradictorias.

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TÍTULO ORIGINAL Au revoir les enfants
AÑO 1987
DURACIÓN 104 min.
PAÍS Francia, Alemania, Italia
IDIOMA Francés, alemán, inglés
DIRECTOR Louis Malle
GUIÓN Louis Malle
MÚSICA Franz Schubert, Camille Saint-Saëns
FOTOGRAFÍA Renato Berta
REPARTO Gaspard Manesse, Raphaël Fetjo, Francine Racette, Stanislas Carré de Malberg, Philippe Morier-Genoud, François Berléand, François Négret, Peter Fitz, Pascal Rivet, Bendit Henriet, Xavier Legrand, Irène Jacob
PRODUCTORA Nouvelles Éditions de Films / MK2 Productions / Stella Films
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Amistad. Infancia. Años 40. II Guerra Mundial

SINOPSIS
Invierno de 1943. Durante la ocupación alemana de Francia, en un internado católico para chicos, Julián, un muchacho de trece años, queda impresionado por la personalidad de Bonnet, un nuevo compañero que ingresa en el colegio después de iniciado el curso. 

PREMIOS

1987: 2 Nominaciones al Oscar: Mejor película extranjera, guión original
1987: Globos de oro: Nominada Mejor película de habla no inglesa
1987: Festival de Venecia: León de Oro - Mejor película
1987: 7 Premios Cesar, incluyendo mejor película
1987: Premios David di Donatello: 3 premios, incluyendo Mejor film extranjero

CRÍTICAS

+ Louis Malle demuestra, una vez más, la diferencia entre sensibilidad y sensiblería. Esta obra maestra posee la primera a raudales sin acercarse siquiera a rozar la segunda. Las relaciones entre los jóvenes de un internado durante la Segunda Guerra Mundial le sirven al director para trazar un bellísimo retrato no sólo de la adolescencia, sino también de conceptos tales como la fidelidad o la traición. Bellísima. (Daniel Andreas: FILMAFFINITY) 

+ "Sutil, hermosa, compleja, dura, tierna y honesta" (Carlos Boyero: Diario El Mundo) 

+ "Bonita película, nada partidista y que refleja una historia sincera y muy emotiva" (Fernando Morales: Diario El País) 

CURIOSIDADES

- Adiós Muchachos es la historia de su director Louis Malle, recuerdos melancólicos que de forma totalmente deliberada recrean el fin de su propia infancia, con lo que la película adquiere un aire muy personal.

- Malle quiso realizar, de entrada, el filme en blanco y negro

- La película desencadenó una pólemica política por su representación de la colaboración francesa durante la ocupación nazi. El filme se estrenó justo cuando el nazi alemán Klaus Barbie iba a ser juzgado. Louis Malle (director del film) fue acusado de buscar culpables sobre todo en el bando francés y, algo inusual en la filmografía de Malle, de dar una imágen muy benévola de la iglesia.

FRASES

* Han pasado más de cuarenta años, pero, hasta el día de mi muerte, recordaré cada segundo de aquella mañana de Enero.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7

- Filmaffinity: 7,9

- IMDB: 8

* Media: 7,6

TRAILER

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EL ARTISTA Y LA MODELO

El artista y la modelo es una película hermosa, un trabajo hecho con mimo por parte de Fernando Trueba que realmente se convierte en una de las películas más preciosas del cine español en esta que llevamos de década.

El film que nos propone Trueba nos cuenta la historia de Marc Cros, un escultor de ya avanzada edad y vacío de estímulos para seguir con su trabajo. Entonces es cuando aparece Mercè, una joven que hará el el artista recupere la inspiración para realizar la que debe ser su última obra. Todo ello ambientado en la decadente II Guerra mundial en una pequeña zona francesa cerca de la frontera con España.

Es un gusto sumergirse con la película en ese amor por el arte y la perfección por capturar la belleza a través de él, ver la lucha del escultor por su compromiso hacia aquello que ama tanto y cree está por encima del resto, como puede ser la locura del hombre. Es inevitable hacer ciertas comparaciones entre el avance de la historia y el propio Trueba, y es que esa búsqueda por la perfección se hace patente también en el trabajo del realizador, que con esta película logra alcanzar momentos realmente bellos. Trueba ya demostró con su anterior trabajo, Chico & Rita, que a pesar de su extensa carrera siguen intactas sus ganas de buscar su propia huella afrontando retos nuevos, y ahí que el mismo nos recuerde a su propio escultor como alter ego.

No hace falta hacer demasiado alarde de la maestría de Fernando Trueba en la dirección del filme, ya que a estas alturas es sobradamente conocido cual es su nivel en el campo. La película evita recursos que empañan la película como puede ser la banda sonora para así sincerarse con un cine metafórico, lleno de serenidad y pureza.

El guión es tan complejo como difícil de tratar, algo que se consigue transmitir en la pantalla gracias a la presencia de sus actores, unos Jean Rochefort y una Aida Folch supremos en su trabajo por transmitir todo aquello que oímos, pero que nos cuentan con su mirada. Una historia dónde el trasfondo belicista se convierte en una almohada de poca importancia, acercándonos así a la figura del artista, sin caer en equívocos de contarnos otra historia que poco tenga que ver con el sincero amor por el arte. Por contra encontramos los siempre pequeños detalles que a pesar de ser también estupendos parece que no hacen más que estorbar en el eje principal, en una película que se hubiese sostenido solamente con la relación entre el artista y su modelo. Hablamos por ejemplo de la estupenda presencia de Chus Lampreave, con un personaje muy divertido pero que hubiese sido mejor dejarlo para otra ocasión, por otra parte la desaprovechada presencia de una potente Claudia Cardinale que nos deja con la sensación de que nos quedamos huérfanos al no conocer de lleno su relación como esposa del esculor y que seguramente podría habernos dado más pistas de la casi perfilada personalidad del artista. A pesar de ello el filme sigue siendo lo suficientemente interesante como para quedar completamente prendado de sus imágenes en blanco y negro.

Sin duda alguna una de las películas del año que al compartir estreno con Blancanieves quedará algo apartada de las miradas del público, algo que no es más que un error, ya que ambas son lo suficientemente interesantes como para no perderse ninguna.

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TÍTULO ORIGINAL El artista y la modelo (L'artiste et son modèle)
AÑO 2012
DURACIÓN 104 min.
PAÍS España
IDIOMA Francés, Español
DIRECTOR Fernando Trueba
GUIÓN Fernando Trueba, Jean-Claude Carriere
FOTOGRAFÍA Daniel Vilar (B&W)
REPARTO Jean Rochefort, Aida Folch, Claudia Cardinale, Chus Lampreave, Götz Otto, Christian Sinniger
PRODUCTORA Fernando Trueba Producciones Cinematográficas S.A. / Bonne Pioche
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Años 40. II Guerra Mundial. Arte

SINOPSIS

Verano de 1943. En un lugar de la Francia ocupada, no lejos de la frontera española, vive retirado un viejo y famoso escultor que se siente hastiado de la vida y de la locura de los hombres. Ya nada es capaz de animarle, de servirle de estímulo. Sin embargo, con la llegada de una joven española que se ha fugado de un campo de refugiados y que le servirá de musa, renace en él el deseo de volver a trabajar y esculpir su última obra. 

PREMIOS

2012: Festival de San Sebastián: Concha de Plata - Mejor director

2012: Candidata a la preselección española de los Oscar.

CRÍTICAS

+ "Trueba firma una de sus obras más personales y lúcidas (...) Todo en ella se antoja perfectamente medido, controlado, sin aspavientos, libre de gestos o pausas muertas" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una reflexión llena de arte sobre el arte. (...) Hay muchas cosas que me fascinan en esta película a contracorriente, profunda, escrita con mimo" (Carlos Boyero: Diario El País)

= "Se notan (para bien) las influencias de las que bebe Trueba (el realismo poético francés, Renoir), pero el resultado es inequívocamente personal, y parece completar una secreta trilogía con dos de sus mejores películas, «El año de las luces» y «Belle Epoque»" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Entronca con el mejor cine de Trueba (...) una obra profundamente intimista (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,7

- Filmaffinity: 6,7

- IMDB: 6,9

* Media: 7,1

TRAILER

VER TAMBIÉN

TIEMPO DE SILENCIO

09 enero 2012

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Muchos rostros conocidos como el de Imanol Arias, Francisco Rabal o Victoria Abril, por citar algunos, en la adaptación de una de las novelas más celebradas de nuestro país. Ya por los actores podemos tener la certeza que en tema de interpretaciones el film queda cubierto muy bien. Por otro lado tenemos el argumento, que nos da un buen retrato de las diferentes clases sociales en consonancia con sus estilos de vida en la España de los 40, sin duda un desanimo para los que lo vivieron. No repara en crudeza a la hora de contarnos algunos de los momentos más tensos del relato, algo que se agradece, siendo así un trabajo maduro y muy digno.

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Molts rostres coneguts com el de Imanol Arias, Francisco Rabal o Victoria Abril, per citarne alguns, en l'adaptació d'una de les novel·les més celebrades del nostre país. Ja pels actors podem tenir la certesa que en tema d'interpretacions el film queda cobert molt bé. D'altra banda tenim l'argument, que ens dóna un bon retrat de les diferents classes socials d'acord amb els seus estils de vida en l'Espanya dels 40, sens dubte un desanim pels qui ho van viure. No repara en cruesa a l'hora d'explicar-nos alguns dels moments més tibants del relat, cosa que s'agraeix, sent així un treball madur i molt digne.

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TÍTULO ORIGINAL Tiempo de silencio
AÑO 1986
DURACIÓN 111 min.
PAÍS España
IDIOMA Español
DIRECTOR Vicente Aranda
GUIÓN Vicente Aranda & Antonio Rabinad (Novela: Luis Martín Santos)
MÚSICA Francisco Alonso
FOTOGRAFÍA Juan Amorós
REPARTO Imanol Arias, Victoria Abril, Charo López, Francisco Rabal, Juan Echanove, Francisco Algora, Joaquín Hinojosa, Diana Peñalver, Queta Claver
PRODUCTORA Lolafilms / Morgana Films S.A.
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Posguerra española. Años 40

SINOPSIS
Madrid, años 40. Pedro es un médico joven que trabaja en un centro oficial de investigación sobre el cáncer utilizando cobayas procedentes de Norteamérica. Cuando se queda sin los conejillos de Indias, el conserje del centro le aconseja que recurra a "El Muecas", un amigo suyo que ha criado una pareja de cobayas con el fin de venderla.

PREMIOS
1987: Goya: Nominada a mejor actriz principal (Victoria Abril)
1987: Fotogramas de plata: Nominada a mejor actor de cine (Imanol Arias) y mejor actriz de cine (Victoria Abril)
1987: Premis Sant Jordi: Mejor actor español (Juan Echanove)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,7
- Filmaffinity: 6,1
- IMDB: 6,8
* Media: 6,5

FRAGMENTO

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PA NEGRE (PAN NEGRO)
Pa negre
(Agustí Villaronga, 2010)