CAROL

Aprovechando que estos días se están celebrando las fiestas del orgullo LGTBIQ retomamos el blog con un filme idóneo a las reivindicaciones de estos días. Película de 2015 -y a mi parecer una de las mejores obras del año- dirigida por Todd Haynes,  protagonizada por Cate Blanchett y Rooney Mara, y basada en la obra homónima de Patricia Highsmith, Carol.

Ambientada en los años 50 se nos presenta a la joven Therese, una muchacha que trabaja como dependienta mientras fantasea con una vida mejor dedicada a una de sus aficiones, la fotografía. Un buen día conoce a la refinada Carol, una mujer que vive en un matrimonio infeliz y forman rápidamente una profunda amistad que desencadenará en una relación intensa que cambiará sus vidas por completo.

Los que conozcáis a Haynes con anterioridad reconoceréis rápidamente la relación de Carol con uno de sus anteriores filmes: Lejos del cielo (Far from Heaven, 2002), un melodrama también ambientado en la década de los 50 y con la feminidad como bandera, en la que además se nos mostró también la represión que la homosexualidad vivía en la época. Las similitudes no son para nada casuales, pues el director decide volver a sus viejos tormentos narrativos aupado por un éxito que le sirve como garantía de éxito.

Existen varios elementos que convierten a Carol en una obra imprescindible. Por un lado nos encontramos con la estupenda dirección y el montaje, que junto a la fotografía se conjugan basándose en la obra de Saul Leiter, artista cuya obra se centra en la fotografía de calle y la pintura. Los colores, reflejos y ambientes creados en el filme beben directamente de la obra de Leiter, y cubren a las protagonistas de melancolía y de imposibilidad, siempre escondidas tras un cristal que les impide ser ellas mismas. Es evidente que Leiter no es la única influencia para Haynes, ya que fácilmente podemos identificar a otros artistas como Edward Hopper, que hacen de Carol una obra en conversación constante con el arte.

Por otra parte, la otra pieza imprescindible del filme son sus dos protagonistas, dos actrices que nos regalan sin lugar a dudas dos de sus mejores interpretaciones, especialmente para Mara, que es la mejor de su carrera, algo más complicado para alguien de la talla de Blanchett, que ya nos ha regalado un buen puñado de papeles perdurables. Ambas se encargan de tejer con sus actuaciones un texto difícil de concebir solo en diálogos, y aunque estos son una maravilla son los silencios, los gestos y las miradas los que nos adentran en profundidad a la intensidad del relato. Especialmente las miradas, capaces de erizarnos la piel entendiendo muy bien y de un solo golpe la amalgama de emociones que esconden estas dos mujeres.

Solo me queda destacar la excelente banda sonora de Carter Burwell, que es sin duda la guinda del pastel.

Carol es un filme que perdura y que si nos regalamos más de un visionado termina por enamorarnos por completo. Una maravilla fílmica.

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TÍTULO ORIGINAL Carol AÑO 2015 DURACIÓN 118 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Todd Haynes GUIÓN Phyllis Nagy (Novela: Patricia Highsmith) MÚSICA Carter Burwell FOTOGRAFÍA Edward Lachman REPARTO Cate Blanchett, Rooney Mara, Sarah Paulson, Kyle Chandler, Jake Lacy, Cory Michael Smith, Carrie Brownstein, John Magard, Kevin Crowley, Gielreath, Ryan Wesley Gilreath, Trent Rowland, Jim Dougherty, Douglas Scott Sorenson, Nik Pajic PRODUCTORA Film4 / Killer Films / Number 9 Films

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Años 50. Homosexualidad. Drama romántico. Melodrama. LGBTIQ

SINOPSIS

Nueva York, años 50. Therese Belivet (Rooney Mara), una joven dependienta de una tienda de Manhattan que sueña con una vida mejor, conoce un día a Carol Aird (Cate Blanchett), una mujer elegante y sofisticada que se encuentra atrapada en un matrimonio infeliz. Entre ellas surge una atracción inmediata, cada vez más intensa y profunda, que cambiará sus vidas para siempre.

PREMIOS

2015: Premios Oscar: 6 nominaciones incluyendo mejor actriz (Cate Blanchett)
2015: Globos de Oro: 5 nominaciones incluyendo mejor película drama y director
2015: Festival de Cannes: Mejor actriz (Rooney Mara)
2015: Premios BAFTA: 9 nominaciones, incluyendo Mejor película
2015: Premios David di Donatello: Nominado a mejor film extranjero
2015: Premios Guldbagge (Suecia): nominada a mejor película extranjera
2015: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2015: Premios Spirit Awards: Mejor fotografía. 6 nominaciones
2015: Critics Choice Awards: 9 nominaciones incluyendo mejor película y director
2015: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor film, director, guión y fotografía
2015: Críticos de Los Angeles: Mejor banda sonora
2015: British Independent Film Awards (BIFA): nom. mejor película intern. independiente
2015: Sindicato de Actores (SAG): Nom. actriz (Blanchett) y actriz sec. (Mara)
2015: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado
2015: Premios Gotham: Nominada a Mejor película, guión y actriz (Cate Blanchet)
2015: Satellite Awards: Mejor banda sonora. 5 nominaciones
2015: Asociación de Críticos de Chicago: 6 nom. incluyendo Mejor película

CRÍTICA

+ "Cada plano, siempre de una exactitud abrumadora (...) Cada secuencia, sencillamente, vibra. (...) Es una película inmensa en su perfección; deslumbrante hasta el agotamiento." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una obra maestra total y absoluta que narra la historia de amor entre Cate Blanchett y Rooney Mara, ambas sublimes (...) Ovación general [en Cannes 2015], y lágrimas de este cronista." (Philipp Engel: Fotogramas)

+ "Si la narrativa de Haynes te deja con la boca abierta, las maravillosas interpretaciones de Cate Blanchett y de Rooney Mara están al mismo nivel. Es una película con tanto estilo como verosimilitud, la crees y la sientes" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Haynes consigue un extraño milagro –dar la impresión de que no falta ni sobra un plano en todo el metraje–, hay que añadir un asombroso trabajo del punto de vista (...) desde ya un referente ineludible del melodrama contemporáneo." (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Dos enormes actrices (...) La puesta en escena y la piel de la película son de una elegancia inmensa (...) no se asoma a la pantalla ni el menor síntoma de algo que no sea buen gusto, sensibilidad y grandes pasiones" (Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "'Carol' es estética, pero también ética. Es gran cine. Es amor y pasión. Es Sirk, redivivo y actualizado." (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Un verdadero y precioso regalo. (...) Resulta difícil atrapar en palabras la belleza dura pero delicada de un filme como 'Carol' (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Quim Casas: Diario El Periódico)

+ "Es una obra cremosamente sensual, espléndidamente observada, generosamente detallada y amueblada (...) Entré en un trance viéndola -y aún no he salido del todo de él- (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "'Carol' es magnífica, ligeramente innovadora (...) con una melancolía muy de mediados de siglo, entendiendo el amor como la apuesta más arriesgada pero más necesaria en la experiencia de cualquiera. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Tim Robey: Telegraph)

+ "Al mismo tiempo ardiente y analítica, cerebral y embriagadora, 'Carol' es un estudio de la atracción humana, desde la física y la óptica de Eros (...) una sinfonía de ángulos y miradas, de colores y de sombras" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Hecha de cristal y lágrimas reprimidas, filmada constantemente a través de ventanas, espejos y puertas medio-cerradas (...) 'Carol' es una historia de amor que comienza en un goteo, se hincha poco a poco en un torrente, y finalmente estalla en la orilla de tu corazón." (Jessica Kiang: Indiewire)

=  "La cinta posee varias virtudes, cada plano está provisto de belleza, (...) Todas las piezas se ensamblan para contar una historia de amor y pasión; sin embargo, sientes que ya habías visto una obra similar con el mismo director." (Adrián Ruiz Villanueva: Diario Excélsior)

PUNTUACIONES

 

	9,0		7,0		7,2
NOTA MEDIA: 7,7

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UN AMOR DE VERANO (LA BELLE SAISON)

Se ha clausurado ya El FIRE!! (Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià de Barcelona), que organiza el Casal Lambda, cumpliendo 21 años de edad y arrancando este año con el lema Libertad, igualdad y diversidad como bandera.
Del 30 de Junio al 10 de julio, se han podido ver en el Institut Francés un montón de propuestas cada cual más interesante, que van desde la galardonada e intensa Theo y Hugo, Paris 5:59 (Théo et Hugo dans le même bateau; Olivier Ducastel, Jacques Martineau, 2015) -mi favorita de las que he podido ver en el festival-, hasta la austríaca Tomcat (Klaus Händl, 2016), pasando por la divertida y única Flores de mazapán (Prahim shel Martzipan; Adam Kalderon, 2014) o el documental Hockney (Randall Wright, 2014) que repasa la vida de este referente del pop-art. Este año, el festival, ha dado el pistoletazo de salida con Un amor de verano (La Belle Saison), una hermosa cinta que además se acaba de estrenar en varios cines de España, así que si no habéis podido asistir al Festival, no tenéis excusa para al menos ver una de sus propuestas.

Delphine deja su vida en el campo para estudiar en París. Allí conocerá a Carole, una chica por la que enseguida sentirá una fuerte atracción. En plena década de los 70, cuando la lucha feminista se alza en Francia, las chicas conectarán enseguida y juntas empezarán una historia valiente y sincera, todo hasta que un inconveniente hace que Delphine deba volver a ayudar a la granja de sus padres.

Un amor de verano, es un filme de toques preciosistas que no renuncia a una sincera valentía para narrarnos, a través de la historia de amor de dos mujeres, el avance histórico de un país donde la mujer empezó a revelarse y a pedir el reconocimiento de sus derechos, en la conocida segunda ola feminista. Es por eso que no hay que entender la cinta de Catherine Corsini, como una sencilla historia sobre la homosexualidad, si no por una compleja película sobre una época en la que se conjugan varios ingredientes.

De entrada nos topamos con la lucha de una mujer que intenta avanzar en su vida, abandonando el entorno rural en el que vive, y buscando su plena felicidad. Un entorno que se nos muestra anclado en derechos y reconocimientos para la mujer y por supuesto en la condición sexual de las personas, pero que en el filme se nos muestra de forma natural, sin recurrir al maniqueísmo fácil que puede presentarse en filmes de este tipo.

Por otro lado se nos muestra, ya en la ciudad, como la lucha progresista es una realidad, y como ciertos valores de lucha sobrepasaron los de las propias vidas de las personas que perseguían unos ideales que aunque los tenemos cerca, todavía debemos trabajar en ellos.

El filme se basa en una historia de amor, y es evidente que el mayor peso del relato recae en esa idea, pero Un amor de verano no se presenta como una película que se sienta satisfecha solo con eso, y construye alrededor de sus bases, todo un entorno trabajado, mimado y que nos enternece y nos invita a la reflexión.

Mención especial para las interpretaciones de las dos actrices: Cécile de France e Izïa Higelin, que están mayúsculas, y un seguido de secundarios tan trabajados como ellas dos, en especial el complejo personaje de la madre de Delphine, interpretado por Noémie Lvovsky y que tan importante es para entender el fondo del filme.

Con un final que, a pesar de su sencillez, puede dejarnos poso, Catherine Corsini son regala una cinta preciosa y valiente, donde se nota la huella sincera y personal de la autora.

(Por cierto, ha sido elegida por la organización del festival como Mejor película.)

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TÍTULO ORIGINAL La belle saisonaka AÑO 2015 DURACIÓN 105 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Catherine Corsini GUIÓN Catherine Corsini, Laurette Polmanss MÚSICA Grégoire Hetzel FOTOGRAFÍA Jeanne Lapoirie REPARTO Cécile de France, Izïa Higelin, Noémie Lvovsky, Kévin Azaïs, Laetitia Dosch, Benjamin Bellecour, Eloïse Genet, Patrice Tepasso PRODUCTORA Chaz Productions / France 3 Cinéma / Artémis Productions / Canal+ / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Jouror Productions / Indéfilms 3 / Soficinéma 11 / Cinémage 9 / Région Limousin / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Tax Shelter Fil

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Mujer. Homosexualidad. Años 70. LGBTIQ. Vida rural

SINOPSIS

En París, en 1971. Delphine conoce a Carole. La primera, hija de campesinos, se muda a la capital para alcanzar la independencia económica y ser dueña de su propia vida. La segunda tiene novio y vive felizmente los comienzos del movimiento feminista. A Delphine, misteriosa y reservada, le gustan las mujeres. Carole ni se plantea esa posibilidad. De su encuentro surge una historia de amor que desequilibrará sus vidas al tropezar con la realidad.

PREMIOS

2015: Premios César: nominada a mejor actriz (de France) y actriz sec. (Lvovsky)

CRÍTICA

+ "Una película tan delicadamente irregular como perezosa, tierna, profunda y, si no queda más remedio, triste. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Corsini consigue algo realmente complejo: capturar una desbordante plenitud sensorial, sin negar, ni dramatizar su inevitable condición efímera." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "El producto final es una película honesta, puede que incluso necesaria, que explora las contradicciones de estas violentas militantes sin partido… pero con toda la vida para explorar (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Mirito Torreiro: Fotogramas)

+ "Entre política y pasión, Catherine Corsini elige la sensualidad (...) Jeanne Lapoirie saca partido a la campiña como si fuera su propia amante estival (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Daniel De Partearroyo: Cinemanía)

+ "Quizás el mundo ya esté preparado para un romane lésbico tan directo y sin ambages como 'La belle saison' (...) Catherine Corsini ofrece un drama de época luminoso y teñido de dorado" (Peter Debruge: Variety)

+ "Las radiantes y sentidas interpretaciones de Izia Higelin y Cecile De France hacen que te importe el resultado final, incluso cuando sientes que sabes exactamente hacia dónde podría ir 'La belle saison'." (Allan Hunter: Screendaily)

= "Sus potentes interpretaciones y una dirección detallista, ayudan a pasar por alto los irregulares cambios de tono" (Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,0		6,7
NOTA MEDIA: 6,9

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EL CRIMEN DE LARAMIE (EL PROYECTO LARAMIE)

Es imposible apartar la mirada de las noticias de odio que estos días nos llegan desde Estados Unidos. La matanza de Orlando no hace más que ratificar el largo camino que queda por la lucha contra la homofobia alrededor del mundo, no solo en las partes dónde ser homosexual o transexual sea delito, si no también en aquellas dónde se suponen que los derechos humanos están más avanzados. Sin duda alguna, hoy más que nunca, hace falta una mayor visibilidad para conseguir que los delitos de odio, ya sea por orientación sexual, género, raza, y evidentemente religión (no faltarán estos días los que condenen el Islam sin reflexionar antes sobre otras religiones que también son duras con lo diferente. Sin escuchar como parte de la comunidad está dando apoyo al colectivo LGTBI), sean condenados unánimemente. No hay que olvidar tampoco el gran problema armamentístico que existe en el supuesto país de las libertades, dónde conseguir una arma es más sencillo que comprar un huevo Kinder, una debate que el lobby de las armas siempre dinamita en pro de los intereses comerciales de los mismos.

Los casos de odio en Estados Unidos siempre se han utilizado como referencia para la lucha del colectivo LGTBI, tanto es así que momentos como los altercados de Stonewall o el asesinato del activista político Harvey Milk, han sido clave para la evolución de los derechos, otro de los casos es el de Matthew Shepard, un joven asesinado en Laramie, Wyoming, por el cual se consiguió (muchos años después) una enmienda en pro de la lucha contra el odio. Es precisamente ese caso el que ocupa hoy el blog con el filme para televisión El crimen de Laramie – o Proyecto Laramie -. Un falso documental que intenta indagar como ha afectado el caso a la población de Laramie.

En octubre de 1998, Matthew Shepard fue hallado cubierto de sangre y en estado de coma atado en una valla a las afueras de Laramie, pocos días después el joven fallecía en el hospital. Los culpables del homicidio fueron rápidamente identificados como dos jóvenes de la ciudad. El caso resonó en todos los medios de comunicación y se convirtió en toda una referencia para la lucha contra la homofobia. El filme recoge las entrevistas que se hicieron a varios habitantes de la ciudad, para construirlas a modo de falso documental –o documental ficcionado- contando la historia que sucedió.

El crimen de Laramie, dirigida por Moisés Kaufman, es una estupenda apuesta televisiva que se basa en la obra de teatro homónima del mismo Kaufman, dónde un grupo de estudiantes de teatro se traslada hasta Laramie para entrevistar a algunos de sus habitantes. Son las propias declaraciones las que se transcriben en boca de los actores que dan vida a los protagonistas de esta historia. Unos actores que son, sin duda alguna, una de las mayores bazas del filme, pues cuenta con un reparto de lujo. Nombres como Steve Buscemi, Christina Ricci, Dylan Baker, Jeremy Davies, Clea DuVall, Michael Emerson, Amy Madigan, Clancy Brown, son algunos ejemplos del espectacular reparto que da vida a esos entrevistados.

A pesar del homogéneo tono de telefilme, Kaufman sorprende con algún que otro despunte en dirección y montaje, para dar vida, sin perder nunca el sentido narrativo, a una película que no olvidemos, se basa en retratar unos hechos históricos recogidos a través de declaraciones, algo que por lo pronto podría parecer repetitivo, pero que el director resuelve muy bien,  y consigue mantenernos atentos al hilo argumental.

El filme, además de ser todo un alegato en contra de la homofobia, busca también mostrar como los medios pueden demonizar un lugar a causa de un hecho aislado, dando carta blanca a toda declaración, a favor o en contra de esos derechos, para mostrar la realidad lo más aproximada posible. Encontramos así a personajes que sienten vergüenza de que algo así haya podido ocurrir en un lugar aparentemente pacifico, otros que no esconden el rechazo a los que no son como ellos, tanto los que condenan de todos modos la violencia, como los que no –terrible personaje el del reverendo-, los que viven escondidos en su armario en una población rural o los que no temen a dar la cara. En conjunto es un filme coral, dónde todas las voces intentan ser recogidas, que busca concienciar no solo a través de un acto atroz, si no también a favor de una localidad donde no todo es demoníaco.

Es una lástima que casos como el de Matthew Shepard sigan hoy siendo noticia, igual que lo es que haya países que encarcelen o condenen a las personas por su orientación sexual. Que todavía hoy haya personas de primera y segunda clase, y que quede todavía un largo camino por recorrer. Filmes como El proyecto Laramie no solo nos ayudan a no olvidar, si no a luchar contra el odio y por los derechos de todos.

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TÍTULO ORIGINAL The Laramie Project AÑO 2002 DURACIÓN 97 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Moisés Kaufman GUIÓN Tectonic Theatre (Obra teatral: Tectonic Theatre) MÚSICA Peter Golub FOTOGRAFÍA Terry Stacey REPARTO Dylan Baker, Steve Buscemi, Jeremy Davies, Peter Fonda, Janeane Garofalo, Joshua Jackson, Laura Linney, Christina Ricci, Nestor Carbonell, Camryn Manheim, Clea DuVall, Michael Emerson, Mark Webber, Ben Foster, Amy Madigan, Clancy Brown, Tom Bower, Summer Phoenix, James Murtaugh, Richard Riehle, Terry Kinney, John Nance PRODUCTORA Cane/Gabay Productions / Good Machine / HBO

GÉNERO Drama. Intriga

TEMÁTICA Homosexualidad. Basado en hechos reales. Telefilm. Drama judicial. Falso documental. Crimen. Teatro. LGBTIQ

SINOPSIS

Basada en hechos reales. El film narra la reacción de la ciudad de Laramie tras el brutal asesinato de Matthew Sheppard, un estudiante homosexual de la Universidad de Wyoming, víctima de la violencia e irracionalidad de dos homófobos.

PREMIOS

2002: Emmy: 4 nominaciones, incluyendo mejor telefilm, dirección y guión

CRÍTICA

+ "Un símbolo del sufrimiento y el dolor de la comunidad LGBT." (Cinegayonline)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,0		7,3
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

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UNA JORNADA PARTICULAR

Hace un par de semanas nos dejaba un cineasta de referencia en el mundo y especialmente en su tierra, Italia. Ettore Scola fue un retratista de su país, pero no del que los políticos crean, si no del de las personas que en él habitan. Como él decía, una de sus mayores preocupaciones era ser buena persona, por eso su cine es un canto humanista en toda regla, que carga contra las imposiciones y lucha por la libertad. Italia ya no lo enamoraba, le hacía sentir triste, y eso ha quedado grabado en sus mejores trabajos. En su carrera cuenta con multitud de títulos galardonados en varios festivales y entregas de premios, pero existe un título que es imprescindible para cualquiera que ame el cine, y ese es Una jornada particular.

6 de mayo de 1938. Hitler visita la ciudad de Roma y Mussolini invita al pueblo a dar la bienvenida al führer asistiendo al desfile que se celebrará por las calles de la ciudad. En uno de los bloques de pisos construidos por el régimen nos encontramos con Antonietta, ama de casa, madre de seis hijos y de marido hosco. Es la única de la familia que no va a asistir al evento, pues debe quedarse en el hogar a hacer las tareas. El edificio queda completamente vacío, a excepción de la portera y un vecino que queda justo en la ventana de enfrente de Antonietta. Él es Gabriele. Ambos se conocen a raíz de un incidente y ello hará que entablen una fugaz relación que les evadirá de sus problemas.

Scola podría haber hablado de aquel curioso día en Italia, pero prefiere trasladar su jornada particular a una situación mucho más intima, la que podrían haber vivido dos individuos cualesquiera durante aquel seis de mayo en el que Italia debía vanagloriarse de su acuerdo de fuerzas fascistas. En este encuentro se nos presenta a una mujer que defiende los ideales de su país, pero que detrás de esa fachada esconde una mujer esclavizada y cansada cuya ilusión por la vida se ha ido marchitando lentamente. En su hogar, junto a su soledad, vive también un pájaro parlanchín que, en un descuido de Antonietta, escapa de la jaula que lo mantenía preso para ir directamente hasta la ventana del vecino. De este modo ella conoce a Gabriele, un hombre extraño que parece vivir solo rodeado de libros, y que permanece siempre atento al teléfono. No tardamos en descubrir la verdad de Gabriele y los motivos por el que fue despedido de su trabajo (en la radio nacional), sumando así un relato de dos seres que van a la deriva, pero que su encuentro casual consigue abrir un poco de luz a su situación.

El director consigue crear con un decorado frío, oscuro y realista de un edificio mastodóntico y que gracias también a una muy bien elegida fotografía del oscarizado Pasqualino De Santis, crea una perfecta simbolización de una prisión dónde se encierran las pasiones de sus habitantes. Así, nuestros protagonistas se sienten encerrados, ella sin poder escapar desde el principio, él escondido para huir de otra jaula aún peor, ambos atrapados en un lugar de dónde sólo consigue escapar el pájaro, pero por un periodo de tiempo pequeño, al igual que lo harán las ilusiones de la pareja.

Ambos descubren gracias al otro su intimidad y sus ansias de libertad, mientras el resto de la ciudad se concentra en un punto para celebrar el encuentro político. Ellos, aunque separados de la multitud, están encerrados por la mismo motivo que conduce a la ciudad a la celebración, y aunque tengan un día para vivir como realmente les gustaría, la sombra del poder que les hace ser y vivir como lo hacen sigue presente constantemente, algo que nos recuerda Scola muy bien al jugar con el sonido diegético de una radio retransmitiendo sin cesar el desfile, llena de tonos alegres para enmascarar la verdadera infelicidad.

Scola es un maestro del cine, y eso lo demuestra cada fotograma del filme, pues no hay plano, movimento de cámara, encuadre, cada detalle de atrezzo, de vestuario o escenografía, que no tenga razón de ser, todo es de vital importancia y de una plasticidad pocas veces vista en un medio visual. Una película perfecta de principio a fin en el que narración, simbolismo y visualidad convergen para trasformarse en una obra maestra.

Si ello no fuera poco, nos topamos como caras conductoras de esta obra a dos grandes figuras de la interpretación. Sofía Loren da vida a nuestra Anotonietta, capaz de mostrarnos fácilmente a una mujer condenada, insatisfecha y atrapada, a Loren se le ve la tristeza con tan solo mirarle a los ojos enseñándonos una muestra de talento única. Por otro lado Marcello Mastroianni, figura conocida por sus papeles de galán, da un giro completo interpretando a un hombre que no solo destaca por su homosexualidad, si no por su timidez, su sinceridad y una vez más, su ocultada tristeza. Ambos agarran un guión fabuloso y lo ensalzan hasta convertirlo en, como ya he dicho, una obra maestra.

Una jornada particular va más allá de ser un filme político, pues nos habla de las relaciones personales y la falta de libertad, es todo un canto a la lucha por ser uno mismo y a las injusticias históricas que hemos y/o seguimos viviendo. De verdad, no os perdáis ésta joya del cine, y hacerle un homenaje a este director imprescindible que tristemente nos ha dejado.

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TÍTULO ORIGINAL Una giornata particolare AÑO 1977 DURACIÓN 105 min. PAÍS Italia IDIOMA Italiano DIRECCIÓN Ettore Scola GUIÓN Ruggero Maccari & Ettore Scola MÚSICA Armando Trovajoli FOTOGRAFÍA Pasqualino De Santis REPARTO Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Patrizia Basso, Nicole Magny PRODUCTORA Campagnia Cinematografica Champion S.P.A. / Conafox Films lnc. / Carlo Ponti

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Años 30. Homosexualidad. LGBTIQ. Mujer

SINOPSIS

El 6 de mayo de 1938, Hitler visita Roma. Es un día de fiesta para la Italia fascista, que se vuelca en el recibimiento. En una casa de vecinos sólo quedan la portera, un ama de casa, Antonietta, y Gabriele, que teme a la policía por algún motivo desconocido. Al margen de la celebración política, Antonietta y Gabriele establecen una relación afectiva muy especial que les permite evadirse durante unas horas de la tristeza y monotonía de la vida cotidiana.

PREMIOS

1977: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor (Mastroianni) y película extranjera
1977: Globos de oro: Mejor película extranjera. Nom. actor - Drama (Mastroianni)
1977: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1977: Premios David di Donatello: Mejor director y actriz (Sophia Loren)
1977: Premios César: Mejor Película extranjera

CRÍTICA

+ "Memorables actuaciones de Loren y Mastroianni, película de amores imposibles, un auténtico canto a la amistad. Una película conmovedora" (Omar Khan: Diario El País)

+ "Una obra maravillosa." (Alfonso Mazarro: Cinemacritico)

+ "Dos actuaciones acompañadas de una sutil pero muy efectiva dirección de Ettore Scola acaban de conformar un memorable film." (El gabinete del Dr. Mabuse)

PUNTUACIONES

 

	9,0		7,9		8,1
NOTA MEDIA: 8,3

TRAILER

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EL ANSIA

Hoy tocaría una reseña referente a la entrega de los Globos de Oro concedidos la pasada noche del domingo, pero por la repentina muerte de David Bowie merece la pena dejar los galardones para más adelante y dedicarle a él la entrada de hoy.

El polifacético artista de origen británico era sobradamente conocido por su música, pero también por su relación con el mundo del arte, la moda, la literatura y especialmente con el cine. Un todo que se conjugó en un mundo propio y que lo alzó convirtiéndolo en una figura de lo más icónica. Además de su participación musical en cintas de importante calado histórico, artístico, social y/o de culto como pueden ser C.R.A.Z.Y. (Jean-Marc Vallée, 2005), El beso de la pantera (Cat People; Paul Schrader, 1982), Dentro del laberinto (Labyrinth; Jim Henson, 1986), Cuándo el viento sopla (When the Wind Blows; Jimmy T. Murakami, 1986) o en varias de las obras de Leos Carax, Bowie también destacó como actor en alguna de ellas o en otras de igual calado como su primera interpretación en un largometraje para la cinta de culto El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth; Nicolas Roeg, 1976), Feliz Navidad, Mr. Lawrence (Senjo no Merry Christmas [Merry Christmas Mr. Lawrence]; Nagisa Oshima, 1983), La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ; Martin Scorsese, 1988), Twin Peaks: fuego camina conmigo (Twin Peaks: Fire Walk with Me; David Lynch, 1992), El truco final (El prestigio) (The Prestige; Christopher Nolan, 2006) o la ópera prima (y seguramente mejor filme) del difunto Tony Scoot: El ansia (The Hunger, 1983), cinta con la que hoy le rindo homenaje.

Miriam es una elegante vampiresa residente en Manhattan. En su lujosa casa vive con su pareja John, y ambos pasan la eternidad disfrutando de las cosas bellas que les ofrece la vida. De repente John envejece a gran velocidad y buscará la ayuda de una especialista llamada Sarah sin mucha esperanza. Inevitablemente Miriam y Sarah sentirán una fuerte atracción entre ellas conduciéndoles a las más profundas tinieblas del deseo.

Adaptación libre de la novela homónima de Whitley Strieber que se suma al cambio de carácter del cine vampírico, dándole un enfoque más contemporáneo siguiendo la estela de novelas también adaptadas a la gran pantalla como Soy leyenda de Richard Mathenson, El misterio de Salem's Lot de Stephen King o Entrevista con el vampiro de Anne Rice. De este modo, El ansia, se convierte en uno de los ejes más importantes para este cambio que no abandona el sabio estilo impulsado por el viejo conde Drácula, si no que lo actualiza.

Tony Scott, hijo del videoclip y la publicidad, dota de un tono esterilizado a su película, algo que le mereció abundantes críticas al marcar su obra como de una estética vacua, pero lejos de ello, es precisamente esa decisión la que convierte su película en una obra interesante, de merecido título de culto. Su arranque da fe de ello.

Bajo la tonada de Bela Lugosi's Dead de Bauhaus, Scott nos ataca con una secuencia inicial que nos pone en sintonía con lo que está por venir, y que con una coreografiada puesta en escena musical nos lo cuenta todo sobre nuestros vampiros protagonistas: Sus deseos, como es su vida, la relación entre ellos y nos adelanta algunos de sus secretos. Pero la música de Bauhaus no está sola, con ella aparece otra que es en esencia la que se encarga de definir a los personajes y su relación, ésta vez es Schubert con su Trio In E-Flat, Op. 100. Música melancólica, trágica en segmentos, como la propia vida de Miriam, y es por eso que son los temas más clásicos los que se encargan de irnos acompañando durante el metraje para añadir fuerza narrativa al guión del filme.

 

En definitiva, lo que Scott nos enseña es un arranque con un montaje de unos seis minutos brillante, que bajo el prisma de lo experimental y a la vez de lo comercial, nos sorprende y nos hechiza.

Lo mejor sin duda de El Ansia son sus personajes, principalmente Miriam. Interpretada por una siempre estupenda Catherine Deneuve, de corte gélido, belleza incomparable y porte distante. Toda un icono del vampirismo en si misma que incluso ha sido emulada en la quinta temporada de la serie American Horror Story: Hotel (Brad Falchuk, Ryan Murphy, 2011- Actualidad), serie cuyo eje central convierte el filme de Scott en una clara referencia, y a Lady Gaga en una emulación de esa suprema Catherine Deneuve, aunque lejos de alcanzar su grandeza interpretativa -por mucho (e incomprensible) Globo de Oro que quieran darle por esa actuación-. Todo un referente para el cine vampirico posterior, un ente que a pesar de su frío carácter se convierte en un ser polisexual lleno de erotismo, un erotismo siempre presente en la película, algo muy bien heredado del cine anterior. Quién tiene difícil sobresalir es David Bowie, pues lo que más destaca en su papel es el inmenso trabajo de caracterización al que es sometido, brillante, digno de el mayor de los presupuestos, merece realmente un aplauso, pues consigue que lleguemos a pensar que Bowie abandona el papel para cedérselo a un actor totalmente distinto, brillante. Un trío no estaría completo sin un tercero, y es Susan Sarandon la encargada de cerrarlo. Con un papel que no es ni de lejos el mejor de su carrera, Sarandon convence en el que sí es uno de los papeles más comentados, pues el trabajo sin tapujos que ofrece en las escenas más intensas junto a Deneuve es simplemente perfecto.

El transcurso de El Ansia se pasa bajo un ritmo algo irregular, pero que se sustenta con el desarrollo argumental del mismo. La gran apuesta del filme es hablarnos de esa ansiada juventud eterna, la frialdad que rodea a todo lo que puede relacionarse con esa idea y lo trágico de lo que podría llegar a comportar. Scott convierte el ansiado deseo de la inmortalidad en una verdadera maldición. Nos habla del amor prohibido, del imposible, del egoísmo y a última instancia ejerce de cañón sobre la libertad sexual, tan de moda en su década. 

El Ansia es en definitiva no solo un interesante ejercicio de estilo, si no también un filme de género que se atreve a traspasar a los temas más profundos, una cinta cuyo título de culto tiene bien merecido y que merece ser reivindicada.

Nada más, a disfrutarla y de paso dedicar un adiós de todo corazón al gran David Bowie.

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TÍTULO ORIGINAL The Hunger AÑO 1983 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos, Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Tony Scott  GUIÓN James Costigan, Ivan Davis, Michael Thomas MÚSICA Michael Rubini & Denny Jaeger FOTOGRAFÍA Stephen Goldblatt & Tom Mangravite REPARTO Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon, Cliff De Young, Willem Dafoe, Beth Ehlers, Dan Hedaya, Suzanne Bertish, Bessie Love, Bauhaus PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Peerford Ltd.

GÉNERO Terror. Drama. Romance

TEMÁTICA Vampiros. Homosexualidad. Película de culto. LGBTIQ

SINOPSIS

Miriam Blaylock colecciona no sólo arte del Renacimiento y colgantes del Antiguo Egipto sino, sobre todo, amantes y almas. Moderna y elegante, Miriam es una vampiro intemporal residente en Manhattan, una mujer bendecida con la belleza y maldecida con su sed de sangre.

PREMIOS

1984: Saturn Awards: 2 nominaciones: Mejor vestuario, mejor maquilaje

CRÍTICA

- "Visionar una película como 'El ansia' ('The Hunger', Tony Scott, 1983) es como contemplar uno de esos aburridos cuadros en los que la perfección plástica ahoga el alma de la obra, sin que ésta llegue a transmitir absolutamente nada." (Alberto Abuín: Blog de cine)

+ "Por la fascinante perspectiva que aporta al mito. Por las brillantes actuaciones. Por la elegancia de la puesta en escena y una fotografía y montaje que aún ahora sorprenden. Por todo... hay que redescubrir este film y emplazarlo donde se merece: película de culto donde las haya." (Arantxa Acosta: El espectador Imaginario)

- "El film sirve como ejemplo de ese cine de los años ochenta, muy moderno en su día pero que ha envejecido bastante mal. Más allá de la estética y de su desaprovechado reparto de lujo, el film no tiene mayor interés." (Luis Cifer: Las críticas de Luis Cifer)

+ "Nos encontramos ante un título mítico del género, y también ante una de las películas más importantes y hermosas del género vampírico, una interesante vuelta de tuerca a la clásica historia de vampiros chupasangres y que sin duda marcó una época y una forma de concebir este tipo de cine, tanto por su aportación al mito (gracias a la obra de Strieber) como por algunas escenas antológicas que permanecen indelebles en la memoria del aficionado." (Luis Fernando Rodríguez Romero: El gabinete del Doctor Lynch)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,3		6,6
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

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