LA TEORÍA DEL TODO

Después de que los Goya queden ya entregados en una larga, llena de censura y hastía gala, dónde La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) se alza con el premio al mejor filme español, un thriller estupendo pero que lejos queda de las cintas verdaderamente potentes que este año nos ha dado nuestro cine y que tan injustamente maltratadas han sido en la entrega de premios -hablo por supuesto de la absorbente Magical Girl (Carlos Vermut, 2004) y de la pequeña joya que es Loreak (Flores) (José Mari Goenaga, Jon Garaño, 2014)-, llega el momento de dar paso a los BAFTA, los premios ingleses del cine. A estas alturas no sorprende que Boyhood (Richard Linklater, 2014) sea la declarada mejor película del año por los académicos británicos, así que toca centrarse en la que ha sido premiada como mejor película inglesa, reconocimiento que ha sido entregado a La teoría del todo.

Stephen y Jane se conocen en una fiesta en la universidad de Cambridge, quedando perdidademente enamorados el uno del otro. Entonces la joven pareja no sabia lo que el futuro les deparaba. Stephen no solo se convertiría en el más celebre astrofísico de nuestro tiempo, si no que además una enfermedad degenerativa haría su vida de lo más complicada.

James Marsh, más conocido por sus obras documentales -especialmente por la maravillosa ganadora del Oscar Man on Wire (2008)-, se centra esta vez en contarnos otra historia biográfica pero esta vez desde las estrategias que ofrece el cine de ficción. Así adapta las memorias de Jane Hawking, dónde cuenta la relación que tuvo con Stephen Hawking y de las dificultades que ambos tuvieron al afrontar una enfermedad que le daba de entrada dos años de vida al joven científico.

Marsh dirige con mano correcta a su nueva hija, con el dinamismo y el suspense que le caracterizan, y aunque éste nos esté contando una historia de entrada ya conocida, nos lleva a sentirnos cautivados por ella y sentir curiosidad por los acontecimientos que en ella se desarrollan. Aunque como biopic podamos echar en falta una visión más amplia de los personajes que se plasman, Marsh decide apostarlo todo por el romance, y aunque eso de como resultado un filme poco atrevido, al final el envoltorio preciosista llega a conmovernos con facilidad.

Parece que el filme esté conjugado para que sus interpretes cosechen premios, especialmente Eddie Redmayne que da vida al científico achacado por la ELA (enfermedad de la cual el filme se aprovecha tras la popularidad del Ice Bucket Challenge de este verano), un papel muy agradecido para todo actor que se precie, aunque Redmayne tenga que poner de su parte para dar credibilidad a su trabajo, y eso lo consigue con creces, aunque no alcance la grandeza de Daniel Day-Lewis en aquella maravilla irlandesa llamada Mi pie izquierdo (My Left Foot; Jim Sheridan, 1989).

Al final lo que más me atrae del filme de Marsh es su banda sonora. El compositor islandés Jóhann Jóhannsson está sonando mucho últimamente por Hollywood, y es que su trabajo sabe sintetizar muy bien la verdadera esencia de las películas para las cuales compone. En La teoría del todo, su música nos endulza el trágico relato de amor de una pareja que lucha por superar las trabas, y Jóhannsson al final es el maestro que consigue hilar todo el conjunto narrativo del filme. Todo gracias a sus notas.

La teoría del todo no es ni de lejos una película que vaya a quedar grabada en nuestras retinas, pero si que es cierto que lo que ofrece es suficiente para una película de rasgos ya marcados, y el resultado es muy aceptable. Al final es fácil quedar encantado con ella.

Por cierto, os dejo en el lateral derecho del blog una lista de reproducción para que podáis escuchar un resumen de las melodías que han estado sonando en las entregas de premios y festivales que dedican alguna de sus secciones a ellas, os invito a ir escuchándolas mientras leéis los artículos del blog.

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TÍTULO ORIGINAL The Theory of Everything AÑO 2014 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN James Marsh GUIÓN Anthony McCarten (Libro: Jane Hawking) MÚSICA Johann Johansson FOTOGRAFÍA Benoît Delhomme REPARTO Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, David Thewlis, Emily Watson, Simon McBurney, Charlotte Hope, Adam Godley, Harry Lloyd, Maxine Peake, Joelle Koissi, Zac Rashid, Hugh O'Brien, George Hewer, Georg Nikoloff, John W.G. Harley PRODUCTORA Working Title Films 

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Biográfico. Años 60. Enfermedad. Discapacidad. Drama romántico. Colegios/Universidad

SINOPSIS

Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking y su primera mujer, Jane, en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al famoso científico en una silla de ruedas.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: 2 Globos de Oro: Mejor actor - Drama (Redmayne) y Mejor BSO
2014: Premios BAFTA: Mejor film británico, actor (Redmayne) y guión adaptado
2014: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Eddie Redmayne)
2014: Critics Choice Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película

CRÍTICA

+ "Una estimulante y agridulce historia de amor, modulada con un sentido del humor de buen gusto." (Justin Chang: Variety)

+ "'La Teoría del todo' (...) es ciencia fascinante, provocación emocional y una singular historia de amor, todo encajado en una maravillosa película. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Es una historia real inusualmente convincente acerca de una pareja extraordinaria (...) Hasta el momento es mi película favorita del año (...) No te la pierdas (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Cautivadora, preciosa y triste." (Tim Grierson : Screendaily)

+ "'La teoría del todo' deja una huella profunda gracias a Redmayne. Su asombrosa interpretación hace justicia a la vida real de Hawking (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Rene Rodriguez: Miami Herald)

= "Sí, 'La Teoría del todo' hace hincapié en cosas diferentes. Pero al igual que tantas vidas cinematográficas de famosos, pierde el rastro al origen de la fama de su protagonista." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Marsh toma a un personaje complicado y revela su amplia gama de dimensiones. El resultado es un interesante biopic que a menudo resulta bastante conmovedor. Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Como si fuera la cosa más fácil del mundo, "La teoría del todo" hace malabares y profundiza en las tres áreas principales de la vida de Hawking -su trabajo, su enfermedad y su matrimonio (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

= "No importa cuánto muestre 'La Teoría del todo' del increíble proceso a través del cual Hawking mantiene una conexión con el resto del mundo, se queda corta a la hora de meterse dentro de su cabeza." (Eric Kohn: Indiewire)

= "Un 'biopic' atípico (...) una película desenfocada, de puro minimalista. Y luego está lo de Eddie Redmayne. Impresiona. No se trata tanto de una imitación como de una especie de metamorfosis." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "En ningún sentido es desdeñable este biopic. (...) es tan contenido como digno. Y son muy justas las nominaciones al Oscar de Eddie Redmayne y de Felicity Jones" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Tal vez, desde un punto de vista científico, la película no esté a la altura de su personaje, pero es evidente que el propósito apuntaba a otra zona de Hawking, mucho más íntima y conmovedora. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Felicity Jones (...) toma ella sola las riendas de una película, por lo demás, delicada, sensible y rodada con extrema elegancia. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Beatriz Martínez: Fotogramas)

+ "En el trabajo de Redmayne y el de Felicity Jones como Jane está en realidad la verdadera fuerza de esta historia de amor que trasciende el tiempo y el espacio (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Irene Crespo: Cinemanía)

- "'La teoría del todo' evade cuidadosamente todo tipo de polémica y busca con denuedo el consenso con estrategias cinematográficas que terminan aburriendo de tan convencionales." (Alejandro Lingenti: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,2		7,8
NOTA MEDIA: 7,2

TRAILER

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AMOR

El cine de Michael Haneke siempre es bienvenido por estos lares, y su último trabajo (cinematográfico se entiende, ya que si no deberíamos detenernos en la dirección operística de Così fan tutte) ya tardaba en aparecer por aquí. Amor (Amour, 2012) es sin duda una de las mejores propuestas de su año, además de ser seguramente la obra más personal de director de Múnich. 

Anne y Georges son una pareja de profesores de música retirados que han alcanzado ya su vejez. Anne sufre un día un infarto y es operada con urgencia, tras pasar por quirófano la mujer queda dañada con una hemiplejia derecha, necesitando atenciones constantes por su marido.

Michael Haneke arranca su película contándonos el final, vemos como un grupo de bomberos encuentra el cuerpo de Anne en el salón de su hogar cubierto de flores, de este modo el director austriaco deja claras dos características del filme, por un lado que no habrá finales emotivos y felices, él nos va a relatar una vez más la realidad. Por otro lado nos ayuda a ver ya desde el inicio que no vamos a ver una película que construya un canto al romanticismo basándose en el amor de dos ancianos y el sacrificio de uno por el otro, no quiero decir con ello que la cinta esté carente de estos significados, no es así, pero Haneke no va a construir una película basándose en el lirismo de esos sentimientos.

De este modo podemos ver como no hay ningún tipo de embellecimiento de la acción, en ese sentido Haneke es tan parco como siempre, y aunque pueda retratar lo más duro del ser humano, lo hace esta vez desde el rigor y el respeto, algo muy visible al ver como trata con dulzura Jean-Louis Trintignant al personaje de Emmanuelle Riva, pero con dureza en los momentos de flaqueza del anciano.

Quizás pueda parecer que el director no es el mismo que conocíamos de películas tan violentas como Funny Games (Juegos divertidos) (Funny Games; 1997) o Caché (Escondido) (Caché; 2005), pero no hace falta fijarse mucho para ver como es el mismo en las formas y conceptos, el dolor sigue estando ahí, al igual que el retrato de la complejidad humana. Así qué, ¿es Amor una extraña avis en la filmografía de Haneke? ¿Dónde está el frío observador de la crueldad, debilidades y perversión? Después de La cinta blanca (Das weisse Band; 2009) es fácil tener la sensación de que ha desaparecido, pero la verdad es que sigue ahí, pero con una historia dónde la desesperación se vive, y se percibe, de otro modo.

Solo hace falta revisar su primer largometraje: El séptimo continente (Der siebente Kontinent; 1989), para darnos cuenta que en realidad lo que está haciendo es volver a sus inicios, cerrando sin darse cuenta un ciclo redondo, siempre volviendo a retarnos con largos planos de clímax de fuerza descomunal (esta vez en una danza de dureza, amor, compasión y brutalidad). Es tenebroso escuchar a Emmanuelle Riva comentar como tanto su primer filme –Hiroshima, mon amour (Alain Resnais; 1959)- como este último contienen la palabra Amour en su título, esperemos que ni ella, ni Haneke, estén cerrando de este modo su aportación al mundo cinematográfico.

Hablando de Riva, no puedo proseguir con el comentario de este filme sin antes alabar el estupendo trabajo interpretativo de la actriz francesa, merecedora de todos los premios habidos y por haber (¡demonios! ¡ese Oscar era suyo!), y mucho mejor la presencia de su partenere Jean-Louis Trintignant del que se ha hablado menos pero que realmente consigue un trabajo espectacular, sincero y sin concesión alguna.

Volviendo al filme, hay que decir que hay muchas películas sobre la muerte y la enfermedad, pero la mayoría de ellas se centran en acercarse al entorno familiar y lo social, el trato hospitalario, o el sufrimiento físico... Pero Haneke lanza su mirada a lo emocional, ¿cómo debe enfrentarse alguien a algo tan común como el sufrimiento, y especialmente alguien al que amamos? Solemos ver eso en otros filmes que intentan emocionarnos al presentarnos ante niños con enfermedades incurables, parejas jóvenes a las que la muerte les sorprende... pero Haneke se pregunta sobre algo tan natural e inevitable, aquello a lo que nos deberemos enfrentar todos de un modo u otro, al alcanzar los últimos años de nuestra vida, y es justo ahí dónde el director más nos asalta.

La música desempeña otro papel esencial, la pareja protagonista eran maestros de música, por lo tanto la importancia de esta en sus vidas es la misma que el aire que necesitan para respirar, y es por eso que a lo largo del filme encontramos varias composiciones diegéticas, y sólo hace falta fijarnos un poco en ellas para darnos cuenta como todas ellas son bruscamente interrumpidas antes de alcanzar su final. El mensaje es claro y no es casualidad que el título inicial del filme sea La musique s'arrête (La música acaba).

Amour es un relato poco violento en el sentido de la gratuidad, poco tiene que ver con la sangre de Tarantino o los filmes belicistas dónde se tortura a gente y que Haneke siempre ha despreciado. Esa oferta de violencia tan común en el cine comercial siempre ha merecido su desprecio, es por eso que él siempre la ha utilizado en un formato de denuncia, quería alejar al espectador de la pantalla, y todos sabemos que lo ha sabido hacer muy bien. Con Amour se torna más realista, y es por eso que consigue impresionar más, ya que el espectador siente el mensaje como valido, lejos de la artificialidad de la violencia como divertimiento, entendido este último como irreal y, por lo tanto, lejos de toda angustia.

Amour es sin duda una gran película, y no hay que dejarla escapar.

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TÍTULO ORIGINAL Amour AÑO 2012 DURACIÓN 127 min. PAÍS Austria, Francia, Alemania IDIOMA Francés, Inglés DIRECCIÓN Michael Haneke GUIÓN Michael Haneke MÚSICA Franz Schubert, Ludwig Van Beethoven, Johann Sebastian Bach FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanco, Alexandre Tharaud, Laurent Capelluto, Carole Franck, Dinara Drukarova PRODUCTORA Les Films du Losange / X-Filme Creative Pool / Wega Film / France 3 cinéma / ARD degeto / Bayerischer Rundfunk / Westdeutscher Rundfunk / Canal + / France télévisions

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Drama romántico. Vejez. Enfermedad. Discapacidad

SINOPSIS

Georges y Anne, dos ancianos de ochenta años, son profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija, que también se dedica a la música, vive en Londres con su marido. Cuando, un día, Anne sufre un infarto que le paraliza un costado, el amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.

PREMIOS

2012: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 5 Nominaciones, incluyendo película
2012: Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor película)
2012: 5 Premios César, incluyendo mejor película y director. 10 nominaciones
2012: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa
2012: Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, actor y actriz. 6 nominaciones
2012: Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones
2012: 2 Premios BAFTA: Mejor película extranjera y actriz (Riva). 4 nominaciones
2012: Independent Spirit Awards: Mejor película extranjera
2012: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2012: National Board of Review (NBR): Mejor película extranjera
2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película
2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor película extranjera y mejor actriz (Riva)
2012: Premios Guldbagge: Mejor película extranjera
2012: Premios David di Donatello: Mejor película europea
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera
2013: Premios Goya: Mejor película europea

CRÍTICA

+ "Magnífica en su simplicidad y en su implacable honestidad acerca de la vejez, la enfermedad y la muerte (...) No hay un paso en falso ni una sola escena superflua" (Deborah Young: The Hollywood Reporter)

+ "El film más íntimo de Haneke en casi un cuarto de siglo, (...) con unas interpretaciones conmovedoras, un mano a mano inusualmente tierno" (Peter Debruge: Variety)

+ "La nueva película de Michael Haneke, un estudio de los efectos de la demencia y el envejecimiento en un agraciado matrimonio, es cine inteligente de primer orden (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5) (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Obra maestra (...) Una tierna, desgarradora e impecablemente dirigida historia sobre el amor y la muerte" (Manohla Dargis: The New York Times)

+ "Paralizante y extraordinariamente emotiva, quizás la película más inolvidablemente honesta sobre la vejez que se haya hecho nunca" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

+ "Un tipo inesperado de obra maestra de Haneke (...) No te esperas una seriedad tan inquebrantable, tanta profundidad (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Duro y sobresaliente drama. (...) Michael Haneke ha hecho su película más sutil y tierna –hasta donde puede llegar Haneke en ternura, claro- con 'Amor'" (Gregorio Belinchón: Diario El País)

+ "Deslumbrante y lúcido paseo de Haneke por el dolor y la muerte. (...) pese a la aparente frialdad, cada segundo de metraje conmueve. Conmociona y arrasa." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una película que, ¡brrrroooom!, te convierte en cascotes todo tu edificio personal. (...) Es un trabajo tan bueno que parece un milagro que no caiga en un solo momento en ninguno de los muchos agujeros sentimentales que podría haber" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Atractiva película (...) Te deja abrumado, con el cuerpo y el espíritu revueltos, deseando que se acabe y volver a respirar en la calle. O sea, Haneke ha vuelto a lograr lo que se propone con su cine sombrío, retorcido y perverso." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "La historia de amor más auténtica del cine reciente (...) obra maestra absoluta" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "'Amor' es puro Haneke, pero, al mismo tiempo, es algo que el austriaco no había hecho nunca: una película humanísima, sin autoengaños, ni infecciones sentimentales. Una obra mayor y… problemática." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Haneke filma esta lección de humanismo con gran sencillez: serenidad expositiva, un tempo medidísimo, calidez en la textura de la imagen. Lo demás lo aportan los dos veteranos actores, soberbios y compenetradísimos. Un poder de emoción de verdadero cine recorre 'Amor' de proa a popa (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES

 

	8,5		7,6		7,8
NOTA MEDIA: 8,0

TRAILER

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DE ÓXIDO Y HUESO

Después de consolidar su nombre con Un profeta, Jacques Audiard, conocido también por otras obras como De latir mi corazón se ha parado o Lee mis labios, cambia totalmente de registro argumental ofreciéndonos una historia totalmente distinta a lo que nos tenía acostumbrados ya que se zambulle de lleno en el mundo del melodrama, pero con enlaces en ideas y estilo que no la separan en absoluto del resto de su filmografía. En ese sentido sigue aprovechando los puntos fuertes del movimiento francés Nouvelles images caracterizado por un ritmo capaz de desbordarnos y la estética propia del videoclip, que el director transforma dotando a sus cintas de un carácter intimista, extraño de ver en las producciones inscritas dentro de ese movimiento.

Alí es un exboxeador que debe hacerse cargo de su hijo, un niño de corta edad con el que poco tiene en común. Al no tener dinero para subsistir recurre a su hermana a la que hace tiempo que no ve y que esta acoge en su hogar en Antibes. Después de conseguir su primer trabajo como portero de discoteca, Alí conoce a Stéphanie, una domadora de orcas que trabaja en Marineland.

Sorprende especialmente como, con una historia tan trillada, Audiard consigue crear una película seria y creíble, que dentro del género melodramático, no cae en ningún momento en lo absurdo ni tampoco en el intento lacrimógeno -que suele producir más jocosidad que empatía- de producciones que se atreven con este tipo de historias. Con un argumento así, De oxido y hueso nos recuerda a  la ya mítica Garras humanas de Tod Browning, (semilla además de la excelente Freaks), con la que tiene muchos puntos en común.

La película es directa, echa mano de las escenas más duras y crudas dejándonos el corazón compungido, utiliza un ultrarrealismo que no hace más que meternos de lleno en el drama de la historia, un ultrarrealismo que, a pesar de la paradoja, se refuerza con unos efectos especiales alucinantes –aunque en realidad sean discretos-, utilizados para hacer desaparecer las piernas de la protagonista. Hay que decir también, que la mezcla de esos efectos con el uso de actores conocidos, Cotillar en este caso, causa un pequeño despiste en el espectador, el cuál quizás intentará encontrar la trampa e intentará saber como se están ocultando esas piernas, desviándolo así un rato de la historia, por suerte, el interés argumental logra encauzar pronto ese pequeño problema.

Matthias Schoenaerts y Marion Cotillard hacen pues un trabajo en pantalla sobrecogedor, se hacen suyos unos personajes complejos y llenos de aristas, ambos afectados por la invalidez, aunque distinta en cada uno (física en el caso de Cotillard, emocional en Schoenaerts) afecta de igual modo en la psique de ambos. Condicionados entonces por un dolor que se convierte en parte imprescindible de ellos, cuándo está presente les confunde y les imposibilita, ella no puede andar, no puede seguir con su trabajo, disfrutar del baile como antes; en él la incapacidad se centra en no saber dar afecto, no saber amar, algo que causa problemas a la hora de educar a su hijo, de dar las gracias a su hermana, crear una empatía con aquellos similares a él. Pero cuándo el dolor no está presente lo buscan, necesitan encontrarlo, el dolor les recuerda que están vivos, les hace sentir y ser alguien, el sexo es un enlace al sufrimiento y es por eso que se consuma siempre de un modo sucio y frío; Alí se centra en el boxeo, allí encuentra un rincón para la felicidad, puede ser él mismo, no hay deporte más explicito para el dolor, Stéphanie huye de la calma buscándole a él, sólo sabe convivir con su dolor al combinarlo con el de Alí, gracias a él aprende a sobrellevarlo y hacerlo suyo, sus piernas, visualización explicita del sufrimiento que recae en ella, se hacen más visibles, las tatua, las convierte en su seña de identidad.

Luego está el mar, la liberación, el campo dónde se sienten libres e independientes, en el filme el agua es un personaje más, quieto y calmado, cuándo están en la playa es el momento en el que las preocupaciones desaparecen, aunque este sea también culpable o colaborador en los problemas que se les presentan. Cuándo ella tiene el accidente, el agua está presente, como si todo fuese un plan elaborado, cosa que se repite al final del filme, cuándo la desgracia vuelve a recaer. El mar parece que sepa que los protagonistas necesiten del dolor para seguir adelante, que este sea el único modo de encauzar sus caminos, y no evita que estos lo encuentren.

A pesar de estar inscrita en un ambiente pesimista, el filme no abandona el positivismo, eso si, sin ser nada explicito, aunque la pena sea la seña principal a lo largo de toda la historia ambos encuentran motivos en los que centrarse y conseguir evadirse, aunque finalmente sean estos otro acercamiento al dolor que siempre les persigue. La miseria es parte implícita en la vida y deciden no evitarla, si no convivir con ella.

Audiard crea un filme detallista que al terminar deja un poso importante en el espectador, y que hasta pasados unos días no olvidaremos. De oxido y hueso es una buena película y os la recomiendo.

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TÍTULO ORIGINAL De rouille et d'os (Rust & Bone)
AÑO 2012
DURACIÓN 120 min.
PAÍS Francia, Bélgica
IDIOMA Francés, Inglés
DIRECCIÓN Jacques Audiard
GUIÓN Jacques Audiard, Thomas Bidegain (Novela: Craig Davidson)
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Stéphane Fontaine
REPARTO Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Céline Sallette, Bouli Lanners, Alex Martin, Corinne Masiero, Tibo Vandenborre
PRODUCTORA France 2 Cinéma / Les Films du Fleuve / Page 114
GÉNERO Romance. Drama
TEMÁTICA Drama romántico. Discapacidad. Melodrama. Boxeo

SINOPSIS

De repente, Alí tiene que hacerse cargo de su hijo Sam, un niño de cinco años al que apenas conoce. Como no tiene casa, ni dinero, ni amigos, se refugia en Antibes, en casa de su hermana, que los acoge cariñosamente. Tras conseguir trabajo como portero en una discoteca, Alí conoce a Stéphanie, una domadora de orcas en el acuario Marineland. 

PREMIOS

2012: 4 Premios César, incluyendo mejor guion adaptado. 9 nominaciones
2012: Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor película de habla no inglesa y actriz (Cotillard)
2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes
2012: Critics Choice Awards: 2 nominaciones
2012: Premios BAFTA: 2 nominaciones, incluyendo mejor actriz
2012: Seminci: Mejor dirección, Mejor actor (Schoenaerts), Mejor guión
2012: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
2012: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea
 

CRÍTICAS

+ "Una tierna aunque fuertemente desromantizada historia de amor (...) 'Rust and Bone' presenta un impresionante, aunque un tanto pretencioso, ejercicio de contrastes" (Peter Debruge: Variety)

= "Si contratases a Albert Camus para escribir 'Rocky' podría salir algo como 'Rust and Bone', un esfuerzo quintaesencialmente francés para combinar pugilismo y sentimentalismo (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Kyle Smith: New York Post)

= "No es una obra maestra, pero la sigues con atención y desasosiego, nunca sabes lo que va a ocurrir, deja cierto poso." (Carlos Boyero: Diario El País)

= "La primera hora de la película resulta sencillamente magnética (...) Lástima que Audiard no se atreva a la tentación del precipicio y prefiera antes la seguridad de un desenlace demasiado extraño, cómodo, quizá torpe" (Luis Martínez: Diario El Mundo)
       
- "La primera parte es impecable (...) naufraga en su segunda mitad (...) Audiard se deja llevar por las estrategias del melodrama barato. (...) en sus peores momentos se acerca a la poética de un Iñárritu en baja forma" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Está filmada esta terrible y tierna historia muy desde dentro, (...) sin mostrar ni buscar compasiones. (...) el trabajo de la pareja protagonista, Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts, está muy próximo a lo grande." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Una película compleja, densa y casi siempre absorbente (...) 'De latir mi corazón se ha parado' o 'Un profeta' impresionaban, avasallaban. Esta última, además, conmueve profundamente." (Nando Salvá: Diario El Periódico)

+ "Una historia de amor sin romance que emociona gradualmente (...) se queda agarrada al pensamiento aún después de abandonar la sala de cine. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

- "Un tour de force dramático telegrafado a golpe de cliché. (...) más allá de su académica factura, la película acaba perdida entre un romanticismo tosco y un inquietante moralismo (de culpas y redenciones), que crece a medida que avanza la acción y que remite a los universos de Alejandro González Iñárritu y Paul Haggis" (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,6

- Filmaffinity: 7

- IMDB: 7,5

* Media: 7,4

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ROMÉO ONZE

Pocas son las ocasiones que nos encontramos con un filme sobre la discapacidad y que este no caiga en recursos fáciles para emocionarnos y moralizarnos con el tema, cuando uno como Roméo Onze se cruza delante nuestro vale la pena dar un alto y gozar con él.

Roméo Onze, ópera prima en el largo de Ivan Grbovic, es una película que nos habla de Rami, un chico que como cualquier otro de su edad se siente perdido en la vida, la relación con sus padres es complicada, chatea con chicas en Internet y no sabe que hacer con su futuro, características comunes para cualquiera aunque a Rami hay que añadirle su parálisis cerebral que no hace más que sumar dificultades a su periplo de vida.

De entrada nos encontramos con una película tremendamente sencilla, ya sea por su argumento, su transcurrir de la narración o en su técnica, algo que no hace más que no dejarnos demasiadas esperanzas hacía su resultado, pero a medida que la película avanza su historia va atrapándote con el simple fluir para terminar dejando la sensación de haber aprovechado el tiempo.

Para ello hay que centrarnos en lo que cuenta y como lo hace. Como ya he comentado antes, la gran mayoría de películas que nos hablan sobre alguna discapacidad suelen aprovechar los momentos álgidos (ya sean de superación o por contra los de autodestrucción) enfatizando mucho en ellos para de este modo conseguir emocionar al espectador de un modo sencillo (véase Mar adentro, El octavo día o Mi pie izquierdo por citar algunas producciones de un nivel loable), Roméo Onze no necesita hacer hincapié en ello, y convierte la discapacidad de su protagonista en una simple característica más del personaje, centrándose solo en el discurrir de su historia para sentirnos emocionados de un modo totalmente natural y sin echar mano a ningún tipo de pretensión artística.

Su historia se mueve a través de las relaciones con los demás y evita cualquier giro fácil en el guión que puede hacerle perder todo lo ganado en el camino, dejándose llevar por si misma y no necesitando mucho más para cautivarnos y conmovernos en un estupendo final para nada manido. Grbovic prefiere contarnos las cosas a través de las imágenes dejando las palabras en un simple papel conductor, sólo hay que fijarse en la estupendo plano secuencia del hotel, donde acompañamos a Remi a través de su viaje que pasa de la euforia a la impotencia en el que las palabras son contadas en la que es sin duda uno de los mejores (que no el único) del filme.

La naturalidad de sus personajes es otra herramienta indispensable para la película. El protagonista se lleva toda la atención del relato dejando al resto en un segundo plano pero aún así consiguiendo unos secundarios muy potentes y que logran transmitirnos sus pensamientos y emociones con una simple mirada, personajes como el de la hermana, el padre o la abuela de Remi.

Es loable como con tan pocos recursos (director trabajó también en el guión, guionista fue directora de fotografía, o la encargada de vestuario también se centró en la dirección artística) se puede conseguir un resultado  tan fabuloso y a la altura de cualquiera de esas producciones llamadas independientes pero que cuentan con cinco veces más de presupuesto.

A pesar de sus carencias artísticas, Roméo Onze es, sin lugar a dudas, un estupendo arranque para el director canadiense del cual cabe esperar grandes trabajos si sigue en esta linea narrativa tan bien trabajada, mientras esperamos algún nuevo trabajo suyo podremos gozar de esta película tan sincera y emotiva.

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TÍTULO ORIGINAL Roméo Onze
AÑO 2011
DURACIÓN 100 min.
PAÍS Canadá
IDIOMA Arabe, Francés
DIRECTOR Ivan Grbovic
GUIÓN Sara Mishara, Ivan Grbovic

MÚSICA Charles Ives, Hans Otter
FOTOGRAFÍA Sara Mishara
REPARTO Ali Ammar, Joseph Bou Nassar, Sanda Bourenane, Eleonore Millier, May Hilal, Caline Habib, Ziad Ghanem, Mathieu Nadeau
PRODUCTORA NuFilms
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Discapacidad. Adolescencia

SINOPSIS
Rami, un chico con parálisis cerebral, mantiene una tensa relación con sus progenitores, especialmente con su padre, que quiere ocuparse de nuevo del restaurante familiar. Rami, bajo el pseudonimo de Romeo11, chatea por Internet con Malaury, una chica joven. Se hace pasar por un hombre de negocios adinerado que viaja constantemente. Un día acuerda una cita con la chica en un restaurante de lujo.

PREMIOS

2011: Karlovy Vary International Film Festival (Rep. Checa): premio ecunemico del jurado, nominada al Globo de Cristal.

2011: Thessaloniki Film Festival (Grecia): Premio a los valores humanos. 

CRÍTICAS

+ "Ivan Grbovic ofrece una visión sensible, que responde a las necesidades afectivas de todo ser humano." (Marc-André Lussier: La Presse)

+ "A partir de una pequeña historia de un joven marcado por la diferencia, que se busca a si mismo en un Montreal  que se nos escapa, Ivan Grboviv realiza un filme cautivador y universal. Una formidable revelación." (Claude Deschênes: Radio-Canada)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,2

- Filmaffinity: -

- IMDB: 6,7

* Media: 7

TRAILER

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ARRUGAS

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No todo van a ser novelas en nuestro recorrido literario, ya que existen otras formas de lectura que ofrecen otra manera de disfrutar de una buena historia, en este caso nos centramos en el cómic (o novela gráfica), con una de la que ha sido película del año en España (con su correspondiente resonancia internacional), un título sin duda merecido que ha culminado con dos premios Goya a mejor film de animación y mejor guión, siendo esta la primera obra animada a llevarse tal galardón.

Lo que atrae de Arrugas no es precisamente su animación limitada, que aunque muy cuidada en detalles no recurre al potencial de ese recurso artístico, tampoco ofrece una realización vanguardista que la eleve a obra de arte, pero si que cuenta con una historia cargada con una fuerza emocional única que toca la fibra hasta del más duro.

Fiel adaptación de su hermana de papel, Arrugas nos cuenta la historia de Emilio, una persona que a llegado a la vejez y se ve destinada a compartir asilo en una residencia para ancianos, allí no solo conocerá compañeros con los que compartir vivencias, también le acompañaremos en su viaje a través del miedo a lo que he de venir, conoceremos en primera persona los sinsabores del Alzheimer, y lo que es el final de nuestras vidas.

Arrugas cuenta con un reparto animado excelente, ya sea por su protagonista Emilio, que nos ayuda a empatizar con la historia, o por su inseparable compañero y amigo Miguel, un anciano avispado, que ha vivido su vida como ha querido llevando siempre el timón y que no quiere por nada perder el control, sus secundarios además se encargan de complementar la fuerza emocional de ese fabuloso guión que a pesar de su contenido dramático no olvida que la vida se compone además del humor, elemento que introduce a la perfección y que no hace más que enfatizar la historia.

El texto contiene infinidad de elementos que demuestran un ingenio soberbio, la escena en que Emilio descubre su enfermedad, el flashback de infancia de Dolores y Modesto, la divertida escena en el gimnasio, el fuera de campo a través de las voces de la planta de arriba... Infinidad de piezas que encajan en un puzzle unico y soberbio que debería ser ejemplo de muchos. Quizás sea el apunte final, que añade una entrañable pieza al metraje, pero que rompe un poco con el final del film, quizás buscado por su autor para aliviarnos un poco del agridulce sabor que transmite el film.

La banda sonora cuenta con piezas dulces que por si sola también merece una atención especial, cumple su cometido de enfatizar la acción a la perfección facilitando el transito emocional entre imagen y espectador. Especial atención a los créditos finales, una sincera canción que nos regala una voz anónima y que termina de emocionarnos del todo.

Solo me queda dejar un triste apunte, y es que nunca me cansaré de reivindicar el cine en versión original, pero con Arrugas existe un problema a causa del lastre de la tradición de doblaje en nuestro país. El film, a pesar de ser una producción gallego-catalana, está rodado en lengua gallega con diálogos en español, pues parece increíble, pero no existe una versión subtitulada del film, sólo puede disfrutarse en versión original para los que conozcan el gallego, en español que a pesar de estar doblada por los mismos actores de la versión original pierde parte de la fuerza original, y una versión en catalán de la cual mejor ni hablaremos. No existe la excusa que siempre se usa con el cine de animación: "Es para niños, no lo podemos ofrecer en versión original". No señores no, el film es de animación, no para niños, no somos idiotas. Una lástima que a estas alturas todavía existan estas barreras que sólo hacen que no podamos disfrutar al 100% del cine.

Nada más, sólo lanzar la firme recomendación este gran trabajo entre Perro Verde Films (Gritos en el pasillo; Los muertos van deprisa) y Cromosoma (Les tres bessones/Las tres mellizas; Bicicleta, cullera, poma), que quizás ofrezca a través de una fuerte carga emocional, pero que el film ha conseguido establecer en mi a base de honores, espero que también lo logre con vosotros, no os la perdáis.

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TÍTULO ORIGINAL Arrugas
AÑO 2011
DURACIÓN 80 min.
PAÍS España
IDIOMA Gallego, Español (Versión integra española alternativa)
DIRECTOR Ignacio Ferreras
GUIÓN Ágel de la Cruz, Paco Roca, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini (Cómic: Paco Roca)
MÚSICA Nani García
REPARTO Tacho González, Álvaro Guevara, Mabel Rivera
PRODUCTORA Perro Verde Films / Cromosoma
GÉNERO Animación. Drama. Comedia
TEMÁTICA Alzheimer. Vejez. Familia. Amistad. Discapacidad. Cómic. Animación para adultos

SINOPSIS

Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico se hacen amigos. Emilio, que padece un principio de Alzheimer, cuenta inmediatamente con la ayuda de Miguel y otros compañeros que tratarán de evitar que vaya a parar a la planta de los desahuciados. Su disparatado plan tiñe de humor y ternura el tedioso día a día de la residencia, pues para ellos acaba de empezar una nueva vida.

WEB OFICIAL

PREMIOS

2011: 2 Premios Goya: Mejor película de animación y mejor guión adaptado
2011: Gudí: Nominada a mejor película de animación
2011: Premios Annie: Nominada a Mejor película

CRÍTICAS

+ "Un cómic excepcional, una película sobresaliente." (Gregorio Belinchón: Diario El País)

+ "Es una película notable que no devalúa ni tergiversa sus fuentes (...) el clímax final construido con gran inteligencia narrativa y deslumbrante despliegue de recursos formales" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "No hay descubrimientos en lo que oferta 'Arrugas' (...) pero sí hay en esta película una mirada inteligente y cálida (también erizada) a la última planta de nuestra estancia en la tierra, además de una estimable voluntad de sortear lo melodramático" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "En su paso al cine, la novela gráfica de Paco Roca parece tocada por la poesía de Hayao Miyazaki (...) es fascinante cómo elude todo asomo de melodramatismo (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Adaptación fiel de una obra cumbre del cómic en lengua hispana. (...) todo un muestrario de inolvidables vejetes que luchan contra su destino geriátrico con ironía, crueldad e imaginación como sus únicas armas (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergio F. Pinilla: Cinemanía)

CURIOSIDADES

- Fue candidata a los Oscar a mejor película de animación, no logró ser seleccionada en la etapa final.

- Originalmente, Paco Roca (autor de la novela gráfica) apuntó en su libreta la idea de un relato sobre un grupo de ancianos que planean el asalto a un casino en una visita organizada por su residencia (hecho al que se hace referencia en el film), tras leer que, alcanzados los setenta años, no podían encerrarte en la cárcel. Tres hechos terminaron por impulsarle definitivamente a desarrollar la historieta:

* El progresivo envejecimiento de sus padres.
* El rechazo de un cartel publicitario donde había incluido unos ancianos.
* El Alzheimer que padecía Emilio, el padre de McDiego, uno de sus mejores amigos.

- A fecha de hoy la película ostenta el puesto 6 en el TOP 30 de cine de animación para adultos en Filmaffinity, sobre excelentes películas como Akira, Vals con Bashir o El planeta salvaje.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 9

- Filmaffinity: 7,6

- IMDB: 7,2

* Media: 7,9

TRAILER ESPAÑOL

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