KATY, LA ORUGA

Ayer martes saltaba a las redes la noticia del fallecimiento de un nombre clave para la publicidad española y el campo del cine animado: José Luis Moro. El artista fundó, junto a su hermano Santiago, los estudios Moro, cuna de varios anuncios inolvidables para los españoles como el de la famosa canción del Colacao. Los hermanos Moro crearon también personajes tan emblemáticos como la calabaza Ruperta, mascota del concurso de éxito Un, dos, tres… responda otra vez (Narciso Ibáñez Serrador, 1972-2004), además de otros de los personajes que aparecieron posteriormente en el programa; sin olvidar a la emblemática familia Telerín, cuyos integrantes nos mandaban a los más pequeños de la casa a dormir bien temprano, y que además fueron llevados a la gran pantalla como protagonistas de la estupenda película El mago de los sueños (Francisco Macián, 1966). Los estudios Moro produjeron también, junto a la mexicana Televicine S.A. de C.V., series animadas como la de Cantiflas Show (Mario Moreno 'Cantinflas', Jose Luis Moro, 1972-1982) o el filme que hoy nos ocupa, Katy, la oruga (José Luis Moro, Santiago Moro, 1984). Con tantos títulos emblemáticos no es de extrañar que Moro fuera galardonado con varios premios importantes como tres Palmas de Oro en Cannes, premios publicitarios en el Festival de Venecia, medalla de oro por efectos especiales y muchos otros reconocimientos especialmente en el campo de la publicidad. Sin duda hoy, merece una buena despedida.

Katy es una oruga curiosa e inconformista que vive junto a sus amigas oruga en un árbol a salvo del mundo hostil. Katy siente la necesidad de recorrer mundo, y encontrar un lugar para ella sintiéndose satisfecha, así, tras una conversación con la madre naturaleza, decide emprender un temerario viaje dónde conocerá los estilos de vida de varios personajes, los cuales le ayudarán a entenderse mejor a si misma.

Hay que reconocer que Katy, la oruga, es una película realmente mal envejecida. Pero en su época, siendo una cinta hispana, pudo presumir de una calidad animada superior a la media a pesar de usos de la técnica limitada. La mano de Moro para los escenarios queda muy bien definida y es sin duda de lo mejor del filme, además de un estupendo diseño para algunos de los personajes como la araña, la reina abeja o los ratones de la ciudad. En los momentos musicales se crean unos escenarios muy propios de Moreno, que nos recuerdan con nostalgia los créditos de apertura del programa de Narciso Ibáñez Serrador, dónde luces de colores y gigantescas letras llenan la pantalla.

El filme en si cuenta con un argumento que carece de fuerza dramática, siendo desarrollado de un modo demasiado básico, el cual solo podría llegar a entretener al público más infantil, estimulado principalmente por su colorido contenido. Realmente, dejando de lado su básica narración, el filme contiene una serie de valores difícilmente apreciables en otras películas infantiles de la época, y ese es sin duda una baza que hacen del filme de la oruga una película a tener en cuenta para nuestros pequeños. Katy nos enseña valores como el no conformarse con lo impuesto y luchar por los sueños, o si bien no, encontrar aquellas aspiraciones que nos pueden hacer realmente felices; el respeto hacía los que son diferentes a nosotros, el no tener miedo a equivocarse, o a enseñarnos a evitar de un modo suave algunos valores negativos como el capitalismo más feroz. Al final la moraleja es clara, Katy nos muestra como dentro de nosotros se esconde un potencial único e incomparable, y que solo hay que esforzarse un poco para lograr ser felices.

La perdida de José Luis Moro es sin duda una triste noticia, pero por lo pronto que nos sirva para revisar alguna de sus obras y recordar con nostalgia aquellos buenos momentos del pasado.

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TÍTULO ORIGINAL Katy AÑO 1984 DURACIÓN 69 min. PAÍS España, México IDIOMA Español DIRECCIÓN José Luis Moro, Santiago Moro GUIÓN Silvia Roche, Steve Hulett, Peter Young MÚSICA Nacho Méndez VOCES Cristina Camargo, Alfonso Obregon, Héctor Lee, Francisco Colmenero, Diana Santos, Álvaro Tarsiglo, Eduardo Tejeda, Nancy MacKenzie, Gabriela Willer, Esteban Siller, Luis Bayardo, Patricia Acevedo, Araceli de León PRODUCTORA Moro Creativos Asociados / Televicine S.A. de C.V.

GÉNERO Animación. Aventuras. Musical. Infantil

TEMÁTICA Naturaleza. Animales. Insectos

SINOPSIS

En un avión que sobrevuela el Atlántico, un contenedor de abejas modificadas genéticamente es abierto y se deja escapar su mercancía.... unos insectos cuya única picadura es suficiente para causar la muerte. Cuando al avión aterriza en Nueva York, el que las abejas puedan escapar puede significar el inicio de una tragedia a escala mundial...

CRÍTICA

+ "Esta joya de la animación mexicana, basada en el libro de Silvia Roche ha sido injustamente olvidada y quizá muchos de ustedes la recuerden sólo como una peli cursi. En realidad es mucho más. Katy la Oruga es en realidad una hermosa metáfora sobre la niña que se convierte en mujer." (Mail Civeira: Ego Sum Qui Sum)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,8		6,9
NOTA MEDIA: 6,1

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PAU I EL SEU GERMÀ (PAU Y SU HERMANO)

Si no sabéis en que aprovechar los días de este fin de semana os tengo una recomendación que como cinéfilos seguro os va a convencer. Des de ayer jueves 21 de agosto hasta el domingo 24, se celebra en el norte de Cataluña, concretamente en Tremp (Pallars Jussà), la tercera edición de la joven muestra de cine rural Mostrep. El festival, que se centra en acercarse al entorno rural a través del cine, inaugura este año con una selección de los mejores cortometrajes de este subgénero, que se han producido estos últimos años en el país vasco, conjunto de cintas elegidas por el cineasta, profesor de cine y director del festival Cortada de Vitoria-Gasteiz: Kepa Sojo. Hasta el domingo podrán verse varios de los cortometrajes finalistas, para el domingo conocer los ganadores de la muestra, ofreciendo durante el resto de la programación una gran variedad de propuestas que van desde conciertos de Jazz, talleres, humor, proyección de cortos locales, animación… y muchas otras propuestas que podéis consultar entrando en la programación. ¿Qué mejor manera que aprovechar un fin de semana visitando nuevos lugares, tan en contacto con la naturaleza, y de pasada complementarlo con festival de cine?
 

Aprovechando el inicio del festival, comento hoy una cinta de Marc Recha, cineasta de nuestras fronteras que siempre ha sabido retratar muy bien el entorno rural en sus películas. El filme es Pau i el seu germà (Pau y su hermano), tercera película del cineasta, que gracias a su nominación a la Palma de Oro en Cannes, logró un mayor reconocimiento internacional.

Pau y su madre hace un año que no tienen noticias de su hermano Àlex, hasta que una llamada telefónica les notifica su muerte. Para conocer que ha sido de él durante todo este tiempo, deciden visitar el pueblo del Pirineo dónde les dicen que ha estado viviendo, acercándose así un poco más a un hermano y un hijo, al cual parece, ya no conocían.

Recha sigue intentando acercarse una vez más a la veracidad a través de las imágenes, como ya hizo con su anterior L'arbre de les cireres (El árbol de las cerezas) (1998). Esta vez el director catalán abandona el trípode para echar uso de la cámara en mano, un formato que como algunos movimientos cinematográficos han relacionado con la naturalidad y el acercamiento a una mirada objetiva, a pesar que, paradójicamente, también logra que el espectador se de cuenta de la presencia de la mirada exterior a través de la cámara, dando lugar al evidente ficcionado del filme.

Lo que no abandona es el estilo en que logra convertir un simple lugar, un paisaje, en un personaje más de su película. Es evidente que la localización rural es imprescindible para entender bien la filmografía de Recha, especialmente en este filme, dónde el viaje hasta una zona apartada de las grandes urbes, con un estilo de vida tan marcado, es la que se encarga de conducir a los personajes en el propio viaje interior.

Un doble viaje que emprenden Pau y su madre, por un lado físico, hasta el lugar dónde vivió su último año Àlex, por el otro el de evolución personal, que cada uno vive individualmente a lo largo del filme. Y esto se extrapola al resto de protagonistas de la película, cada uno de ellos afectado de un modo u otro por la muerte de Àlex que, vivida en ese entorno, logra un avance (o retroceso) sobre su carácter y sus acciones. Así el director aprovecha para reflexionar sobre la muerte, sobre la herencia emocional que deja la perdida de un ser querido, y sobre como la conexión social afecta de un modo muy claro a las personas. Queda claro con el avance del filme que esa evolución no se pierde al huir de ese entorno catalizador, es algo que crea poso, y sigue a los personajes aunque intenten refugiarse en la gran ciudad.

El director tiene muy claro que el cine debe ser evolutivo para lograr transmitir sus ideas, por eso a pesar de contar con un guión preestablecido, se deja guiar por las intuiciones del momento, y las emociones de sus actores, que se nota como logran interiorizar sus personajes, hasta el punto de convertirse en ellos mismos, y dejar así que la historia fluya por si misma. Si un actor, como podemos ver en el filme, sufre un accidente y se rompe un tobillo, no supone un problema para la película, ya que es el propio personaje el que ha sido victima del accidente, y por lo tanto, es integrado con naturalidad en el filme. Así, el viaje que sufren las cenizas del fallecido Àlex son un claro ejemplo en síntesis de esa idea, convertida en un ejemplo que además ayuda a dar más veracidad a la historia.

Existe algo en Pau i el seu germà que puede logran el no encuentro con el espectador. A pesar de una historia con su propia intriga -¿qué llevó a Àlex al suicidio?- en ningún momento el filme busca dar respuestas ni crear una historia clásica alrededor de la reconstrucción de unos echos, la película se centra más en la evolución personal y del entorno, por lo que no se configura un relato en si, y eso a la larga puede hacer (y lo logra) que el espectador deje de tener motivos para continuar con su visionado. Es por eso que la película de Recha hay que tomársela como un modo de experimentar con el cine como herramienta expresiva, ya que de este modo podemos convencernos que Pau i el seu germà es una película de lo más interesante.

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TÍTULO ORIGINAL Pau i el seu germà (Pau y su hermano) AÑO 2001 DURACIÓN 107 min. PAÍS España. Francia IDIOMAS Catalán. Francés. Español DIRECCIÓN Marc Recha GUIÓN Marc Recha, Joaquim Jordà MÚSICA Aitor Millán Fernández, Xavi Turull, Fred Vilmar, Toni Xuclà FOTOGRAFÍA Hélène Louvart REPARTO David Selvas, Nathalie Boutefeu, Marieta Orozco, Alicia Orozco, Luis Hostalot, Juan Márquez, David Recha PRODUCTORA Oberon Cinematografica / JBA Production

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Vida rural. Muerte/Duelo. Naturaleza

SINOPSIS

Àlex es un joven que trabajaba en el puerto de Barcelona, pero un día, cansado de su vida rutinaria, decidió dejarlo todo e irse a vivir lejos de la ciudad, a un pequeño pueblo del Pirineo catalán. Pasó el tiempo y su familia comenzaba a preocuparse por la falta de noticias sobre él, hasta que les llega la noticia de que se ha suicidado. Su hermano Pau y su madre Mercè viajan al pueblo donde Àlex vivió los últimos meses para conocer los detalles y los motivos de su suicidio. Allí conocen a Sara, su novia que, sin saber que Àlex ha muerto, sigue esperando que vaya a buscarla para ir a vivir juntos a la ciudad; a su amigo y jefe, Emili, que hace años también decidió cambiar de vida y dejar a su familia para vivir solo en la montaña; y a Toni, que trabaja con Emili y está secretamente enamorado de Sara. Cada uno de ellos descubre un nuevo Àlex a través de los otros y su ausencia les ayudará a replantearse sus objetivos y carencias. Este mosaico de personajes se completa con la llegada de Marta, la hija de Emili, que tras muchos años sin ver a su padre, viene de Francia para buscarle. Todos buscan otra forma de vivir. Cuando se separen, ninguno de ellos será el mismo.

PREMIOS

2001: Cannes: Nominada a la Palma de Oro
2001: Ondas: Mejor director.
2001: Bogota: Nominada a mejor película
2001: Butaca: Nominada a mejor película catlana y mejor actor catalán de cine (David Selvas)

CRÍTICA

+ "Cuidadoso filme que habla del paso del tiempo, de la vida, de la incomunicación, del silencio y de la destrucción de la naturaleza. A pesar de algunos fallos de guion, un filme sumamente interesante y en el que destaca la espontaneidad de un buen reparto." (Fernando Morales: Diario El País)

- "Quizás, el principal problema de Pau y su hermano es que no logra transmitir de forma convincente los verdaderos motivos que mueven a cada uno de los personajes. Como espectador se tiene la sensación de que algo falla, de que hay piezas del puzzle que no logran encajar." (Alejandro del Pino: Cinestrenos)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,4		6,4
NOTA MEDIA: 5,8

MAKING OF...

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TOTS ELS CAMINS DE DÉU (TODOS LOS CAMINOS DE DIOS)

Ya vuelve un año más el FIRE!! (Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià) celebrando la que es ya su 19ª edición. Esta vez se llevará a cabo del 2 al 13 de julio repitiendo las sedes de pasadas temporadas (CCCB y Raval para las sesiones a la fresca, FNAC Triangle para el programa educativo, Filmin, dónde podrá verse on-line una selección de filmes de pasadas ediciones y el Instituto Francés, lugar dónde se proyecta el grueso de la muestra), añadiendo este año una sesión previa en el ya no tan nuevo ZumZeig cine-bistrot, dónde se pudo ver el pasado domingo Tots els camins de Déu, y que sirvió no sólo para adelantarse un poco al Fire!!, si no para presentar una propuesta de lo más interesante que organizan cine y festival conjuntamente y dónde, a partir de Octubre, se proyectará una película al mes de temática LGTB con un posterior coloquio bajo el nombre de Ciclo Open.

Basándose en el momento bíblico de Judas una vez traicionó a Jesucristo, se nos relata a través de una actualización contemporánea y de aires posmodernos, la penitencia de un hombre a través de un solitario bosque. Allí se topará con un muchacho que se unirá a en su camino hacia el perdón.

El filme de Gemma Ferraté se presenta como una película intima dónde, a través de la cámara en mano y un formato tan cerrado como la angustia que vive el protagonista, se nos narra el calvario de un hombre, el cual evidencia una fuerte culpabilidad sobre si mismo, y el dolor le corroe hasta limites de lo más extremos. El guión que Ferraté co-escribe con Eduard Sola es sin duda un arma que explota estupendamente un cúmulo de ideas que, aunque la mayoría de ellas pueden quedar sin respuesta al final del metraje, presentan una complejidad que sorprende ver en una película de tan escasa duración y tan pocos diálogos.

Entre varias de esas ideas cabe destacar la relación que se establece entre los dos personajes protagonistas del filme, interpretados por Marc Garca Coté y Oriol Pla, en la que de un modo natural -a pesar de la forzada situación argumental (no por ello errónea)- se crea a través de la introspección de los chicos, forjándose sin un claro acercamiento verbal, más bien de una mimesis que en ningún momento se presenta como baladí, si no a través de un entendimiento que va más allá de lo físico. Así no es de extrañar que la película se haya convertido en la carta de presentación de un ciclo de cine LGBT, ya que aunque en ningún momento la película tenga una clara referencia homosexual en la relación, si que es fácil que venga en mente gracias a las miradas, gestos y situaciones de los tres actores (hay que sumar a Jan Cornet), y todos sabemos que algunas de las historias bíblicas presentan un oculto contenido homo-erótico que otros realizadores han sabido plasmar en sus filmes. De todos modos lo importante no es el tipo de relación que pueda suceder entre ellos, si no el contacto que establecen, más allá de géneros, tendencias u orientaciones.

Aunque Tots els camins de Déu pueda ser un filme al que es difícil entrar, y en ocasiones la sombra de Gus Van Sant (figura muy común en los filmes de varios realizadores que vienen del ESCAC), Kelly Reichardt o Albert Serra planee con demasiada insistencia sobre la película, al final se respira una fuerte carga personal en la película y una sinceridad absoluta en el trabajo, que como espectador no puedo dejar de agradecer, ya que hoy en día es difícil encontrar trabajos tan sinceros, valientes e intimos como el de Gemma Ferraté, y aunque el propio filme presente grandes motivos para ser visionado, este último es sin duda el que más fuerza tiene.

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TÍTULO ORIGINAL Tots els camins de Déu AÑO 2014 DURACIÓN 70 min. PAÍS España IDIOMA Catalàn DIRECCIÓN Gemma Ferraté GUIÓN Gemma Ferraté, Eduard Sola REPARTO Marc Garcia Coté, Oriol Pla, Jan Cornet PRODUCTORA Niu d'Indi

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Amistad. Religión. Naturaleza. Muerte/Duelo

SINOPSIS

Cuenta la historia de los últimos tres días en la vida de un Judas contemporáneo, un hombre que huye de su propia culpa después de traicionar a su mejor amigo. Ahogado por su culpabilidad, entra en el bosque donde se reunirá con un joven misterioso que lo acompañará en su arrepentimiento, lo cual le ayudará a lidiar con sus sentimientos, con la comprensión de su culpa y cómo finalmente confrontarlo.

CRÍTICA

+ "Una manera de reflexionar sobre el mundo en el que vivimos, lleno de miedos y paranoias. La película recoge estos elementos y muchos más para crear imágenes hipnóticas, brutales, que transmiten el poder físico del cine en contacto con la naturaleza amenazante.[...] La fuerza se esconde en su constante inventiva, en los múltiples matices de esta historia que parece tan sencilla i elemental." (Time Out)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,7		6,8
NOTA MEDIA: 6,3

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ARRIETTY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS

Toshio Suzuki integrante del trío fundador de uno de los estudios de animación más admirados: Ghibli, se suma a Hayao Miyazaki en su despedida de la empresa. La figura de Suzuki es quizás la menos visible del trío en el estudio de animación japonés, pero su labor es de las más importantes. Suzuki ha sido hasta ahora el encargado de la producción de cada uno de los filmes de la empresa y sin él seguramente la compañía no sería tan conocida alrededor del mundo como lo es hoy. De este modo sólo queda presente Isao Takahata, que aunque no haya dado el adiós definitivo sería sorprendente que llegásemos a ver alguna otra obra suya después de la esperada The Tale of Princess Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari; 2013). Ghibli siempre ha sido un estudio especialmente conocido por ofrecer películas comerciales pero de autor, dónde el nombre del director siempre ha sido lo que más ha llamado el público, pero también es cierto que siempre han apostado por una política de nuevos talentos para suplir el vacío que podría quedar con la despedida de sus estrellas. Ya en 1993 pudimos ver esa primera película para televisión no dirigida por Miyazaki o Takahata llamada Puedo escuchar el mar (Umi ga kikoeru; Tomomichi Mochizuki, 1993), una cinta algo alejada de los márgenes típicos del estudio, para en 1995 descubrir la primera cinta comercial del estudio dentro de sus linias rutinarias, Susurros del corazón (Mimi wo sumaseba; Yoshifumi Kondo, 1995). A lo largo del tiempo varias son las obras que el estudio ha ido lanzando descubriéndonos a nuevos nombres para que a día de hoy nos quedemos con la esperanza de que Ghibli va a continuar siendo la factoría de cine de siempre. Encabeza el relevo Yoshiaki Nishimura responsable de producción que ya se ha encargado de cordinar el último trabajo de Takahata (que es la obra más costosa que el estudio ha realizado hasta la fecha), seguida por la dirección de Goro Miyazaki encargado hasta ahora del museo Ghibli y director de la menos notable Cuentos de terramar (Gedo Senki; 2006) y la exitosa La colina de las amapolas (Kokuriko-zaka kara; 2011), además de la incorporación de un interesante Hiromasa Yonebayashi que es precisamente el director de la película de la que hoy os hablo: Arrietty y el mundo de los diminutos (Karigurashi no Arietti; 2010); y que ya está preparando su segundo trabajo When Marnie Was There (Omoide no Marnie, 2014), eso por citar algunos nombres clave. Queda claro que Ghibli no volverá a ser el mismo estudio, de echo el hijo de Miyazaki está dirigiendo la que será la primera serie episódica del estudio, algo que nunca se había echo antes dada la mala experiencia de los fundadores con este formato, pero por el momento parece que la esencia de la compañía seguirá siendo la misma.

En una casa de campo vive una familia de diminutos seres compartiendo la vivienda con los humanos. Sólo tienen una norma, no dejarse ver jamás por el hombre. Arrietty, hija de la familia de los diminutos tendrá un inesperado encuentro cara a cara con el nuevo inquilino de la casa, un joven con problemas de salud. El contacto con el humano hará tambalear la estabilidad de la familia de los pequeños seres que decidirán buscar un nuevo hogar para evitar cualquier peligro ahún dejando atrás su confortable vida.

El filme adapta la famosa novela de Mary Norton, Los Borrowers (1952), conocida especialmente en nuestro país por su adaptación en el formato de serie animada infantil que vimos en los ochenta: Los diminutos (The Littles; Bernard Deyriès, 1983) y la película Los Borrowers (The Borrowers; Peter Hewitt, 1997), y que en esta ocasión estrena, como he dicho antes, a Yonebayashi en la dirección. Aunque los filmes de Ghibli siempre han gozado de un excelente éxito, las obras firmadas por Miyazaki o Takahata eran siempre las que partian la taquilla, dejando las de autorías menos reconocidas lejos de las recaudaciones de los hitos del estudio. Por primera vez la ecuación no se cumple y el filme de Arrietty no tardó en ser un éxito de taquilla, cosa que no es de extrañar, ya que nos encontramos ante un filme que destila calidad por los cuatro costados.

Nada más arrancar la película nos damos cuenta del mimo con el que se ha cuidado cada detalle de la animación, los colores y formas nos trasladan inmediatamente dentro de un mundo realista dónde no se oculta lo fantástico, en ese sentido el trabajo de dirección de Yonebayashi es simplemente maravilloso, sabe captar muy bien lo que quiere transmitir y eso tan solo con los decorados y el juego de luces y sombras que nos acompaña a lo largo de toda la película. Y si la animación es fantástica a la par está el sonido, un elemento que cobra un inmensa fuerza en el filme al ir a la par con el relato y el siempre latente discurso medio-ambiental de Ghibli, es increible como un elemento que comunmente es más utilizado en un cine más grandilocuénte, se presenta en una película más minimalista con una importancia esencial para el filme. Y todo esto dejando a parte la (como siempre) maravillosa banda sonora de tonos celtas.

La historia es sencilla y, aunque es cierto que queda lejos de los grandes relatos a los que nos tiene acostumbrados Ghibli, no por ello desmerece en ambsoluto, la simplicidad se nivela perfectamente a las emociones que transmite. Lo que no deja de ser curioso, y seguramente este sea el factor menos agraciado del filme, es el modo en el que se construye alguno de los personajes de la película, y eso que estamos hablando de un guión del propio Hayao Miyazaki. Aunque se pueda notar en varios de los personajes llama especialmente la atención en la disección del villano, que vuelve extrañamente a configurarse como un personaje algo más plano en comparación con lo que hasta ahora nos ha ofrecido el artista nipón, las aspiraciones y motivos que mueven a Haru, la principal antagonista, son algo desdibujadas, sin mucha motivación, y no logramos entender sus movimientos, si en guiones anteriores de Miyazaki podíamos comprender los motivos que llevaban a sus personajes a tomar decisiones, en esta ocasión se nos presenta con mayor simplicidad, algo que en conjunto hace desmerecer al tono general del filme, y especialmente la conexión con los otros protagonistas. Así que al final nos queda un filme menor, pero con unas aspiraciones inmensas, que le hacen convertirse en una esperanza para cualquier aficionado al cine de Ghibli.

Arriety y el mundo de los diminutos no es solo un filme entretenido y disfrutable, si no que además esconde pequeño momentos artísticamente impresionantes que la convierten en una pequeña joya llena de esperanza y con ganas de seguir disfrutando de las próximas obras que se nos presentarán en el seno del estudio.

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TÍTULO ORIGINAL Karigurashi no Arietti - Yukashita no kobito-tachi (The Borrowers) (The Secret World of Arrietty) AÑO 2010 DURACIÓN 94 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Hiromasa Yonebayashi GUIÓN Hayao Miyazaki (Novela: Mary Norton) MÚSICA Cécile Corbel VOCES ORIGINALES Mirai Shida, Ryūnosuke Kamiki, Shinobu Ōtake, Tomokazu Miura, Tatsuya Fujiwara, Keiko Takeshita, Kirin Kiki PRODUCTORA Studio Ghibli / Dentsu Inc. / Hakuhodo DY Media Partners / Mitsubishi Corporation / NTV / TOHO

GÉNERO Animación. Fantástico. Drama. Infantil

TEMÁTICA Familia. Naturaleza. Enfermedad

SINOPSIS

En una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre, vive una familia de seres diminutos, de apenas 10 cm. de altura, que tienen la norma de no dejarse ver nunca por los seres humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Al tiempo que entre ambos surge una gran amistad, la existencia de los diminutos seres se verá peligrosamente amenazada...

PREMIOS

2010: Premios de la Academia Japonesa: Mejor película de animación
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película de animación
2013: Asociación de Críticos Online: Nominada a mejor película de animación

CRÍTICA

+ "Una aventura íntima preciosamente elaborada y, considerando que está dibujada a mano en 2-D, una de las películas visualmente más arrebatadoras que verás este año. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Dan Jolin: Empire)

+ "Quizá lo más excepcional del guión de Hayao Miyazaki sea cómo es capaz de imaginar y crear tantas situaciones de suspense sin salir de una pacífica casa familiar." (Ben Sachs: Chicago Reader)

+ "No alcanza la excelencia de los maestros Miyazaki y Takahata, pero recoge ecos de algunos de los títulos mayores del estudio, como 'Mi vecino Totoro' y 'Ponyo en el acantilado' (...) lo mejor está en los detalles" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Maravillosa adaptación (...) El resultado, incluyendo una banda sonora inolvidable, es sencillamente emocionante" (Javier Cortijo: Diario ABC)

+ "Lo más impactante de esta aventura casi amorosa es su profunda y elegíaca melancolía. (...) una magnífica obra de arte visual (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)

+ "Yonebayashi no se atreve a apartarse ni un ápice del canon estético fundado por el padre Miyazaki, pero esto es mucho más que el trabajo de un alumno aplicado: su aliento onírico, potenciado por la música de Cécile Corbel, lo acerca al sobresaliente" (Noel Ceballos: Fotogramas)

+ "Miniatura de virtuosa animación y contemplativa belleza (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (David Bernal: Cinemanía)

+ "Excepcional." (Pablo González Taboada: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,4		7,2		7,7
NOTA MEDIA: 7,4

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THE KINGS OF SUMMER

Es bueno leer que la primera edición de Americana Film Fest se ha cerrado con unas cifras más que positivas, 2.400 espectadores en tan solo un fin de semana, lo que supone un 82% de butacas llenas. Estos datos no sólo demuestran el acierto en el compromiso de los organizadores acercándonos a un cine más oculto y difícil de encontrar en salas, si no también la disposición del público a ver películas por las que los exhibidores no se atreven a apostar monopolizando las salas con filmes que se repiten en las carteleras una y otra vez. Estos resultados nos enseñan también la calidad de las películas que se han proyectado, dónde el público ha decidido premiar la estupenda Short Term 12 como ganadora del premio Artsy. Las cifras hablan por si solas, con un resultado así no es de extrañar que la organización ya este dispuesta a preparar la segunda edición de este estupenda muestra de cine americano independiente.

Y hoy despido Americana -aunque ya reseñaré más adelante alguno de los filmes que tuve oportunidad de ver en la muestra-, con la cinta que se encargó de inaugurar el festival el pasado jueves, The Kings of Summers, una divertida película que nos sirve de estupenda muestra para vislumbrar el espíritu “indi” con el que se relaciona esta primera edición del festival.

Tres adolescentes hartos de la relación con sus padres deciden abandonar el seno familiar para vivir su propia vida con libertad en medio del bosque. Allí construirán su propia casa dónde reinarán sus propias normas y leyes, donde todo es posible, donde la libertad siempre está presente.

Lo mejor de The Kings of Summer es sin duda la frescura e inocencia con la que se presenta el metraje. Esta comedia sobre la amistad es una vuelta a esos clásicos de culto de los 80-90, dándole un tono actualizado para demostrar que hay recetas que pueden seguir funcionando si no se exploran reformuladas y fuera de toda esa saturación que termina conduciendo a la cansada y aburrida repetición.

Quizás su guión pueda ser fácilmente reconocible ya que no esconde nada nuevo: unos chicos que justo empiezan a notar la pubertad sienten como su lugar no está cerca de sus agobiantes familias y deciden construir su propia vida basándose en la libertad con la fraternidad como escudo, pero ese no es motivo para pensar que esta segunda película de Jordan Vogt-Roberts pueda ser un filme facilón y sin mucho que ofrecer. Lo primero que se hace visible es sin duda la facilidad con la que Vogt-Roberts construye la película sobre una sólida base de comedia dónde, lo que en otras producciones llega a superar la línea de lo absurdo, aquí se funde con normalidad acercándose más a lo entrañablemente irónico y fácil de digerir. Jugar con los tópicos no es siempre un mal camino, y el director lo hace de un modo inteligente, todo está orquestado en The Kings of Summer, y aunque eso a la vez pueda ser también un punto en su contra se nivela con momentos de espontaneidad absoluta.

Se nota también la predisposición de unos actores en su salsa, especialmente los secundarios, que saben representar muy bien la esencia de la película en la que trabajan, y aunque todo hay que decirlo, sus personajes dan el juego suficiente para ello, no se cortan un pelo en dotarlos de verdadera personalidad.

El resultado es una película que, aunque creada en el seno de lo independiente, demuestra que podría ser perfecta para el gran público y por lo tanto, una vez más, deja claro lo absurdo de la oferta cinematográfica que nos cuelan semana tras semana. The Kings of Summer es divertida, es fresca, y aunque no sea una obra cumbre en el cine, de bien seguro os hará pasar un buen rato.

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TÍTULO ORIGINAL The Kings of Summer (Toy's House)
AÑO 2013
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés, Español
DIRECCIÓN Jordan Vogt-Roberts
GUIÓN Chris Galletta
FOTOGRAFÍA Ross Riege
REPARTO Nick Robinson, Gabriel Basso, Moises Arias, Nick Offerman, Megan Mullally, Alison Brie, Mary Lynn Rajskub
PRODUCTORA Big Beach Films / Low Spark Films
GÉNERO Comedia. Drama
TEMAS Adolescencia. Naturaleza. Cine independiente USA

SINOPSIS

Tres jóvenes adolescentes: Joe (Nick Robinson), Patrick (Gabriel Basso) y el excéntrico Biaggio (Moises Arias). Una cabaña perdida en el bosque. La libertad. The Kings of Summer nos adentra en la fantasiosa historia de estos tres jóvenes infelices que hartos de la sobreprotección de sus padres deciden independizarse y empezar una vida salvaje sin adultos y al margen de la sociedad, según sus normas, según sus principios.

PREMIOS

2013: Festival de Sundance: Sección oficial largometrajes a concurso.
2014: Americana Film Fest: 2ª Posición, premio Artsy del público.

CRÍTICAS

+ "Un absoluto cuento de hadas que puede ganar muchos adeptos por la manera absurda y mordazmente divertida de capturar las inquietudes adolescentes" (John Anderson: Variety)

+ "Aunque la inteligencia de la trama es un poco escasa -por no mencionar el peso en sus estudiadas excentricidades- el debut de Jordan Vogt-Roberts también ofrece una buena cantidad de recompensas" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Una pequeña y melancólica película independiente" (Anthony Lane: The New Yorker)

= "La película del debutante Vogt-Roberts es interesante aunque no nos cuenta nada nuevo que no hayamos visto anteriormente." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,9

- Filmaffinity: 6,4

- IMDB: 7,2

* Media: 6,8

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LA QUINTA ESTACIÓN (LA CINQUIÈME SAISON)

Antes de que Peter Brosens y  Jessica Woodworth rodasen La cinquième saison (2013), ya nos habían acercado al análisis de la relación del hombre y su contacto con la naturaleza en sus dos otros trabajos: Khadak (2006) y Altiplano (2009), formando así una trilogía de lo más enigmática y angustiosa.

Una oscura sombra apocalíptica empieza a rodear una localidad Belga dónde el invierno parece que se ha instaurado para siempre y la primavera no va a volver jamás. Las plantas no crecen, los animales dejan de ser productivos, y las relaciones de los vecinos se van deteriorando más y más. La desesperación llevará a los habitantes del lugar a llevar a cabo las acciones más impensables para sobrevivir.

Si en sus dos otras películas los directores nos contaban esa visión del cataclismo medioambiental desde una perspectiva algo lejana al público europeo, los protagonistas en Khadak son un grupo de mongoles nómadas y en Altiplano la acción nos lleva hasta la aldea de Turubamba en los Andes peruanos, en esta ocasión los realizadores regresan a su Bélgica natal, concretamente a Condroz, el pueblo que los vio crecer. Allí nos cuentan la historia desde una perspectiva propia y más intima, ligada a la vida rural.

La cinquième saison abre con una secuencia de lo más desconcertante. En un plano abierto nos encontramos a un hombre estableciendo contacto visual directo con un gallo, este como respuesta no ofrece más que un excremento sobre la mesa en la que se encuentra. Esta situación se presenta ya como un resumen de lo que vamos a ver, tanto narrativamente –la distante relación del ser humano con el entorno natural- como estructuralmente –el ritmo lento que baila entra la fascinación y el aburrimiento, junto con las situaciones extrañas que bordean el surrealismo más oscuro-.

Sintetizando, nos encontramos con un fin del mundo a pequeña escala que no es complicado ir ampliándolo a raíz de su planteamiento, la relación del hombre con la naturaleza se ha roto y parece que no solo no tiene cura, si no que esta última quiere vengarse a toda costa, algo así como ese intento de Shyamalan que fue El incidente (2008), pero más complejo y lleno de aristas. Los autores del filme tienen claro lo que plantean y no dudan en presentarnos los personajes más útiles para ello, que tanto individualmente como en conjunto van conformando un cosmos dónde se nos muestra la guerra entre clases sociales, el miedo a lo extranjero, la culpa a lo nuevo o la lucha por la supervivencia más extrema, siempre con el conflicto natural como detonante, imposible pues no extrapolar ese planteamiento hasta un contexto económico que podría ser igual de factible al tono del filme y que tanto nos preocupa hoy.

El filme se construye con solidez, (des)compuesto en varios actos separados estacionalmente –invierno, primavera, verano, otoño y invierno de nuevo- y encabezados siempre por el acercamiento del hombre hacía el gallo, va poco a poco acercándose a las situaciones más apocalípticas, con una solida base estilística y una puesta en escena dónde no se olvidan los antepasados históricos y que además sabe muy bien como tratar el entorno rural en el que se encuentra. Es imposible no sentirse atraído por las imágenes del último segmento, quizás las más fantasmagóricas, dónde los habitantes del pueblo empiezan a rendir un culto pagano al puro estilo El hombre de mimbre (1973), dónde esas máscaras narigudas que recuerda a los médicos que perseguían la peste, y que rendían culto a las aves como símbolo para alejar la miseria que les perseguía.

No sólo de la onírica El hombre de mimbre bebe este filme belga, la síntesis de trabajos como la filmografía más cercana a la tierra de Béla Tarr, el ya comentado Shyamalan con El incidente o El bosque (2004), La cita blanca (2009) de Haneke o las películas de Marc Rechao de Reygadas, son inevitables durante la visualización de la película, pero ello no quiere decir que esta no se presente con una identidad propia, que la tiene y de gran presencia.

No nos vamos a engañar al no reconocer que La cinquième saison llega a ser agotadora en algunos momentos, pero el interés que suscita es el suficiente como para tenerla en cuenta.

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TÍTULO ORIGINAL La cinquième saison
AÑO 2012
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Bélgica, Holanda, Francia
IDIOMA Francés, Flamenco
DIRECCIÓN Peter Brosens, Jessica Woodworth
GUIÓN Peter Brosens, Jessica Woodworth
MÚSICA Michel Schöpping
FOTOGRAFÍA Hans Bruch Jr.
REPARTO Aurélia Poirier, Django Schrevens, Sam Louwyck, Gill Vancompernolle
PRODUCTORA Bo Films / Entre Chien et Loup / Molenwiek Film BV / Unlimited
GÉNERO Drama. Intriga
TEMÁTICA Vida rural. Catástrofes. Naturaleza

SINOPSIS
La cinquième saison habla de una época de alteraciones climáticas, de un invierno que no acaba nunca, de una primavera que no llega, de abejas que desaparecen, vacas que no dan más leche, de una familia que espía y desespera.

PREMIOS
2012: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso. 2 premios.
2012: Seminci: Premio Especial del Jurado, Premio Fipresci, Premio de la Juventud. Nominada a mejor película.
2013: Festival Internacional de Denver: Premio especial del jurado.

CRÍTICAS
- "No ocurre nada que te merezca la atención, aunque los habitantes de este lugar tengan la certeza de que va a llegar el apocalipsis (...) Es una película infame" (Carlos Boyero: Diario El País)

= "Un interesante y angustioso relato en el que se cruzan demasiadas referencias (desde 'Wicker man' a Shyamalan pasando por el lirismo de Jeunet) para resultar original." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Hay que reconocer que la ambición del proyecto es mucho más interesante que muchas historias narradas de forma clásica, y la película nos deja algo desconcertados y perplejos frente a una buena historia, pero es una obra poética demasiado oscura para ser verdaderamente inquietante." (David Pérez: No es cine todo lo que reluce)

= "[...]pese a esa molesta sensación de artificio, no deja de jugar hábilmente con los recursos de un lenguaje audiovisual lleno de simbolismo y una puesta en escena vertebrada a través del encuadre, el plano fijo y la progresiva austeridad de los espacios[...] ★★★ (de 5)" (Daniel Jiménez Pulido: El Antepenúltimo Mohicano)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,7
- Filmaffinity: 6
- IMDB: 7,1
* Media: 6,6

TRAILER

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