UZUMAKI

Da igual si celebramos la Castañada, Todos los Santos, El día de los muertos o Halloween, una cosa es segura, no hay mejores fechas para disfrutar de una buena cinta de terror, y por consiguiente, una maratón sin fin de las mejores sagas. Es por eso que es inevitable hacer referencia a alguna película del género a los lectores que estén buscando alternativas a los clásicos de siempre. Aprovechando que se celebra en Barcelona el XX Salón del Manga, no se me ocurre mejor manera que hacerlo con una de las cintas que adaptan la obra de uno de los autores de referencia en el campo del terror allá por tierras niponas. Hablo de Junji Ito, autor de un par de mangas que se acaban de presentar en nuestro país estos días como Black Paradox o Gyo (esta última también adaptada al cine, aunque la única en formato animado). Pero sin lugar a dudas su mejor obra responde al título de Uzumaki, una terrorífica novela gráfica con una premisa de lo más curiosa: las espirales.
Higuchinsky se atreve con su adaptación, y así nace la película homónima basada en el terrorífico, y más que recomendable manga, de Junji Ito.

Kirie es una muchacha que vive en el apacible pueblo de Kurouzu. A raíz de un incidente con el padre de su mejor amigo, Kirie se da cuenta que algo extraño está sucediendo en su pueblo, dónde la locura y la muerte sobrevuela sobre los habitantes del lugar. Parece que entre los diferentes sucesos existe un nexo en común, las espirales.

De entrada hay que reconocer la valentía de adaptar el universo de Junji Ito a la pantalla, un universo de lo más singular y lleno de matices, que hacen de la obra de Ito una particular sesión perturbadora para cualquiera que se atreva a disfrutar con ella. Uzumaki, a mi parecer su mejor obra, es a la vez un trabajo difícil de plasmar al cine, especialmente si tenemos en cuenta el retorcido (valga la redundancia) estilo del autor.

Si bien, los complicados elementos visuales no son para tirar cohetes en el filme de Higuchinsky, hay que reconocer que la fidelidad y el intento por plasmarlos son suficientes para que no nos sintamos avergonzados al verlos en pantalla, repito, a pesar de contar con una historia realmente interesante de ver en cine, es muy difícil intentar perseguir los mismos resultados que se consiguen con su hermana de papel.

Pero si la película tiene algo estupendo, es el saber reconocer sus limitaciones, y no intentar adaptar la obra al completo e intentando repetir sus resultados, si no simplemente cogiendo algunas de sus ideas, para transmitirlas a través del filme. Así pues, aunque los fans del manga podamos sentirnos algo desilusionados al darnos cuenta de que no se trata de una adaptación completa del cómic, en realidad no es difícil observar que esta ha sido la mejor decisión del filme.

Esa pequeña descomposición narrativa no empeora el resultado del conjunto de la película -aunque nos sintamos algo decepcionados por su abrupto final-, ya que al no saber muy bien que está sucediendo, la confusión se termine por apoderar de nosotros y nos transmita perfectamente una de las esencias de la obra, el desconcierto ante los hechos narrados. Si le sumamos a esa sensación el siniestro y perturbador clima presente durante todo el metraje, el resultado no puede ser mejorable para el espectador, que enseguida se verá atrapado por las garras de su espiral.

Uzumaki no es ni de lejos un filme que pueda encabezar ninguna lista de obras de terror lejendarias, e incluso tiene momentos que dejan bastante que desear, pero al final es imposible no reconocerle un buen trabajo al intentar adueñarse de un universo tan complejo, y que al hacerlo no caiga en el más absoluto de los fracasos. Así que debo reconocer que Uzumaki no decepciona, y aunque prefiera recomendaros la lectura del manga, no os diré que no os atreváis con la película, que aunque no logre llegar al mismo nivel, es sin duda una buena cinta de terror.

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TÍTULO ORIGINAL Uzumaki (Spiral / Vortex) AÑO 2000 DURACIÓN 90 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Higuchinsky GUIÓN Takao Nitta, Chika Yasuo (Cómic: Junji Ito) MÚSICA Tetsuro Kashibuchi, Keiichi Suzuki FOTOGRAFÍA Gen Kobayashi REPARTO Eriko Atsune, Fhi Fan, Hinako Saeki, Ren Osugi, Masami Horiuchi, Taro Suwa PRODUCTORA Omega Micott Inc. / Shogakukan / Space Shower TV / Star Max / Tokyo FM Broadcasting Co.

GÉNERO Terror. Fantástico 

TEMÁTICA Sobrenatural. Manga. J-horror

SINOPSIS

Kirie es una joven que vive en el supuestamente apacible pueblo de Kurouzu, pero algo extraño se esconde detrás de esa traquilidad, algo relacionado con las espirales. Cuando el padre del mejor amigo de Kirie empieza a obsesionarse con las espirales, ambos jóvenes empiezan a percatarse de que una extraña fuerza se está apoderando del pueblo, pronto comenzarán las muertes...

CRÍTICA

+ "Conociendo muchas de las historias de manera más larga no dejan de perder el mérito de ser representadas de manera mínima pero manteniendo una fuerza en conjunto con el resto de la obra que mantiene al espectador atento al increíble número de sucesos grotescos e inexplicables." (Samantha S. Acosta: Cineticamente)

+ "En resumidas cuentas, es un film muy interesante y que pese a tratarse de una adaptación parcial de la obra, consigue resultados bastante buenos." (Chacal: El blog crítico del Chacal)

- "Siempre que un cómic o un libro funcionan o parecen tener potencial aún por explotar, aparece algún cineasta dispuesto a llevarlos a la gran pantalla; y en esta conversión de un medio a otro, rara vez la versión cinematográfica sale beneficiada. Uzumaki tristemente no es una excepción. En el año 2000 se adaptó en una película faltada completamente de gancho, que no recomiendo en absoluto. Poco llega a transmitir de lo que es el manga." (Albert Font Roca: La espada en la tinta)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,1		6,3
NOTA MEDIA: 5,8

TRAILER

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ANI*KURI15

Se cumplen hoy cuatro años de la triste muerte del gran Satoshi Kon, el cual nos ha dejado como legado un -aunque reducido- grupo de películas cada cual mejor, una excelente serie: Paranoia Agent (Môsô Dairinin; 2004), y una serie de mangas que podemos disfrutar en nuestro país en algún recopilatorio como Historias Cortas de Satoshi Kon (Planeta DeAgostini, 2012) o Seraphim (Planeta DeAgostini, 2014), obra póstuma inacabada con guión de Mamoru Oshi. Como todas las películas del director japonés ya han sido reseñadas con anterioridad, echo mano de Ani*Kuri15, una miniserie de televisión que en conjunto recoge 15 micrometrajes de 15 famosos animadores japoneses (exceptuando a Michael Arias, aunque también ha realizado trabajos en el país nippon), dónde Satoshi Kon destaca sobre el resto.

Ani*Kuri15 se emitió en tres temporadas de cinco cortometrajes cada una, los cuales fueron encargados a distintos directores de animación con la única premisa de que los trabajos debían durar un minuto exacto cada uno.

El conjunto no puede ser más irregular, y vistos del tirón dejan al espectador un poco desorientado, ya que todavía no hemos asimilado el inicio del primero, que el segundo ya está en marcha. Esa sensación se hace especialmente clara en la primera parte del metraje, ya que los cortos de ese segmento son realmente un delirio de velocidad, imposible de digerir. Por suerte poco a poco la cosa va mejorando, y en su tramo final se encuentran sin duda los mejores trabajos, siendo el de Kon el encargado de cerrar, y como no, el mejor de ellos.

Estos son los micrometrajes:

Attack of Higashimachi 2nd Borough (Shinji Kimura, 2007). Tres alienígenas llegan a una tierra de cartón para invadirla. 

El primero de los cortometrajes no puede ser más loco, lo que hace que el inicio de Aki*Kuri15 sea totalmente confuso, el listón parte bajo, y con él las esperanzas de que lo que venga después vaya a mejorar. Kimura elige la animación digital pero la trata como un cruce entre la tradicional y el cut-motion, aunque el resultado es algo tosco, el diseño es colorido y muy en el tono del corto.



From the Other Side of the Tears (Namida no Mukou; Akemi Hayashi, 2007). Una muchacha se recupera de una ruptura.

La segunda propuesta dirigida por Akemi Hayashi, se separa radicalmente del estilo de Attack of Higashimachi 2nd Borugh, no solo por su esilo, ya que este recurre directamente a la animación tradicional y los tonos pastel, si no también al eje argumental, que abandona la comedia loca y de ciencia ficción, para adentrarse en los porvenires del desamor. Lo mejor de From the Other Side of the Tears es que nos aclara que no todos los cortos son iguales, y que seguramente encontraremos alguno que nos convenza. Si el metraje de Hayashi no pareciese más un clip musical, y se centrara más en contarnos la historia, seguramente entenderíamos mejor su metraje, y el resultado hubiese sido mucho más satisfactorio.

Blaze Man (Hyotoko; Yasufumi Soejima, 2007). Un grupo de guerreros nativos atacan a un kami gigante con forma de oso. El kami toma uno de ellos y le prende el fuego espiritual.

El tercer trabajo nos vuelve a desilusionar. A pesar de centrarse en seres míticos japoneses (los kami), su argumento dista mucho de lo mágico de estos. El segmento de Soejima, diseñado totalmente en CGI, parece más el trailer de un videojuego que una historia en si misma, algo que refuerzan los excesivos efectos visuales de la película.



Sancha (The Aromatic Tea) (Osamu Kobayashi, 2007). El avaro dueño de una tienda de discos imagina el poder adquisitivo de sus clientes, según su aspecto y sus comentarios.

Kobayashi sorprende con su estilo animado, algo que llega como viento fresco tras ver los trabajos anteriores, aunque aquí el ritmo desmesurado sigue haciendo acto de presencia, esta vez es más acorde a las imágenes que se nos muestran. Lo malo de Sancha es que nos quedamos con la sensación de que hubiese salido una historia divertida de él, y al final sólo queda en un simple gag.



Invasion from Space - Hiroshi's Case (Uchujin Raikou Hiroshi no Baai; Shojiro Nishimi, 2007). Hiroshi intenta leer su manga, pero un pequeño robot está disparando bolitas para distraerlo y así poder escapar.

Muy en la línea del anterior, el trabajo de Nishimi parece que nos va a sorprender en cualquier momento, y a pesar de su entrañable humor, termina como Sancha (The Aromatic Tea), como un simple gag humoristico. Lo mejor de este Invasion from Space, no es solo la inventiva, si no que parece que el autor no necesita el ritmo desenfrenado para contarnos una historia en poco tiempo, algo muy de agradecer.

Project Mermaid (Mamoru Oshii, 2007). Un pez se convierte en una sirena que nada para escapar de una ciudad post apocapiltica.

El sobradamente conocido Mamoru Oshii por obras cumbre como la saga Ghost in the Shell (Kokaku kidotai; 1995) o Patlabor: La película (Kidô Keisatsu Patoreibâ: The Movie; 1989), nos ofrece el primer metraje realmente interesante, aunque irregular. A través de un cut-motion totalmente digital, Oshii nos muestra el viaje de este ser a través de este mundo post-apocalíptico digital, muy en la linea de sus anteriores trabajos. La metáfora de la evolución está servida, y Oshii intenta con su trabajo ofrecer algo más que un estimulo visual para el espectador.

Yurururu (Nichijou Hen) (Kazuto Nakazawa, 2007). Un animador pasa todo el día animando un clip de 1 segundo sobre un pez gigante en una ciudad.

Aunque Nakazawa siga con el gag visual, esta vez intenta reflexionar sobre el rutinario trabajo de un animador, y el esfuerzo por parte del director por ofrecer algo de interés en su trabajo queda perfectamente reflejado en el resultado final. Lo mejor de Yurururu es sin duda la mezcla de estilos que presenta, ya que lo que parte siendo un stop-motion fotografiado de una propia animación, se convierte en animación pura para hacernos arrancar una carcajada y finalmente volver al origen que nos presentó. El trabajo de Nakazawa aquí está a la altura. Es la propuesta más fresca hasta ahora.

Gyrosopter (Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, 2007). Una joven piloto girosóptica visita un espejo de agua y recuerda una batalla girosóptica y la muerte de un amigo en un planeta acuático.

El trabajo creado mano a mano entre Ranji Murata y Tatsuya Yabuta parece más una escena del videojuego Final Fantasy que un cortometraje en sí. El estilo digital, a pesar de preciosista, es burdo y cuadriculado, algo que desmerece en una propuesta que quiere ser una evocación de la nostalgia. Pero Gyrospoter tiene algo que lo salva del debacle absoluto y es la creación de un universo propio, que a pesar de que solo podamos verlo durante un minuto, nos deja con ganas de descubrir más sobre él. Un imaginario muy a la altura de los mundos de Miyazaki, en por ejemplo El castillo en el cielo (Laputa) (Tenkû no shiro Rapyuta; 1986), eso sí, mucho más futurista y lejos del Stempunk.

Wandaba Kiss (Atsushi Takeuchi, 2007). Un niño y su perro inventan una compleja máquina para robarle un beso a una chica.

La novena propuesta de Ani*Kuri15 se convierte en lo más Kawaai del conjunto de la obra. Con tonos pastel, y una animación que danza entre lo tradicional y el retoque digital, Takeuchi apuesta por una historia sencilla y agradable, dejando la espectacularidad solo para el diseño del invento de su pequeño protagonista. El corto es un trabajo sencillo y tierno, quizás nada del otro mundo, pero muy agradable y simpático (además de muy mono).


Colonel Sports (Supaatsu Taisa; obira Oda, Yasuyuki Shimizu, 2007). El coronel Sports va a las montañas huyendo de su enemigo Paul.

Es curioso que la propuesta más rompedora sea la que elija un estilo animado totalmente artesanal, y que juegue solo con la línea negra en un estilo de dibujo de lo más sencillo. De este modo se hace imposible no interesarse ni que sea un poco en la décima propuesta de Ani*Kuri15, aunque al final su argumento sea algo pobre.




A Gathering of Cats (Neko no Shûkai; Makoto Shinkai, 2008). Al gato de la familia le han pisado la cola tantas veces que sueña con la venganza.

Makoto Shinkai es un nombre que no podemos olvidar, poco a poco sus obras se están abriendo camino a nivel internacional y cosecha premios allá dónde pisa. Películas como 5 centímetros por segundo (Byôsoku go Senchimêtoru; 2007), Viaje a Agartha (Hoshi o Ou Kodomo; 2011) o la más reciente El jardín de las palabras (Kotonoha no Niwa; 2013) son un buen ejemplo de un cine con huella propia y que tiene mucho que ofrecer. Su aportación a Ani*Kuri15 no va a ser menos, y se presenta como la más destacada (sin contar la de Kon) del grupo. Sin dejar de lado el estilo de color que usa siempre el animador, A Gathering of Cats se presenta como una obra cómica, que se aparta un poco del estilo melancólico tan usual en el realizador. Shinkai sabe aprovechar sus sesenta segundos al máximo y lo hace ofreciéndonos una historia divertida, fresca, alegre y que gracias a su bigotudo protagonista, enamora.

Princess Onmitsu (Onmitsu Hime; Mahiro Maeda, 2008). Una niña mágica y su muñeco deben derrotar a una horda invasora de piratas aéreos.

Maeda es conocida básicamente por su aportación en Animatrix (The Animatrix; Andrew R. Jones, Shinichirô Watanabe, Mahiro Maeda, Yoshiaki Kawajiri, Takeshi Koike, Kôji Morimoto, Peter Chung, 2003) y también, aunque en menor medida por su Blue Submarine No. 6 (Ao no roku gô; Mahiro Maeda, Masahiro Ozawa, Toru Fukushi, 1998), trabajos que quedan lejos de la estética Magical Girl a la que echa mano en esta propuesta. Un micrometraje que podría ser de los que suscitan interés si no fuese por que al final simplemente nos deje con la sensación de haber visto la promo de una nueva serie estilo Sailoor Moon (Bishôjo Senshi Sêrâ Mûn; Junichi Sato, 1992-1997). Una vez más el ritmo alocado vuelve a reinar en este segmento y no nos deja apreciar si realmente esconde algo interesante.

Okkakekko (Michael Arias, 2008). Un grupo de niños corren por el campo y juegan con un robot gigante que no les da miedo.

A pesar de su nacionalidad americana, Arias es sobradamente conocido por su trabajo en Japón, por ejemplo es reconocible su adaptación del cómic de Taiyou Matsumoto Tekkon kinkreet (Tekkonkinkreet) (Tekon kinkurîto [Tekkonkinkreet]; Michael Arias, Himaki Ando, 2006). En su segmento podemos ver como el director vuelve una vez más adentrarse en el universo de la mente infantil para ofrecernos un trabajo de gran belleza plástica, que aunque a simple vista parezca simple y de poca profundidad, en realidad esconde un universo lleno de matices. Un minuto es poco para todo lo que Arias nos cuenta en su metraje, y por eso Okkakekko resulta algo fallida, aunque insisto, no exenta de interés. Un largometraje con esas ideas sería realmente una gozada.

Project Omega (Shoji Kawamori, 2008). Cuando una fuerza extraña se precipita hacia la sede de la NHK en Tokio, el edificio cobra vida como un Evangelion transformador para combatir al enemigo.

Project Omega vuelve una vez más al asunto de la invasión extraterrestre -ya es el tercer metraje inspirado en ellos-, pero esta vez el filme decide apostar por homenajear, y a la vez construir una sátira, al género de los mechas (Robots). Lo que de entrada parece que va a tomar un tono propio del cine de catástrofes, enseguida aparece la vena cómica aunque Kawamori logre ocultarla tras un aspecto más formal, lo que se funde en un híbrido realmente curioso. Más allá de la reacción de sus personajes y la inesperada transformación del robot, el filme no ofrece mucho más, un minuto es un minuto para Kawamori.

Good Morning (Ohayô; Satoshi Kon, 2008). Una joven se levanta de la cama y medio dormida trata de despertarse a sí misma.

Good Morning sería el último trabajo de Satoshi Kon en el campo cinematográfico de no ser por su desaparición, ya que todavía no se sabe que pasará con su inacabada The Dreaming Machine (Yume miru kikai), por lo pronto, su último trabajo en pantalla no podía ser mejor. El trabajo de Kon es sin lugar a dudas el mejor de los cortometrajes que se reúnen en esta obra, el director japonés no sólo ha sabido aprovechar los sesenta segundos de margen al máximo, si no que además ha logrado llevárselos a su terreno ofreciéndonos una pequeña joya muy en la tónica del resto de sus obras. Kon ha apostado por la sencillez, y aún así ha podido ahondar en sus ideas de lo onírico y el subconsciente, simplemente al seguir el despertar de una muchacha. El estilo animado es el mismo al que el artista nos tiene acostumbrados, dónde prima el detalle y el realismo. La aportación de Kon es sin duda el mejor sello para Aki*Kiri15.

Es común que en estos trabajos hechos a diferentes manos, nos topemos con obras algo irregulares que muestren lo difícil de conjugar las ideas de varios artistas en una sola, así Ani*Kiri15 no es una excepción, y la irregularidad de sus trabajos limita en ocasiones la apreciación de los unos y los otros, así que aunque podamos verlos del tirón, es bueno poder degustarlos uno a uno, para ver como individualmente gozan de mayor presencia.

Para despedir, si queréis una reseña que ahonde en profundidad sobre la lista de autores de estos microcortometrajes os remito al estupendo blog de Cineticamente, dónde encontraréis una estupenda entrada que realizó en 2012.

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TÍTULO ORIGINAL Ani*Kuri15 (Ani-Kuri 15) AÑO 2007 DURACIÓN 18 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon GUIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon MÚSICA Tenmon, Varios VOCES ORIGINALES Takeshi Maeda, Akira Nakagawa, Shizuka Okohira, Yuka Terasaki PRODUCTORA Studio 4°C / Gainax / Gonzo / Madhouse / Production IG / NHK 

GÉNERO Animación. Fantástico. Ciencia ficción. Acción. Romance. Comedia

TEMÁTICA Miniserie de TV. Película de episodios. Cortometraje. Robots. Magia. Comedia absurda. Extraterrestres. Manga. Futuro postapocalíptico. Gatos.

SINOPSIS

Colección formada por quince cortos realizados por diferentes directores y creadores japoneses del campo de la animación, incluyendo a un estadounidense, Michael Arias, productor de "Animatrix" y director de "Tekkon Kinkreet". La duración de cada corto es de un minuto. Su emisión se dividió en tres temporadas de cinco cortos cada una, para su emisión en fechas determinadas.

Lista de cortos:
- Attack of Higashimachi 2nd Borough
- From the Other Side of the Tears
- Blaze Man
- Sancha (The Aromatic Tea) Blues
- Invasion from Space - Hiroshi's Case
- Project Mermaid
- Yurururu (Nichijou Hen)
- Gyrosopter
- Wandaba Kiss
- Supaatsu Taisa
- A Gathering of Cats
- Princess Onmitsu
- Okkakekko
- Project Omega
- Good Morning

CRÍTICA

+ "Además del interés del proyecto en sí otro de los puntos destacables es que se buscaran animadores que no necesariamente tuvieran su carrera centrada en la dirección, incluyendo representantes de varios otros departamentos desde los más creativos a los más técnicos, dándoles por primera vez la oportunidad de organizar toda una pieza con su propia visión. Y dado que son vistazos más que rápidos no deja de resultar en una revisión interesante.
Está claro que este tipo de conjuntos siempre resultarán algo irregular, por no hablar de que el tiempo tan limitado a veces podría no darle el mejor empuje a alguna propuesta en particular. Aunque al mismo tiempo eso permite que no nos aburramos en ningún momento y que si bien algunos cortos puedan ser menos interesantes o logrados que otros, sea difícil que resulten especialmente negativos. (S.: Cineticamente)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,3		7,3
NOTA MEDIA: 6

TRAILER

Podéis ver 'Ani*Kuri15' completo subtitulado al español aquí.

VER TAMBIÉN

SUSURROS DEL CORAZÓN

A pesar de que nos haya pillado a todos por sorpresa, el cierre "temporal" de los estudios Ghibli iba siendo ya una muerte anunciada. Y no solo por la despedida de sus figuras más importantes, si no por los ya conocidos problemas financieros de la empresa. De todos modos hay que matizar, Toshio Suzuki ya se ha encargado de dejar las cosas claras, Ghibli no cierra, sólo hace un parón para reestructurarse y volver a empezar. Aunque sus palabras sean algo esperanzadoras la realidad ahora mismo es que el estudio deja de hacer películas, y nos deja pendientes de un hilo. Todavía nos quedan tres de sus películas por llegar a España, quien sabe si mientras esperamos que estas aparezcan empieza la producción de un nuevo trabajo que sea la cabecera de la nueva era de Ghibli. Mientras tanto voy a dedicar hoy el espacio a reseñar una de las películas que todavía tengo aquí pendientes del estudio japonés. Toca Susurros del corazón, primer largometraje del estudio que no fue dirigido ni por Miyazaki ni Takahata (en realidad el segundo, ya que la primera ocasión fue con Puedo escuchar el mar [Umi ga kikoeru; Tomomichi Mochizuki, 1993], aunque fuese un metraje para televisión), la película corrió a cargo del tristemente fallecido Yoshifumi Kondo, siendo esta su único legado cinematográfico como director. Con ella Ghibli se lanzaba a experimentar con nuevos realizadores, para empezar a crear una cantera de buenos sucesores para cuándo faltara el trío fundador, por eso Susurros del corazón es una de las pequeñas muestra de esperanza que el estudio nos ha ido dando a lo largo del tiempo, y que demuestra como siempre ha sabido irse adaptando al paso del tiempo.

Shizuku es una joven estudiante enamorada de los libros. Un día se da cuenta que todos los libros que coge prestados de la biblioteca ya han sido leídos anteriormente por un tal Seiji Amasawa. La joven no puede contener su curiosidad e intenta adivinar quién puede ser ese misterioso lector con similar gusto por la lectura. En su búsqueda llega a un joven que también tiene una pasión: fabricar violines de madera artesanalmente.

Con guión del propio Miyazaki, nos encontramos con una de las películas del estudio que abandona el fantástico para adentrarse en una historia dónde no hay cabida para seres fabulosos. Pero lo más curioso, es que dada esta premisa, nos topamos también con una de las películas que mejor explora la fantasía, una paradoja en toda regla que se entiende fácilmente al conocer la soñadora protagonista del filme, algo así como una semilla del último protagonista de Miyazaki, Jiro, el ambicioso ingeniero aeronáutico de El viento se levanta (Kaze tachinu; 2013) -otra película que sabe aprovecharse muy bien de la fantasía vista desde la realidad-.

Ese realismo se hace todavía más certero al darnos cuenta del mimo de los detalles que Kondo emplea para su película. Si bien todas las películas han sido muy cuidadas en detalles, Susurros del corazón es el mayor ejemplo de dedicación en ese sentido. No solo podemos hablar de los detalles animados, dónde los decorados y entorno dónde aparecen los protagonistas llegan a parecer una fotografía pintada, si no también de la interacción con este entorno que tienen los personajes, dónde ponerse unos zapatos, o apagar una luz desde la cama, requiere un tiempo especifico o una dificultad concreta, y esos detalles que parecen casi invisibles van conduciendo a la película hasta un realismo tan extremo que es imposible que no explosione con el imaginario que en realidad esconde.

La película se centra en la época de maduración de una niña que sin darse cuenta deja de serlo, en este camino aprende a ir identificando y descubriendo las diferencias entre el mundo adulto y el de un infante, además de encontrarse de frente con los duros obstáculos tan comunes no solo en la maduración, si no en la vida adulta. Aunque para ello se pueda llegar a emplear algo tan tópico como el amor de instituto, rápidamente nos damos cuenta que el argumento del filme no gira entorno a esa idea y aunque lo use como un elemento más de su estructura en ningún momento se convierte en base para construir el avance psicológico de la joven Shizuku.

En esta etapa de maduración no pueden faltar las inquietudes del futuro, y las verdaderas aspiraciones por las que se quieren luchar, así Shizuku empieza a apartarse poco a poco de los estudios para reflexionar sobre hacia dónde quiere conducir su vida. De este modo apuesta por una de sus pasiones, los libros, y la muchacha no duda en ponerse a escribir su propia historia, un cuento fantástico dónde si darse cuenta irá introduciendo elementos de su vida real. Son sin duda los momentos que Shizuku dedica a su historia los que nos conducen por esa ambivalencia de la fantasía, dónde si en la ficción los gatos hablan y las figuras de cerámica cobran vida, veremos como en la realidad algo similar podría ocurrir.

Es fabuloso acompañar a Shizuku en este camino, ya que es verdaderamente sencillo sentir una empatía con ella, dado que nosotros en algún momento también habremos pasado por esa fase de preguntas sin respuesta, de caminos angostos, y de quebraderos de cabeza. Sin duda alguna la película avanza concienzudamente sin dejarse llevar por el énfasis, tiene claro lo que nos quiere contar, y no va a preparar ninguna trampa para ello, solo se suelta, se deja llevar por sus lineas y nos lleva hasta el final, dejándonos completamente maravillados por la madurez de las decisiones que se presentan en ella. La historia es clara, la madurez y el alcanzar nuestros sueños no es nunca un camino de rosas.

Es imposible hablar de esta película y no escribir ni que sea una linea sobre su peculiar banda sonora, en especial a su tema central. Si Ghibli nos tiene acostumbrados a maravillosas bandas sonoras inéditas, en Susurros del corazón echan mano de una canción del cantante country John Denver y que en la versión en inglés interpreta Olivia Newton-John. Hablo de Country Road, Take Me Home, una nostálgica y melancólica propuesta que tan bien se conjuga con las imágenes y el mensaje el filme.


 
Con el paso del tiempo, Susurros del corazón, daría paso a un spin-off dónde regresarían algunos de los personajes del filme, para narrarnos lo que podría ser la historia que Shizuku escribe para descubrir su vocación. Hablo de Haru en el reino de los gatos (Neko no Ongaeshi; Hiroyuki Morita, 2002), una historia que nació gracias a la espinilla que quedó tras la muerte de Kondo, y que sirve para volver a reivindicar un filme que a pesar de ser menos conocido por el gran público demuestra la pasión que siempre ha tenido la gente de Ghibli por crear grandes películas, sea con Miyazaki en cabeza, o no. Otro de los motivos para seguir esperando buenas noticias del resurgimiento del estudio que tantas y tan buenas películas nos ha ido dejando.

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TÍTULO ORIGINAL Mimi wo sumaseba (Whisper of the Heart) AÑO 1995 DURACIÓN 111 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés, inglés DIRECCIÓN Yoshifumi Kondo GUIÓN Hayao Miyazaki (Cómic: Aoi Hîragi) MÚSICA Yuji Nomi FOTOGRAFÍA Atsushi Okui VOCES ORIGINALES Yoko Honna, Issei Takahashi, Takashi Tachibana, Shigeru Muroi, Shigeru Tsuyuguchi, Maiko Kayama, Keiju Kobayashi, Yorie Yamashita, Yoshimi Nakajima, Minami Takayama PRODUCTORA Studio Ghibli

GÉNERO Animación. Romance. Fantástico

TEMÁTICA Drama romántico. Manga. Música. Literatura. Adolescencia. Gatos

SINOPSIS

Una joven estudiante amante de los libros descubre que todos los libros que ha elegido en la biblioteca han sido previamente elegidos por una misma persona. Cuando descubre quién es conoce a Seiji, un joven que está aprendiendo el arte de fabricar violines.

CRÍTICA

= "Una película sobre vocaciones, sobre la idea de que la vida sólo tiene sentido si seguimos el camino de lo que sentimos y nos gusta, no caminos preconcebidos por los demás. Una película tierna, pero no conmovedora, interesante pero ingenua y ligera en cuanto a emoción. Muy humanista." (MrSmabo: Cinemelodic)

= "Si bien la película sufre de un cierto grado de falta de ambición, habitual en las películas de Miyazaki, o el humanismo abrumador conocido de las películas de Takahata, Susurros del corazón logra perfectamente lo que se propone hacer: mostrar la vida de una niña durante unos meses con honestidad, en claro tributo a la alegría y el dolor, la diversión y la tristeza del primer amor. Una película auténtica y conmovedora." (David P.:No es cine todo lo que reluce)

+ "Película inspirada e inspiradora donde las haya, debilidad personal y uno de esos films que traspasan la pantalla. La traspasan con sus emociones, sus sentimientos, su magia, su música, sus personajes. Todo en una armonía tan perfecta que le otorga el honor de alzarse por encima de la media cinematográfica. Pero sobre todo se alza con su capacidad innata de convertirse en una de las películas que se quedan grabadas en la mente y en el corazón." (Álvaro López: Generación Ghibli)

+ "Los paisajes de Japón están brillantemente retratados en esta película todo la ciudad, la ciudad mas animada que he visto. Con sus vistas totalmente increíbles, los movimientos de los dibujos son algo increíbles y es que cuidado tienen mucho los japoneses cuando hacen una película. y los detalles esos detalles son fantásticos." (Javier Ramírez: Alma viajera)

PUNTUACIONES

 

	7,4		7,4		8,0
NOTA MEDIA: 7,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

EL VIENTO SE LEVANTA (SE LEVANTA EL VIENTO)

Retirada por todo lo alto del gran Hayao Miyazaki, El viento se levanta (Kaze tachinu; 2013) puede disfrutarse ahora en las salas de cine más dispares: de las comerciales a las de autor; y es que hay pocos directores que han conseguido poner de acuerdo a los más opuestos, y él es una estupenda excepción. Hay que aprovechar las contadas ocasiones que tenemos de disfrutar de buen cine de animación en los cines, y esta es una oportunidad que no hay que dejar pasar.

Jirô sueña con diseñar los más bellos aviones y volar junto a ellos, así lo seguiremos desde su niñez hasta su edad adulta, época en la que creará uno de los caza de combate más famosos de la histórica de la aviación bélica.

"Se levanta el viento. ¡Debemos intentar vivir!"

Con estas palabras del poeta y filósofo francés Paul Valéry, al que Miyazaki admira y con el que comparte ideas, arranca este último regalo del director nipón. Un biopic sobre Jirô Horikoshi, otro personaje que Miyazaki admira, aunque de modo distinto, por ser una figura que persiguió su sueño: hacer real sus sueños, aunque quizás sin quererlo, también creo pesadillas ya que Horikoshi diseño el caza moderno que tanto dolor causó en Pearl Harbor.

Es curioso ver como los sectores más ultra-derechistas de su país han criticado a Miyazaki por recrear un personaje histórico con dudas morales en vez de un patriótico ingeniero aeronáutico, y a su vez, algunos sectores de izquierda lo han juzgado por el simple echo de dedicar tiempo y esfuerzo a realizar un biopic sobre un hombre que tanto tuvo que ver con la muerte de tantas personas. Como curiosidad también se ha ganado la antipatía de los sectores anti-tabaco más reaccionarios, que no han sido capaces de soportar la veracidad histórica con la que el autor japonés ha retratado a su personaje, mostrándolo como fumador empedernido. Lo que está claro es que Miyazaki está en otra liga, él no quiere en absoluto dar la espalda a un echo, pero tampoco sobredimensionarlo, simplemente lo utiliza para lanzar su propio mensaje, un mensaje que nos viene lanzando hace décadas, así en síntesis es fácil ver cómo el argumento del filme trata sobre los sueños de un hombre, y como estos se vieron atrapados por los influjos de la guerra.

El viento se levanta no es en absoluto el filme más complejo  del co-fundador de los estudios animados Ghibli, pero si es una de sus obras más personales -qué no la única-, y a mi parecer la más emotiva y llena de belleza. No se me ocurre una mejor despedida para la filmografía de uno de los directores japoneses más representativos de nuestro tiempo. Llama la atención, eso sí, que esta vez el director haya optado por un estilo más clásico y realista abandonando levemente uno de los géneros que tan bien le definen: el fantástico; y se acerca así más al relato de su compañero y amigo Isao Takahata, pero remarco el "levemente", ya que lo onírico hace acto de presencia en el filme y de un modo totalmente esencial para el relato, de echo es en esos momentos en los que podemos encontrar las señas más comunes del director, y los recursos recurrentes en su filmografía (si queréis una lectura muy interesante y completa sobre esos elementos y otros asuntos relacionados con la figura de Miyazaki, haceros con el libro de Laura Montero Plata: El mundo invisible de Hayao Miyazaki -Dolmen Editorial, 2012-; sin duda la tesis más completa sobre el director que se ha publicado en nuestro país.).
El viento se levanta se va transformando en un melodrama trágico a medida que avanza por sus escenas dibujadas a mano, y ese es a grandes rasgos lo que la diferencia del resto de su obra, y eso lo acerca más a figuras como Ozu o Naruse, aunque las relaciones siempre han estado presentes, aquí se hacen más explicitas.
El protagonista, Jiro, personaje masculino que lejos queda de las jóvenes y luchadoras niñas de la obra del director, se debate entre sus sueños, la lealtad a su país, su propia moral y el amor de su vida... Trágico amor que tiene como protagonista a Nahoko, una valiente muchacha -aunque de clase alta- que debe batir su propia lucha y que demuestra un espíritu de sacrificio -esta vez sí- propio de las muchachas que Miyazaki nos ha presentado anteriormente, Nohoko podría sin duda tener su propio filme.

A pesar del realismo del argumento, Miyazaki vuelve a apostar por un estilo animado más sencillo, más cercano a primera instancia a Ponyo en el acantilado (Gake no Ue no Ponyo; 2008), pero el detallismo de fondos y personajes es el propio de filmes anteriores al de la niña pez, comparables a los de El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi; 2001) o La princesa Mononoke (Mononoke Hime; 1997). Unas pinturas que, a pesar de la tristeza final que se respira en El viento se levanta, inflan de belleza y esperanza el relato, convirtiéndolo en un filme de lo más conmovedor, sin caer jamás en los típicos sentimentalismos.

A estas alturas sólo podemos arrodillarnos ante la imponente banda sonora del filme, y no sólo por la maravillosa música que una vez más compone para Ghibli Joe Hisaishi, si no también a los artesanales efectos de sonido, nada sintéticos, realizados en ocasiones por voces humanas y que erizan la piel en todo momento, un detalle artístico que no hace más que sumarse al conjunto de orfebrería que compone El viento se levanta.

Sólo queda una pequeña reflexión que analizar detrás de lo que Miyazaki nos cuenta en su película. La pregunta sería si el biopic que hay detrás de El viento se levanta ¿nos habla realmente de un ingeniero aeronáutico o es en realidad un auto-retrato del propio director? La plasmación que hace Miyazaki sobre su protagonista va esta vez más allá que en ocasiones anteriores, como por ejemplo en Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro; 1988) dónde nos cuenta una experiencia de su infancia, ya aquí los matices e ideales de Jiro pueden ser claramente relacionados con la forma de vida del artista.

Una despedida como he dicho por todo lo alto, pues El viento se levanta no será la obra más compleja, pero si la más bella que jamás ha realizado este artista japonés que se ha ganado un hueco en nuestros corazones.

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TÍTULO ORIGINAL Kaze tachinu (The Wind Rises) AÑO 2013 DURACIÓN 125 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés, Alemán, Italiano, Francés DIRECCIÓN Hayao Miyazaki GUIÓN Hayao Miyazaki (Cómic: Hayao Miyazaki. Novela: Tatsuo Hori) MÚSICA Joe Hisaishi VOCES ORIGINALES Hideaki Anno, Miori Takimoto, Hidetoshi Nishijima, Masahiko Nishimura, Steve Alpert, Morio Kazama, Keiko Takeshita, Mirai Shida, Jun Kunimura, Shinobu Otake, Nomura Mansai PRODUCTORA Studio Ghibli 

GÉNERO Animación. Drama

TEMÁTICA Biográfico. Melodrama. Aviones. II Guerra Mundial. Años 20. Años 30. Manga. Catástrofes. Terremotos

SINOPSIS

Jiro, que sueña con volar y diseñar hermosos aviones, se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Corto de vista desde niño y por ello incapaz de volar, se une a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería en 1927. Su genio pronto es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos. Film biográfico que recrea hechos históricos que marcaron su vida, como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial.

PREMIOS

2013: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de animación
2013: Globos de Oro: Nominada a mejor película extranjera
2013: National Board of Review (NBR): Mejor película de animación
2013: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
2013: Críticos de Chicago: Mejor película de animación
2013: Asociación de críticos de Los Angeles: 2ª Mejor película de animación
2013: Critics Choice: Nominada a Mejor película de animación
2013: Premios Annie: Mejor guión. Nominada a Mejor película
2013: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
2013: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de animación

CRÍTICA

+ "Drama histórico de una belleza inquietante (...) Miyazaki está en la cima de su arte visual, alternando exuberantes paisajes rurales de colores vivos, con épicos lienzos urbanos superpoblados." (Scott Foundas: Variety)

+ "Miyazaki, que es a la vez artista e ingeniero, ha vivido su década dorada por tercera vez, y sin embargo, continúa dejándonos atónitos." (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Puede que no sea la película más accesible del director, pero es una de sus más fascinantes y seductoras" (Oliver Lyttelton: Indiewire)

= "Su 'look' es asombroso, pero no logra hacer frente bien a la política de su tema. (...) Naturalmente la animación es un placer para la vista (...) pero la película es demasiado controlada, le falta garra (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Xan Brooks: The Guardian)

+ "Una película sobre el preludio a la guerra y la belleza de volar, cuyos superlativos efectos visuales remarcan cuán maravillosa es la vida." (Deborah Young: The Hollywood Reporter)

+ "El señor Miyazaki provee la vida y los sueños de Jiro de una elegancia lírica y una dolorida angustia." (Nicolas Rapold: The New York Times)

+ "Si Miyazaki finalmente no se retira, le costará superar este maravilloso, encantador biopic (...) La perseverancia y la fuerza de sus personajes, su amor por la humanidad, se sienten como un oasis en un desierto de cinismo." (Alonso Duralde: The Wrap)

+ "Jiro es un ingeniero serio y un romántico, no un soldado. Y 'The Wind Rises' transmite la poesía visual a la que hace referencia su título. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Es una gran historia, y en este hito de película Miyazaki cumple cada demanda. Siéntate y observa. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Si este es el adiós de Miyazaki, es un buen adiós. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

= "Tiene momentos estéticamente deslumbrantes (...) Y un tono tan romántico como veraz (...) Miyazaki habla de las pasiones de este hombre singular con imágenes muy hermosas, pero dilata innecesariamente el metraje." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Sin poseer la lírica desatada y cautiva de sus mejores trabajos, la película se ofrece sin embargo como un perfecto, agónico y doloroso resumen de, quizá, una vida entera entregada a hacer desaparecer la pantalla de los cines; a empapar la realidad con el veneno del deseo." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Quizá sea la más contenida y antiespectacular de las películas [de Miyazaki] (...) El director logra hacer palpable lo invisible (...) un hondo melodrama de la resignación" (Jordi Costa: Diario El País)

= "Un testamento en el que uno echa en falta un corazón dramático menos confuso (...) Miyazaki no se atreve a preservar el recuerdo de la destrucción colectiva y lo disuelve en el dolor personal [del protagonista] (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Es una película monumental y deslumbrante (...) Bella y escrita con mimo (...) regala una inolvidable historia de amor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

+ "El maestro Miyazaki se despide del cine por todo lo alto (...) Puntuación: ★★★★½ (sobre 5)" (Rubén Romero: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	9,5		7,4		8,1
NOTA MEDIA: 8,3

TRAILER

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