UN AMOR DE VERANO (LA BELLE SAISON)

Se ha clausurado ya El FIRE!! (Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià de Barcelona), que organiza el Casal Lambda, cumpliendo 21 años de edad y arrancando este año con el lema Libertad, igualdad y diversidad como bandera.
Del 30 de Junio al 10 de julio, se han podido ver en el Institut Francés un montón de propuestas cada cual más interesante, que van desde la galardonada e intensa Theo y Hugo, Paris 5:59 (Théo et Hugo dans le même bateau; Olivier Ducastel, Jacques Martineau, 2015) -mi favorita de las que he podido ver en el festival-, hasta la austríaca Tomcat (Klaus Händl, 2016), pasando por la divertida y única Flores de mazapán (Prahim shel Martzipan; Adam Kalderon, 2014) o el documental Hockney (Randall Wright, 2014) que repasa la vida de este referente del pop-art. Este año, el festival, ha dado el pistoletazo de salida con Un amor de verano (La Belle Saison), una hermosa cinta que además se acaba de estrenar en varios cines de España, así que si no habéis podido asistir al Festival, no tenéis excusa para al menos ver una de sus propuestas.

Delphine deja su vida en el campo para estudiar en París. Allí conocerá a Carole, una chica por la que enseguida sentirá una fuerte atracción. En plena década de los 70, cuando la lucha feminista se alza en Francia, las chicas conectarán enseguida y juntas empezarán una historia valiente y sincera, todo hasta que un inconveniente hace que Delphine deba volver a ayudar a la granja de sus padres.

Un amor de verano, es un filme de toques preciosistas que no renuncia a una sincera valentía para narrarnos, a través de la historia de amor de dos mujeres, el avance histórico de un país donde la mujer empezó a revelarse y a pedir el reconocimiento de sus derechos, en la conocida segunda ola feminista. Es por eso que no hay que entender la cinta de Catherine Corsini, como una sencilla historia sobre la homosexualidad, si no por una compleja película sobre una época en la que se conjugan varios ingredientes.

De entrada nos topamos con la lucha de una mujer que intenta avanzar en su vida, abandonando el entorno rural en el que vive, y buscando su plena felicidad. Un entorno que se nos muestra anclado en derechos y reconocimientos para la mujer y por supuesto en la condición sexual de las personas, pero que en el filme se nos muestra de forma natural, sin recurrir al maniqueísmo fácil que puede presentarse en filmes de este tipo.

Por otro lado se nos muestra, ya en la ciudad, como la lucha progresista es una realidad, y como ciertos valores de lucha sobrepasaron los de las propias vidas de las personas que perseguían unos ideales que aunque los tenemos cerca, todavía debemos trabajar en ellos.

El filme se basa en una historia de amor, y es evidente que el mayor peso del relato recae en esa idea, pero Un amor de verano no se presenta como una película que se sienta satisfecha solo con eso, y construye alrededor de sus bases, todo un entorno trabajado, mimado y que nos enternece y nos invita a la reflexión.

Mención especial para las interpretaciones de las dos actrices: Cécile de France e Izïa Higelin, que están mayúsculas, y un seguido de secundarios tan trabajados como ellas dos, en especial el complejo personaje de la madre de Delphine, interpretado por Noémie Lvovsky y que tan importante es para entender el fondo del filme.

Con un final que, a pesar de su sencillez, puede dejarnos poso, Catherine Corsini son regala una cinta preciosa y valiente, donde se nota la huella sincera y personal de la autora.

(Por cierto, ha sido elegida por la organización del festival como Mejor película.)

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TÍTULO ORIGINAL La belle saisonaka AÑO 2015 DURACIÓN 105 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Catherine Corsini GUIÓN Catherine Corsini, Laurette Polmanss MÚSICA Grégoire Hetzel FOTOGRAFÍA Jeanne Lapoirie REPARTO Cécile de France, Izïa Higelin, Noémie Lvovsky, Kévin Azaïs, Laetitia Dosch, Benjamin Bellecour, Eloïse Genet, Patrice Tepasso PRODUCTORA Chaz Productions / France 3 Cinéma / Artémis Productions / Canal+ / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Jouror Productions / Indéfilms 3 / Soficinéma 11 / Cinémage 9 / Région Limousin / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Tax Shelter Fil

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Mujer. Homosexualidad. Años 70. LGBTIQ. Vida rural

SINOPSIS

En París, en 1971. Delphine conoce a Carole. La primera, hija de campesinos, se muda a la capital para alcanzar la independencia económica y ser dueña de su propia vida. La segunda tiene novio y vive felizmente los comienzos del movimiento feminista. A Delphine, misteriosa y reservada, le gustan las mujeres. Carole ni se plantea esa posibilidad. De su encuentro surge una historia de amor que desequilibrará sus vidas al tropezar con la realidad.

PREMIOS

2015: Premios César: nominada a mejor actriz (de France) y actriz sec. (Lvovsky)

CRÍTICA

+ "Una película tan delicadamente irregular como perezosa, tierna, profunda y, si no queda más remedio, triste. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Corsini consigue algo realmente complejo: capturar una desbordante plenitud sensorial, sin negar, ni dramatizar su inevitable condición efímera." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "El producto final es una película honesta, puede que incluso necesaria, que explora las contradicciones de estas violentas militantes sin partido… pero con toda la vida para explorar (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Mirito Torreiro: Fotogramas)

+ "Entre política y pasión, Catherine Corsini elige la sensualidad (...) Jeanne Lapoirie saca partido a la campiña como si fuera su propia amante estival (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Daniel De Partearroyo: Cinemanía)

+ "Quizás el mundo ya esté preparado para un romane lésbico tan directo y sin ambages como 'La belle saison' (...) Catherine Corsini ofrece un drama de época luminoso y teñido de dorado" (Peter Debruge: Variety)

+ "Las radiantes y sentidas interpretaciones de Izia Higelin y Cecile De France hacen que te importe el resultado final, incluso cuando sientes que sabes exactamente hacia dónde podría ir 'La belle saison'." (Allan Hunter: Screendaily)

= "Sus potentes interpretaciones y una dirección detallista, ayudan a pasar por alto los irregulares cambios de tono" (Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,0		6,7
NOTA MEDIA: 6,9

TRAILER

VER TAMBIÉN

THE THIN BLUE LINE

Hasta la fecha no había tenido el placer de disfrutar de una de las películas del famoso documentalista Errol Morris, incluso a pesar de que uno de sus últimos trabajos, Tabloid (2010) estuvo presente en el Festival Cine-On. Pero hace poco puse remedio y descubrí The Thine Blue Line, una de las películas que suele ser recurrente en cualquier buena lista del género documental. El filme nos introduce en el caso de Randall Adams, el cual fue juzgado y sentenciado a pena de muerte por el asesinato de un policía.

Después de que Errol Morris rodara un par de películas documental -Gates of Heaven (1978) y Vernon, Florida (1981)- decidió abandonar la cámara, y dedicarse de lleno a trabajos como investigador privado y periodista. Fue entonces cuándo quedó atrapado por los enigmas de este famoso caso acontecido en el condado de Dallas al descubrir un inquietante error judicial, y decidió meterse de lleno en el y volver a rodar.

Para ello, Morris, apostó por la técnica de la entrevista directa, y colocó a varios de los partícipes en el caso delante de la cámara, para que le contaran su versión de los hechos, y sus impresiones durante el tiempo que duró el juicio. Así sentó delante al propio Randall Adams, a David Harris, otro de los implicados y sospechoso del asesinato, el encargado policial de llevar la investigación, a sus abogados, amigos y familiares de los sospechosos, varios testimonios, entre otros. Así, gracias a las palabras de cada uno, el realizador va creando una reconstrucción cinematográfica muy cercana al cine negro, que para sorpresa de los espectadores, se irá modificando con cada una de las aportaciones de los entrevistados, mostrándonos una ducha de imágenes yuxtapuestas que se contradicen las unas con las otras.

De este modo Morris, consigue demostrar varios de los errores que se produjeron durante la acusaciónl, y consiguiendo (especialmente gracias a la sorpresa final del filme, a la cual volveré más adelante) que las autoridades volvieran a abrir el caso, dando como resultado la libertad de Adam Randall el cual fue exculpado de todos los cargos. Es pues una buena muestra de cine agitador, una pequeña muestra de las influencias que puede causar algo tan simple como una película sobre la sociedad.

Algo muy criticado sobre The Thine Blue Line, es que la película deja muchos cabos sin atar, debido a la selección de Morris durante el filme. El director no se esfuerza en contarnos los motivos que llevaron al disparo de esa arma o la situación de la compañera policial de la víctima, la cual también fue puesta en tela de juicio al creer que no hizo bien su trabajo, y deja de lado aspectos que podrían ser importantes para el caso. Pero es precisamente eso lo que hace del filme algo especial, ya que Morris consigue así realizar una buena tesis del funcionamiento judicial, centrándose tan solo en sus aspectos y no dejando que la intrínsica del caso nuble el verdadero sentido del metraje.

Aunque pueda parecer que nos encontramos con una película demasiado farragosa por su contenido, en realidad nos topamos con un trabajo de lo más cinematográfico. Morris hace de sus reconstrucciones una verdadera película alternativa, que acercan a The Thine Blue Line al noir más clásico, dónde todos los encuadres están dominados por el director, sin que ningún descuido deje que esas imágenes disuelvan la cháchara de los entrevistados. Unas imágenes, por cierto, hipnóticas y hermosas, dónde fotografía y puesta en escena se dan de la mano para crear una atmósfera totalmente sobrecogedora. Por no hablar de la siempre excelente aportación de Philip Glass, que siembra sus acordes durante toda la película para, como siempre, atraparnos de lleno.

Hasta las entrevistas están totalmente bien preparadas. Aunque a primera vista nos pueda parecer que están realizadas sin fijarse mucho en el lugar dónde los entrevistados cuentan sus versiones, en realidad están todas recreadas en un plató, demostrando como Morris no deja nada al azar. Las únicas excepciones son las dos localizaciones carcelarias, esas si reales, aunque gracias a la fotografía y la iluminación, consigue también llevárselas a su terreno.

Durante todo el metraje nos sentimos atrapados, y jugaremos junto a Morris a ser detectives, a intentar averiguar que pasó realmente aquella noche en Dallas, quedaremos totalmente sorprendidos con las contradicciones de testigos y acusados, y bailaremos al son del más clásico género policial. Al final, nos toparemos con un cambio de registro, en el que con tan solo varios planos de una grabadora, escucharemos las declaraciones de David Harris, las cuales fueron clave para que el caso se reabriera, y para dejarnos a todos con la boca abierta, y posteriormente googleando para saber como terminó todo después del estreno del filme.

Una maravilla cinematográfica que no hay que perderse.

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TÍTULO ORIGINAL The Thin Blue Line AÑO 1988 DURACIÓN 103 min. PAÍS Estados Unidos, Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Errol Morris GUIÓN Errol Morris MÚSICA Philip Glass FOTOGRAFÍA Robert Chappell, Stefan Czapsky REPARTO Randall Adams, David Harris, Gus Rose, Jackie Johnson, Marshall Touchton, Dale Holt, Sam Kittrell, Hootie Nelson, Dennis Johnson, Floyd Jackson, Edith James, Dennis White, Don Metcalfe, Emily Miller, R.L. Miller, Elba Carr, Michael Randell, Melvyn Carson Bruder PRODUCTORA American Playhouse / Channel 4 Television Corporation / Third Floor Productions

GÉNERO Documental. Cine Negro

TEMÁTICA Crimen. Drama judicial. Años 70. Policíaco

SINOPSIS

Aclamado y premiado documental basado en hechos reales que relata el arresto y condena de Randall Adams, sentenciado a muerte por el asesinato de un policía de Dallas en 1976. Gracias al documental, se consiguió reabrir el caso de Adams.

PREMIOS

1988: Círculo de críticos de New York: Mejor documental
1988: National Board of Review: Mejor documental
1989: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor producción y mejor dirección
1989: Sociedad nacional de críticos: Mejor documental
2001: National Film Preservation Board: La película se incluyó en Registro Nacional de Cine para ser preservada en el grupo de películas culturales, históricas o estéticamente significativas.

CRÍTICA

+ "Si pueden buscarlo, háganlo. No se arrepentirán. Al principio se reirán por la injusticia y la actitud de ciertos personajes. Pero al final quedarán helados de miedo con la verdad. ***1/2 (Federico Furzan: Cinelipsis)

+ "La cámara de Errol Morris tiene un afán detectivesco que destaca el oficio de éste documentalista. Pero lo que distingue a Morris es el interés que tiene por la gente. Personajes excéntricos, al borde de la razón y la coherencia, son los protagonistas de The Thin Blue Line. Ellos son también las encarnaciones de las instituciones retratadas por este documentalista estadounidense, crítico con los sistemas de su nación, en este caso, el judicial. Testigos disfuncionales, jueces sanguinarios, policías mentirosos... Morris los retrata con agudeza. El sistema judicial tiene rostro y por lo general, está distorsionado por muecas de locura." (Este blog es para documental)

= "El resultado es conmovedor, incluso a pesar de ser una lección objetiva sobre los peligros de estar influenciado por Werner Herzog; los grandes temas y el estilo de cine negro que tiene la película nos distraen de los hechos del caso, y lo que surgen son dos medias películas, que están reñidas una con otra." (Jonathan Rosenbaum [ed.] 1001 películas que hay que ver antes de morir. 10ª edición. Barcelona: Grijalbo, 2010.)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,5		8,1
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

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ANA Y LOS LOBOS

Carlos Saura, uno de nuestros reputados cineastas más internacionales, evoca su complejo mundo interior a través de su excelsa filmografía, una serie de radiografías personales-sociales que dan el pistoletazo de salida a partir de su tercer largometraje de ficción La Caza, en la que se valió de los simbolismos para contarnos un mensaje escondido entre las imágenes haciendo así una feroz critica social evitando el peso de la censura, a partir de él sus siguientes largometrajes parecen ser la continuación del anterior, haciendo así, como él ha comentado en varias ocasiones un cine que refleja el mundo que le envuelve y de alguna manera sus propias vivencias. Saura, aragonés nacido en el seno de una familia burguesa y habiendo vivido en plena Guerra Civil española, tiene mucho que contarnos en su cine, y para un ejemplo más, uno de los relatos más duros de su filmografía: Ana y los lobos.

En esta película nos topamos con la historia de Ana, una joven institutriz que es contratada por una familia con la intención de que se haga cargo de las niñas de la casa. La familia está compuesta por una madre dominante, y tres hermanos: José, un hombre autoritario que colecciona uniformes militares, Fernando, rodeado de un aura misticista y que busca el eterno contacto con Dios y Juan, casado con una mujer a la que le es infiel y con la que ha tenido tres hijas. Poco a poco los tres hermanos sentirán una enfermiza atracción sexual hacia la joven Ana.

La historia, se cuenta de un modo atrayente gracias a su intriga que atrapa fácilmente incluso al espectador menos experimentado de su cine, con el problema que al final del relato solo el más experimentado y conocedor de su obra identificará el verdadero interés de lo que Saura nos ha querido contar, necesitando un fuerte análisis ubicándonos en su contexto histórico y sabiendo identificar los puntos alegóricos que el autor ha presentado en la cinta...

Ahondando en ese análisis nos topamos ante una feroz y demoledora critica a la España franquista de su época. Ya desde la ubicación del caserón, solitario, apartado de todo, en un entorno hostil y arrasado que puede compararse con el país y dónde se respira el mismo ambiente de hostilidad. En la casa nos encontramos con la madre, una figura vieja y senil, pero atenta a todo, que pasea por su territorio siempre subida a su trono y transportada por sus criadas, una mujer que se aferra al pasado, que lucha por sobrevivir y aconseja a sus hijos para que resten unidos, haciendo frente a los tiempos venideros, su figura nos recuerda al mismo que por esos tiempos dictaba sus leyes en España, pero acercandose a su decadente realidad, recordando aquellos tiempos en que como el propio personaje de la mujer explica, los campos estaban llenos de fresones como puños, el encargado de guardar esos campos es José, hijo frío, autoritario y sin personalidad, reflejo de uno de los tres grandes estamentos: el militar, velador de una paz que ni tan siquiera podemos encontrar, obsesionado con los uniformes y las armas que no dudará en utilizar incluso para acabar con la vida de un pájaro que vuela en libertad (otro interesante símbolo), Francisco, reflejo del estamento religioso, el favorito de mamá, su conexión espiritual le lleva a una lucha interna intentando separarse del seno familiar, siempre mirando por el propio interés aunque finalmente se una a la propia lucha sintiéndose perturbado por el nuevo aire fresco que ha llegado al territorio. Juan, símbolo de la burguesía, y del estamento familiar tradicional, malcría a sus hijas y engaña a su inadvertida esposa la cual en un momento dado revela su invisibilidad en el seno familiar en un potente giro narrativo, la represión hace de Juan un hombre perturbado sexualmente que esconde una mascara oscura de las perversiones más intimas. Las hijas, representación de un país preocupado por su futuro, juegan con la inocencia con el miedo siempre presente, revelando siempre aquello que está por ocurrir, en especial a Ana, que representa las nuevas ideas, que se atreven a jugar con aires de superioridad con aquello existente, sin saber que poco a poco lo único que va a conseguir es meterse en la boca de los lobos que controlan la sociedad que les envuelve, llegando a un trágico final.

Es evidente que para lograr entender todo ese contenido necesitamos hacer un esfuerzo que en otros casos podemos ver con más claridad, haciendo del film de Saura un trabajo complicado a pesar de su enorme gran interés, necesitando una segunda revisión que nos ayuda a sumergirnos en el territorio que quiere realmente explorar, eso hace que la película decaiga para el público en general, siendo con lo cual una de las obras que menos se van a tener en cuenta del autor.

Si bien, el reparto de lujo nos regala unas actuaciones excelentes que cautivan a cualquiera, Saura también es conocido por su estupenda mano en la dirección de actores, así podemos ver una suprema Rafaela Aparicio en su máximo esplendor, un Fernando Fernán-Gómez único, un terrorífico Juan María Prada o a la musa del autor, Geralidine Chaplin que hace un trabajo como siempre estupendo. Más tarde, Saura continuaría la historia con Mamá cumple 100 años, en la que nos reencontramos con los personajes de Ana y los lobos, y en la que las actuaciones superan lo insuperable de su predecesora, y en la que destacan aquellos actores que en esta ocasión se presentaban más en segundo plano, pero de ello hablaremos en su debido momento cuando toque analizar el filme en cuestión.

De este modo nos encontramos con Ana y los lobos con una película muy interesante, que a pesar de su farragoso visionado, ofrece un contenido único y de gran importancia para entender nuestro cine. Una cinta de visionado obligado de la que tenemos mucho que aprender.

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TÍTULO ORIGINAL Ana y los lobos
AÑO 1972
DURACIÓN 102 min.
PAÍS España
IDIOMA Español, inglés
DIRECTOR Carlos Saura
GUIÓN Carlos Saura & Rafael Azcona
MÚSICA Luis de Pablo
FOTOGRAFÍA Luis Cuadrado
REPARTO Geraldine Chaplin, Fernando Fernán-Gómez, Juan María Prada, Juan Vivó, Rafaela Aparicio, Marisa Porcel, Anny Quintas, Charo Soriano
PRODUCTORA Elías Querejeta P.C.
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Familia. Años 70

SINOPSIS

José, autoritario, coleccionista de trajes militares, pobre de espíritu. Fernando, perseguidor incansable de la unión mística con Dios. Juan, escritor de cartas enloquecidamente eróticas. La madre hidrópica, nostálgica de antiguos esplendores. Las niñas que, entre juegos, encuentran muñecas enterradas y torturadas. Y en medio de esta atmósfera tan extraña e inquietante está Ana, la institutriz inglesa de 25 años.

PREMIOS

1973: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1974: Circulo de escritores: Mejor actor (Fernando Fernán-Gómez) y mejor actriz secundaria (Rafaela Aparicio)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,4

- Filmaffinity: 6,9

- IMDB: 7,1

* Media: 6,8

FRAGMENTO

VER TAMBIÉN

LLACH: LA REVOLTA PERMANENT (LLACH: LA REVUELTA PERMANENTE)

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El 3 de marzo de 1976, en Vitoria, la huelga general de unos trabajadores se convierte en una masacre gracias a la aportación de las fuerzas del orden y de la seguridad. Nos encontramos en las puertas de la transición española.

Llach: La revolta permanent es una película documental que nos cuenta dos historias distintas pero que tienen tanto en común que en cierto punto se funden para ser una sola y desembocar en un emocional concierto a cargo del mismo Lluís Llach. Por una parte se nos presenta la figura de Llach, cantautor catalán sobradamente conocido por sus canciones protesta, en especial por su Estaca que se ha convertido en himno revolucionario en gran parte del mundo, pero el film, por si queda algún despistado que desconoce la figura del cantante hace una rápida mirada a su pequeña historia para ponernos al día. Por el otro lado, el más interesante, nos cuenta los hechos sucedidos ese tres de marzo a partir de la visión de algunos de los que estuvieron allí, los que perdieron algún ser querido, e incluso algún político que todavía hoy lanzan las culpas hacia otro lado. El relato de la barbarie cometida todavía hoy pone la piel de gallina y consigue sorprendernos a pesar de conocer los hechos e incluso a sabiendas que hay lugares en el mundo que suceden cosas mucho peores.

Un relato que nos deja una fuerte pisada emocional tras escuchar como 30 años después las familias de las víctimas siguen con una profunda tristeza dentro suyo, ya que ese día indudablemente les cambió por completo su forma de vivir, y además siguen esperando esas disculpas por parte de algún responsable, unas disculpas que aunque no les traigan de vuelta a sus hijos, hermanos, parejas... les ayudarán a seguir adelante. No fue hasta 2008 (la película es del 2006) en que una comisión del Parlamento Vasco consideró responsables de los sucesos a los titulares del gobierno que había por entonces.

La película, tras el relato de lo acontecido nos manda hasta el 3 de marzo de 2006 cuando los familiares de las víctimas convocan una manifestación en recuerdo de esas víctimas del terrorismo de estado, donde las imágenes nos muestras como a pesar de que las cosas mucho han cambiado, en esencia todavía queda mucho por recorrer. Esa marcha termina, junto al film, en un emotivo concierto dónde Llach interpreta la canción que compuso tras conocer la noticia, Campanades a Morts, un momento lleno de emotividad que termina de ponernos los vellos de punta y disfrutar de esta estupenda película.

El 3 de marzo es una fecha para no olvidar, y el film de Lluís Danés es un estupendo recurso par ello, una película que se convierte en un esencial elemento para la memoria histórica de nuestro país y un estupendo homenaje para aquellas víctimas.

Más reseñas en el maratón de Cine Bloggers de Film Focus.

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TÍTULO ORIGINAL Llach: La revolta permanent
AÑO 2006
DURACIÓN 90 min.
PAÍS España
IDIOMA Catalán, Español
DIRECTOR Lluís Danès
GUIÓN Lluís Arcarazo, Lila Pla
MÚSICA Lluís Llach
FOTOGRAFÍA Emili Guirao
REPARTO Lluís Llach, Rodolfo Martín Villa, Carlos Arias Navarro, Maria del Mar Bonet, Juan Carlos de Borbón, Manuel Fraga, Mercedes Milá, Marina Rossell,
PRODUCTORA Mediapro / Bainet Zinema
GÉNERO Documental. Musical
TEMÁTICA Años 70. Música. Transición española. Política

SINOPSIS

El 3 de marzo de 1976 en Vitoria, en el transcurso de una asamblea de trabajadores, la actuación de la Policía causó cinco muertos y más de cien heridos de bala. Esa misma noche, llevado por la rabia, Llach compuso la que sería una de las canciones más emblemáticas de la Transición: Campanades a morts. Ahora, treinta años después, Lluís Llach vuelve a Vitoria para interpretarla en un concierto multitudinario en recuerdo a las víctimas del 3 de marzo. Un viaje en el espacio y en el tiempo conducido por la música y las palabras del propio Llach, en el que se mezclan recuerdos autobiográficos con imágenes y testimonios de los protagonistas de esos hechos. Esta es la historia de una canción, el retrato de la persona que la escribió y la crónica de los hechos que la inspiraron. Un grito y una exigencia de revuelta permanente contra el olvido.

PREMIOS

2007: Barcelona Film Awards: Mejor música. Nominada a mejor documental, mejor película en lengua catalana y mejor sonido.
2007: Butaca: Nominada a mejor película catalana

CRÍTICAS

+ "Un ejercicio doblemente noble el de absorber musicalmente el dolor de las víctimas del terror y el de cantarles públicamente su apoyo entonces y ahora. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC) 

FRASES

*  La matanza de Vitoria, el primer gran fracaso de la transición, para muchos de nosotros no habrá nunca transición acabada hasta que se pida perdón a las víctimas de lo sucedido.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,7

- Filmaffinity: 7,2

- IMDB: 7,7

* Media: 7,5

TRAILER

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