SÓLO DIOS PERDONA

Aunque Nicolas Winding Refn ya desde sus primeras obras ha sido un cineasta de referencia y con carácter propio (aunque muchos intenten encasillarlo relacionando su obra con otros directores), no fue hasta que el año pasado que rompió la barrera de la distribución comercial llegando a un mayor público, un público que quedó extasiado con esa maravilla que fue Drive. Era evidente pues, que el estreno de su nueva película Sólo Dios perdona (Only God Forgives), iba a llamar a mucha gente a las salas.

En Bangkok se encuentran unos hermanos que dirigen un club de boxeo que en realidad es una tapadera para su negocio de tráfico de drogas. Uno de ellos, Billy, es asesinado tras matar a una prostituta, lo que hará que la madre de estos vuele de Estados Unidos hasta el país asiático a buscar venganza. Julian, el hermano menor, verá como su madre le presiona exigiendo la cabeza del asesino de su hermano.

En esta ocasión Winding Refn repite algunos de los elementos estéticos que pudimos ver en Drive pero llevados al punto artístico más extremo, el director danés no se corta un pelo a la hora de realizar las más bellas planificaciones convenientemente marcadas, donde la simetría juega un papel clave en todo momento y las imágenes crean una coreografía que se refuerza con el uso del color y las sombras. En ese sentido Refn ha creado una obra de arte que se hace obvia para todo aquel que sepa apreciarlo, y que sumándole la sintética música a la que empieza a acostumbrarnos presenta una película que se aleja de lo común, dejando sólo el recuerdo de otros cineastas de recursos similares (como por ejemplo Peter Greenaway) al inyectar un estilo que se hace propio.

El problema de tal uso de la estética es que al final queda sólo en eso, un panfleto bellamente dirigido pero que eclipsa por completo una historia que se anticipa de lo más interesante y que finalmente no se desarrolla hasta crear un resultado del todo satisfactorio. Hay en Sólo Dios perdona una serie de personajes de lo más interesantes, que  aunque interpretados con maestría -Kristin Scott Thomas hace un trabajo realmente imponente-, se explota poco su potencial, llegando incluso algunos a ser simplemente meras herramientas narrativas sin mucho que ofrecer como entes propios, buen ejemplo de ello es la bella prostituta interpretada por Rhatha Phongam que solo sirve como refuerzo catalizador para la que es la historia más interesante del filme, la relación entre el personaje de Kristin Scott y su hijo Julian, que da vida el ya fetiche Ryan Gosling.

Una historia que deja entrever la polémica relación materno-filial que mantienen ambos, y la única capaz de alterar la aparente pasividad del personaje de Gosling, esta vez totalmente sobre-interpretado. Es curioso que este eje tan importante en filme no sea del todo explotado durante la película, pero que en el clímax final alcance un simbolismo de lo más extremo, y sin duda, estupendamente dirigido. En resultado, las decisiones de Refn terminan dejando un regusto amargo, que no nos dejan decidir si lo que hemos visto es realmente una obra maestra o una broma.

Sin duda alguna Sólo Dios perdona tiene momentos realmente brillantes, aunque algunos no tanto, y en la mayor parte del metraje consigue helarnos la sangre y  que nos encojamos en la butaca creando malestar, así que a pesar de ese amargo resultado parece ser que la película tampoco está tan mal.

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TÍTULO ORIGINAL Only God Forgives
AÑO 2013
DURACIÓN 89 min.
PAÍS Dinamarca, Francia, Tailandia, Estados Unidos, Suecia
IDIOMA Inglés, Thai
DIRECCIÓN Nicolas Winding Refn
GUIÓN Nicolas Winding Refn
MÚSICA Cliff Martinez
FOTOGRAFÍA Larry Smith
REPARTO Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm, Rhatha Phongam, Gordon Brown, Tom Burke, Sahajak Boonthanakit, Pitchawat Petchayahon, Charlie Ruedpokanon, Kovit Wattanakul, Wannisa Peungpa, Byron Gibson
PRODUCTORA Gaumont / Wild Bunch / Film i Väst / Bold Films
GÉNERO Thriller. Drama
TEMÁTICA Mafia. Neo-noir. Crimen. Venganza. Boxeo

SINOPSIS

En Bangkok, Julian, un fugitivo de la justicia estadounidense, dirige un club de boxeo tailandés que actúa como tapadera para su tráfico de estupefacientes. Su madre, jefe de una amplia organización criminal, desembarca procedente de Estados Unidos para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy: el hermano de Julian ha sido asesinado tras haber masacrado salvajemente a una joven prostituta. Llena de odio y venganza, exige a Julian la cabeza de los asesinos. Julian deberán entonces enfrentarse a Chang, un extraño policía jubilado, adulado por los demás policías.

PREMIOS

2013: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
2013: Festival de Sitges: Mejor fotografía
2013: Festival de Sidney: Mejor película

CRÍTICAS

- "Refn claramente piensa que está diciendo algo profundo con esta escoria con un exceso de producción, y estoy contento de dejar que se vaya con ese pensamiento" (Keith Uhlich: Time Out)

= "Aunque 'Only God Forgives' pueda ser acusada de superficialidad y de falta de complejidad psicológica, por el público objetivo, será un entretenimiento fresco y travieso" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

- "Una traición que ni los fans de 'Drive' estarán dispuestos a perdonar (...) Viendo a Gosling (...) uno puede prácticamente oír al director detrás de la cámara, exigiendo una toma tras otra, mientras grita:" Vamos a intentarlo de nuevo, sólo que esta vez, más impasible!'" (Peter Debruge: Variety)

- "La colisión de espasmos violentos y cine de autor tedioso deja el cerebro del espectador con sangre, pero vacío" (Richard Corliss: Time)

- "Faltan el clima, la tensión y el sentido (...) a fuerza de prescindir de historia, de coreografía y de diálogos, toda la cinta acaba por configurar el más autoindulgente homenaje a sí mismo que se podría hacer Winding Refn después de 'Drive'" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

- "Un fiasco indigerible de Winding Refn. (...) una película tan preocupada por la forma como hueca de contenido (...) Todo resulta confuso y gratuito" (Carlos Boyero: Diario El País)

- "Lo que debería ser sólo una historia de sangre y brutalidad, el director parece querer convertirla en metáfora absurda y pretenciosa, hasta el punto de que uno espera que en cualquier momento aparezca por un pasillo el enano de David Lynch" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

- "Agresivamente decepcionante (...) Una sucesión de sangrientos actos de venganza saturados de estilización y vacíos de significado. Un deslumbrante envoltorio y nada más" (Nando Salvá: Cinemanía)

+ "Una película de temática y desarrollo minimalistas, no apta para todas las sensibilidades (de hecho, es posible que para muy pocas), pero que alcanza cotas de verdadero virtuosismo sensorial en la mayoría de sus escenas (...) Un trabajo solemne, mayúsculo" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Tal vez la detestes, pero no podrás apartar la vista de la pantalla (...) Grotesco y kitsch, es el filme más subestimado de 2013 (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Yago García: Cinemanía)

- "Las pretensiones arty asfixian la presunta abstracción (...) Es una película de culto prefabricada, lo que signifca que es una mala película de culto" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

+ "Puede que el film se deje llevar por un cierto exceso caricaturesco; sin embargo, su subyugante poderío visual y su heterodoxia narrativa la convierten en un interesante corolario de la obra de su director" (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

+ "Es una película muy instintiva, casi primitiva, en tanto los personajes como las imágenes son guiadas por instintos básicos, por emociones profundas e inconscientes. [...] una reinvención fantástica de la tragedia clásica y de las mejores películas del año." (S.: Cineticamente)

+ " Parte de una historia perfecta que se basa más en lo no explicado que en lo contado [...] la experiencia visual y sensorial de ver Only God Forgives en una pantalla de cine es de las que cuesta de encontrar. [...] el cineasta danés nos ofrece una obra personal en la que me llama mucho la atención los encuadres simétricos, una auténtica delicia que hacen de cada fotograma una obra de intenciones artísticas." (David Amorós: The Highway Blog)

+ "Una nueva 'chaladura' de un tipo que no se aferra a lo establecido por la industria. Una propuesta diferente que se agradece y mucho." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6

- Filmaffinity: 5,5

- IMDB: 5,9

* Media: 5,8

TRAILER

 

VER TAMBIÉN

DE ÓXIDO Y HUESO

Después de consolidar su nombre con Un profeta, Jacques Audiard, conocido también por otras obras como De latir mi corazón se ha parado o Lee mis labios, cambia totalmente de registro argumental ofreciéndonos una historia totalmente distinta a lo que nos tenía acostumbrados ya que se zambulle de lleno en el mundo del melodrama, pero con enlaces en ideas y estilo que no la separan en absoluto del resto de su filmografía. En ese sentido sigue aprovechando los puntos fuertes del movimiento francés Nouvelles images caracterizado por un ritmo capaz de desbordarnos y la estética propia del videoclip, que el director transforma dotando a sus cintas de un carácter intimista, extraño de ver en las producciones inscritas dentro de ese movimiento.

Alí es un exboxeador que debe hacerse cargo de su hijo, un niño de corta edad con el que poco tiene en común. Al no tener dinero para subsistir recurre a su hermana a la que hace tiempo que no ve y que esta acoge en su hogar en Antibes. Después de conseguir su primer trabajo como portero de discoteca, Alí conoce a Stéphanie, una domadora de orcas que trabaja en Marineland.

Sorprende especialmente como, con una historia tan trillada, Audiard consigue crear una película seria y creíble, que dentro del género melodramático, no cae en ningún momento en lo absurdo ni tampoco en el intento lacrimógeno -que suele producir más jocosidad que empatía- de producciones que se atreven con este tipo de historias. Con un argumento así, De oxido y hueso nos recuerda a  la ya mítica Garras humanas de Tod Browning, (semilla además de la excelente Freaks), con la que tiene muchos puntos en común.

La película es directa, echa mano de las escenas más duras y crudas dejándonos el corazón compungido, utiliza un ultrarrealismo que no hace más que meternos de lleno en el drama de la historia, un ultrarrealismo que, a pesar de la paradoja, se refuerza con unos efectos especiales alucinantes –aunque en realidad sean discretos-, utilizados para hacer desaparecer las piernas de la protagonista. Hay que decir también, que la mezcla de esos efectos con el uso de actores conocidos, Cotillar en este caso, causa un pequeño despiste en el espectador, el cuál quizás intentará encontrar la trampa e intentará saber como se están ocultando esas piernas, desviándolo así un rato de la historia, por suerte, el interés argumental logra encauzar pronto ese pequeño problema.

Matthias Schoenaerts y Marion Cotillard hacen pues un trabajo en pantalla sobrecogedor, se hacen suyos unos personajes complejos y llenos de aristas, ambos afectados por la invalidez, aunque distinta en cada uno (física en el caso de Cotillard, emocional en Schoenaerts) afecta de igual modo en la psique de ambos. Condicionados entonces por un dolor que se convierte en parte imprescindible de ellos, cuándo está presente les confunde y les imposibilita, ella no puede andar, no puede seguir con su trabajo, disfrutar del baile como antes; en él la incapacidad se centra en no saber dar afecto, no saber amar, algo que causa problemas a la hora de educar a su hijo, de dar las gracias a su hermana, crear una empatía con aquellos similares a él. Pero cuándo el dolor no está presente lo buscan, necesitan encontrarlo, el dolor les recuerda que están vivos, les hace sentir y ser alguien, el sexo es un enlace al sufrimiento y es por eso que se consuma siempre de un modo sucio y frío; Alí se centra en el boxeo, allí encuentra un rincón para la felicidad, puede ser él mismo, no hay deporte más explicito para el dolor, Stéphanie huye de la calma buscándole a él, sólo sabe convivir con su dolor al combinarlo con el de Alí, gracias a él aprende a sobrellevarlo y hacerlo suyo, sus piernas, visualización explicita del sufrimiento que recae en ella, se hacen más visibles, las tatua, las convierte en su seña de identidad.

Luego está el mar, la liberación, el campo dónde se sienten libres e independientes, en el filme el agua es un personaje más, quieto y calmado, cuándo están en la playa es el momento en el que las preocupaciones desaparecen, aunque este sea también culpable o colaborador en los problemas que se les presentan. Cuándo ella tiene el accidente, el agua está presente, como si todo fuese un plan elaborado, cosa que se repite al final del filme, cuándo la desgracia vuelve a recaer. El mar parece que sepa que los protagonistas necesiten del dolor para seguir adelante, que este sea el único modo de encauzar sus caminos, y no evita que estos lo encuentren.

A pesar de estar inscrita en un ambiente pesimista, el filme no abandona el positivismo, eso si, sin ser nada explicito, aunque la pena sea la seña principal a lo largo de toda la historia ambos encuentran motivos en los que centrarse y conseguir evadirse, aunque finalmente sean estos otro acercamiento al dolor que siempre les persigue. La miseria es parte implícita en la vida y deciden no evitarla, si no convivir con ella.

Audiard crea un filme detallista que al terminar deja un poso importante en el espectador, y que hasta pasados unos días no olvidaremos. De oxido y hueso es una buena película y os la recomiendo.

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TÍTULO ORIGINAL De rouille et d'os (Rust & Bone)
AÑO 2012
DURACIÓN 120 min.
PAÍS Francia, Bélgica
IDIOMA Francés, Inglés
DIRECCIÓN Jacques Audiard
GUIÓN Jacques Audiard, Thomas Bidegain (Novela: Craig Davidson)
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Stéphane Fontaine
REPARTO Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Céline Sallette, Bouli Lanners, Alex Martin, Corinne Masiero, Tibo Vandenborre
PRODUCTORA France 2 Cinéma / Les Films du Fleuve / Page 114
GÉNERO Romance. Drama
TEMÁTICA Drama romántico. Discapacidad. Melodrama. Boxeo

SINOPSIS

De repente, Alí tiene que hacerse cargo de su hijo Sam, un niño de cinco años al que apenas conoce. Como no tiene casa, ni dinero, ni amigos, se refugia en Antibes, en casa de su hermana, que los acoge cariñosamente. Tras conseguir trabajo como portero en una discoteca, Alí conoce a Stéphanie, una domadora de orcas en el acuario Marineland. 

PREMIOS

2012: 4 Premios César, incluyendo mejor guion adaptado. 9 nominaciones
2012: Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor película de habla no inglesa y actriz (Cotillard)
2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes
2012: Critics Choice Awards: 2 nominaciones
2012: Premios BAFTA: 2 nominaciones, incluyendo mejor actriz
2012: Seminci: Mejor dirección, Mejor actor (Schoenaerts), Mejor guión
2012: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
2012: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea
 

CRÍTICAS

+ "Una tierna aunque fuertemente desromantizada historia de amor (...) 'Rust and Bone' presenta un impresionante, aunque un tanto pretencioso, ejercicio de contrastes" (Peter Debruge: Variety)

= "Si contratases a Albert Camus para escribir 'Rocky' podría salir algo como 'Rust and Bone', un esfuerzo quintaesencialmente francés para combinar pugilismo y sentimentalismo (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Kyle Smith: New York Post)

= "No es una obra maestra, pero la sigues con atención y desasosiego, nunca sabes lo que va a ocurrir, deja cierto poso." (Carlos Boyero: Diario El País)

= "La primera hora de la película resulta sencillamente magnética (...) Lástima que Audiard no se atreva a la tentación del precipicio y prefiera antes la seguridad de un desenlace demasiado extraño, cómodo, quizá torpe" (Luis Martínez: Diario El Mundo)
       
- "La primera parte es impecable (...) naufraga en su segunda mitad (...) Audiard se deja llevar por las estrategias del melodrama barato. (...) en sus peores momentos se acerca a la poética de un Iñárritu en baja forma" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Está filmada esta terrible y tierna historia muy desde dentro, (...) sin mostrar ni buscar compasiones. (...) el trabajo de la pareja protagonista, Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts, está muy próximo a lo grande." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Una película compleja, densa y casi siempre absorbente (...) 'De latir mi corazón se ha parado' o 'Un profeta' impresionaban, avasallaban. Esta última, además, conmueve profundamente." (Nando Salvá: Diario El Periódico)

+ "Una historia de amor sin romance que emociona gradualmente (...) se queda agarrada al pensamiento aún después de abandonar la sala de cine. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

- "Un tour de force dramático telegrafado a golpe de cliché. (...) más allá de su académica factura, la película acaba perdida entre un romanticismo tosco y un inquietante moralismo (de culpas y redenciones), que crece a medida que avanza la acción y que remite a los universos de Alejandro González Iñárritu y Paul Haggis" (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,6

- Filmaffinity: 7

- IMDB: 7,5

* Media: 7,4

TRAILER

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