DESAPARECIDA (SPOORLOOS)

Estremecedora. Así ha sido catalogada esta película ya de culto que da sentido a la palabra thriller. Desaparecida (Spoorloos) es una cinta europea –coproducida entre Holanda y Francia- dirigida por George Sluizer y que ha logrado convertirse en toda una película de referencia para posteriores filmes y series de televisión, lo que desmereció su correspondiente remake americano: Secuestrada (The Vanishing; 1993) de manos del mismo Sluizer, mucho más aligerado y por supuesto más cercano al clásico thriller noventero.

Una joven pareja holandesa, Saskia y Rex, toman el coche para tomarse unas vacaciones dirección Francia. En una estación de servicio dónde paran a descansar ella desaparece sin dejar rastro.
Raymond decide llevar a cabo un secuestro, por eso, tras varios intentos, decide ir a una estación de servicio dónde encontrará a su víctima.
Tres años después Rex sigue en la búsqueda de Saskia sabiendo que no la va a encontrar, pero su angustia le obliga a saber que es lo que realmente sucedió. Raymond intenta ponerse en contacto con él para contarle la verdad.

El filme de George Sluizer ha sido comparado con lo mejor del maestro del suspense, pues su premisa no puede ser más hitchockiana. Sabemos (o creemos saber) quién secuestró a Saskia, por lo que el desafío común en los thrillers de suspense por descubrir el autor del crimen queda totalmente descartado. Lo importante en Desaparecida no es el quién, si no el cómo y el porqué. De ahí ese acercamiento narrativo a obras del maestro como Extraños en un tren (Strangers on a Train; 1951), La soga (Rope; 1948) o Vértigo (De entre los muertos) (Vertigo; 1958) por citar a algunas. Pero no es solo narrativamente ese acercamiento, si no ese savoir faire tan europeo que tiene el filme y unos personajes cuyas motivaciones los podrían haber convertido fácilmente en protagonistas de cualquiera de los filmes de Alfred Hitchcock.

Otro de los aspectos que justifican la comparación es un sorprendente final que deja helada hasta la roca más dura, aunque ya muchos de los hijos que ha parido Desaparecida, -véase Perdida (Gone Girl; David Fincher, 2014), Buried (Enterrado) (Rodrigo Cortés, 2010) e incluso la obra maestra hecha serie llamada Twin Peaks (David Lynch, Mark Frost, 1990-1991)-, logran que ese final quede hoy algo más descafeinado, pues es inevitable la huella que ha dejado en varias producciones que desafían la sorpresa final del filme de Sluizer.

La película se estructura en dos partes, que gracias al acertado montaje alterno cruza dos conceptos en uno. Por una parte tenemos una película sobre la obsesión, representada por Rex, que poco a poco verá como ésta llega a eclipsar todo lo que le envuelve. Y por el otro lado el más interesante representado por Raymond, supuesto secuestrador. La lógica social que se esconde detrás de él es toda una radiografía de un sociopata extremo, un retrato personal muy estremecedor, un tipo familiar y trabajador que representa aquello que tantas veces hemos oído de “Parecía un buen vecino”.

Uno de los momentos clave y más acertados del filme sucede hacía el principio del metraje. Saskia le cuenta a Rex un sueño recurrente que le atormenta en el que se ve atrapada dentro de un huevo de oro mientras flota eternamente por el espacio, pero que la última noche tuvo una variante, aparecía otro huevo con el que colisionaba y entonces siente como todo termina. Entonces es cuándo la pareja se queda sin gasolina en medio de un túnel y Rex decide dejar sola a Saskia para ir a buscar repostaje. A la vuelta la chica no está, por lo que él arranca el coche hacía el final del túnel, dónde a contra luz aparece enmarcada la chica esperando la vuelta de Rex. La simbólica y lírica secuencia se convierte en una recurrente anticipación que se va inflando a lo largo de la película gracias a otros pequeños momentos, como cuándo ella entierra un par de monedas bajo un árbol de la estación de servicio para que él las vuelva a encontrar, y que en el plano final de la película veremos como se cierra el ciclo empezado por un sueño.

Desaparecida no es un thriller de nervio como los que hoy en día ocupan nuestras salas de cine, si no un filme que provoca ese nervio atacando directo al espectador, con una naturalidad que queda lejos del cine del Hollywood de Fincher, Nolan o Tarantino, más marcado y menos pausado. Un estilo con el que cuesta más quedar atrapado, pero que si entras no podrás escapar.

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TÍTULO ORIGINAL Spoorloos (The Vanishing) AÑO 1988 DURACIÓN 106 min. PAÍS Países Bajos (Holanda), Francia IDIOMA Neerlandés, Francés, Inglés DIRECCIÓN George Sluizer GUIÓN Tim Krabbé (Novela: Tim Krabbé) MÚSICA Henny Vrienten FOTOGRAFÍA Toni Kuhn REPARTO Bernard-Pierre Donnadieu, Gene Bervoets, Johanna Ter Steege, Gwen Eckhaus, Bernardette Le Saché, Tania Latarjet, Lucille Glenn PRODUCTORA Golden Egg Film / MFS Films / Ingrid Productions

GÉNERO Intriga. Thriller

TEMÁTICA Película de culto. Asesinos en serie. Thriller psicológico. Secuestros / Desapariciones

SINOPSIS

Rex y Saskia son una pareja de holandeses de vacaciones en Francia. En una gasolinera, Saskia desaparece sin dejar rastro. Rex dedica tres años de su vida a intentar encontrar a su novia sin éxito. Un día empieza a recibir postales de alguien que promete revelarle qué le pasó a Saskia. El supuesto secuestrador, un tipo llamado Raymond Lemorne, es un personaje escalofriante a quien Rex sigue la corriente en su obsesión de conocer la verdad sobre la desaparición de su amada. Y la verdad, quizá, sea más siniestra de lo que él nunca se atrevió a imaginar...

PREMIOS

1988: Premios del cine Europeo: Mejor actriz secundaria (Johanna ter Steege)
1990: Fantasporto: Mejor dirección. Nominada a mejor película.
1991: NBR: Mejor película extranjera

CRÍTICA

+ "Angustioso film sobre la búsqueda de una novia que desaparece sin dejar rastro. Sluizer, con pulso firme y desplegando gradualmente una tensión asombrosa, consigue un notable thriller psicológico cuya primera visión se llega a hacer casi insoportable. (...) implacable representación de la angustia." (Pablo Kurt: Filmaffinity)

+ "Es sencilla en su base y ejecución, con un ritmo pausado y exasperante, pero sorprende muy gratamente en su desarrollo y especialmente en su excelente desenlace." (Victor Lopez G.: Cine maldito)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,8		7,8
NOTA MEDIA: 7

TRAILER

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SCREAM 4

Pese a quién le pese Wes Craven fue un grande del cine de terror, quizás no se caracterizó por una filmografía abundante (aunque sobrepase la veintena de títulos), pero si que ha sentado cátedra en varias ocasiones. Sólo debemos partir de su primer largometraje, esa sádica -e independiente- apuesta llamada La última casa a la izquierda (The Last House on the Left, 1972) convertida rápidamente en una cinta de culto fruto del tráfico videoclubero, y obra que sería referenciada hasta la saciedad, llegando incluso a su remake en 2009. Craven continuó su sendero con otra cinta de bajo presupuesto que seguía con la crudeza insana de su anterior obra. Las colinas tienen ojos (The Hills Have Eyes, 1977) se inmiscuía en lo político y asentaba (junto con otras referentes de los 70, algunas de las normas básicas del slasher), una vez más carne de remake. Después de un par de títulos poco remarcables, aunque a alguno le parecerá La cosa del pantano (Swamp Thing, 1982) una película comiquera bastante defendible, llega el turno de el filme que le abriría las puertas a la fama y creador de uno de los más iconicos monstruos del terror contemporáneo, Freddy Krueger. Pesadilla en Elm Street (A Nightmare on Elm Street, 1984) es sin duda una de sus grandes obras, y la primera vuelta de tuerca al género del cine de terror para adolescentes, ya muy tocado por sagas anteriores como la de Jason Vorhees. Craven logra crear un ser del que es imposible escapar, la peor de las pesadillas de cualquiera, un éxito comercial que alargaría la saga durante años, para ser el propio Craven quién la cerrara de una vez por todas con La nueva pesadilla de Wes Craven (Wes Craven's New Nightmare [A Nightmare on Elm Street 7], 1994) en un adelanto metalingüístico de lo que todavía estaba por llegar. Tras un tiempo de otras obras menores e incursiones en televisión, de la que rescataría sin duda La serpiente y el arco iris (The Serpent and the Rainbow, 1988), una estupenda vuelta a los orígenes del zombi clásico y El sótano del miedo (The People Under the Stairs, 1991) sátira política de terror en la que queda claro el humor de Craven dentro del género. En 1996 llega el turno de uno de los filmes de terror que más marcó la década de los 90, un filme que volvería a conectar al público juvenil con el género y que renovaría por completo las normas del slasher. Por supuesto hablo de Scream. Vigila quién llama (Scream), película que no necesita demasiada presentación. En el 2000 cerraría con Scream 3 una saga que supo reinventarse a si misma hasta sacar la última gota, y con la que parecía que no se podía hacer mucho más, pero 10 años después Craven regresa con una nueva entrega Scream 4, la que se convertiría en su filme póstumo y cinta que hoy voy a reivindicar. Nos ha dejado el padre de Freddy, pero nos deja horas y horas de maratonianas sesiones de terror, de las que no podemos nunca cansarnos. Gracias.

Después de diez años Sidney Prescott vuelve a Woodsboro, su pueblo natal, para presentar su primer libro. Su regreso se convierte en una espiral de muertes que recuerdan a los acontecidos en años anteriores y que parece vuelven a traer la pesadilla a Prescott y todos los que la rodean.

Wes Craven consigue con su Scream 4 volver a atraer a su fiel público que dudosos de que se pudiera sacar más jugo a la saga quedamos sorprendidos al ver otra nueva vuelta de tuerca de Craven y su guionista Kevin Williamson. Lo mejor de todo es que Craven no solo atrae a generaciones pasadas si no que consigue atraer al más joven gracias sobretodo a la huella que dejó anteriormente y por supuesto al añadir (de un modo muy acertado) al reparto alguna joven estrella de la televisión como Emma Roberts o Hayden Panettiere, ambas estupendas en sus papeles. La mezcla de esta nueva sangre con el reparto original del filme hace de Scream 4 una película completa que juega con la nostalgia y la novedad.

Pero eso no queda solo impreso en sus protagonistas, ya que si una cosa buena tiene el último filme de Craven es que parece saber sintetizar muy bien el paso de estos diez años en en género del terror. El guión de Williamson sabe captar muy bien todas aquellas referencias del último cine y se las apropia para crear una nueva vuelta de tuerca a la saga, convirtiéndola en un producto que ya va más allá del metalenguaje, que asimila por completo los nuevos lenguajes de Internet y los transporta a la pantalla de manera más que elegante. Scream 4 sigue a sus hermanas, y se autoreferencia una vez más en un ejercicio que parecía imposible.

Más allá de toda referencia a la propia saga existe el abrazo a los grandes éxitos comerciales del terror que tienen cabida en multiples ocasiones en ésta última obra, además de reflexionar sobre el cine que nos ocupa hoy en día, esa espiral de remake inacabable de la que parece salva algunas películas de la quema, al saber adaptar a los tiempos de hoy filmes de culto para muchos. Al fin y al cabo Scream 4 no deja de ser eso, un auto-remake, y no duda en dejarlo claro en todo momento de una forma más que acertada. Y por supuesto no falta aquella dosis de humor, que hace que la terrible saga paródica que bebe de ella: Scarey Movie, sea simplemente un producto que se aprovecha del éxito y no logra alcanzar las dosis autoparodicas que el propio Craven ofrece en su filme.

Esa síntesis ya podemos hacerla con la primera parte del filme, una genialidad que abre suculentamente la película y que ya nos prepara para lo que vamos a ver. Los instantes previos a la acción principal de Scream 4 se convierten no solo en una autoreferencia de lo más notable si no en todo un resumen de lo que estamos por ver. Los diálogos ya reflexionan sobre el asunto del nuevo espectador consumidor del porno-terror y de sus nuevas pantallas en Internet, además de la reflexión sobre la falta de ideas originales en Hollywood y como no en a recordarnos algunos de los momentos clave de los capítulos anteriores e la saga, y tan importantes para esta última entrega.

La acción transcurre una vez más como las anteriores, muertes en manos de uno o unos asesinos enmascarados que nos confunden y nos llevan de un lado para otro, haciéndonos dudar de quién se esconde tras la mascara de Ghostface, hasta una resolución que seguramente nos volverá a sorprender reforzando todo el sentido de lo que se nos quería transmitir con el filme. En ese sentido quizás alguno pueda achacar al filme de repetitivo, pero lejos de ello nos encontramos con un "lo mismo de siempre" pero todavía con capacidad para sorprender, algo muy complicado en uno de los géneros del terror más machacados.

Scream 4 es estupenda, y disfrutar de una maratón de la última saga de Craven es sin duda una de las mejores ideas para rendirle homenaje. Yo de vosotros iba preparando las palomitas y encendiendo las pantallas, y me iba preparando la respuesta por si alguien al otro lado de la línea telefónica os pregunta en algún momento aquello de "¿Cuál es tu película de terror favorita?".

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TÍTULO ORIGINAL Scream 4 (SCRE4M) AÑO 2011 DURACIÓN 111 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Wes Craven GUIÓN Kevin Williamson MÚSICA Marco Beltrami FOTOGRAFÍA Peter Deming REPARTO Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Emma Roberts, Marley Shelton, Hayden Panettiere, Adam Brody, Mary McDonnell, Anthony Anderson, Rory Culkin, Kristen Bell, Anna Paquin, Lucy Hale, Nico Tortorella, Erik Knudsen, Britt Robertson, Aimee Teegarden, Marielle Jaffe, Alison Brie, Shenae Grimes, Heather Graham PRODUCTORA Dimension Films

GÉNERO Terror. Thriller. Intriga

TEMÁTICA Slasher. Sátira. Comedia negra. Secuela. Asesinos en serie. Cine dentro del cine. Comedia de terror

SINOPSIS

Cuarta entrega de la popular saga de terror "Scream". Sidney Prescott ha logrado olvidar los asesinatos cometidos en Woodsboro. Diez años después, convertida en una escritora de éxito, vuelve a su pueblo natal con motivo de la gira de promoción de su nuevo libro. Pero su regreso irá acompañado de una nueva ola de crímenes perpetrados por un viejo conocido: Ghostface.

CRÍTICA

+ "Las cartas de la parodia, el humor negro, el elemento cafre y la retahíla de guiños al género, materiales de base de la serie, están bien jugadas (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

= "Si bien la película no aprovecha del todo las posibilidades brindadas, el oficio que se desprende de la puesta en escena (...) garantiza una buena digestión de sustos y de escenas estresantes" (Sergio F. Pinilla: Cinemanía)

+ "Un primer cuarto de hora extraordinario (...) siempre hay algún diálogo brillante sobre las reglas del género que rescata al fan de la monotonía" (Javier Ocaña: Diario El País)

= "Lo que hay que recomendar es, sobre todo, que no lleguen tarde a la película porque el comienzo es el principio y el final de lo que hay que ver" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

= "Entremedias de un comienzo diabólicamente divertido y una sorpresa final, 'Scream 4' sólo ofrece una serie de muertes gore que se hacen pesadas y repetitivas. (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

- "El deseo de saber lo que hicisteis el último capítulo es probable que sea el mayor aliciente de este 'cuatro', pero si de verdad esta resulta ser la última de la serie, es una maldita vergüenza que no termine con un grito, sino un quejido. (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (David Hughes: Empire)

+ "Wes Craven es un buen director y la película está hecha con cierto estilo e ingenio (...) 'Scre4m' da exactamente lo que el público espera (...) Puntuación: ** (sobre 4)" (Robert Ebert: Chicago Sun-Times)

- "Descansa en clichés obvios que ya no parecen irónicos, sino facilones. Y aunque hay algunos escalofríos genuinos, el pobre ritmo deja demasiado tiempo entre la tontería y los sustos (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Elizabeth Witzman: New York Daily News)

- "Pretenciosa, demasiado larga y sobrecargada con autoreferencias de género (...) no es el afilado reinicio que estaban esperando los fans" (Dennis Harvey: Variety)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,1		6,2
NOTA MEDIA: 5,9

TRAILER

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THE VOICES

Después de que Marjane Satrapi nos dejara anestesiados con su inmensa ópera prima Persépolis (Persepolis; 2007) que dirigió junto a Vincent Paronnaud, película de gran importancia histórica no sólo para el cine de animación sino para el cine en general, y que adaptaba su también imprescindible novela gráfica homónima. Una obra autobiográfica de mensaje anti-belicista que ha catapultado a Satrapi al éxito. La artista de origen iraní siguió su aventura cinéfila estrenando cuatro años después otra adaptación de otros de sus cómics, una vez más junto a Paronnaud. Pollo con ciruelas (Poulet aux prunes; 2011) deja atrás la animación para apostar por los actores de carne y hueso, algo que no terminó de convencer a la crítica. Satrapi abandona Paronnaud en 2012 para presentar La banda de Jotas (La Bande des Jotas; 2012), película que a pesar de estar rodada en España está prácticamente inédita en nuestro país. En esta nueva producción la directora cambia completamente de registro para adentrarse en el mundo del humor negro y gamberro, algo con lo que seguiría trabajando en su última producción The Voices, el filme que hoy os traigo. 

Jerry tiene nuevo trabajo como embalador en una empresa de bañeras dónde conoce a Fiona, una hermosa chica de la que no puede evitar enamorarse. Jerry tiene como amigos a Bosco y el Sr. Bigotes, un perro y un gato con los que suele hablar para escuchar sus consejos, aunque Jerry debería escuchar más los consejos de la Dra. Warren y tomar su medicación. 

El nuevo registro de Satrapi se basa en el humor negro y como ella ha dicho, un cine de entretenimiento, lo que le apetecía hacer, simplemente divertirse. El problema de hacer algo así viene cuando se parte de un guión poco apasionado, pues la mejor manera de disfrutar un filme gamberro es precisamente con las salidas de tono. Pero en The Voices todo se queda corto y en lo único que destaca es en una puesta en escena que roza lo kitsch sin llegar a ello, usada esencialmente para ilustrar el estado mental de su protagonista. Por lo demás es una película que utiliza el tópico fácil y no se adueña de él, por lo que no consigue reírse del mismo si no que lo utiliza como una herramienta poco trabajada que realmente no llega a sorprender. En definitiva, causa poca risa.

Salva el resultado el indiscutible trabajo actoral, este sí, entregado totalmente a dar vida a sus personajes. Hay que partir de Ryan Reynolds, quién sabe pasárselo bien con su esquizofrénico personaje, dándole un toque muy cercano al más que mítico Patrick Bateman de Christian Bale en American Psycho (Mary Harron; 2000), pero desde el cariño y con un descontrol más comedido, pues Jerry no deja de ser una persona ambivalente con sus deseos, afectados por su enfermedad. El reparto femenino que encabeza Gemma Arterton, en uno de los géneros que mejor se le da: la comedia. La actriz da vida a una chica aprovechada que confunde mucho más a Jerry, y Arterton la conduce con soltura, al igual que Anna Kendrick, que incluso llega a destacar mucho más aunque sea con un personaje algo más secundario. El broche de oro lo da la siempre estupenda Jackie Weaver, la psicoterapeuta de Jerry. Weaver siempre sabe dar lo mejor de ella, y eso es indiscutible, esta vez no iba a ser menos, con pocos filmes en sus espaldas esta mujer ya ha demostrado lo bien que se desenvuelve en cualquier género, una maravilla.

Conclusivamente la salida de tono de Satrapi es un desaliento para cualquier fan de la artista. Difícilmente The Voices vaya a contentar a nadie, y se presenta tan solo como un entretenimiento de lo más descafeinado, algo nada positivo para un filme que debería ser todo lo contrarío, le falta garra, mala leche y un humor mucho más marcado. Incluso sus créditos finales llegan a sorprender más que todo el conjunto del filme. Con ello se deja ver, aunque no tenga sorpresas que darnos.

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TÍTULO ORIGINAL The Voices AÑO 2014 DURACIÓN 103 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Marjane Satrapi GUIÓN Michael R. Perry FOTOGRAFÍA Maxime Alexandre REPARTO Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick, Jacki Weaver, Stephanie Vogt, Adi Shankar, Gulliver McGrath, Paul Brightwell, Ricardia Bramley, Helena Prince PRODUCTORA Lionsgate / 1984 / Mandalay Vision / Vertigo Entertainment

GÉNERO Comedia. Thriller

TEMÁTICA Comedia negra. Thriller psicológico. Crimen. Asesinos en serie. Enfermedad. Animales. Perros y lobos. Gatos

SINOPSIS

Jerry vive en un piso con la única compañía de su perro Bosco y de su gato Mr. Whiskers. Hasta aquí todo parece normal, pero cuando conoce a la bella Fiona, nuestro protagonista llega a su casa y no duda en contarle a sus animales de compañía sobre el encuentro. Evidentemente, ellos contestan.

PREMIOS

2014: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso
2015: Gérardmer Filml Festival: Premio de la audiencia. Premio del jurado

CRÍTICA

+ "Un híbrido de género salvaje y, a ratos, hilarante, que ofrece una impresionante interpretación de Ryan Reynolds" (Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter)

= "Ryan Reynolds hace su mejor Norman Bates en una sátira de asesinos en serie con apariencia de chorrada romántica" (Peter Debruge: Variety)

- "'The Voices' intenta llegar a la interesección entre terror y comedia, pero cae en un extraño valle de tediosa repugnancia" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Es, al mismo tiempo, bizarra, divertida, perturbadora y llena de suspense (...) Satrapi evita lo predecible en casi todos los giros (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Ryan Reynolds está pavorosamente perfecto (...) Satrapi se mueve sin esfuerzo entre el gore serio y lo alegremente absurdo (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Sara Stewart: New York Post)

PUNTUACIONES

 

	5,0		6,1		6,4
NOTA MEDIA: 5,8

TRAILER

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LA ISLA MÍNIMA

Tan solo llevan dos ediciones y los Premios Feroz ya empiezan a ser toda una referencia en nuestro país. La Asociación de Informadores Cinematográficos de España son los encargados de dar vida y premiar al mejor cine español del año, algo así como unos Globos de Oro de nuestro cine. Un pequeño adelanto a lo que sucederá en la entrega de los premios hispanos más gordos: los Goya. Así, en esta edición, La isla mínima a sido la que se ha llevado el mayor reconocimiento como mejor película, además de otros cuatro premios que la postulan como la favorita para los Goya, por encima de Magical Girl (Carlos Vermut, 2014), la cinta que causó furor en San Sebastián y que tampoco se ha ido de vacío, ganando un total de cuatro premios y prometiendo dar guerra en la batalla final.

Una pareja de policías son enviados al sur de España a investigar la extraña desaparición de dos muchachas. Allí descubrirán un pueblo anclado en el pasado, dónde los secretos no ayudan a encontrar ninguna pista sobre un brutal asesino.

No es de extrañar que la película de Alberto Rodríguez, que tras su exitosa Grupo 7 (2012) confirma sus dotes a la hora de construir estupendos thrillers policíacos, sea totalmente reconocida como una estupenda película, ya sea por el público o por la crítica. Lo curioso, es que gran parte del público ha quedado algo confuso con un final que ha dado mucho que hablar, y que en realidad no es tan complicado como aparenta ser. El problema está en que el guión peca de dejar demasiado margen al espectador, algo que por si solo no es tan malo (todo lo contrario), pero que si lo sumamos a una puesta escena algo confusa en el momento del clímax, dónde no terminamos de ver quién es quién en el juego resolutivo que presenta, despista demasiado al espectador y corre el peligro de no dejar que éste termine de atar cabos. Algo que por suerte puede solventarse con un segundo visionado.

Sin querer dar demasiados detalles sobre ese final, si puedo adelantar que es sencillo darse cuenta de como la ideología de los personajes principales es la pieza clave para no perderse en el entramado. El dúo, que combina a la perfección, nos va acercando poco a poco a través de pequeños detalles hasta un claro entendimiento del final del caso policial, no es cuestión de fijarse solo en los últimos momentos, si no en todo su conjunto, y es precisamente eso lo que hace de La isla mínima un thriller de altura.

Si he empezado la casa por el tejado, hablando directamente del final, es precisamente porque resulta curioso que aunque el espectador termine algo confuso, en ningún momento es capaz de despreciar la película, demostrando que este es capaz de conformarse disfrutando de otros elementos más jugosos y que van más allá de los aspectos narrativos del guión.

Por un lado tenemos las sublimes interpretaciones de Raúl Arévalo y Javier Guitiérrez. Quizás pueda parecer que no destacan en exceso, pero ambos actores saben adaptarse a las exigencias de sus personajes, cumpliendo con su tarea de un modo que roza lo perfecto. Tanto uno como el otro han sabido mostrarnos como de camaleónicos pueden ser, y eso justifica cualquier premio que les ha sido entregado.

Sin olvidar la estupenda y tan comentada fotografía que ha ensimismado a más de uno, al transformar los paisajes de las marismas del Guadalquivir en una localización enigmática y asfixiante, además de una banda sonora de igual altura, es fácil darse cuenta del cuidado de todos los detalles. Tanto la ambientación como los personajes secundarios (muy bien elegidos, y completamente entregados), que responden correctamente a la localización, algo que aunque pueda parecer básico para la credibilidad de una película, por desgracia no suele ser lo más común en muchas producciones.

El filme no solo habla de la historia de un crimen, si no también de una época y una idiosincrasia muy concreta, una combinación muy buena par una película que busca ir mucho más allá. Alejándose de tópicos (especialmente geográficos), entra de lleno en una radiografía del ser humano mucho más precisa, ahí aparece un filón a la serie de culto Twin Peaks (David Lynch, Mark Frost, 1990-1991) (algunos han querido relacionarla con True Detective [Nic Pizzolatto, Cary Joki Fukunaga, 2014], pero al final todo viene del mismo sitio), dónde se nos muestran -o más bien no- los secretos de la gente del lugar, aunque esta parezca de bien. 

Siguiendo con la relación sobre la serie de culto, dónde también nos encontrábamos ante un pueblo remoto y lleno de secretos convertido en escena de un crimen, nos topamos con más relaciones influyentes. El más claro, después del narrativo, son los momentos oníricos con los pájaros, algo que el en filme de Rodríguez va directamente relacionado con la construcción de los personajes, de los cuales no se nos cuenta directamente su pasado, si no que se van dejando pequeñas pistas a cuenta-gotas huyendo de la simpleza narrativa. Gracias a ello se consigue ahondar mucho más en su final argumental, que va mucho más allá de los aspectos clásicos del género, para plantearnos un reto filosófico sobre la herencia identitária (particularmente sobre nuestro país), muy proclive a invitarnos a la reflexión, y que deja con un buen sabor de boca al darnos cuenta del tiempo bien empleado en el filme.

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TÍTULO ORIGINAL La isla mínima AÑO 2014 DURACIÓN 105 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Alberto Rodríguez GUIÓN Alberto Rodríguez, Rafael Cobos MÚSICA Julio de la Rosa FOTOGRAFÍA Alex Catalán REPARTO Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesús Castro, Mercedes León, Manolo Solo, Jesús Carroza, Cecilia Villanueva, Salvador Reina, Juan Carlos Villanueva PRODUCTORA Atresmedia Cine / Atípica Films / Sacromonte Films

GÉNERO Thriller. Intriga. Cine negro

TEMÁTICA Policíaco. Años 80. Asesinos en serie. Secuestros / Desapariciones. Vida rural

SINOPSIS

España, a comienzos de los años 80. Dos policías, ideológicamente opuestos, son enviados desde Madrid a un remoto pueblo del sur, situado en las marismas del Guadalquivir, para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En una comunidad anclada en el pasado, tendrán que enfrentarse a un feroz asesino.

PREMIOS

2014: Premios Goya: 17 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de San Sebastián: Mejor actor (Gutiérrez) y fotografía
2014: Feroz: Mejor película dramática, mejor dirección, mejor actor (Javier Guitiérrez), mejor música original, mejor tráiler. 5 Nominaciones
2014: Premios del Círculo de escritores cinematográficos: 8 Nominaciones. Incluyéndo mejor película.
2014: Fotogramas de plata: Mejor película española
2014: Gaudí: Nominada a mejor película europea
2014: Premios Forqué: Mejor película, mejor actor (Javier Gutiérrez). 1 Nominación.

CRÍTICA

+ "Este thriller, magníficamente realizado y con una rica textura, es una de las películas españolas más potentes del año. (...) cine negro que ofrece tensión a diferentes niveles" (Jonathan Holland: The Hollywood Reporter)

+ "Un drama policíaco asombrosamente elegante (...) magnífica dirección de arte (...) Rodríguez consigue una narrativa sólida" (Fionnuala Halligan: Screendaily)

+ "Alberto Rodríguez te engancha con los anzuelos más sólidos y menos tramposos." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Sin duda, la cinta española más reveladora del año." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Película triste, crepuscular, magníficamente filmada por fuera como por dentro, con un pulso que no deja ni un instante de latir (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Thriller de alto nivel, fibroso y apasionante, que revalida el talento para el género de Alberto Rodríguez (...) impecables Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Rodríguez coge carrerilla hacia la película perfecta. (...) mirada con denominación de origen que el director lleva cultivando desde el salto en bomba a la piscina de '7 vírgenes' (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

+  "Una gran, inmensa película. Pegada a la realidad pero al mismo tiempo, inteligente pasatiempo. Denunciatoria pero sutil, el director respeta a su espectador (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Mirito Torreiro: Fotogramas)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,4		7,6
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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TUSK

Después de su primer contacto con el terror en la criticada, aunque excelente, Red State (2011), Kevin Smith ataca de lleno al género con una propuesta de lo más singular: Tusk.

Wallace Bryton es uno de los conductores de un podcast sobre historias increíbles. Cuándo se dirige a Canadá para entrevistar a un chico que se cortó las piernas probando una katana, descubre que el joven ha fallecido y se queda sin reportaje. Para aprovechar el viaje, Wallace buscará una nueva noticia con la que saciar a sus oyentes, es entonces cuándo conoce al enigmático Howard Howe, un peculiar hombre que hará sacar el lado más animal de Wallace.

Smith echa mano de uno de los podcast semanales de SModcast que conduce junto a Scott Mosier Are, adaptándolo para la gran pantalla. Así nace una historia de lo más bizarra e imaginativa, un delirio único que no deja indiferente a nadie.

De entrada nos topamos con una cinta de terror la cual no sabemos hasta dónde nos va a conducir. Tras la aparición del personaje de Howard How la película toma un tono realmente terrorífico, que por un momento nos hace pensar que el común trato cómico de Smith va a ser escaso en el filme. Pero el metraje no se hace de rogar, cualquier indicio que nos pueda marcar que vamos a pasar miedo con la película desaparece rápidamente para ofrecernos una historia delirante, dónde el surrealismo narrativo hace gala de los acontecimientos más disparatados.

Tusk sería estupenda si no fuera tan solo por un motivo: que Smith se queda corto. Teniendo entre manos una historia de tal calibre, lo mejor para el espectador es arrollar con todo, y subir el listón de lo grotesco hasta el punto más álgido posible, pero el director de Clerks (1994) se queda sumido en un limbo en el que no alcanza ese nivel, y un filme que podría haber llegado a ser comparado con las primeras y más gamberras obras de Peter Jackson (hablo por ejemplo de Mal gusto [Bad Taste; 1987] o Braindead [1992]), queda algo descafeinado, dejándonos con una película un pelín grotesca, pero muy tamizada.

Algo que llama poderosamente la atención en Tusk es el reparto. De entrada nos topamos con Haley Joel Osment, un choque visual muy potente para los que teníamos olvidados al actor que dio vida al pequeño niño que hablaba con fantasmas en El sexto sentido (The Sixth Sense; M. Night Shyamalan, 1999), y que lo vemos aparecer en todas nuestras narices sin esperarlo, una contribución que aunque no sea de especial relevancia, debemos reconocer que impacta. Luego tenemos al genuino Michael Parks, una de las mejores cosas que puede pasar a un filme de Smith, como ya vimos en Red State. El actor vuelve a demostrar una vez más su facilidad con personajes excéntricos, sumando otro más a su lista de estupendas contribuciones al cine indie gamberro (no olvidemos que también es uno de los recurrentes en la filmografía de Tarantino); y completan el reparto estupendas contribuciones de Justin Long como protagonista, o para mi una desconocida Genesis Rodriguez, que sabe bien hacer su papel. Hay que tratar a parte la contribución de Johnny Depp, caracterizado de un modo que le hace casi irreconocible, y que da vida a un viejo policía charlatán de lo más curioso.

La verdad es que es una pena que un filme que podría haber sido un desvarío bien gordo, al final quede en una película bizarra de lo más suave, se echa de menos más mala leche en un guión que por contra rezuma genialidad en sus palabras. El filme de Smith es una película que no va a poner de acuerdo a nadie, ya que o te va ha encantar o simplemente te va a horrorizar, eso sí, no deja indiferente.

PD: Parece que Kevin Smith ya está preparando un spin-off de esta película, en que van a tomar el protagonismo las dos de las dependientas de la gasolinera -quizás de los mejores personajes que aparecen en el filme-, y dónde se rescatarán también otros de los que hemos visto en Tusk, como el detective interpretado por Johnny Depp.

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TÍTULO ORIGINAL Tusk AÑO 2014 DURACIÓN 102 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Kevin Smith GUIÓN Kevin Smith MÚSICA Christopher Drake FOTOGRAFÍA James Laxton REPARTO Justin Long, Haley Joel Osment, Genesis Rodriguez, Michael Parks, Ralph Garman, Johnny Depp, Harley Morenstein, Bill Bennett, Rob Koebel, Paula Jilling, Jennifer Schwalbach Smith, Harley Quinn Smith, Lily-Rose Melody Depp, Ashley Greene, Doug Banks, Matthew Shively PRODUCTORA Demarest Films / Phase 4 Films / SModcast Pictures

GÉNERO Terror. Thriller. Comedia

TEMÁTICA Comedia de terror. Secuestros / Desapariciones. Asesinos en serie. Comedia negra

SINOPSIS

“¡No quiero morir en Canadá!”, suplica Wallace Bryton, un popular podcaster al que una serie de eventos ha llevado hasta la frontera de Canadá donde vive Howard Howe, que una vez fue salvado por una morsa. Misántropo extremo, Howe tendrá una forma muy poco ortodoxa de sacar a Wallace su lado más “animal”.

PREMIOS

2013: Sitges: Fuera de concurso
2014: Fright Meter: Nominada a mejor actor de reparto (Michael Parks)

CRÍTICA

+ "Smith nos ofrece una sorpresa sacada de la manga que se encuentra entre sus mejores trabajos." (Scott Foundas: Variety)

+ "Una rareza lista para convertirse en una película de culto que se sostiene en la inspirada interpretación de Michael Parks." (John DeFore: The Hollywood Reporter)

+ "'Tusk' aterriza en el territorio de 'Human Centipede' en lo que respecta a su crudeza - es una advertencia, no una queja - pero también tiene una cualidad genuinamente evocadora" (Clark Collis: Entertainment Weekly)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,4		5,6
NOTA MEDIA: 5,7

TRAILER

VER TAMBIÉN

MILLENNIUM 2: LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA

Hace tiempo tenia pendiente seguir con la trilogía sueca de la hiper-vendida novela homónima Millennium escrita por el fallecido Stieg Larsson. Después de quedar mínimamente satisfecho de la primera parte, la cual logró resumir en poco más de dos horas un libro de casi novecientas páginas, adaptando el relato al medio sin perder la esencia del mismo, esencialmente esa denuncia al sistema patriarcal tan rancio en un país que se supone de lo más abierto, logrando a la vez un suspense notable que te mantenía atento a la pantalla y una realización más que suficiente para un producto pensado para la televisión. En esta segunda parte, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, la trama se abría mucho más, por lo que la adaptación requería de un mayor de esfuerzo si se quería anunciar con el nombre de Larsson en cartel, trabajo que se dejó a manos de un nuevo director, Daniel Alfredson.

Ya ha pasado más de un año de la investigación sobre la familia Vanger que llevó a cabo Mikael Blomqvist con la ayuda de la enigmática hacker Lisbeth Salander. Ahora Blomqvist ha salido de prisión y tiene entre-manos un nuevo reportaje sobre trata de blancas con un nuevo colaborador, Doug. Pero este aparece muerto antes de terminar su artículo, y todo conduce a que el asesino es la misma Salander, algo que Blomqvist no cree posible.

A pesar del pequeño cambio de estilo y narrativa, esta segunda entrega de Millennium consigue no perder el hilo de su antecesora, pero al tener detrás un relato mucho más complicado, intenta simplificarlo hasta el punto de perder parte del estupendo mensaje que sí tenía la película de Niels Arden Oplev, y que se esconde tras la investigación de la trata de blancas, que en el filme de Daniel Alfredson sirve tan solo como excusa para centrarse de lleno en sus protagonistas, olvidando que esa excusa era en realidad la base de la historia que nos quería contar. Lo que si es cierto es que el complicado trabajo de contar en pantalla algo que en el texto se presenta como farragoso, se consigue hasta un punto de simplificación casi increíble, que se resuelve con algunos diálogos de más profundidad narrativa que intentan contarnos lo profundo del caso.

De este modo nos queda un filme algo más descafeinado, que parece que sólo quiera aprovechar el tirón de un personaje tan emblemático y excéntrico como el de Lisbeth Salander, interpretado por una mayúscula Noomi Rapace, olvidando por competo lo realmente interesante del relato.

Así, Millennium 2, se presenta como un simple thriller dramático, que aunque le falte garra se deja ver con piedad, y que a pesar de su extensa duración es apto para verse, siempre y cuándo hayamos antes disfrutado con su anterior parte.

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TÍTULO ORIGINAL Flickan som lekte med elden AÑO 2009 DURACIÓN 129 min. PAÍS Suecia IDIOMA Sueco  DIRECCIÓN Daniel Alfredson GUIÓN Jonas Frykberg (Novela:Stieg Larsson) MÚSICA Jacob Groth FOTOGRAFÍA Peter Mokrosinski REPARTO Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Sofia Ledarp, Hans Alfredson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Paolo Roberto PRODUCTORA Yellow Bird Films / Nordisk Film / ZDF Enterprises / Sveriges Television

GÉNERO Thriller. Intriga

TEMÁTICA Secuela. Asesinos en serie. Prostitución. Crimen. Corrupción. Abusos sexuales

SINOPSIS

Lisbeth Salander es buscada por la policía, tras verse envuelta en el asesinato de dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia. Sin embargo, Lisbeth es más un ángel vengador que una víctima indefensa, y arremete con justa ira sobre los que la han herido... Segunda parte de la trilogía Millennium, adaptaciones de las exitosas novelas de Stieg Larsson.

PREMIOS

2009: Premios Guldbagge (Suecia): 2 nominaciones

CRÍTICA

- "Larsson para unos pocos. (...) Entre los hilos argumentales más trascendentes y la intriga más convencional, han elegido lo segundo. (...) han desaparecido desde tramas insustanciales hasta otras más básicas" (Javier Ocaña: Diario El País)

= "Mantiene el interés gracias a los recursos narrativos del thriller americano pero la incertidumbre y el interés por el destino de los personajes se pierden en una narración larga y derivativa. (...) Puntuación: ★★ (sobre 5)." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,9		7,1
NOTA MEDIA: 6,2

TRAILER

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