FÉTICHE (LA MASCOTA)

Si Barcelona no os queda lejos, tenéis pensado visitarla pronto o simplemente vivís allí, no podéis dejar pasar la oportunidad de visitar una de las exposiciones que recoge hasta el 7 de setiembre el Centro de Cultura Contemporánea (CCCB), una oportunidad única de ver una recolección de la obra de tres grandes maestros de la animación y el arte de las marionetas, que se encuentran por primera vez conjuntamente en una sala. Jacinto Antón la describía así en su artículo para El País:

“Hay un lugar en el que viven nuestras fantasías más extrañas, las hadas y los monstruos, la belleza y lo grotesco, la perversión y la inocencia, la creueldad y la voluptuosidad, la magia y la insania, las estrellas y los insectos. Ese lugar, el Otro Lado, se encuentra normalmente en una habitación recóndita de nuestra alma y solo es accesible en sueños y pesadillas, o en vigilias enajenadas. Ahora ha abierto una puerta en el CCCB, que invita a revisar la palabra asombro."

Una exposición extraordinaria para cualquier amante de la animación, el surrealismo, el cine, o simplemente para disfrutar con el increible imaginario de Ladislas Starewitch, Jan Švankmajer  y los hermanos Stephen y Timothy Quay.

“El visitante de un gabinete de curiosidades tendría que salir de él metamorfoseado, renacido, porque se ha sometido a un ritual de iniciación. Al irse, el visitante del museo tendría que tener un conocimiento más amplio del mundo o más educación que al entrar.” Jan Švankmajer

Las palabras del artista surrealista checo sirven para hacernos una perfecta idea de lo que supone visitar una instalación como Metamorfosis, el cruce de las tres filmografías que a pesar de ser tan singulares presentan grandes rasgos en común, dónde la magia y la excentricidad, la pureza y la maldad, lucen como armas visuales perfectas para alcanzar los recovecos más escondidos de nuestras mentes, corazones y estómagos. La provocación de Švankmajer, los personajes en el limbo de los gemelos Quay y la fantástica imaginación de Starewitch se resisten a toda convención narrativa, e incorruptibles a todo ataque impuesto.

Para ilustrar la entrada de hoy, en relación con la exposición, he elegido a uno de mis favoritos: Starewitch, el maestro del stop-motion del que ya os hablé al presentar uno de sus mejores trabajos, El cuento del zorro (Le Roman de Renard; 1930) y del que hoy os hablaré a través de Fétiche (La mascota), primer trabajo dónde aparece una de sus más míticas marionetas: el perro Fétiche.

Starewitch es especialmente conocido por por sus relatos inspirados en fábulas y cuentos populares, pero sin duda también por ser capaz de crear los suyos propios, algo que le valió para que le reclamaran en Hollywood, especialmente gracias a las diferentes producciones dónde apareció el can protagonista de hoy. El artista dio la espalda a las propuestas americanas y siguió trabajando para él mismo, enfrascado en sus obras compuestas por una base de humor absurdo relacionado con Gogol, la poesía y sobretodo, la sátira política.

Nos encontramos en un taller de juguetes dónde viven una mujer y su enferma hija. La pequeña desea probar el sabor de una naranja, mientras su madre rompe en sollozos por no poder dar a su niña una vida mejor. La mujer ha enviado una nueva partida de juguetes cosidos por ella misma, pero durante el viaje estos cobran vida y escapan del repartidor. Uno de ellos es Fétiche, un pequeño perro que no puede olvidar los deseos de la niña, e intentará por todos los medios volver a casa y hacerla feliz.

Nos topamos con la primera aparición del perro en una de las películas de Starewitch, un mediometraje que presenta su personaje como un animal de peluche de gran corazón y que volveremos a ver en dos cortometrajes más: Fétiche prestidigitador (Fétiche prestidigitateur; 1934) y Fétiche de viaje de bodas (Fétiche en voyage de noces; 1936).

El filme entremezcla la aparición de actores de carne y hueso con la animación stop-motion marca de la casa, para construir uno de los mensajes de fuerte carga social y crítica política también sello del artista de origen polaco. El uso de muñecos junto a objetos cotidianos, convierte algunos de los pasajes de Fétiche en pura poesía onírica, dónde los impresionantes y cuidados detalles no dejan indiferente al espectador. La artesanía a la que somete Starewitch a su trabajo deja lejos algunas de las actuales propuestas de animación fotograma a fotograma, y no sólo eso, si no que deja una herencia tremendamente presente en obras hoy muy reivindicadas que echan uso de la técnica como Pesadilla antes de Navidad (The Nightmare Before Christmas; Henry Selick, 1993), James y el melocotón gigante (James and the Giant Peach; Henry Selick, 1996), Wallace & Gromit: La maldición de las verduras (Wallace & Gromit: the Curse of Were-Rabbit; Nick Park, Steve Box, 2005), La novia cadáver (Tim Burton's Corpse Bride; Tim Burton, Mike Johnson, 2005) o Fantástico Sr. Fox (Fantastic Mr. Fox; Wes Anderson, 2009), sin olvidar a otras que no utilizan el stop-motion tan importantes y premiadas como la propia Toy Story (John Lasseter, 1995) o El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi; Hayao Miyazaki, 2001), no es casualidad que Burton, Park, Lasseter o Anderson hayan elogiado el trabajo de Starewitch, y tampoco que Švankmajer lo haya bautizado como el "Méliès de la animación" y haya sido un maestro para los hermanos Quay, con los que hoy comparte exposición.

Si queréis ver con vuestros propios ojos las maravillosas imágenes de Fétiche os recomiendo visitar Metamorfosis sin dudar, tenéis tiempo hasta el 7 de setiembre, y si os queda mejor Madrid se trasladará a La Casa Encendida a partir de octubre. La experiencia es única.

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TÍTULO ORIGINAL Fétiche - Fétiche mascotte (The Mascot) (Stuffy's Errand of Mercy) AÑO 1933 DURACIÓN 39 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Wladyslaw Starewicz GUIÓN Wladyslaw Starewicz MÚSICA Edouard Flament FOTOGRAFÍA Wladyslaw Starewicz (B&W) PRODUCTORA Gelma-Films

GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras

TEMÁTICA Stop Motion. Mediometraje. Marionetas. Puppet Motion. Cine Social. Pobreza

SINOPSIS

Historia sobre juguetes que cobran vida propia, paralelamente al deseo de una niña por obtener una naranja.

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,6		7,9
NOTA MEDIA: 7,7

MEDIOMETRAJE COMPLETO

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RAFEA Y EL SOL (MAMAS SOLARES)

El 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer, un día que no podemos olvidar en el calendario como muy bien podemos leer en la página web de las Naciones Unidas:

El Día Internacional de la Mujer ha adquirido una nueva dimensión mundial para las mujeres de los países desarrollados y en desarrollo. El creciente movimiento internacional de la mujer, [...] ha contribuido a que la conmemoración sea un punto de convergencia de las actividades coordinadas en favor de los derechos de la mujer y su participación en la vida política y económica. El Día Internacional de la Mujer es cada vez más una ocasión para reflexionar sobre los avances conseguidos, exigir cambios y celebrar los actos de valor y decisión de mujeres comunes que han desempeñado una función extraordinaria en la historia de los derechos de la mujer.

De este modo, un año más, me uno a la reivindicación con un filme que demuestra que actos como este están todavía más que justificados.

El turno es para Rafea y el Sol (Mamas Solares) (Rafea: Solar Mama (Solar Mamas); Mona Eldaief, Jehane Noujaim, 2012) , una película producida dentro del grupo de documentales Why Poverty?, que buscan crear un debate alrededor de la pobreza. 8 largometrajes y 30 cortos encargados a prestigiosos cineastas de todo el mundo que pueden verse gratuitamente en su web, tanto en su versión inglesa como la subtitulada al español. Justamente la película Rafea y el Sol nos habla además del papel de la mujer dentro del mundo subdesarrollado, una perspectiva que en ocasiones nos puede parecer lejana y que con esta película tenemos oportunidad de ver de cerca.

El ministerio de medio ambiente de Jordania decide participar en un proyecto que consiste en enviar a mujeres de países con menos recursos a formarse en el campo de la energía sostenible, todas ellas mujeres que traspasan la edad media y que durante seis meses recibirán la formación adecuada - a pesar del analfabetismo de algunas - sobre el campo de la energía solar. De este modo, todas ellas serán técnicas oficiales que no solo podrán ganarse mejor la vida, si no que que además podrán hacer de su tierra natal un lugar más prospero donde vivir. Rafea, junto a una de sus vecinas, irá hasta la India para recibir la formación, enfrentándose con los problemas que supone ser mujer bajo un estilo de vida fuertemente tradicional.

El documental se realiza con sencillez, simplemente acompaña a sus protagonistas para irnos narrando lo que persigue. El mayor acierto reside en crear un papel protagonista sobre Rafea, que gracias a las problemáticas que despierta, convierte la película en algo más complejo que un simple reportaje sobre el proyecto de formación que busca recoger. El filme no sólo nos habla de los problemas de bajos recursos de los países subdesarrollados, si no también de las cargas culturales a los que están expuestos, especialmente el papel de la mujer en ellos.
De entrada, detalles como tener que pedir permiso al marido par poder hacer el curso, o el descubrir como las mujeres que viajan deben siempre ir acompañadas de un hombre, nos puede parecer insultante, pero al final podemos llegar a pensar que, a pesar de ello, la mujer cuenta con mayor libertad de la que podríamos imaginar. No tardamos en descubrir como aquella imagen de falsa liberación es solo la fachada de un sistema patriarcal mucho más duro. La explosión de la figura masculina sucede cuándo Rafea ya lleva un mes en sus estudios, y es entonces cuando la lucha se vuelve de lo más dura.

Lo mejor de la película es sin duda el ofrecernos tantas visiones apartándose de la mono-temática, no solo la pobreza o el papel de la mujer quedan retratados en el filme, si no también el afán de lucha y superación de las personas, el enriquecedor intercambio entre diferentes culturas, o la absurda imposición de las tradiciones entre otros muchos otros aspectos que siembran el filme de un modo totalmente espontáneo, y que dotan a la película de una veracidad mucho mayor que el de la mirada de sus protagonistas.

Ciertamente es un documental de lo más interesante que, aunque carezca del nivel técnico cinematográfico de otras propuestas, no puedo no admirar. Su contenido es tan sincero que se hace imposible no engancharse en su relato, una buena muestra, que como ya he dicho al principio, justifica días como el de hoy.

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TÍTULO ORIGINAL Rafea: Solar Mama (Solar mamas)
AÑO 2012
DURACIÓN 76 min.
PAÍS Estados Unidos, Dinamarca, Egipto, Reino Unido
IDIOMA Arabe, Inglés
DIRECCIÓN Mona Eldaief, Jehane Noujaim
MÚSICA Jonas Colstrup
FOTOGRAFÍA Mona Eldaief
REPARTO Rafea, Abu Badr, Umm Badr, Raouf Dabbas
PRODUCTORA Noujaim Films / Why Poverty?
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Mujer. Pobreza. Enseñanza

SINOPSIS
Rafea es una mujer beduina que vive con sus cuatro hijas en uno de los pueblos más pobres del desierto de Jordania, en la frontera con Irak. A Rafea se le ofrece la oportunidad de viajar a la India para asistir al programa del Barefoot College, donde mujeres analfabetas de todo el mundo se forman durante 6 meses para ser ingenieras solares. Si lo consigue, podrá electrificar su pueblo, formar a otros ingenieros y mantener a sus hijas.

Será un viaje difícil para Rafea, pero su mayor reto será el de romper con la mentalidad tradicional beduina, que mantiene que el lugar de una mujer está en casa para servir a su marido. El documental muestra el poder de la educación enfrentado a la fuerza de la tradición.

PREMIOS
2012: DOC NYC: Premio del público. Premio especial del jurado.
2012: IDFA: Premio Oxfam
2012: Festival de cine Wakefield: Mejor película
2012: Sheffield Doc/Fest: Sección oficial

CRÍTICAS
+ "Un documental de gran alcance para todo el público." (Mark Adams: Screen Daily)

+ "Un documental inspirador sobre el poder de las mujeres." (Alissa Simon: Variety)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7
- Filmaffinity: -
- IMDB: 7,8
* Media: 7,4

TRAILER

PELÍCULA COMPLETA

 

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THE SELFISH GIANT (EL GIGANTE EGOÍSTA)

Desde 2007 que el parlamento europeo organiza los Premios LUX, galardón dónde los eurodiputados se encargan de elegir varias cintas del continente buscando aquellas que mejor representen tanto el espíritu del multilingüismo y como la diversidad cultural, así como las que consigan un buen reflejo de la realidad social en los países comunitarios. Tras la selección de diez cintas (entre las que este año se encontraba la española La plaga de Neus Ballús), son tres las que consiguen llegar a ser finalistas, obteniendo como premio la financiación del subtitulado en las 23 lenguas oficiales de la comunidad europea además de la adaptación para invidentes y el doblaje especial para personas sordas. Este año dos de las tres finalistas son películas dirigidas por mujeres, siendo la belga Alabama Monroe (The Broken Circle Breakdown) la única dirigida por un hombre, Felix Van Groeningen, además de la única que no he tenido la ocasión de ver. Las otras dos son la italo-francesa Miel (Miele) de Valeria Golino y la que hoy nos ocupa, The Selfish Giant, segundo largometraje de la británica Clio Barnard.

Arbor y Swifty son dos chicos que viven en una de las muchas barriadas inglesas, excluidos temporalmente del colegio tras meterse en líos ambos se buscarán la vida recogiendo (y robando) chatarra para vendérsela a Kitten y prosperar en los negocios.

Basándose en el título del cuento de Oscar Wilde El gigante egoísta y tomando alguna de sus metáforas, la cineasta Clio Barnard nos trae una cinta para nada alejada de la común ola de cine social británico, que una vez más traslada la mirada hacía las clases bajas para utilizarlas de excusa para criticar los efectos de un sistema poco funcional para todos. Así que de entrada la aportación de Barnard podría considerarse poco llamativa frente a la oferta que ya tenemos de otros realizadores con nombres tan fuertes como Ken Loach o Mike Leight al volvernos a ofrecer lo mismo que tantas veces hemos podido ver. Pero parece que la realizadora decide guardarse un as en la manga y escudarse en su guiño al cuento del gigante para conseguir una metáfora más que interesante que además nos sorprende con un estimulante giro narrativo en la cinta.

Entre el dúo protagonista encontramos dos chavales (ambos bajo una estupenda interpretación de sus jóvenes actores) que, aunque estén unidos por el fuerte vínculo de la amistad, poco tienen en común si dejamos de lado las similitudes de su estatus social y todo lo que ello comporta. Uno con un trastorno que le provoca ser agresivo y algo difícil de tratar, ansioso por ganar dinero y ser así autosuficiente, en contra del segundo, un chico que es el mayor de una familia de tantos hermanos que seguramente no podremos contar con las dos manos, que malvive viendo como su distante padre vende los muebles para ganar algo de dinero y mantener así su familia, este en contra de su amigo es más calmado, un chico reflexivo que no cree tanto en el dinero como en el poder hacer aquello en lo que cree y sueña. Estas diferencias no evitan que ambos sean inseparables y se ayuden en todo momento, aunque tampoco pueda evitarse un choque de ideas que desencadena en forma de explosión sobre el calmado ritmo de la película.

Y si hablamos de estilo, Barnard se presenta con una dirección clásica y sencilla, de planificación lenta, dónde las secuéncias largas y abiertas abundan sobre las pequeñas y detallistas, centradas más en los momentos más íntimos o rítmicos del filme, sorprendentes y bien hilados los planos recurso que en esta película dejan de ser eso, un recurso, para convertirse en momentos reflexivos de intenso poder narrativo, iluminados todos con una fotografía fría típica del cine inglés que tan bien sienta al reflejar el clima del país, y evidentemente, las emociones de sus habitantes.

Aunque como he dicho tengo pendiente visionar la tercera seleccionada como candidata a los premios LUX, hablo de The Broken Circle Breakdown, y que en Miele se atrevan a tocar temas realmente interesantes de un modo totalmente distinto al que hemos visto hasta ahora, sin dudar elijo The Selfish Giant como mi favorita, aunque esta sea otra cinta más de cine social británico, su sorprendente enfoque bien lo merece.

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TÍTULO ORIGINAL The Selfish Giant
AÑO 2013
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Reino Unido
IDIOMA Inglés
DIRECCIÓN Clio Barnard
GUIÓN Clio Barnard (Cuento: Oscar Wilde)
MÚSICA Harry Escott
FOTOGRAFÍA Mike Eley
REPARTO Conner Chapman, Shaun Thomas, Sean Gilder, Lorraine Ashbourne, Ian Burfield, Steve Evets, Siobhan Finneran, Ralph Ineson, Rebecca Manley, Rhys McCoy, Elliott Tittensor
PRODUCTORA BFI Film Fund / Film4 / Moonspun Films
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Adolescencia. Drama social. Amistad. Pobreza

SINOPSIS
Arbor (Conner Chapman) y su mejor amigo, Swifty (Shaun Thomas), son dos chicos de 14 años excluidos del colegio y aislados de su comunidad. Un día conocen a Kitten (Sean Gilder), un chatarrero, y ambos amigos empiezan a robar chatarra para él. Pero cuando Arbor empieza a emular a Kitten se vuelve avaricioso y despiadado.

PREMIOS

2013: Festival Cannes: Quincena Realizadores: Premio Label Europa Cinemas
2013: Festival de Sevilla: Mejor guión
2013: British Independent Film Awards: 7 Nominaciones. Incluyendo Película, dirección y guión.
2013: Festival de Londres: 3 Nominaciones. Incluyendo película.
2013: Festival de Estocolmo: Caballo de bronze.

CRÍTICAS

+ "Una brillante y clarificadora fábula sobre los hombres y los niños de chatarra (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Sólidamente efectiva, en la tradición del realismo social británico, elevada por excelentes actuaciones de sus jóvenes intérpretes y por algunos e inesperados toques poéticos" (Neil Young: The Hollywood Reporter)

+ "La voz de Clio Barnard resuena potente y clara en este film artístico que demanda atención y muy distribuible. (...) Audaz, meditadamente cinematográfico." (Guy Lodge: Variety)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,1

- Filmaffinity: 7

- IMDB: 7,6

* Media: 7,2

TRAILER

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BOY EATING THE BIRD'S FOOD

Ya estamos de lleno en el ecuador de la nueva edición del D'A (Festival internacional de cine de autor de Barcelona) que se celebra en la ciudad condal del 25 de abril al 2 de mayo (10 de mayo con las retrospectivas en la Filmoteca). Como ya comenté el año pasado es una gran oportunidad no sólo para descubrir películas de extraña o escasa distribución en las salas comerciales (especialmente con la crisis de las distribuidoras que más tocan este cine, como el caso de la inminente desaparición Altafilms), si no también para descubrir miradas cinematográficas únicas con propuestas sobradamente interesantes y de gran variedad. Si lo que buscáis es seguir al dedillo todo lo que va pasando por el festival os remito a Lost Highway Blog y Después de 1984, que un año más nos regalan una crónica bien completa.

Entre las secciones de este año encontramos Direcciones, dónde se programan las mejores películas que se han podido "ver" este año y sin distribución comercial para poder disfrutarlas, títulos como À perdre la Raison de Joachim Lafosse, A long and Hapy Life del ruso Borís Khlebnikov, Frances Ha de Noah Baumbach o The We and I, del sobradamente conocido Michael Gondry. En Realidades se nos ofrecen aquellas películas con personajes sobrepasados por los limites de la realidad, dónde los dramas reales llenan la pantalla, en esta sección se pueden descubrir filmes como La pirogue de Moussá Touré o The Land of Hope del japonés Sion Sono. En Filmes diaries podemos descubrir aquellas películas rodadas en primera persona, que mezclan lo biográfico y personal con la ficción (o no), son imperdibles películas como Mi loco erasmus de Carlo Padial, Mapa de León Siminiani, o Dos días y medio de Pablo Diconca. En Autoría catalana propuestas tan sugerentes como la notable Otel·lo de Hammudi Al-Rahmon Font, Volar de la pirenaica Carla Subirana, o Et dec una nit de divendres de Dimas Rodríguez son algunas de las películas dónde los autores catalanes ofrecen sus mejores trabajos con una perspectiva fresca y distinta. Este año el festival tiene como país destacado Rumanía, creando una retrospectiva en la Filmoteca y una selección de los mejores filmes de Cine rumano que podrán verse durante los días del festival, Best Intentions de Adrian Sitaru, California Dreamin' de Cristian Nemescu o Martes, después de Navidad son algunas de las propuestas además de una estupenda selección de cortometrajes. Por último en Talentos, una selección de nombres que podrían ser los nuevos autores del futuro del cine de autor, una serie de propuestas dónde encontramos propuestas tan sugerentes como Kauwboy de Boudewijin Koole, Los ilusos de Jonás Trueba, Wasteland de Rowan Athale o el filme que hoy nos ocupa, la estupenda Boy eating the Bird's Food / Ektoras Lygizos de Ektoras Lygizos.

Tenemos la suerte que esta es la segunda vez, y en poco margen de tiempo, que Boy eating the Bird's Food puede verse en nuestro país, ya que algunos pudieron descubrirla en el último Atlantida Film Fest, y disfrutar de ella (o no), cosa bastante extraña y que habrá sucedido gracias a la alineación de algunos planetas, esperemos que esta no sea la última oportunidad y se pueda disfrutar por nuevos medios (aunque sea festivaleros).

En Europa contamos, o hemos contado, con filmografías tan potentes como la francesa, la italiana, la austríaca o la británica, que han conseguido grandes éxitos comerciales, importantes cintas históricas, o múltiples premios internacionales, por eso es interesante echar la mirada a aquellos países con una filmografía más pequeña, pero tan potente (y parece ser que emergente) como la griega, dónde nombre como Angelopoulos o Costa-Gavras han sido de los pocos en hacerse un hueco como grandes. Pero poco a poco van apareciendo jóvenes realizadores con mucho que contar, y que empiezan a crear despacito un nuevo movimiento de cine europeo en su país, el cual tiene mucho que ofrecernos (os recomiendo el artículo de Guillermo Roqués en Nonada: La crisis, Grecia y el cine raro, para ampliar información sobre el tema). De estos nuevos realizadores no puede faltar el novel Ektoras Lygizos y su Boy eating The Bird's Food.

Un joven contratenor del que poco sabemos deambula en el tiempo sin beneficio ninguno, conviviendo en su pequeño piso con tan solo un canario como compañero de piso. El joven, a causa de sus pocos recursos económicos, verá poco a poco degradada su existencia intentando encontrar la manera de llevar-se algo a la boca. Hurtar un poco de azúcar al vecino, aceptar comida de desconocidos o compartir el alpiste con su pájaro son sólo algunas de las maneras de engañar a su estomago mientras poco a poco su vida va cayendo en una espiral de final inexacto.

Lygizos nos zambulle así en una historia tan actual y universal como es la nueva pobreza de la clase media, en una crítica tan blanca que de bien seguro puede no gustar a muchos, pero esa misma actitud es la que puede encandilar a otros tantos. Autores como los Dardenne o Loach se centran en el drama social más claro para emocionarnos, Haneke o Trier lanza su crítica con ferocidad o Aronofsky se centra en el impacto visual y videoclipero, con excelentes e interesantes resultados, pero pocos se han decantado por ofrecernos una visión contemplativa y austera sobre estos temas, ejemplo de ello son las películas de Kelly Reichardt como Wendy y Lucy, o la opera prima de Lygizos.

De este modo tan austero se nos introduce en una película con un protagonista con el que posiblemente no consigamos empatizar, y es ese mismo motivo el que convierte el metraje en interesante, ya que de este modo nos topamos con un protagonista al que no queremos conocer, cómo a cualquier vagabundo de la calle al que intentamos no mirar cuando nos cruzamos, rompiendo así todas las reglas del cine, y no por ello no consigue acercarnos a su historia y a sentirnos atraídos por ella. Cámara en mano, su realizador nos conduce a espaldas de ese joven pelirrojo desconocido, en su día a día, abriéndonos su soledad, sus problemas, pero sin presentarnos la radiografía que le envuelve, sin interiorizar en sus pensamientos, sus anteriores problemas, no podemos saber que le lleva a algunas acciones, es tan solo un personaje anónimo más de la sociedad que nos envuelve, y que tan poco nos importa.

El filme, de imagen clara y escasos diálogos, ha creado polémica a causa de una secuencia tachada de pornográfica y oportunista por su explicitad, aunque a mi parecer vacía de porno gracias al contenido del filme y sin mucho más interés alarmista que le quieran dar algunos, en tiempos que corren, muchas otras películas ya han abordado imágenes de este tipo y por eso me sorprende las críticas centradas en algo tan pequeño y que se pueden leer por ahí intentando eclipsar la totalidad de un filme tan fresco como Boy eating the Bird's Food. A lo que si da pie este pequeño momento del filme, además del resto del metraje, es en la estupenda implicación e interpretación de un joven Yiannis Papadopoulos que parece nacido para este complicado papel, un actor que parece haber sido creado para esta ocasión, y que sin dudar es una de las agradables sorpresas de la cinta griega.

Que Boy eating the Bird's Food es una película complicada para el gran público a causa de su estilo contemplativo es un hecho, pero no un motivo de suficiente peso para no lanzarse a su  descubrimiento, ya que a pesar de que finalmente uno no se quede satisfecho por completo con ella, si se quede satisfecho por haberse adentrado en un campo tan novedoso en estilo como en contenido, que puede dejar huella en nuestra cabeza. Una de las mejores cintas que he podido ver en lo que llevamos de año, y que no dudaría en volver a devorar.

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TÍTULO ORIGINAL To agori troei to fagito tou pouliou
AÑO 2012
DURACIÓN 80 min.
PAÍS Grecia
IDIOMA Griego
DIRECCIÓN Ektoras Lygizos
GUIÓN Ektoras Lygizos
FOTOGRAFÍA Dimitris Kasimatis
REPARTO Yiannis Papadopoulos, Lila Mpaklesi, Vangelis Kommatas, Kharálampos Goyós, Konstadinos Voudouris
PRODUCTORA Guanaco / Stefi Films
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Crisis económica. Pobreza. Drama social

SINOPSIS

Si los nuevos ricos ostentan, los nuevos pobres llevan la procesión por dentro, bajo un barniz de incierta clase media. Un joven y nervioso contratenor sin empleo vive en un desangelado piso ateniense sin apenas contacto con otros seres humanos ni alimentos que llevarse a la boca. La obtención de nutrientes es un serio problema que capea de mil diversas maneras: desde distraer el azúcar del vecino hasta compartir alpiste con su canario. Un tenso deambular copa sus días, sólo interrumpido por eléctricos y desesperados estallidos de acción, desconcertantes epifanías que llegarán a su clímax cuando el agua deje de salir de los grifos y el desahucio empiece a amenazar.

PREMIOS

2012: Festival de Sevilla: Giraldillo de plata (2ª mejor película), mejor actor (Yiannis Papadopoulos)
2012: Festival de Toronto: Nominada al Discovery Award i al FIPRESCI
2012: Karlovy: Mención especial para el actor Yiannis Papadopoulos, nominada al Globo de cristal
2012: Festival Thessaloniki: Mejor actor (Yannis Papadopoulos), premio FIPRESCI sección griega
2012: Festival Tallinn Black Nights: Nominada al Gran premio
2012: D'A: A concurso en la sección Talents (pendiente de resultado)

CRÍTICAS

+ "En su imperfección y sus errores, existe algo crudo y hermoso en esta cinta. Puede que sea excesiva para los distribuidores (la anteriormente mencionada escena de onanismo desanimará a más de uno), pero Boy Eating the Bird's Food debería hacerse con un hueco en el circuito de festivales. Lygzios es un talento al que seguir de cerca de cara al futuro." (Laurence Boyce: Cineuropa)

+ "Boy Eating the Bird’s Food es un poderoso retrato, incómodamente honesto y verdaderamente devastador de un hombre joven que lucha no sólo para alimentar y albergarse a sí mismo, sino también agarrando un sentido desvanecimiento de la identidad, la masculinidad y la autoestima. Una actuación valiente de Papadopoulos en el consumado debut de Lygizos, así que merece todo el reconocimiento de la crítica, ya que sin duda, la recibirá en el circuito de festivales y más allá." (Jessica Shields: NY Times)

+ "El hambre y la alienación en las calles de Atenas de hoy en día. (...) Un estudio de carácter íntimo con un subtexto mordazmente tópico, este drama indie Atenas-set ofrece una alternativa más sombría de la corriente griega New Wave del surrealismo estilizado personificado por Yorgos Lanthimos y Athina Rachel Tsangari." (Stephen Dalton: Hollywood Reporter)

- "[...] La película, con una idea muy interesante y alguna gran escena (no puedo olvidarme de ese grito) peca de autocomplaciente en su propio rupturismo ególatra y confuso que en mi caso hace que la historia me vaya dejando de interesar durante su metraje y en muchos momentos, me aburra. Y de verdad que es una lástima porque podría haber dado mucho más de sí. Nota: 3 de 5" (David Amorós: Lost Highway Blog)

+ "Boy Eating the Bird’s Food es otra de esas obras que, además de extraña, resulta tan intrincada como poco o nada placentera, pero consigue entretejer un discurso convencido y decidido a analizar la situación de un país cuyo camino encuentra semejante en el asfixiante periplo de un personaje que nos sumerge en la (ir)realidad de una patria que él mismo configura como desnutrida, oculta y rodeada de ruinas, por si alguien llegó a creer que Yorgo comía alpiste por capricho." (Ruben Collazos: Cine maldito)

- "La  historia, deslavazada y falta de ritmo, parece que lo que busca es que comprendamos a quien, directamente, no se hace entender. El tiempo de las adivinanzas, de los acertijos cinematográficos, pasó. No se trata de que nos lo den todo mascado, pero sí al menos que el espectador cuente con unos mínimos datos que puedan hacerle saber qué terreno está pisando." (Enrique Colmena: Criticalia)

+ "Enmarcada en la nueva ola de cine griego nacida justo cuando el país heleno se ve sumido dentro de un contexto político, económico y social con tintes ciertamente catastróficos, Boy Eating the Bird’s Food, debut en el largometraje de Ektoras Lygizos, se basta del anodino día a día de ese errático y perturbado joven en paro para tejer un profundo y demoledor discurso sobre una contemporaneidad sumida en la recesión." (Daniel Jimenez: Cinema Ad Hoc)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 9,4

- Filmaffinity: 6,1

- IMDB: 6,4

* Media: 7,3

TRAILER

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OLIVER TWIST

17 enero 2012

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Un film tan convencional que es imposible relacionar con el nombre de su director, Roman Polanski, aunque no por ello sea una mala película. En el film destacan dos factores, el primero su historia, que evidentemente debe todo el merito al autor de la conocida historia homónima, Charles Dickens, por otro lado la fantástica ambientación muy bien lograda. Por lo tanto una obra menor del director que se ve con agrado y sin muchos dolores de cabeza, a pesar de la duración.
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Un film tan convencional que és impossible relacionar amb el nom del seu director, Roman Polanski, encara que no per això sigui una mala pel·lícula. Al film destaquen dos factors, el primer la seva història, que evidentment déu de tot el merit a l'autor de la coneguda historia homònima, Charles Dickens, d'altra banda la fantàstica ambientació molt ben trobada. Per tant una obra menor del director que es veu de grat i sense molts maldecaps tot i la seva durada.
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TÍTULO ORIGINAL Oliver Twist
AÑO 2005
DURACIÓN 130 min.
PAÍS Reino Unido
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Roman Polanski
GUIÓN Ronald Harwood (Novela: Charles Dickens)
MÚSICA Rachel Portman
FOTOGRAFÍA Pawel Edelman
REPARTO Barney Clark, Ben Kingsley, Harry Eden, Jamie Foreman, Mark Strong, Leanne Rowe, Edward Hardwicke, Lewis Chase
PRODUCTORA TriStar Pictures
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Pobreza. Infancia. Siglo XIX

SINOPSIS
Los niños de un orfanato pasan tanta hambre que, desesperados, deciden que uno de ellos hable del asunto al director. El elegido es Oliver Twist, que será expulsado del centro y ofrecido como aprendiz a quien lo quiera contratar. Después de limpiar chimeneas y trabajar como ayudante de un enterrador, Oliver se escapa y llega a Londres. En las afueras de la ciudad, cansado y hambriento, conoce a Artful Dodger, que le ofrece alojamiento. Desde entonces se verá obligado a trabajar para el malvado Fagin que dirige una banda de chicos carteristas.

PREMIOS
2006: Premios del cine Europeo: Nominada a mejor película por la audiencia.

CRÍTICAS
+ "Visualmente es preciso y detallista sin ser demasiado pintoresco. (...) Puntuación *** 1/2 (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Con tacto y entusiasmo, el Sr. Polanski coge un gran libro y redescubre su vigencia y su duradera vitalidad" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Espléndida y conmovedora adaptación (...) toca el corazón y la conciencia (...) una película que puede que esté llena de niños, pero no es para ellos" (Carrie Rickey: Philadelphia Inquirer)

= "Esta versión de Polanski, aunque elegantemente realizada, es una adaptación bastante convencional de la novela que probablemente no se incluya entre sus mejores films" (Carina Chocano: Los Angeles Times)

+ "Impecable formalmente, construido con una gran solidez de la puesta en escena (...) Polanski se ha hecho un 'Oliver Twist' a su medida (y a la de sus hijos y los nuestros)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

CURIOSIDADES
- La vía principal del decorado que da vida al film, Kings Street, contiene numerosas tiendas y 7 de ellas, todavía existen hoy en Londres. (“Paxton and Whitfield” (Queseros);”James Lock and Co “(Sombrereros);”John Lobb“ (Fabricantes de botas); “Berry Bros. And Rudd” (Mercantes de vino); “Floris” (Perfumes); “David Salmon” (Mueble fino); y “Robert Lewis” (Tabacos)). Las cinco primeras todavía muestra la prestigiosa señal “By Royal Appointment” en la parte superior de la entrada.

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,8
- Filmaffinity: 6,4
- IMDB: 6,9
* Media: 6,7

TRAILER

VER TAMBIÉN

SWEENEY TODD: EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET
Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
(Tim Burton, 2007)

PADRE PATRÓN (PADRE PADRONE)

Publicación del 6 de enero de 2012

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"Padre Padrone" puede resultar en ocasiones desigual y argumentalmente aburrida a causa de su escaso guión o unas pobre interpretaciones, pero a pesar de ello es un film que no debemos dejar pasar por alto, su relato es tan interesante como necesario, dividido en tres partes dónde veremos las diferentes etapas de la vida de Gabino en una hostil Italia rural de mediados de siglo, pasando por su infancia, juventud y madurez, etapas que van cobrando interés a medida que la acción transcurre y nos termina regalando un film que deja una buena huella histórica.

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"Padre padrone" pot resultar a vegades desigual i argumentalment avorrida a causa del seu escàs guió o unes pobres interpretacions, però malgrat això és un film que no hem de deixar passar per alt, el seu relat és tan interessant com a necessari, dividit en tres parts on veurem les diferents etapes de la vida de Gabino en una hostil Itàlia rural de mitjans segle, passant per la seva infància, joventut i maduresa, etapes que van cobrant interès a mesura que l'acció transcorre i ens acaba regalant un film que deixa una bona petjada històrica.

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TÍTULO ORIGINAL Padre padrone
AÑO 1977
DURACIÓN 117 min.
PAÍS Italia
IDIOMA Italiano, sardo, latín
DIRECTOR Paolo Taviani, Vittorio Taviani
GUIÓN Paolo Taviani, Vittorio Taviani (Autobiografía: Gavino Ledda)
MÚSICA Egisto Macchi
FOTOGRAFÍA Mario Masini
REPARTO Omero Antonutti, Saverio Marconi, Fabrizio Forte, Marcella Michelangeli, Stanko Molnar, Marino Cenna, Nanni Moretti, Gavino Ledda
PRODUCTORA Cinema S.R.L. / R.A.I.
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Infancia. Vida rural. Pobreza

SINOPSIS
La historia real de la vida de Gavino Ledda, que fue obligado por su padre a trabajar el campo y dejar la escuela.
El servicio militar le hizo emigrar de su pueblo y apartarse de su padre, donde corrigió su incultura, después volvió al pueblo y se reencontró con su padre (el símbolo de la vida rural).

PREMIOS
1977: Cannes: Palma de Oro, premio FIPRESCI
1977: Berlín: Premio Interfilm Grand Prix
1978: BAFTA: Nominada a mejor actor promesa en papel principal (Saverio Marconi)
1978: David di Donatello: Mención especial

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,3
- Filmffinity: 7,5
- IMDB: 7,3
* Media: 7

FRAGMENTO

VER TAMBIÉN

Los santos inocentes

(Mario Camus, 1984)