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martes, 12 de julio de 2016

UN AMOR DE VERANO (LA BELLE SAISON)

Descubrepelis

Se ha clausurado ya El FIRE!! (Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià de Barcelona), que organiza el Casal Lambda, cumpliendo 21 años de edad y arrancando este año con el lema Libertad, igualdad y diversidad como bandera.
Del 30 de Junio al 10 de julio, se han podido ver en el Institut Francés un montón de propuestas cada cual más interesante, que van desde la galardonada e intensa Theo y Hugo, Paris 5:59 (Théo et Hugo dans le même bateau; Olivier Ducastel, Jacques Martineau, 2015) -mi favorita de las que he podido ver en el festival-, hasta la austríaca Tomcat (Klaus Händl, 2016), pasando por la divertida y única Flores de mazapán (Prahim shel Martzipan; Adam Kalderon, 2014) o el documental Hockney (Randall Wright, 2014) que repasa la vida de este referente del pop-art. Este año, el festival, ha dado el pistoletazo de salida con Un amor de verano (La Belle Saison), una hermosa cinta que además se acaba de estrenar en varios cines de España, así que si no habéis podido asistir al Festival, no tenéis excusa para al menos ver una de sus propuestas.

Delphine deja su vida en el campo para estudiar en París. Allí conocerá a Carole, una chica por la que enseguida sentirá una fuerte atracción. En plena década de los 70, cuando la lucha feminista se alza en Francia, las chicas conectarán enseguida y juntas empezarán una historia valiente y sincera, todo hasta que un inconveniente hace que Delphine deba volver a ayudar a la granja de sus padres.

Un amor de verano, es un filme de toques preciosistas que no renuncia a una sincera valentía para narrarnos, a través de la historia de amor de dos mujeres, el avance histórico de un país donde la mujer empezó a revelarse y a pedir el reconocimiento de sus derechos, en la conocida segunda ola feminista. Es por eso que no hay que entender la cinta de Catherine Corsini, como una sencilla historia sobre la homosexualidad, si no por una compleja película sobre una época en la que se conjugan varios ingredientes.

De entrada nos topamos con la lucha de una mujer que intenta avanzar en su vida, abandonando el entorno rural en el que vive, y buscando su plena felicidad. Un entorno que se nos muestra anclado en derechos y reconocimientos para la mujer y por supuesto en la condición sexual de las personas, pero que en el filme se nos muestra de forma natural, sin recurrir al maniqueísmo fácil que puede presentarse en filmes de este tipo.

Por otro lado se nos muestra, ya en la ciudad, como la lucha progresista es una realidad, y como ciertos valores de lucha sobrepasaron los de las propias vidas de las personas que perseguían unos ideales que aunque los tenemos cerca, todavía debemos trabajar en ellos.

El filme se basa en una historia de amor, y es evidente que el mayor peso del relato recae en esa idea, pero Un amor de verano no se presenta como una película que se sienta satisfecha solo con eso, y construye alrededor de sus bases, todo un entorno trabajado, mimado y que nos enternece y nos invita a la reflexión.

Mención especial para las interpretaciones de las dos actrices: Cécile de France e Izïa Higelin, que están mayúsculas, y un seguido de secundarios tan trabajados como ellas dos, en especial el complejo personaje de la madre de Delphine, interpretado por Noémie Lvovsky y que tan importante es para entender el fondo del filme.

Con un final que, a pesar de su sencillez, puede dejarnos poso, Catherine Corsini son regala una cinta preciosa y valiente, donde se nota la huella sincera y personal de la autora.


(Por cierto, ha sido elegida por la organización del festival como Mejor película.)

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TÍTULO ORIGINAL La belle saisonaka AÑO 2015 DURACIÓN 105 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Catherine Corsini GUIÓN Catherine Corsini, Laurette Polmanss MÚSICA Grégoire Hetzel FOTOGRAFÍA Jeanne Lapoirie REPARTO Cécile de France, Izïa Higelin, Noémie Lvovsky, Kévin Azaïs, Laetitia Dosch, Benjamin Bellecour, Eloïse Genet, Patrice Tepasso PRODUCTORA Chaz Productions / France 3 Cinéma / Artémis Productions / Canal+ / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Jouror Productions / Indéfilms 3 / Soficinéma 11 / Cinémage 9 / Région Limousin / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Tax Shelter Fil

GÉNERO Drama. Romance
TEMÁTICA Mujer. Homosexualidad. Años 70. LGBTIQ. Vida rural

SINOPSIS
En París, en 1971. Delphine conoce a Carole. La primera, hija de campesinos, se muda a la capital para alcanzar la independencia económica y ser dueña de su propia vida. La segunda tiene novio y vive felizmente los comienzos del movimiento feminista. A Delphine, misteriosa y reservada, le gustan las mujeres. Carole ni se plantea esa posibilidad. De su encuentro surge una historia de amor que desequilibrará sus vidas al tropezar con la realidad.

PREMIOS
2015: Premios César: nominada a mejor actriz (de France) y actriz sec. (Lvovsky)

CRÍTICA
+ "Una película tan delicadamente irregular como perezosa, tierna, profunda y, si no queda más remedio, triste. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Corsini consigue algo realmente complejo: capturar una desbordante plenitud sensorial, sin negar, ni dramatizar su inevitable condición efímera." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "El producto final es una película honesta, puede que incluso necesaria, que explora las contradicciones de estas violentas militantes sin partido… pero con toda la vida para explorar (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Mirito Torreiro: Fotogramas)

+ "Entre política y pasión, Catherine Corsini elige la sensualidad (...) Jeanne Lapoirie saca partido a la campiña como si fuera su propia amante estival (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Daniel De Partearroyo: Cinemanía)

+ "Quizás el mundo ya esté preparado para un romane lésbico tan directo y sin ambages como 'La belle saison' (...) Catherine Corsini ofrece un drama de época luminoso y teñido de dorado" (Peter Debruge: Variety)

+ "Las radiantes y sentidas interpretaciones de Izia Higelin y Cecile De France hacen que te importe el resultado final, incluso cuando sientes que sabes exactamente hacia dónde podría ir 'La belle saison'." (Allan Hunter: Screendaily)

= "Sus potentes interpretaciones y una dirección detallista, ayudan a pasar por alto los irregulares cambios de tono" (Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter)

PUNTUACIONES
 
7,0 7,0 6,7
NOTA MEDIA: 6,9


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viernes, 8 de enero de 2016

LA NOVIA

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Ya hace unos días que tenemos anunciados los candidatos de la academia española de este año para la que es la ya 30 edición de los premios Goya. Esta vez destacan por encima del resto 6 películas: con seis nominaciones Truman (Cesc Gay), A cambio de nada (Daniel Guzmán), Un día perfecto (A Perfect Day; Fernando León de Aranoa) y El desconocido (Dani de la Torre), la única que no ha entrado en la categoría de mejor película. Con nueve nominaciones la cinta de Isabel Coixet Nadie quiere la noche (Nobody Wants the Night) y la sorpresa de la edición, La novia, dirigida por Paula Ortiz y candidata a nada menos que 12 premios además de muchas opciones a ser la ganadora del mayor galardón.

Basándose en la obra Bodas de Sangre (1931) que escribió Federico García Lorca a raíz del famoso crimen de Nijar. Se nos narra la historia de una novia que debe casarse con su novio mientras ésta está enamorada de Leonardo. Las tensiones familiares aumentan cuándo las dudas crecen sobre ella, especialmente cuándo conocemos el sangriento pasado familiar de ambos hombres.

Adaptada en varias ocasiones –la primera en 1938 por Edmundo Guibourg con una de las musas de Lorca como protagonista, Margarita Xirgu; en 1976 en una producción marroquí que adaptó la acción al desierto de Marruecos; y en 1981 en un musical dirigido por Carlos Saura y que obtuvo el premio de los críticos de Nueva York-, Bodas de sangre es un poético, intenso y trágico melodrama sobre la venganza, la muerte y el amor como antídoto a esta última. Paula Ortiz se atreve con una nueva versión mucho más visual y poética, intentándose acercar mucho más a la esencia lorquiana que las versiones anteriores.

Lo primero que llama la atención en La novia es la belleza de sus imágenes, Ortiz junto a su director de fotografía Migue Amoedo crean unos planos de una magnificencia poética que, al son de una puesta en escena teatral y unas localizaciones de un misticismo único, son en si mismos puro lirismo. Todo el metraje está orquestado de tal modo que no existe instante que no esté totalmente milimetrado, y en cada momento quedaremos sorprendidos por la fuerza de su imagen, algo que también se mantiene gracias al montaje del filme. Escenas sorprendentes como la danza alrededor del fuego, tan intensa como el texto original, el paseo de la ceremonia hasta el caserío donde se realiza el convite, dónde las escenas nos recuerdan a un Bergman de sombras en color, o las cabalgatas llenas de fuerza, por nombrar algunas de ellas.

De ese modo ya podemos darnos cuenta de las intenciones de Ortiz por acercarse a la pureza de la obra de Lorca siendo lo más fiel posible a su esencia, algo que seguimos viendo desde el momento que uno de los personajes lanza sus primeros diálogos. El estilo que utilizan los actores es una mezcla en verso -bebiendo del original- con toques más adecuados al marco cinematográfico, aunque eso no impide que la sensación que impera constantemente sea teatral, uno de los puntos flacos a mi parecer, ya que con un estilo así pierde la fuerza narrativa como filme. Lo que si que se consigue con ello es tener unas interpretaciones sinceras y potentes. Con una puesta en escena que quita el hipo todo el reparto da lo mejor de sí, en especial el sector femenino que, encabezado por una matriarca Luisa Gavasa, pasando por la protagonista Inma Cuesta y una nota especial por su papel secundario a Leticia Dolera (actriz que a pesar de no tenerle simpatía me ha impresionado en esta ocasión), consiguen que nos creamos esos textos con tan solo lanzarnos una mirada. Impresionantes.


E igual de impresionantes son las localizaciones, pues gracias a un estilo algo distópico, el filme se cierra bajo un componente mágico que ha sabido sintetizar-se muy bien con una historia de bases melodramáticas. Y de diez es su banda sonora en la que el sonido nos cuenta aquello que las palabras no pueden, una vez más acercándose a la simbología que conjugada intenta acercarse a lo que Lorca escondía detrás de sus textos, y una música maravillosa, imposible de superarse.

Pero a pesar de todas las maravillas artísticas de esta nueva adaptación, el distanciamiento emocional se dispara enormemente no tan solo por esa teatralidad impreante, si no por la incapacidad de entender del todo algunos de los conceptos que Lorca siempre ha utilizado en sus obras. Cambios sutiles que bajo una orden más artística, se olvidan de la importancia de algunos elementos, como el cambio de las navajas por cristal, la luna, que aunque está más que presente durante el filme, no se termina de integrar en el relato, ya que dado el importante papel que tiene en Bodas de Sangre, en ésta ocasión pasa a un plano más místico. Igual que el cambio sutil del final, un final que no esconde su previsibilidad, si no que busca que el espectador lo comprenda desde el inicio, pero que pierde una vez más toda la fuerza emocional de las ideas del autor granadino. Y ya no hablo del clímax previo, que está excesivamente mal encajado.

Es por eso que aunque La novia sea un filme con elementos sumamente hermosos y que ellos por si solos son suficiente para quedar satisfecho con la película, se echa en falta una mayor implicación emocional final, no es bueno que una película de una carga simbólica tan necesaria se termine con un tono tan frío que pierda todo lo ganado por el camino.

A pesar de ello el filme está gustando mucho, y no me extrañaría que terminase por convertirse en la galardonada por la academia española a mejor película, es una cinta arriesgada y ya solo por eso merece mucho reconocimiento.

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TÍTULO ORIGINAL La novia AÑO 2015 DURACIÓN 93 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Paula Ortiz GUIÓN Paula Ortiz, Javier García Arredondo (Obra: Federico García Lorca) MÚSICA Shigeru Umebayashi FOTOGRAFÍA Migue Amoedo REPARTO Inma Cuesta, Asier Etxeandia, Álex García, Luisa Gavasa, Carlos Álvarez-Novoa, Ana Fernández, Consuelo Trujillo, Leticia Dolera, María Alfonsa Rosso, Manuela Vellés, Mariana Cordero, Carmela del Campo, Álvaro Baumann, Anchel Pablo PRODUCTORA Get In The Picture Productions / Mantar Film / TVE (Televisión Española)

GÉNERO Romance. Drama
TEMÁTICA Drama romántico. Melodrama. Bodas. Venganza. Vida rural

SINOPSIS
Adaptación de "Bodas de sangre", de Lorca. Desde pequeños, Leonardo, el novio y la novia han formado un triángulo inseparable, pero cuando se acerca la fecha de la boda las cosas se complican porque entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que amistad. La creciente tensión entre ambos es como un hilo invisible que no se puede explicar, pero tampoco romper.

PREMIOS
2015: Premios Goya: 12 nominaciones incluyendo mejor película
2015: Premios Feroz: 9 nom., incluyendo mejor película drama, director y actriz
2015: Premios Gaudí: 4 nominaciones incluyendo mejor película en lengua no catalana

CRÍTICA
+ "Ni un milímetro de la película está ahí con otro objetivo que no sea arrasar (...) Su intención es negar al espectador la capacidad de respirar. (...) Más Lorca que el propio Lorca. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Es grandilocuente y aparatosa. También valiente. (...) pese a sus desperfectos, demasiados, la poética nobleza de los textos sigue ahí, y algunas grandes interpretaciones (...) Aunque solo sea por eso, y por el acontecimiento, 'La novia' también es imprescindible. Y luego decidan."(Javier Ocaña: Diario El País)

= "El envoltorio de ese pasional y letal triángulo es fastuoso, hipnótico, aunque también previsible (...) Inma Cuesta lo borda (...) En fin, a Lorca le gustaría, y a los lorquianos, también. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)


+ "Paula Ortiz afronta un osado desafío que supera con creces. (...) Un torrente de imágenes sugerentes que no dan respiro al espectador que acepta desde el principio un impacto emocional estructurado con gran inteligencia." (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

+ "Un cóctel de sensaciones al límite dotado de una belleza plástica arrebatadora y que se mueve entre la línea floja entre el delirio catártico y el éxtasis visual. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Beatriz Martínez: Diario El Periódico)

+ "Para los que aprecian la belleza más sublime. (...) Lo mejor: su exquisita adaptación. Lo peor: su formalismo estético no gustará a todo el mundo. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas)

+ "Todo en 'La Novia' es perfecto, aunque eso a ratos juegue en contra de la emoción. (...) A veces la intensidad es tal que la película, milagrosamente, se convierte en poesía. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

PUNTUACIONES
 
6,5 7,4 7,1
NOTA MEDIA: 7


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sábado, 10 de octubre de 2015

EL CLUB

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"Y vio Dios que la luz era buena, y separó a la luz de las tinieblas”.
Génesis 1:4
Un grupo de antiguos curas vive aislado en una casa situada en un pequeño pueblo costero bajo la atenta mirada de la hermana Mónica, donde conviven para purgar sus pecados. Su vida transcurre pacífica hasta la llegada de un nuevo padre que hará tambalear su pacífico y cerrado estilo de vida.

No es la primera vez que Pablo Larraín presenta comunidades coercitivas en las que solo pueden nacer monstruos, pero si es la primera vez que abandona la dictadura chilena de Pinochet como eje narrativo para centrarse en la dudosa moralidad de la santa iglesia, e internacionalizando así su discurso.

Se crea en El Club, una atmósfera opresiva gracias a una fotografía de luz naturista y unos arriesgados enfoques en los que la profundidad de campo queda difusa y no nos deja ver más allá, pero crea nitidez en los planos cercanos donde el discurso de los personajes suele ser esquivo en palabras pero intenso en pensamientos.

Como bien indica el epígrafe extraído del Génesis que aparece al inicio del filme (y que podéis leer al principio de esta reseña),  nos encontramos ante una película sobre la oscuridad que se esconde tras la luz.
Los personajes representan los peores pecados de la moral y con ellos el cinismo de una iglesia corrompida que decide crear su propia -y divina- ley para castigar a sus miembros descarriados, invitándolos a un retiro espiritual. Y los de ésta nueva iglesia de imagen supuestamente renovada, que presenta los mismos síntomas que la antigua, demostrando como lo carcomido, difícilmente puede arreglarse.

El Club es una película sobre el mal, y quizás no haya mejor protagonista para representarlo que la propia iglesia. A través de unos personajes que deberían presentar culpa y remordimiento, pero en vez de eso luchan con la negación por bandera y prefieren las actividades lúdicas a las de purga eclesiástica.

Larraín nos ataca con un filme frío, sórdido, escalofriante e incluso violento, pero como el mejor Haneke, alejado del espectáculo. Nos incomoda con las verdades que subyacen en nuestros pensamientos en contra de la moral socialmente aceptada.
La mejor herramienta para conseguirlo son los actores que dan vida a unos personajes muy bien trazados, en los que destacan el grupo de "curitas" y los fantasmas que les persiguen, especialmente el padre Vidal (Alfredo Castro); la hermana Mónica, a la que Antonia Zegers encarna como uno de los personajes más siniestros escondidos detrás de la bondad; Sandokan (Roberto Farias), un hombre ambivalente que representa los mayores temores de nuestros protagonistas y que se ve incluso más atrapado que ellos; y por último el personaje de Marcelo Alonso, ese padre que se postula como paladín del bien y que no tardará en representar aquello por lo que está en contra.

Definitivamente la película elegida por Chile como representante a los Oscar es una simple maravilla. Así lo atestiguan algunos de sus galardones, en especial el del gran premio del jurado concedido en Berlín.
Así que no tardéis en ir al cine a dejaros asfixiar por la última película de Pablo Larraín, cine así solo se conjura muy de vez en cuándo en nuestras salas.

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TÍTULO ORIGINAL El Club AÑO 2015 DURACIÓN 98 min. PAÍS Chile IDIOMA Español DIRECCIÓN Pablo Larraín GUIÓN Guillermo Calderón, Daniel Villalobos, Pablo Larraín FOTOGRAFÍA Sergio Armstrong REPARTO Roberto Farias, Antonia Zegers, Alfredo Castro, Alejandro Goic, Alejandro Sieveking, Jaime Vadell, Marcelo Alonso PRODUCTORA Fabula

GÉNERO Drama
TEMÁTICA Religión. Abusos sexuales. Vida rural. Drama psicológico

SINOPSIS
Cuatro hombres conviven en una retirada casa de un pueblo costero, bajo la mirada de una cuidadora. Los cuatro hombres son curas y están ahí para purgar sus pecados. La rutina y tranquilidad del lugar se rompe cuando llega un atormentado quinto sacerdote y los huéspedes reviven el pasado que creían haber dejado atrás.

PREMIOS
2015: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado
2015: Festival de San Sebastián: Sección oficial competitiva ("Horizontes Latinos")
2015: Premios Fénix: 9 nominaciones incluyendo Mejor película y director

CRÍTICA
+ "No sólo el mejor, más cruel y más divertido a la vez, trabajo [de Larraín] sino que comparte con obras como 'Saló o los 120 días de Sodoma', de Pasolini, o 'Funny games', de Haneke, la virtud del 'shock'." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "En lo que va de festival [Berlín 2015] es la película más desagradable, perturbadora, terrorífica y hostil. (...) Es mejor no contar lo que ocurre (...) y sí el coraje y las ganas de tocar las narices de Larraín, de hundir el dedo en la llaga" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

+ "'El club' es dura y áspera, destila necesaria mala leche, inteligencia, sarcasmo, claustrofobia y violencia interna, te remueve lo que ves, lo que escuchas y lo que imaginas." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "'El Club' alcanza tal nivel que perfección que, por momentos, duele verla (...) Una de las mejores películas del año" (Carlos Loureda: Fotogramas)

+ "Es un filme complejo, que se mueve con maestría en una zona de penumbra moral, como el drama que explica. (...) Un drama con toques de humor negro" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Es un trabajo sorprendente y que llama a la reflexión, por parte de un director que nunca ha optado por el camino fácil, confirmando a Larraín como uno de los talentos más auténticos del cine actual." (Jordan Mintzer: The Hollywood Reporter)

+ "Es a la vez un thriller apasionante, una incendiaria crítica social y una cáustica fábula moral." (Jessica Kiang: Indiewire)

+ "Respuesta incisiva y psicológicamente compleja a los múltiples abusos de la iglesis Católica (...) Maestro de la atmósfera sucia, Larraín demuestra aquí un feroz dominio como cineasta." (Scott Foundas: Variety)

+ "Fabulosa quinta película de Larraín (...) Incluso en la oscuridad, su humor mordaz brilla como una cuchilla. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Ryan Gilbey: The Guardian)

+ "Esta mezcla sorprendente, áspera e inteligente, de un tema muy serio con un enfoque de comedia negra, catapulta a Larraín a la primera fila de los cineastas internacionales." (Neil Young: Indiewire)

+ "Para fans del cine que experimenta y arriesga. (...) Lo mejor: su arrojo y contundencia. Lo peor: la dureza de la película es tan necesaria como difícil de soportar. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)." (Desirée de Fez: Fotogramas)

PUNTUACIONES
 
8,5 7,8 7,8
NOTA MEDIA: 0,00

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viernes, 2 de octubre de 2015

LAST SUMMER

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Lucas y Jonás viven el que parece va a ser su último verano juntos, la pareja se va a separar pronto, pues uno de ellos dejará atrás su pueblo para irse a la ciudad a por una nueva vida. Todo quedará atrás, los amigos, la naturaleza, el silencio, la familia, el amor... Y el tiempo transcurre, y los jóvenes lentamente ven llegar el momento de afrontar la realidad.

Last Summer arranca con una secuencia de cuatro minutos durante las cuales solo veremos planos detalle de texturas acompañadas de una melódica banda sonora que nos introduce a la que va a ser una historia intima pero universal. Con tan solo ese lapso ya estamos preparados para afrontar el tono del filme, que desde el principio marca su ritmo pausado. Mark Thiedeman elige una estupenda presentación para resumir el grueso de su película, una cinta que nos habla de las pequeñas cosas que nos hacen ser quienes somos.

El filme utiliza la relación de una joven pareja homosexual para acercarnos a la vida en una pequeña población rural, en la que la realidad transcurre poco a poco, y los hechos más rutinarios pueden convertirse en el mayor de los entretenimientos. Con ello, nos acerca a la realidad vista desde la perspectiva de dos chicos, uno se marcha con ansias de descubrir cosas nuevas, aburrido de una vida sedentaria, el otro no le acompaña y decide intentar odiar aquello que el otro odia, aunque en realidad se sienta satisfecho con su vida en el pueblo.

Thiedeman rueda su filme llenándolo de tonos que resumen muy bien aquello sentimientos que nos quiere mostrar, pues la fotografía, el sonido o los planos detalle, son los mejores aliados para ello. Multitud de planos de la piel rozándose la una con la otra, absorbiendo con el tacto las texturas de la naturaleza, del hogar, de aquello que siempre ha estado con nosotros pero que los jóvenes van a abandonar pronto. Se crea en Last Summer una melancolía que aunque no quieran reconocerla sus protagonistas, la sienten totalmente atrapados por ella, y por ende, nosotros con ellos. Thiedeman construye un relato que echa su mirada hacia un modo de vida que muchos quizás no conozcan, el de la absoluta ruralidad, y el director lo hace con maestría al sincerarse él mismo con su filme y hacer aquello en lo que realmente cree.

Aunque quiera centrarme en el concepto del estilo de vida, creo que es el factor más importante en la película, no puedo olvidar que su relato más directo nos habla sobre la ruptura de una longeva relación, de la perdida del primer amor, de la separación de una pareja que ha estado siempre junta, planteándose si aquello era realmente amor, o si por contra, como a muchas parejas homosexuales que viven en entornos de poca población, están unidos por un hilo de conformismo. El guión no pierde tiempo en mostrarnos aquellas diferencias entre ambos, lo distintos que en realidad son, y juega a esa ambivalencia en la que ni tan siquiera ellos pueden llegar adivinar si esas diferencias son las que los separan o por contra las que los convierten en un complemento perfecto. En ese sentido Thiedeman crea una película natural y sincera, llegando a un punto de entendimiento que puede llegarse a suponer biográfico.

Una película de estas características se supone lenta, y quizás ello pueda parecer aburrido, o el guión de escaso dialogo puede hacernos despertar una pereza bien grande, no voy a negar que es así, Last Summer juega un partido complicado y es evidente que precisa de una empatía totalmente reforzada por parte del espectador, en ese aspecto el filme no presenta elementos que ayuden al acercamiento, requiriendo pues toda la comprensión del espectador, algo que no siempre va a obtener. Evidentemente no por ello el filme desmerece en absoluto, solo que es fácil entender a aquellos que lleguen a aborrecerla, para adentrarse en su interior es un filme al que es mejor coger con ganas, de otro modo va a ser difícil que nos entusiasme. Un flaco favor para la película.

Definitivamente Last Summer es una película de extrema belleza y llena de interés emocional, una cinta bastante recomendable si queremos relajarnos en aquellos momentos en los que la melancolía se adueñe de nosotros.

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TÍTULO ORIGINAL Last Summer AÑO 2013 DURACIÓN 73 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Mark Thiedeman GUIÓN Mark Thiedeman FOTOGRAFÍA David Goodman REPARTO Deb Lewis, Samuel Pettit, Sean Rose, Roben R. Sullivant, Byron Taylor

GÉNERO Drama. Romance
TEMÁTICA Homosexualidad. Vida rural. Vida rural (Norteamericana). Adolescencia. Cine independiente USA. LGBTIQ

SINOPSIS
Dos novios en el instituto, Lucas y Jonás, pasan sus últimos meses juntos en el transcurso de un largo verano, tranquilos en el sur rural - un mundo de béisbol, las bicicletas, la iglesia y el guiso de judías verdes - contemplando su futuro incierto y lo incierto del futuro de América.

CRÍTICA
+ "Una obra maestra, delicada y sutil.[...] De una belleza contundente que se queda en la retina y el corazón durante mucho tiempo. Consigue sin ningún artificio llegar al centro de lo que es el cine, la emoción en imágenes." (Maria José Díaz-Maroto García: Pandora Magazine)

- "A pesar de la belleza de sus imágenes, su lirismo resulta impostado y prescindible." (Alberto Gallardo: Tierra Firme)

PUNTUACIONES
 
6,5 5,8 5,8
NOTA MEDIA: 6,0


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jueves, 20 de agosto de 2015

DINS LA FOSCA (DENTRO DE LA OSCURIDAD)

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Acaba de arrancar hoy jueves la IV edición de Mostremp, festival de cine rural al Pallars, convirtiéndose ya en una cita anual a la que cualquier aficionado al séptimo arte no debe faltar. Oportunidad de disfrutar de una selección de cortometrajes internacionales creados alrededor del mundo rural que compiten a concurso. Este año además, en la sesión inaugural, podrá verse el largometraje documental Camino a la escuela (Sur le chemin de l'école; Pascal Plisson, 2013), y no faltará el pase infantil dónde se proyectará la maravillosa candidata a los Oscar La canción del mar (Song of the Sea; Tomm Moore, 2014). Este año además debo reseñar el festival por partida doble, pues no sé si recordaréis que hace un tiempo os hablaba de un proyecto de cortometraje llamado Dins la fosca (Dentro de la oscuridad), filme en el que tuve la oportunidad de colaborar y que ha entrado a concurso en la sección Pallars y Ribagorça del festival. Hoy os hablaré un poco del corto y os recomiendo una vez más asistir a Mostremp, pues pocas veces tenemos oportunidad de asistir a una cita en la que disfrutar de un entorno cinematográfico fuera de las grandes urbes.

En una Cataluña de finales del siglo XIX nos encontramos con Frederic, un muchacho que reparte correspondencia de pueblo en pueblo atravesando campos y bosques. En uno de estos repartos, nuestro protagonista se pierde entre los árboles cuándo la noche le atrapa por sorpresa. Frederic no sabe dónde se encuentra y en medio de ésta encrucijada se enfrentará también con algunas de las cosas que le atormentan. Frederic no lo sabe, pero no se encuentra solo en el bosque.

Dins la fosca es la obra primeriza de Joaquim Sicart, estudiante de bellas artes que decide enfocar sus estudios hacía el medio audiovisual. Cuándo nos topamos con un trabajo de estas características es común que las primeras obras sean escasas de medios y eso afecta a la calidad final, ya sea por sus presupuestos o por la inexperiencia de un equipo primerizo. Pero de vez en cuando sorprende encontrar como existen trabajos que se alejan de todo el sentido amateur, y a pesar de ser obras en los que lo que prima es el trabajo de aprendizaje, al final el resultado es más óptimo de lo esperado. La calidad cinematográfica de Dins la fosca entra en este grupo, pues ya desde su arranque se puede observar el mimo y el cuidado que se tiene en todo momento, pues la fotografía y los encuadres dejan un testimonio claro del buen trabajo y la dedicación que hay detrás.

Poco a poco, y sin diálogo alguno, el filme avanza para introducirnos en una historia en la que rápidamente nos sentimos interesados, el ritmo es bueno y su banda sonora, creada especialmente para el filme por el compositor Tomàs Simón e interpretada por la Orquestra Sinfónica de las Tierras del Ebro, acompaña especialmente a la acción en todo momento, una música que profundiza incluso en la relación entre los personajes y que, lejos de querer ser una cinta muda, no empaña los sonidos tan característicos de cualquier entorno rural.

Otro de los aspectos que sorprenden en la película es el uso de los efectos especiales, algo que normalmente suele ser también chapucero y torpe en un trabajo de estas características, pero que en Dins la Fosca sorprende por su calidad e incluso llega a mezclar momentos animados que, también gracias a su banda sonora, nos remiten a uno de los más atrevidos trabajos de Walt Disney: Fantasía (Varios, 1940).

La historia es quizás sencilla, un relato de superación emocional que utiliza el género fantástico para narrarnos esa batalla interna. Pero el ritmo y esa decisión por relatárnoslo todo sin palabras, dejando entrever lo que hay detrás de los personajes sin contarlo directamente, consiguen hacernos a los espectadores cómplices de su relato, y por consiguiente, a disfrutar del filme.

Dins la fosca se podrá ver hoy en uno de los puntos dónde se rodó Masarbonés (Tarragona) y mañana por la tarde en Tremp dentro de la sección Pallars y Ribagorça dentro del festival Mostremp (podéis consultar el resto de la programación aquí). Si seguís el Facebook del corto podréis estar atentos a los próximos pases e incluso saber la fecha en la que será liberado en la red.



http://mostremp.cat/


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TÍTULO ORIGINAL Dins la fosca AÑO 2015 DURACIÓN 20 min. PAÍS España IDIOMA Sin diálogos DIRECCIÓN Joaquim Sicart GUIÓN Joaquim Sicart MÚSICA Tomàs Simón FOTOGRAFÍA Jennipher González REPARTO Imanol García, Elisabet M. Arenzana, Victor Solé, Marc Delclos, Ester Romero, Núria Amer, Octavi Gonzàlez, Núria Sala, Odei Morillas, Júlia Pié, Emma Cejuela

GÉNERO Fantástico. Drama
TEMÁTICA Sobrenatural. Brujería. Fantasmas. Vida rural. Cortometraje. Siglo XIX

SINOPSIS
Frederic vive en su propia piel la metáfora del ave fénix, que se encarna en este relato fantástico situado en la Cataluña rural de finales del siglo XIX, cuando las personas todavía mantenían todas las conexiones con sus orígenes terrenales. Eran tiempos donde la gente era movida por unas creencias y unos miedos muy poderosos. Y cuando uno se adentra en estos miedos, sólo encuentra un único camino: el de la oscuridad.

PREMIOS
2015: Mostremp: Cortometrajes a concurso (Sección Pallars y Ribagorça)

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martes, 23 de junio de 2015

LUNÁTICO

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Después de varios filmes fallidos parecía que la Sección Oficial del Atlántida Film Fest (AFF) contenía películas que, a pesar del alto nivel de experimentación fílmica, no alcanzaban a ser obras muy a tener en cuenta en cuanto a resultados finales. La programación de este año se estaba comenzando a convertir más en una tortura que no en un disfrute fílmico, una pena para un festival tan prometedor y de referencia como es el AFF. Pero por suerte no todo está perdido, por fin una luz ha alumbrado todo el festival, pues tras el visionado el primer filme como director de Eduard Sola, Lunático, la pereza de seguir con el festival ha desaparecido, pues si todavía quedan obras tan notables como ésta oda familiar, la muestra puede seguir prometiendo, y mucho.

Eduard Sola decide rodar un documental sobre sus abuelos Eduardo y Rosario acompañándolos en su día a día y entrevistándolos para saber como se conocieron. Un acercamiento especialmente a la figura de su abuelo, uno hombre de pueblo aficionado a los inventos con el cual Eduard descubrirá un gran secreto que esconde y que hará tambalear su situación familiar.

Sola no es nuevo en el mundo del cine catalán, pues ya ha destacado por sus buenos guiones en otras ocasiones y con películas que a pesar de presentar claros y diferenciados estilos, siempre han conservado una seña muy concreta de Sola, que apuesta por un relato algo melancólico y muy humano. Hablo de películas como la interesante y nada rutinaria Tots els camins de Déu (Gemma Ferraté, 2014) o la sobradamente conocida Barcelona, nit d’estiu (Dani de la Orden, 2013) o su secuela en producción Barcelona, nit d’hivern (Dani de la Orden, 2015). Pero es la primera vez que Sola se coloca a la cabeza de una película en vez de hacerlo con el texto y el resultado no podía ser mejor.

Lunático arranca como un filme documental en el que el propio director participa en pantalla. Una película que no tarda en conquistarnos gracias a sus dos personajes principales, Eduardo y Rosario, los entrañables y naturales abuelos del propio director. En la película rápidamente reconocemos un estilo cercano, y sus primeras intenciones se hacen claras. Nos encontramos ante un filme que busca un acercamiento a nuestros mayores, a reconocer nuestras propias raíces, una película sobre el amor a pesar de tiempo y el amor a pesar de la distancia generacional. Pero por si eso no fuese suficiente, Lunático da un giro para contarnos todo esto de un modo muy distinto, a través de unas ideas deslumbrantes dónde la colaboración de todos los implicados en pantalla se hace simplemente imprescindible.

El director echa mano de la mezcla ficción/realidad para hablarnos de ese amor que sus abuelos sienten, de ese respeto que él mismo siente por ellos, y del giro de tornas que suele presentarse cuándo los hijos pasan a ser los que están a cargo de sus padres, un momento en la vida en el que descubrimos como a veces se antepone la cordura y el miedo, ante la libertad, muy a pesar de que ello sea por el bien de los implicados, ya que no deja de ser una decisión triste.

No es de extrañar que con éstas formulas, la película nos mantenga atentos durante toda su duración, pues es imposible no sentirse atraído por su cercanía. El tono que Sola da a Lunático es muy propicio a ello, pues el director apuesta por las situaciones en las que, como la vida misma, hay sitio para el humor, la melancolía, el drama, la tristeza o la intriga. Un espiral emocional que da pie a que los espectadores nos emocionemos junto a sus protagonistas y quedemos prendados con lo que vemos en pantalla.

Sin lugar a duda Lunático se ha convertido en mi favorita para postularse con el premio a mejor filme de la Sección Oficial en los Blogos de Oro de otorgamos para AFF, aunque queda mucho por ver, y existe todavía algún que otro filme prometedor.

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TÍTULO ORIGINAL Lunático AÑO 2014 DURACIÓN 73 min. PAÍS España IDIOMA Español, Catalán DIRECCIÓN Eduard Sola GUIÓN Eduard Sola, Mireia Ubero MÚSICA Adri Mena, Gerard Pastor FOTOGRAFÍA Ricard Canyellas, Clara Civit REPARTO Eduardo Guerrero, Rosario Delgado, Carmen Flores, Adela Ayala, Eduard Sola PRODUCTORA ESCAC Films

GÉNERO Drama. Ciencia Ficción
TEMÁTICA Comedia dramática. Falso documental. Vejez. Familia. Cine dentro del cine. Vida rural

SINOPSIS
En un pueblo en el campo catalán viven los abuelos andaluces de Eduard Solà. "Lunático" documenta lo que podría ser una historia más de inmigración, amor mutuo y trabajo duro, sino fuera porque el abuelo de Solà es inventor. Es así como en sus ratos libres y a lo largo de toda su vida, el abuelo ha dado vida a toda clase de invenciones disparatadas y de utilidad dudosa: desde unas pinzas luminosas para tender por la noche, a una máquina de tocar el violín. Sólo que, pronto descubriremos, el abuelo tiene una invención que gana por goleada a todas las demás. Y que puede llevarle (y llevarnos) más allá de la estratosfera.

PREMIOS
2015: AFF: Película a concurso.

CRÍTICA
+ "Una de las más agradables sorpresas del Atlántida Film Fest, una pequeña joya que nos recuerda cómo las pequeñas cosas pueden dar grandes películas, cómo en los personajes más cotidianos y las historias más insignificantes podemos encontrar héroes y épicas hazañas. Una película realizada no sólo con un buen hacer técnico sino con mucho corazón, tanto que sabe trascender la pantalla. Recomendable." (Enoch: Raven Heart)

+ "Pequeñas realizaciones como ésta demuestran que lo difícil no es disponer de millones para relatar algo grande y vacío, si no tener talento para que algo humilde y cercano cale tan hondo como para remover algo en tu interior." (Javi: Cine de Patio)

+ "Lunático es un homenaje del director a sus abuelos, una muestra de que el verdadero amor existe, un canto a la persecución de los sueños y a vivir de ilusiones sin importar la edad, una muestra de amor incondicional, una película totalmente recomendable." (Azu Pereira: Criticas en 8 mm.)

PUNTUACIONES
 
8,5 6,7 -,-
NOTA MEDIA: 7,6


TRAILER


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