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jueves, 3 de noviembre de 2016

CÍRCULO

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Hoy en día, tras el paso de precedentes tan emblemáticos como Cube (Vincenzo Natali, 1997), e incluso la española El método (Marcelo Piñeyro, 2005), las nuevas cintas que giran entorno a un grupo de personajes atrapados en un lugar sin saber como han llegado ahí y que deben averiguar como escapar sacando lo peor de ellos mismos y pisando a cualquiera que se le ponga por delante, caen en un lastre en el que la originalidad brilla por su ausencia al ser incapaces de encontrar un verdadero punto de brillantez que consiga diferenciarlas del resto. Eso es así. Pero partiendo de lo complicado que es conseguir una nueva cinta que nazca en el seno de este pequeño subgénero, hay que aplaudir que películas como Círculo intenten de algún modo convencer a una audiencia que, si no está cansada de no encontrar nada más en ellas, al menos puedan hacerlo nuevos espectadores.

Cincuenta desconocidos despiertan en una habitación formada en círculo y de la que no pueden moverse, ya que ello les costaría la vida. No saben como ni porqué están ahí, solo que no tienen tiempo de pensar mucho en ello, ya que cada dos minutos uno fallecerá, ya sea por elección propia, por decisión del extraño mecanismo del centro, o por votación democrática del resto. Por este motivo deberán decidir quién debe morir y quién sobrevivir para llegar a un final desconocido.

Como digo, el género está más que obsoleto, cintas como las ya mencionadas, que cautivaron nuestros sentidos cinefilos, ya fueron precedidas por otras con menos suerte, véanse títulos como Exam (Stuart Hazeldine, 2009) o La habitación de Fermat (Luis Piedrahita, Rodrigo Sopeña, 2007) que cayeron en un saco de sinsentido en el que nada salvaba sus pocas gracias. A pesar de ello, se sigue insistiendo, pues es un formato que por lo general presenta pocos problemas presupuestarios y sirve además como una buena carta de presentación para directores noveles. Ejemplo de ello son las más recientes y exitosas películas Coherence (James Ward Byrkit, 2013) o La invitación (The Invitation; Karyn Kusama, 2015), ambas curiosamente premiadas en el Festival de Sitges, y que gracias a unos sólidos guiones de estilo high-concept, consiguen cautivar con facilidad reinventando sus psicológicos entramados, pero una vez más, ofreciendo en esencia lo mismo.

Círculo es una más de ellas, y como no, sus directores Aaron Hann y Mario Miscione, dos nombres nuevos en el campo cinematográfico. De nuevo una ópera prima de género que con recetas antiguas consigue poner en relieve a nuevos realizadores. Pero ojo, no voy a asociar el concepto como algo negativo, pues a pesar de los irremediables déjà vu, no deja de ser una película entretenida y capaz de cautivar por elementos propios.

En este caso, y a pesar de un arranque extremadamente forzado -algo común en estas producciones-, el guión que tanto Hann como Miscione construyen contiene cierto calado social bien trabajado que despierta el interés trasladando ingredientes de actualidad a una antigua receta, lo que da algo de frescura al plato final. Los directores programan sus personajes con tópicos, para trabajarlos y representar en un pequeño escenario, lo mejor y lo peor de todo aquello que representa el ideal de vida americano, -evidentemente, la globalización, hace que esos elementos sean igual de funcionales para la gran mayoría de espectadores occidentales-. De este modo, algo tan manido como un tópico, se moldea para conseguir un efecto más positivo, dónde el juego de rivalidades se convierte en algo secundario, y dónde el cariz social obtiene un papel más relevante y agradecido.

El resultado final es otro thriller psicológico que, como he dicho, nos sonará repetitivo, pero que gracias a un trabajo de base consigue tambalear un poco el sistema planteándonos en que consiste la actual democracia en la que vivimos, o deberíamos vivir, algo que siempre agradeceré en una cinta de género.

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TÍTULO ORIGINAL Circle AÑO 2015 DURACIÓN 87 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español DIRECCIÓN Aaron Hann, Mario Miscione GUIÓN Aaron Hann, Mario Miscione MÚSICA Justin Marshall Elias FOTOGRAFÍA Zoran Popovic REPARTO Julie Benz, Michael Nardelli, Carter Jenkins, César García, Kaiwi Lyman, Matt Corboy, Lawrence Kao, Lisa Pelikan, Jordi Vilasuso, Molly Jackson, Allegra Masters, Mercy Malick, Rivka Rivera, Daniel Lench, Sara Sanderson, Zachary James Rukavina, Michael McLafferty, Cameron Cruz, Daniel Yelsky, Bill Lewis, Ashley Key, John Edward Lee, Kurt Long, Jamie Lee Redmon, Muneer Katchi, Rene Heger, David Reivers, Marc Cedric Smith, Jacquelyn Houston, Michael DiBacco, David Saucedo, Aimee McKay, Gloria Sandoval, Howard S. Miller, Shane Spalione, Jay Hawkins, Fay DeWitt, Autumn Federici, Kevin Sheridan, Emilio Rossal, Leandra Terrazzano, Rory Uphold, Marisol Ramirez, Brent Stiefel, Han Nah Kim, Vee Kumari, Coley Speaks, DeMaris Gordon, Nasrin Mohammedi, Floyd Foster Jr. PRODUCTORA Taggart Productions / Votiv Films

GÉNERO Intriga. Thriller. Ciencia ficción
TEMÁTICA Cine independiente USA. Thriller psicológico. Extraterrestres

SINOPSIS
Cincuenta desconocidos se despiertan encarcelados juntos dentro de una cámara misteriosa formando un circulo. En tiempo real, deben identificar a sus captores y decidir cuál de ellos merece sobrevivir, en un juego macabro que nadie sabe cómo puede terminar.

CRÍTICA
= "Habría sido ideal para un corto o incluso un mediometraje. [...] Es un entretenimiento curioso al que merece la pena echar un vistazo. Evidentemente hay cosas que se pueden mejorar, pero ante ésta propuesta humilde poco más le podemos pedir." (Dante Martín: Cineybso)

+ "Circle es un film que transciende su mera fachada fantástica para dejarnos un escalofriante y realista retrato sobre la humanidad. Totalmente recomendable y de obligado visionado." (Emilio Gutiérrez Rodríguez: El primo de Ridley Scott)

PUNTUACIONES
 
6,5 5,6 6,1
NOTA MEDIA: 6,1


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martes, 14 de junio de 2016

EL CRIMEN DE LARAMIE (EL PROYECTO LARAMIE)

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Es imposible apartar la mirada de las noticias de odio que estos días nos llegan desde Estados Unidos. La matanza de Orlando no hace más que ratificar el largo camino que queda por la lucha contra la homofobia alrededor del mundo, no solo en las partes dónde ser homosexual o transexual sea delito, si no también en aquellas dónde se suponen que los derechos humanos están más avanzados. Sin duda alguna, hoy más que nunca, hace falta una mayor visibilidad para conseguir que los delitos de odio, ya sea por orientación sexual, género, raza, y evidentemente religión (no faltarán estos días los que condenen el Islam sin reflexionar antes sobre otras religiones que también son duras con lo diferente. Sin escuchar como parte de la comunidad está dando apoyo al colectivo LGTBI), sean condenados unánimemente. No hay que olvidar tampoco el gran problema armamentístico que existe en el supuesto país de las libertades, dónde conseguir una arma es más sencillo que comprar un huevo Kinder, una debate que el lobby de las armas siempre dinamita en pro de los intereses comerciales de los mismos.

Los casos de odio en Estados Unidos siempre se han utilizado como referencia para la lucha del colectivo LGTBI, tanto es así que momentos como los altercados de Stonewall o el asesinato del activista político Harvey Milk, han sido clave para la evolución de los derechos, otro de los casos es el de Matthew Shepard, un joven asesinado en Laramie, Wyoming, por el cual se consiguió (muchos años después) una enmienda en pro de la lucha contra el odio. Es precisamente ese caso el que ocupa hoy el blog con el filme para televisión El crimen de Laramie – o Proyecto Laramie -. Un falso documental que intenta indagar como ha afectado el caso a la población de Laramie.

En octubre de 1998, Matthew Shepard fue hallado cubierto de sangre y en estado de coma atado en una valla a las afueras de Laramie, pocos días después el joven fallecía en el hospital. Los culpables del homicidio fueron rápidamente identificados como dos jóvenes de la ciudad. El caso resonó en todos los medios de comunicación y se convirtió en toda una referencia para la lucha contra la homofobia. El filme recoge las entrevistas que se hicieron a varios habitantes de la ciudad, para construirlas a modo de falso documental –o documental ficcionado- contando la historia que sucedió.

El crimen de Laramie, dirigida por Moisés Kaufman, es una estupenda apuesta televisiva que se basa en la obra de teatro homónima del mismo Kaufman, dónde un grupo de estudiantes de teatro se traslada hasta Laramie para entrevistar a algunos de sus habitantes. Son las propias declaraciones las que se transcriben en boca de los actores que dan vida a los protagonistas de esta historia. Unos actores que son, sin duda alguna, una de las mayores bazas del filme, pues cuenta con un reparto de lujo. Nombres como Steve Buscemi, Christina Ricci, Dylan Baker, Jeremy Davies, Clea DuVall, Michael Emerson, Amy Madigan, Clancy Brown, son algunos ejemplos del espectacular reparto que da vida a esos entrevistados.

A pesar del homogéneo tono de telefilme, Kaufman sorprende con algún que otro despunte en dirección y montaje, para dar vida, sin perder nunca el sentido narrativo, a una película que no olvidemos, se basa en retratar unos hechos históricos recogidos a través de declaraciones, algo que por lo pronto podría parecer repetitivo, pero que el director resuelve muy bien,  y consigue mantenernos atentos al hilo argumental.

El filme, además de ser todo un alegato en contra de la homofobia, busca también mostrar como los medios pueden demonizar un lugar a causa de un hecho aislado, dando carta blanca a toda declaración, a favor o en contra de esos derechos, para mostrar la realidad lo más aproximada posible. Encontramos así a personajes que sienten vergüenza de que algo así haya podido ocurrir en un lugar aparentemente pacifico, otros que no esconden el rechazo a los que no son como ellos, tanto los que condenan de todos modos la violencia, como los que no –terrible personaje el del reverendo-, los que viven escondidos en su armario en una población rural o los que no temen a dar la cara. En conjunto es un filme coral, dónde todas las voces intentan ser recogidas, que busca concienciar no solo a través de un acto atroz, si no también a favor de una localidad donde no todo es demoníaco.

Es una lástima que casos como el de Matthew Shepard sigan hoy siendo noticia, igual que lo es que haya países que encarcelen o condenen a las personas por su orientación sexual. Que todavía hoy haya personas de primera y segunda clase, y que quede todavía un largo camino por recorrer. Filmes como El proyecto Laramie no solo nos ayudan a no olvidar, si no a luchar contra el odio y por los derechos de todos.


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TÍTULO ORIGINAL The Laramie Project AÑO 2002 DURACIÓN 97 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Moisés Kaufman GUIÓN Tectonic Theatre (Obra teatral: Tectonic Theatre) MÚSICA Peter Golub FOTOGRAFÍA Terry Stacey REPARTO Dylan Baker, Steve Buscemi, Jeremy Davies, Peter Fonda, Janeane Garofalo, Joshua Jackson, Laura Linney, Christina Ricci, Nestor Carbonell, Camryn Manheim, Clea DuVall, Michael Emerson, Mark Webber, Ben Foster, Amy Madigan, Clancy Brown, Tom Bower, Summer Phoenix, James Murtaugh, Richard Riehle, Terry Kinney, John Nance PRODUCTORA Cane/Gabay Productions / Good Machine / HBO

GÉNERO Drama. Intriga
TEMÁTICA Homosexualidad. Basado en hechos reales. Telefilm. Drama judicial. Falso documental. Crimen. Teatro. LGBTIQ

SINOPSIS
Basada en hechos reales. El film narra la reacción de la ciudad de Laramie tras el brutal asesinato de Matthew Sheppard, un estudiante homosexual de la Universidad de Wyoming, víctima de la violencia e irracionalidad de dos homófobos.

PREMIOS
2002: Emmy: 4 nominaciones, incluyendo mejor telefilm, dirección y guión

CRÍTICA
+ "Un símbolo del sufrimiento y el dolor de la comunidad LGBT." (Cinegayonline)

PUNTUACIONES
 
6,5 6,0 7,3
NOTA MEDIA: 6,6


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domingo, 13 de diciembre de 2015

DESAPARECIDA (SPOORLOOS)

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Estremecedora. Así ha sido catalogada esta película ya de culto que da sentido a la palabra thriller. Desaparecida (Spoorloos) es una cinta europea –coproducida entre Holanda y Francia- dirigida por George Sluizer y que ha logrado convertirse en toda una película de referencia para posteriores filmes y series de televisión, lo que desmereció su correspondiente remake americano: Secuestrada (The Vanishing; 1993) de manos del mismo Sluizer, mucho más aligerado y por supuesto más cercano al clásico thriller noventero.

Una joven pareja holandesa, Saskia y Rex, toman el coche para tomarse unas vacaciones dirección Francia. En una estación de servicio dónde paran a descansar ella desaparece sin dejar rastro.
Raymond decide llevar a cabo un secuestro, por eso, tras varios intentos, decide ir a una estación de servicio dónde encontrará a su víctima.
Tres años después Rex sigue en la búsqueda de Saskia sabiendo que no la va a encontrar, pero su angustia le obliga a saber que es lo que realmente sucedió. Raymond intenta ponerse en contacto con él para contarle la verdad.

El filme de George Sluizer ha sido comparado con lo mejor del maestro del suspense, pues su premisa no puede ser más hitchockiana. Sabemos (o creemos saber) quién secuestró a Saskia, por lo que el desafío común en los thrillers de suspense por descubrir el autor del crimen queda totalmente descartado. Lo importante en Desaparecida no es el quién, si no el cómo y el porqué. De ahí ese acercamiento narrativo a obras del maestro como Extraños en un tren (Strangers on a Train; 1951), La soga (Rope; 1948) o Vértigo (De entre los muertos) (Vertigo; 1958) por citar a algunas. Pero no es solo narrativamente ese acercamiento, si no ese savoir faire tan europeo que tiene el filme y unos personajes cuyas motivaciones los podrían haber convertido fácilmente en protagonistas de cualquiera de los filmes de Alfred Hitchcock.

Otro de los aspectos que justifican la comparación es un sorprendente final que deja helada hasta la roca más dura, aunque ya muchos de los hijos que ha parido Desaparecida, -véase Perdida (Gone Girl; David Fincher, 2014), Buried (Enterrado) (Rodrigo Cortés, 2010) e incluso la obra maestra hecha serie llamada Twin Peaks (David Lynch, Mark Frost, 1990-1991)-, logran que ese final quede hoy algo más descafeinado, pues es inevitable la huella que ha dejado en varias producciones que desafían la sorpresa final del filme de Sluizer.

La película se estructura en dos partes, que gracias al acertado montaje alterno cruza dos conceptos en uno. Por una parte tenemos una película sobre la obsesión, representada por Rex, que poco a poco verá como ésta llega a eclipsar todo lo que le envuelve. Y por el otro lado el más interesante representado por Raymond, supuesto secuestrador. La lógica social que se esconde detrás de él es toda una radiografía de un sociopata extremo, un retrato personal muy estremecedor, un tipo familiar y trabajador que representa aquello que tantas veces hemos oído de “Parecía un buen vecino”.

Uno de los momentos clave y más acertados del filme sucede hacía el principio del metraje. Saskia le cuenta a Rex un sueño recurrente que le atormenta en el que se ve atrapada dentro de un huevo de oro mientras flota eternamente por el espacio, pero que la última noche tuvo una variante, aparecía otro huevo con el que colisionaba y entonces siente como todo termina. Entonces es cuándo la pareja se queda sin gasolina en medio de un túnel y Rex decide dejar sola a Saskia para ir a buscar repostaje. A la vuelta la chica no está, por lo que él arranca el coche hacía el final del túnel, dónde a contra luz aparece enmarcada la chica esperando la vuelta de Rex. La simbólica y lírica secuencia se convierte en una recurrente anticipación que se va inflando a lo largo de la película gracias a otros pequeños momentos, como cuándo ella entierra un par de monedas bajo un árbol de la estación de servicio para que él las vuelva a encontrar, y que en el plano final de la película veremos como se cierra el ciclo empezado por un sueño.

Desaparecida no es un thriller de nervio como los que hoy en día ocupan nuestras salas de cine, si no un filme que provoca ese nervio atacando directo al espectador, con una naturalidad que queda lejos del cine del Hollywood de Fincher, Nolan o Tarantino, más marcado y menos pausado. Un estilo con el que cuesta más quedar atrapado, pero que si entras no podrás escapar.

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TÍTULO ORIGINAL Spoorloos (The Vanishing) AÑO 1988 DURACIÓN 106 min. PAÍS Países Bajos (Holanda), Francia IDIOMA Neerlandés, Francés, Inglés DIRECCIÓN George Sluizer GUIÓN Tim Krabbé (Novela: Tim Krabbé) MÚSICA Henny Vrienten FOTOGRAFÍA Toni Kuhn REPARTO Bernard-Pierre Donnadieu, Gene Bervoets, Johanna Ter Steege, Gwen Eckhaus, Bernardette Le Saché, Tania Latarjet, Lucille Glenn PRODUCTORA Golden Egg Film / MFS Films / Ingrid Productions

GÉNERO Intriga. Thriller
TEMÁTICA Película de culto. Asesinos en serie. Thriller psicológico. Secuestros / Desapariciones

SINOPSIS
Rex y Saskia son una pareja de holandeses de vacaciones en Francia. En una gasolinera, Saskia desaparece sin dejar rastro. Rex dedica tres años de su vida a intentar encontrar a su novia sin éxito. Un día empieza a recibir postales de alguien que promete revelarle qué le pasó a Saskia. El supuesto secuestrador, un tipo llamado Raymond Lemorne, es un personaje escalofriante a quien Rex sigue la corriente en su obsesión de conocer la verdad sobre la desaparición de su amada. Y la verdad, quizá, sea más siniestra de lo que él nunca se atrevió a imaginar...

PREMIOS
1988: Premios del cine Europeo: Mejor actriz secundaria (Johanna ter Steege)
1990: Fantasporto: Mejor dirección. Nominada a mejor película.
1991: NBR: Mejor película extranjera

CRÍTICA
+ "Angustioso film sobre la búsqueda de una novia que desaparece sin dejar rastro. Sluizer, con pulso firme y desplegando gradualmente una tensión asombrosa, consigue un notable thriller psicológico cuya primera visión se llega a hacer casi insoportable. (...) implacable representación de la angustia." (Pablo Kurt: Filmaffinity)

+ "Es sencilla en su base y ejecución, con un ritmo pausado y exasperante, pero sorprende muy gratamente en su desarrollo y especialmente en su excelente desenlace." (Victor Lopez G.: Cine maldito)

PUNTUACIONES
 
6,5 6,8 7,8
NOTA MEDIA: 7


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jueves, 5 de noviembre de 2015

FISH & CAT (MAHI VA GORBEH)

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A los que vais leyendo el blog con asiduidad seguro que os sonará el Atlantida Film Fest que organiza Filmin cada año. En la última edición destacaron varias cintas como la argentina Dos disparos (Martín Rejtman;2014) que fue elegida como mejor película por un jurado compuesto por los cineastas salidos de ESCAC Mar Coll –Tres dies amb la família (2009)- y Kike Maíllo –Eva (2011)-, el director del Festival de Sitges Ángel Sala y Toni Ulled, director de la revista Fotogramas. Además el jurado entregó dos menciones especiales, una a Traffic Departmen (2013) del polaco Wojciech Smarzowski y otro a la estupenda Fish & Cat (Mahi va gorbeh; Shahram Mokri, 2013) con la que hoy me voy a centrar. Por otra parte, la asociación de críticos y escritores cinematográficos catalanes otorgó su premio a la experimental Videofilia (y otros síndromes virales) (Juan Daniel F. Molero, 2015). Por último, la novedad de la última edición, los Blogos de Oro que participamos activamente en el festival y otorgando también un premio que ha coincidido con el del público, el cual fue a parar a la maravillosa Lunático (Eduard Solà, 2014). No viene mal recordarlas, pues todas ellas son cintas estupendas y que quizás de otro modo, no llegarían tan fácilmente a vuestros oídos.
Centrémonos ahora en una de las galardonadas, la curiosa e interesante Fish & Cat.

En medio de un bosque nos encontramos un mugriento restaurante regentado por un par de cocineros nada agradables. Cerca de allí un grupo de jóvenes acampan cerca del lago en medio de un campeonato de vuelo de cometas. Algo siniestro está por ocurrir.

Fish & Cat arranca con un cartel que nos da la referencia de una noticia sobre un restaurante que tras ser investigado se cerró dado que la carne que servían era humana. Shahram Mokri, director del filme, consigue con esta primera imagen crear en nosotros unas expectativas sobre lo que vamos a ver. Si el filme no fuese lo suficientemente intrigante, este primer adelanto no hace más que crear una ilusión sobre aquello que creemos va a pasar jugando con nosotros, y logrando que nos preguntemos constantemente cuándo y cómo va a desencadenarse el cruel destino de los personajes.

Pero Fish & Cat no nos lo va a poner fácil, durante sus más de dos horas de duración va a atraparnos en un juego del que a pesar de su ritmo pausado difícilmente podremos escapar, igual que el destino, aquel que no sabemos cuándo alcanzará a los protagonistas, y que tampoco los soltará. Todo ello narrado en un único plano secuencia, una decisión de estilo para nada baladí, ya que en pocas ocasiones podremos encontrar una película que pueda justificar tan fácilmente su uso.

Es ese plano sin corte el que no conduce por un mundo circular, en el que parece que el fin no existe, un mundo que por sus imágenes y su narración puede indicarnos que se trata de un lugar fuera de las fronteras de la realidad, pues ya en el primer segmento del filme los que parecen ser los villanos preguntan a unos nuevos visitantes como han encontrado el lugar, como han podido saltar la frontera, una línea que ellos no parece que recuerden cruzar. ¿Pero es todo una fabula lo que esconde la historia de Fish & Cat? Algunos de los personajes parecen tan confusos con la situación como confuso es el relato, mientras otros parece que sepan perfectamente dónde se encuentran, e incluso lleguen a hablar con personas que no están ahí.

Cuándo empiezan las repeticiones de situaciones, ya sea compartiendo puntos de vista o simplemente para enlazar puntos con otros, el filme ya se nos ha zampado junto con todo lo que nos quiere representar, y es por eso que una película que de entrada se podría presentar como densa, confusa y poco atractiva, se convierte en un filme interesante, atractivo y único en muchos sentidos.

Fish & Cat es un ejercicio fílmico más que notable, y una obra que recomiendo no dejar escapar.

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TÍTULO ORIGINAL Mahi va gorbeh (Fish & Cat) AÑO 2013 DURACIÓN 134 min. PAÍS Irán IDIOMA Persa DIRECCIÓN Shahram Mokri GUIÓN Shahram Mokri MÚSICA Christophe Rezai FOTOGRAFÍA Mahmoud Kalari REPARTO Abed Abest, Mona Ahmadi, Ainaz Azarhoush, Nazanin Babaei, Mohammad Berahmani, Siavash Cheraghipoor, Saeed Ebrahimifar, Alireza Esapoor, Neda Jebraeili, Shadi Karamroudi, Babak Karimi, Mohammad Reza Maleki, Faraz Modiri PRODUCTORA Kanoon Iran Novin 

GÉNERO Drama. Intriga
TEMÁTICA Crimen. Slasher

SINOPSIS
Un grupo de estudiantes viaja hacia la región del Mar Caspio para participar en un evento de voladores de cometas durante el solsticio de invierno. Al lado de su campamento, una pequeña cabaña que ocupan tres cocineros que trabajan en un restaurante cercano.

PREMIOS
2014: Atlántida Film Fest: Mención especial del jurado.
2013: Festival de Dubai: Premio del jurado. Nominada a mejor película.
2014: Festival de Fribourg: Premio FIPRESCI y premio del jurado joven. Nominada al gran premio.
2014: Festival de Sydney: Nominada a mejor película.
2013: Venecia: Premio horizontes. Nominada a mejor película.

CRÍTICA
+ "Coreografíar todo este plano secuencia con múltiples cruces, voces en off y hasta una actuación musical, no nos deja otra opción que la de aplaudir las intenciones de Sahram Mokri." (David Cabello Bermejo: Luces de sala)

+ "Sin lugar a dudas, “Fish and Cat” de Shahram Mokri es una de las propuestas más atrevidas de esta edición del Festival de Sitges." (Enrique Campos: Actualidad Cine)

- "Un cuento de ficción con aspiraciones, repetitivo y que no puede ni con lo que tiene entre manos." (Maria José Díaz-Maroto García: Pandora Magazine)

+ "Fish and cat se plantea como un slasher clásico: un psicópata (en este caso, varios) que busca asesinar a un grupo de jóvenes que se encuentran de acampada junto a un lago. Aunque sea este el punto de partida, el film destroza las barreras de este subgénero de terror y representa una propuesta mucho más profunda, mucho más existencialista de lo que podría parecer en un principio." (Mireia Mullor: El contraplano)

+ "Fish & Cat es una película que fascina por el juego de realidades que propone, por un guión que no pretende llevarnos por un camino fácil de descifrar.(...) es indudable que el experimento que la película de Mokri plantea perdura durante días después de su visionado, aumentando aun más si cabe el poso que deja una vez que acaba. (MariFG: Cinema ad hoc)

- "Una base tan, a priori, interesante como resultado fallido y enésima muestra de que la pedantería no tiene límites." (Criticas en 8 mm)


PUNTUACIONES
 
7,5 6,4 7,9
NOTA MEDIA: 7,3


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