TOTAL

Estamos de enhorabuena, pues en España empieza un nuevo rumbo en pro el cine patrio. A partir de mañana lunes 11 de mayo, arranca en la televisión pública del país, concretamente en el segundo canal nacional (La 2), un ciclo que durará un mínimo de dos años. Todas las semanas, de lunes a viernes y en prime time (las 10 de la noche) podremos ver una película española en televisión dentro del programa Historia de nuestro cine que presentará Elena S. Sánchez y dirigirá Francisco Quintanar. Este nuevo cambio en la programación y sumado a la continuidad del programa Versión Española presentado por Cayetana Guillén Cuervo y toda la actualidad en cines con el ya mítico Días de cine, es una apuesta valiente y necesaria que consolida La 2 como una estupenda referencia cultural que nos ayudará a apreciar y descubrir lo mejor de nuestro cine.

El programa se compondrá por una serie de bloques, dedicando cada día a unas décadas concretas, de manera que los lunes será el turno de las películas de la década de los 30 y 40; los martes de los 50 y 60; miércoles de los 70, jueves de los 80 y viernes de los 90. Aunque esta primera semana arrancará con un bloque especial dedicado a Cannes, dónde podremos ver ¡Bienvenido, Míster Marshall! (Luis García Berlanga, 1953), La niña de luto (Manuel Summers, 1964), Surcos (José Antonio Nieves Conde, 1951), Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) y Viridiana (Luis Buñuel, 1961).

Entre las películas que se irán viendo a los largo de estos meses en Historia de nuestro cine destacan títulos como Morena clara (Florián Rey, 1936), El crimen de la calle Bordadores (Edgar Neville, 1946), Embrujo (Carlos Serrano de Osma, 1947) o Nada (Edgar Neville, 1947), de los años 30 y 40; El cebo (Ladislao Vajda, 1958), Plácido (Luis García Berlanga, 1961), Historias de la radio (José Luis Sáenz de Heredia, 1955), El extraño viaje (Fernando Fernán-Gómez, 1964), Los ladrones somos gente honrada (Pedro Luis Ramírez, 1956) o La busca (Angelino Fons, 1966), de los 50 y 60; Las largas vacaciones del 36 (Jaime Camino, 1976), Un hombre llamado Flor de Otoño (Pedro Olea, 1978) o La escopeta nacional (Luis García Berlanga, 1978), de los 70; El crack (José Luis Garci, 1981), El sur (Víctor Erice, 1983), Las bicicletas son para el verano (Jaime Chávarri, 1984), Secretos del corazón (Montxo Armendáriz, 1997) y El viaje a ninguna parte (Fernando Fernán Gómez, 1986), de los 80; Familia (Fernando León de Aranoa, 1996), Bajarse al moro (Fernando Colomo, 1988), Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988), Vacas (Julio Medem, 1992), La niña de tus ojos (Fernando Trueba, 1998) o Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995), de los 90.

Para ir abriendo el apetito hoy traigo un mediometraje realizado para televisión que abría la ahora conocida como trilogía surrealista de Jose Luis Cuerda. Total es la primera entrega, seguida por la excelente e imprescindible Amanece que no es poco (1988), y cerrando el trío está la menor Así en el cielo como en la tierra (1995).

Nos encontramos en el año 2598 en Londres, un típico pequeño pueblo castellano dónde el fin del mundo hace unos días que se empieza a anunciar. Lorenzo el pastor nos irá contando las señales que le han llevado a descubrir este apocalipsis: las vacas acuden a la escuela, las paredes de los edificios se derrumban, Doña Paquita aparece sin previo aviso... Un relato sobre como fue aquello del gran final.

Total pertenece al grupo de aquellas películas que una valiente televisión pública se atrevío a producir ofreciendo altas dosis de calidad en sus pantallas. Películas como la de Cuerda o La Cabina (Antonio Mercero, 1972), abiertas a la experimentación y capaces de cosechar premios allá dónde fueran.

Este primer metraje es sin duda la semilla que más tarde explosionaría en Amanece que no es poco, encontrando las primeras jocosas y surrealistas ideas que más tarde Cuerda convertiría en un largometraje mucho más solido y completo. De todos modos no podemos menospreciar lo que en menos de una hora se nos muestra en Total, pues en pocos minutos es fácil quedar totalmente entregado a las historias de ese pequeño pueblo, cada cual más delirante. Todo gracias a un guión dónde no solo los diálogos están más que bien encontrados, si no todas las situaciones vividas y los enlaces entre ellas, creando un lugar dónde el surrealismo no es excusa para que logremos creernoslo. 

Una película deliciosamente impresionante, que con facilidad os da una muestra de la grandeza de las ideas de Jose Luis Cuerda, un aperitivo para los que todavía no hayáis descubierto su obra magna (Amanece...) que de bien seguro os dejará con las ganas de revisar la trilogía por completo.

Historia de nuestro cine - Promo

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TÍTULO ORIGINAL Total AÑO 1983 DURACIÓN 52 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN José Luis Cuerda GUIÓN José Luis Cuerda MÚSICA José Nieto FOTOGRAFÍA Juan Martín Benito REPARTO Miguel Rellán, Manuel Alexandre, Luis Ciges, María Luisa Ponte, Agustín González, José María Caffarell, Enriqueta Carballeira, María Luisa Ponte, Alicia Sánchez, Eusebio Lázaro, Chus Lampreave PRODUCCIÓN TVE

GÉNERO Comedia. Fantástico

TEMÁTICA Comedia absurda. Surrealismo. Mediometraje. Telefilm. Fin del mundo

SINOPSIS

Año 2598. Hace tres días que el mundo ha llegado a su fin en Londres, un pequeño y perdido pueblo de ambiente castellano. Lorenzo, pastor de ovejas, nos cuenta una serie de sucesos extraordinarios que han ido anunciando el fin del mundo: las vacas quieren ir a la escuela, las paredes se derrumban, o Doña Paquita se aparece en los lugares más insospechados...

PREMIOS

1983: Montecarlo: Premio Especial de la Crítica y Premio Especial del Jurado

CRÍTICA

+ "Una película muy divertida, desternillante por momentos, que dura lo que tiene que durar y anticipa las genialidades que se le ocurrirían a Cuerda para sus dos siguientes films" (Beatriz Maldivia: Blog de cine)

- "La originalidad del arranque de Total no encuentra después un desarrollo hacia arriba, no crece, no hace engordar los kilos del interés del espectador, y éste se va desinteresando poco a poco del tinglado. La correcta, simplemente correcta, realización e interpretación se queda de esta manera en una corrección sobre el vacío. Total, nada." (Ángel Fernández-Santos: El país)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,0		7,3
NOTA MEDIA: 7,1

PELÍCULA

VER TAMBIÉN

MORTADELO Y FILEMÓN CONTRA JIMMY EL CACHONDO

Debo reconocer que las adaptaciones a la gran pantalla de las aventuras de los personajes más famosos del mundo del cómic español siempre me causaron más vergüenza que alegría, por eso, no tenía demasiadas esperanzas con esta nueva apuesta de Fesser que ya en 2003 los materializó en La gran aventura de Mortadelo y Filemón con un resultado bastante decepcionante, a pesar del estilo cómico del director, que en principio tan bien le iba al humor de Ibáñez, el padre del dúo de agentes. Con Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, parece que Javier Fesser logra redimirse, y gracias a la animación se acerca mucho más al fabulosos universo de Ibáñez.

Jimmy el Cachondo sigue con sus bromas pesadas y tiene a toda la T.I.A. al borde del colapso. Para atraparlo y terminar con sus maldades, la agencia secreta manda a sus dos mejores agentes (o al menos los que estaban disponibles) en su búsqueda y captura. Esos son Filemón y su fiel ayudante Mortadelo. ¿Logrará la pareja terminar con los malvados planes de Jimmy? ¿Aguantarán una broma más? ¿Encontrará Ofelia el verdadero amor?

En esta segunda ocasión, Fesser ha conseguido gracias a la animación crear un mundo mucho más solido, y ha reforzado mucho mejor el guión en comparación a la primera adaptación llevada a pantalla. Aunque la formula siga siendo el uso de gags, esta vez el conjunto logra una mejor forma, y el sinsentido se pierde para solidificar una película de base mucho más cimentada.

Uno de los mayores retos es saber dar vida a unos personajes tan asentados en el imaginario social, pues es difícil lograr contentar a todo el mundo al trasladarlos del papel a las imágenes en movimiento sin que pierdan su personalidad. Fesser esta vez lo ha conseguido muy bien, y los personajes que vemos en la película son exactamente como los hubiésemos imaginado, y ya con esto el director tiene mucho conseguido.

No es casualidad que Fesser vuelva a ponerse una vez más con estos personajes, pues el imaginario absurdo de éste siempre ha tenido un nexo de unión muy directo con el de Ibáñez, especialmente en sus inicios como se puede ver en películas como El milagro de P. Tinto (1998). La absurdidad extrema, el humor negro y la mezcla con la sátira social son ejes clave para ambos, y en Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo se conjugan del mejor modo y todo con una inmediatez frente a los tiempos actuales muy acertada.

Dentro de su estupendo avance, hay que decir que al final el filme de Fesser se presenta como una película de mero entretenimiento, del que poco jugo podremos sacar más allá de pasar un buen rato con un filme animado realmente bien realizado, todo ello teniendo en cuenta las limitaciones conocidas para este tipo de producciones patrias. Así que si lo que queréis es una película divertida, amena, gamberra y con un poco de crítica ésta es una buena opción.

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TÍTULO ORIGINAL Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo AÑO 2014 DURACIÓN 88 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Javier Fesser GUIÓN Javier Fesser, Cristóbal Ruiz, Claro García (Personajes: Francisco Ibáñez) MÚSICA Rafael Arnau FOTOGRAFÍA Miguel Pablos VOCES ORIGINALES Karra Elejalde, Janfri Topera, Gabriel Chame, Ramón Langa, Víctor Monigote, José Alias, Mariano Venancio, Enrique Villén, Emilio Gavira, Berta Ojea, Athenea Mata, Chani Martín, Manuel Tallafé, Javier Laorden, Rocío Calvo PRODUCTORA Zeta Cinema / Películas Pendelton / Warner Bros. / Canal + / Televisión Española / TV3 / Ilion Animation Studios

GÉNERO Animación. Comedia. Aventuras

TEMÁTICA Cómic. 3D. Sátira. Comedia absurda. Comedia negra

SINOPSIS
Se acaba de producir el mayor ataque criminal contra la estabilidad mundial. Es un ataque de risa. Mientras el caos de la guasa y la risa floja se apodera de las instituciones, de la banca, de los ministerios, de las fábricas, de los colegios, de las cafeterías, de los policías, de los ladrones, de los notarios y de los elefantes, la única organización capaz de poner un poquito de seriedad en todo esto es la T.I.A. La Humanidad está en peligro. No aguanta una bromita más. Pero nuestros dos mejores agentes de campo (y playa) se encargarán de cortarle el rollo a ese supergamberro: son Mortadelo y Filemón.

PREMIOS

2014: 2 Premios Goya: mejor guión adaptado, mejor película de animación. 6 nom.
2014: Círculo de escritores cinematográficos: Mejor película y guión adaptado.
2014: Feroz: 2 nominaciones: Película (comedia) y banda sonora.
2014: Gaudí: Mejor película animada. Nominada a mejores ef. especiales.
2014: Premios Forqué: Mejor película documental o animada.

CRÍTICA

+ "La más despampanante, espectacular y divertida producción animada en tres dimensiones que ha visto el cine español." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Es una película que desprende vocación y talento visual. La veo y la escucho sin disgusto, pero siempre desde fuera" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Todo es brillante, todo es Bruguera, todo es Ibáñez y todo es Fesser (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Su factura, su desarrollo narrativo, (...) y el frenesí de la acción ostentan una envergadura artística digna de Pixar (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Para bruguerianos realmente exigentes. (...) Lo mejor: su psicopático gusto por el detalle. Lo peor: deja con hambre (inmediata) de nuevas entregas. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)

+ "La espectacular animación digital de la película hace que vayamos rodando, tropezando y rebotando por una montaña rusa constante (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Manuel Piñón: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,5		6,7
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

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ZAZIE EN EL METRO

Solo el tiempo ha puesto en su sitio a Louis Malle, uno de esos directores que allá a finales de los años cincuenta revolucionaron el modo de hacer cine en Europa con el nacimiento de la Nouvelle Vague. Desgraciadamente, Malle, nunca ha sido uno de los nombres más sonantes cuándo nos ponemos a pensar en aquel cine de nueva oleada, y tampoco en su posterior andadura cinematográfica, pero sólo hace falta ojear un par de sus películas para darse cuenta del legado que el cineasta francés no ha dejado. Cuándo el nuevo modelo cinematográfico en Francia estaba recién estallado, y tras un par de aportaciones más clásicas al estilo del movimiento, Malle decide rodar Zazie en el metro, comedia alocada que evitó el encasillamiento del director, a pesar de tratar uno de los temas recurrentes de su obra: la infancia.

Zazie en el metro adapta la novela homónima de Raymond Queneau en la que se nos presenta a la pequeña protagonista. Mientras la madre de Zazie va a pasar un pletórico fin de semana con uno de sus amantes parisinos, la niña queda al cuidado de su tío Gabriel, un artista que baila flamenco en uno de los locales de moda de París. Zazie sólo sueña con una cosa en la gran ciudad, poder visitar el metro. Pero el drama no tarda en aparecer, los trabajadores subterráneos se encuentran en huelga, así la niña no podrá visitar el metro ya que se encuentra cerrado.

Malle construye en su filme un homenaje al slapstick, la comedia disparatada, el cine mudo, Tatí, a las tendencias pop y al cartoon más clásico a través de las disparatadas acciones que acontecen durante la hora y media del metraje. El ritmo vertiginoso, la aceleración de la imagen, los gags visuales, y los intencionados saltos de eje -que también podemos enmarcar como una pequeña sátira a la propia nouvelle vague- dotan al filme de una energía única, y que son los encargados de hacer de este tercer trabajo de Malle una película de lo más cómica.

Aunque la saturación de los elementos puede llegar a hacer que la película se vea un tanto repetitiva y algo aburrida, especialmente achacada por el tiempo, que no la ha tratado nada bien, hay que reconocer que algunos de los gags siguen teniendo una fuerza mágica, especialmente el de la primera persecución, dónde Zazie intenta robar unos tejanos a un caballero que acaba de conocer, y dónde Malle nos sorprende por primera vez con una de las surrealistas explosiones que pueblan la película; o en la secuencia de la Torre Eiffel, uno de los momentos más vertiginosos y con los diálogos más sagaces del filme.

A pesar de ese trato alocado, dónde la mirada de la niña es la única justificación, Malle no evita crear una radiografía de la sociedad parisina del momento, en la que los personajes más estrafalarios intentan desde el humor, imitar exageradamente todo aquello que es real, en una sociedad que (y una vez más denuncia el director) solo es capaz de pensar a través de la mirada adulta, sin tener en cuenta la del infante, pero que a la vez son estos adultos los que están más chiflados, no extraña pues que Zazie parezca la más sensata del grupo.

Zazie en el metro ha envejecido demasiado mal como para encandilar a cualquiera, pero tiene suficiente garra como para que nos quedemos enganchados en muchos de sus momentos. Explorarla por primera vez es abrir los ojos ante un cine que descoloca y sorprende a partes iguales, y eso al final siempre es agradecido para cualquier espectador.

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TÍTULO ORIGINAL Zazie dans le metro AÑO 1959 DURACIÓN 92 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Louis Malle GUIÓN Louis Malle & Jean-Paul Rappeneau (Novela: Raymond Queneau) MÚSICA Fiorenzo Carpi FOTOGRAFÍA Henri Raichi REPARTO Catherine Demongeot, Philippe Noiret, Hubert Deschamps, Jacques Dufilho, Carla Marlier, Vittorio Caprioli, Antoine Roblot, Annie Fratellini, Yvonne Clech PRODUCTORA Nouvelles Editions de Films

GÉNERO Comedia

TEMÁTICA Nouvelle vague. Infancia. Comedia absurda. Sátira. Surrealismo

SINOPSIS

Para poder estar con su amante, la madre de Zazie la manda a París, a casa de unos familiares. Pero la niña, que tiene doce años, se escapa para recorrer París y conocer lugares y gentes nuevas.

CRÍTICA

= 'Zazie es uno de los más deliciosos ejercicios de surrealismo jamás realizados. Algo así como lo que siete años más tarde Godard intentaría hacer con "Weekend" pero bien hecho y sin ser un batiburrillo pretencioso. [...] ha envejecido mal, el ritmo apabullante e irregular parece no encontrar ningún sentido, la estética, que en su tiempo fuera novedosa, ahora se antoja trasnochada y la crítica de la sociedad parisina, vista desde el punto de vista de Zazie, queda diluida entre unos gags sin gracia y una realización más preocupada en la provocación que en la transmisión de una idea.' (Tres Tristes Tigres)

+ 'Zazie en el metro es anárquica, refrescante, chillona, tierna, picante. Una amalgama inconexa e irracionalmente congruente que procede de la mirada pícara, subrayada por dos enormes paletos separados, de la pequeña Zazie.' (El crítico Abúlico)

+ 'En una época en la que los ineastas franceses exigían desde la más seria de las seriedades su propia independencia (argumental y técnica), que un director como Malle no participase activamente en ello e incluso se riese, tuvo que ser para el espectador coetáneo una gran vía de escape a tanta vanidad. [...] Si hoy es un film frenético, acostumbrada nuestra retina a efectos tan dispares como espectaculares, en la época tuvo que ser una bomba de relojería.' (Filmfilia)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,4		7,0
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

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ANI*KURI15

Se cumplen hoy cuatro años de la triste muerte del gran Satoshi Kon, el cual nos ha dejado como legado un -aunque reducido- grupo de películas cada cual mejor, una excelente serie: Paranoia Agent (Môsô Dairinin; 2004), y una serie de mangas que podemos disfrutar en nuestro país en algún recopilatorio como Historias Cortas de Satoshi Kon (Planeta DeAgostini, 2012) o Seraphim (Planeta DeAgostini, 2014), obra póstuma inacabada con guión de Mamoru Oshi. Como todas las películas del director japonés ya han sido reseñadas con anterioridad, echo mano de Ani*Kuri15, una miniserie de televisión que en conjunto recoge 15 micrometrajes de 15 famosos animadores japoneses (exceptuando a Michael Arias, aunque también ha realizado trabajos en el país nippon), dónde Satoshi Kon destaca sobre el resto.

Ani*Kuri15 se emitió en tres temporadas de cinco cortometrajes cada una, los cuales fueron encargados a distintos directores de animación con la única premisa de que los trabajos debían durar un minuto exacto cada uno.

El conjunto no puede ser más irregular, y vistos del tirón dejan al espectador un poco desorientado, ya que todavía no hemos asimilado el inicio del primero, que el segundo ya está en marcha. Esa sensación se hace especialmente clara en la primera parte del metraje, ya que los cortos de ese segmento son realmente un delirio de velocidad, imposible de digerir. Por suerte poco a poco la cosa va mejorando, y en su tramo final se encuentran sin duda los mejores trabajos, siendo el de Kon el encargado de cerrar, y como no, el mejor de ellos.

Estos son los micrometrajes:

Attack of Higashimachi 2nd Borough (Shinji Kimura, 2007). Tres alienígenas llegan a una tierra de cartón para invadirla. 

El primero de los cortometrajes no puede ser más loco, lo que hace que el inicio de Aki*Kuri15 sea totalmente confuso, el listón parte bajo, y con él las esperanzas de que lo que venga después vaya a mejorar. Kimura elige la animación digital pero la trata como un cruce entre la tradicional y el cut-motion, aunque el resultado es algo tosco, el diseño es colorido y muy en el tono del corto.



From the Other Side of the Tears (Namida no Mukou; Akemi Hayashi, 2007). Una muchacha se recupera de una ruptura.

La segunda propuesta dirigida por Akemi Hayashi, se separa radicalmente del estilo de Attack of Higashimachi 2nd Borugh, no solo por su esilo, ya que este recurre directamente a la animación tradicional y los tonos pastel, si no también al eje argumental, que abandona la comedia loca y de ciencia ficción, para adentrarse en los porvenires del desamor. Lo mejor de From the Other Side of the Tears es que nos aclara que no todos los cortos son iguales, y que seguramente encontraremos alguno que nos convenza. Si el metraje de Hayashi no pareciese más un clip musical, y se centrara más en contarnos la historia, seguramente entenderíamos mejor su metraje, y el resultado hubiese sido mucho más satisfactorio.

Blaze Man (Hyotoko; Yasufumi Soejima, 2007). Un grupo de guerreros nativos atacan a un kami gigante con forma de oso. El kami toma uno de ellos y le prende el fuego espiritual.

El tercer trabajo nos vuelve a desilusionar. A pesar de centrarse en seres míticos japoneses (los kami), su argumento dista mucho de lo mágico de estos. El segmento de Soejima, diseñado totalmente en CGI, parece más el trailer de un videojuego que una historia en si misma, algo que refuerzan los excesivos efectos visuales de la película.



Sancha (The Aromatic Tea) (Osamu Kobayashi, 2007). El avaro dueño de una tienda de discos imagina el poder adquisitivo de sus clientes, según su aspecto y sus comentarios.

Kobayashi sorprende con su estilo animado, algo que llega como viento fresco tras ver los trabajos anteriores, aunque aquí el ritmo desmesurado sigue haciendo acto de presencia, esta vez es más acorde a las imágenes que se nos muestran. Lo malo de Sancha es que nos quedamos con la sensación de que hubiese salido una historia divertida de él, y al final sólo queda en un simple gag.



Invasion from Space - Hiroshi's Case (Uchujin Raikou Hiroshi no Baai; Shojiro Nishimi, 2007). Hiroshi intenta leer su manga, pero un pequeño robot está disparando bolitas para distraerlo y así poder escapar.

Muy en la línea del anterior, el trabajo de Nishimi parece que nos va a sorprender en cualquier momento, y a pesar de su entrañable humor, termina como Sancha (The Aromatic Tea), como un simple gag humoristico. Lo mejor de este Invasion from Space, no es solo la inventiva, si no que parece que el autor no necesita el ritmo desenfrenado para contarnos una historia en poco tiempo, algo muy de agradecer.

Project Mermaid (Mamoru Oshii, 2007). Un pez se convierte en una sirena que nada para escapar de una ciudad post apocapiltica.

El sobradamente conocido Mamoru Oshii por obras cumbre como la saga Ghost in the Shell (Kokaku kidotai; 1995) o Patlabor: La película (Kidô Keisatsu Patoreibâ: The Movie; 1989), nos ofrece el primer metraje realmente interesante, aunque irregular. A través de un cut-motion totalmente digital, Oshii nos muestra el viaje de este ser a través de este mundo post-apocalíptico digital, muy en la linea de sus anteriores trabajos. La metáfora de la evolución está servida, y Oshii intenta con su trabajo ofrecer algo más que un estimulo visual para el espectador.

Yurururu (Nichijou Hen) (Kazuto Nakazawa, 2007). Un animador pasa todo el día animando un clip de 1 segundo sobre un pez gigante en una ciudad.

Aunque Nakazawa siga con el gag visual, esta vez intenta reflexionar sobre el rutinario trabajo de un animador, y el esfuerzo por parte del director por ofrecer algo de interés en su trabajo queda perfectamente reflejado en el resultado final. Lo mejor de Yurururu es sin duda la mezcla de estilos que presenta, ya que lo que parte siendo un stop-motion fotografiado de una propia animación, se convierte en animación pura para hacernos arrancar una carcajada y finalmente volver al origen que nos presentó. El trabajo de Nakazawa aquí está a la altura. Es la propuesta más fresca hasta ahora.

Gyrosopter (Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, 2007). Una joven piloto girosóptica visita un espejo de agua y recuerda una batalla girosóptica y la muerte de un amigo en un planeta acuático.

El trabajo creado mano a mano entre Ranji Murata y Tatsuya Yabuta parece más una escena del videojuego Final Fantasy que un cortometraje en sí. El estilo digital, a pesar de preciosista, es burdo y cuadriculado, algo que desmerece en una propuesta que quiere ser una evocación de la nostalgia. Pero Gyrospoter tiene algo que lo salva del debacle absoluto y es la creación de un universo propio, que a pesar de que solo podamos verlo durante un minuto, nos deja con ganas de descubrir más sobre él. Un imaginario muy a la altura de los mundos de Miyazaki, en por ejemplo El castillo en el cielo (Laputa) (Tenkû no shiro Rapyuta; 1986), eso sí, mucho más futurista y lejos del Stempunk.

Wandaba Kiss (Atsushi Takeuchi, 2007). Un niño y su perro inventan una compleja máquina para robarle un beso a una chica.

La novena propuesta de Ani*Kuri15 se convierte en lo más Kawaai del conjunto de la obra. Con tonos pastel, y una animación que danza entre lo tradicional y el retoque digital, Takeuchi apuesta por una historia sencilla y agradable, dejando la espectacularidad solo para el diseño del invento de su pequeño protagonista. El corto es un trabajo sencillo y tierno, quizás nada del otro mundo, pero muy agradable y simpático (además de muy mono).


Colonel Sports (Supaatsu Taisa; obira Oda, Yasuyuki Shimizu, 2007). El coronel Sports va a las montañas huyendo de su enemigo Paul.

Es curioso que la propuesta más rompedora sea la que elija un estilo animado totalmente artesanal, y que juegue solo con la línea negra en un estilo de dibujo de lo más sencillo. De este modo se hace imposible no interesarse ni que sea un poco en la décima propuesta de Ani*Kuri15, aunque al final su argumento sea algo pobre.




A Gathering of Cats (Neko no Shûkai; Makoto Shinkai, 2008). Al gato de la familia le han pisado la cola tantas veces que sueña con la venganza.

Makoto Shinkai es un nombre que no podemos olvidar, poco a poco sus obras se están abriendo camino a nivel internacional y cosecha premios allá dónde pisa. Películas como 5 centímetros por segundo (Byôsoku go Senchimêtoru; 2007), Viaje a Agartha (Hoshi o Ou Kodomo; 2011) o la más reciente El jardín de las palabras (Kotonoha no Niwa; 2013) son un buen ejemplo de un cine con huella propia y que tiene mucho que ofrecer. Su aportación a Ani*Kuri15 no va a ser menos, y se presenta como la más destacada (sin contar la de Kon) del grupo. Sin dejar de lado el estilo de color que usa siempre el animador, A Gathering of Cats se presenta como una obra cómica, que se aparta un poco del estilo melancólico tan usual en el realizador. Shinkai sabe aprovechar sus sesenta segundos al máximo y lo hace ofreciéndonos una historia divertida, fresca, alegre y que gracias a su bigotudo protagonista, enamora.

Princess Onmitsu (Onmitsu Hime; Mahiro Maeda, 2008). Una niña mágica y su muñeco deben derrotar a una horda invasora de piratas aéreos.

Maeda es conocida básicamente por su aportación en Animatrix (The Animatrix; Andrew R. Jones, Shinichirô Watanabe, Mahiro Maeda, Yoshiaki Kawajiri, Takeshi Koike, Kôji Morimoto, Peter Chung, 2003) y también, aunque en menor medida por su Blue Submarine No. 6 (Ao no roku gô; Mahiro Maeda, Masahiro Ozawa, Toru Fukushi, 1998), trabajos que quedan lejos de la estética Magical Girl a la que echa mano en esta propuesta. Un micrometraje que podría ser de los que suscitan interés si no fuese por que al final simplemente nos deje con la sensación de haber visto la promo de una nueva serie estilo Sailoor Moon (Bishôjo Senshi Sêrâ Mûn; Junichi Sato, 1992-1997). Una vez más el ritmo alocado vuelve a reinar en este segmento y no nos deja apreciar si realmente esconde algo interesante.

Okkakekko (Michael Arias, 2008). Un grupo de niños corren por el campo y juegan con un robot gigante que no les da miedo.

A pesar de su nacionalidad americana, Arias es sobradamente conocido por su trabajo en Japón, por ejemplo es reconocible su adaptación del cómic de Taiyou Matsumoto Tekkon kinkreet (Tekkonkinkreet) (Tekon kinkurîto [Tekkonkinkreet]; Michael Arias, Himaki Ando, 2006). En su segmento podemos ver como el director vuelve una vez más adentrarse en el universo de la mente infantil para ofrecernos un trabajo de gran belleza plástica, que aunque a simple vista parezca simple y de poca profundidad, en realidad esconde un universo lleno de matices. Un minuto es poco para todo lo que Arias nos cuenta en su metraje, y por eso Okkakekko resulta algo fallida, aunque insisto, no exenta de interés. Un largometraje con esas ideas sería realmente una gozada.

Project Omega (Shoji Kawamori, 2008). Cuando una fuerza extraña se precipita hacia la sede de la NHK en Tokio, el edificio cobra vida como un Evangelion transformador para combatir al enemigo.

Project Omega vuelve una vez más al asunto de la invasión extraterrestre -ya es el tercer metraje inspirado en ellos-, pero esta vez el filme decide apostar por homenajear, y a la vez construir una sátira, al género de los mechas (Robots). Lo que de entrada parece que va a tomar un tono propio del cine de catástrofes, enseguida aparece la vena cómica aunque Kawamori logre ocultarla tras un aspecto más formal, lo que se funde en un híbrido realmente curioso. Más allá de la reacción de sus personajes y la inesperada transformación del robot, el filme no ofrece mucho más, un minuto es un minuto para Kawamori.

Good Morning (Ohayô; Satoshi Kon, 2008). Una joven se levanta de la cama y medio dormida trata de despertarse a sí misma.

Good Morning sería el último trabajo de Satoshi Kon en el campo cinematográfico de no ser por su desaparición, ya que todavía no se sabe que pasará con su inacabada The Dreaming Machine (Yume miru kikai), por lo pronto, su último trabajo en pantalla no podía ser mejor. El trabajo de Kon es sin lugar a dudas el mejor de los cortometrajes que se reúnen en esta obra, el director japonés no sólo ha sabido aprovechar los sesenta segundos de margen al máximo, si no que además ha logrado llevárselos a su terreno ofreciéndonos una pequeña joya muy en la tónica del resto de sus obras. Kon ha apostado por la sencillez, y aún así ha podido ahondar en sus ideas de lo onírico y el subconsciente, simplemente al seguir el despertar de una muchacha. El estilo animado es el mismo al que el artista nos tiene acostumbrados, dónde prima el detalle y el realismo. La aportación de Kon es sin duda el mejor sello para Aki*Kiri15.

Es común que en estos trabajos hechos a diferentes manos, nos topemos con obras algo irregulares que muestren lo difícil de conjugar las ideas de varios artistas en una sola, así Ani*Kiri15 no es una excepción, y la irregularidad de sus trabajos limita en ocasiones la apreciación de los unos y los otros, así que aunque podamos verlos del tirón, es bueno poder degustarlos uno a uno, para ver como individualmente gozan de mayor presencia.

Para despedir, si queréis una reseña que ahonde en profundidad sobre la lista de autores de estos microcortometrajes os remito al estupendo blog de Cineticamente, dónde encontraréis una estupenda entrada que realizó en 2012.

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TÍTULO ORIGINAL Ani*Kuri15 (Ani-Kuri 15) AÑO 2007 DURACIÓN 18 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon GUIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon MÚSICA Tenmon, Varios VOCES ORIGINALES Takeshi Maeda, Akira Nakagawa, Shizuka Okohira, Yuka Terasaki PRODUCTORA Studio 4°C / Gainax / Gonzo / Madhouse / Production IG / NHK 

GÉNERO Animación. Fantástico. Ciencia ficción. Acción. Romance. Comedia

TEMÁTICA Miniserie de TV. Película de episodios. Cortometraje. Robots. Magia. Comedia absurda. Extraterrestres. Manga. Futuro postapocalíptico. Gatos.

SINOPSIS

Colección formada por quince cortos realizados por diferentes directores y creadores japoneses del campo de la animación, incluyendo a un estadounidense, Michael Arias, productor de "Animatrix" y director de "Tekkon Kinkreet". La duración de cada corto es de un minuto. Su emisión se dividió en tres temporadas de cinco cortos cada una, para su emisión en fechas determinadas.

Lista de cortos:
- Attack of Higashimachi 2nd Borough
- From the Other Side of the Tears
- Blaze Man
- Sancha (The Aromatic Tea) Blues
- Invasion from Space - Hiroshi's Case
- Project Mermaid
- Yurururu (Nichijou Hen)
- Gyrosopter
- Wandaba Kiss
- Supaatsu Taisa
- A Gathering of Cats
- Princess Onmitsu
- Okkakekko
- Project Omega
- Good Morning

CRÍTICA

+ "Además del interés del proyecto en sí otro de los puntos destacables es que se buscaran animadores que no necesariamente tuvieran su carrera centrada en la dirección, incluyendo representantes de varios otros departamentos desde los más creativos a los más técnicos, dándoles por primera vez la oportunidad de organizar toda una pieza con su propia visión. Y dado que son vistazos más que rápidos no deja de resultar en una revisión interesante.
Está claro que este tipo de conjuntos siempre resultarán algo irregular, por no hablar de que el tiempo tan limitado a veces podría no darle el mejor empuje a alguna propuesta en particular. Aunque al mismo tiempo eso permite que no nos aburramos en ningún momento y que si bien algunos cortos puedan ser menos interesantes o logrados que otros, sea difícil que resulten especialmente negativos. (S.: Cineticamente)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,3		7,3
NOTA MEDIA: 6

TRAILER

Podéis ver 'Ani*Kuri15' completo subtitulado al español aquí.

VER TAMBIÉN

HORA DE AVENTURAS: GRACIAS

Ya hace unos días que pasó por aquí el cortometraje que sirvió como excusa para la exitosa serie de animación Hora de aventuras, hoy repetimos con un especial para televisión que logró hacerse hueco en algunos festivales y galardones (Incluso fue preseleccionado para los Oscar). En nuestro país hemos tenido la suerte de disfrutarlo como capítulo propio de la serie, ya que la duración es la propia de cualquiera de ellos.

En Hora de Aventuras: Gracias, nos topamos con nuestros héroes Finn y Jake peleando por un sándwich contra el malvado Rey Hielo, la guerra más épica que jamás han vivido los protagonistas, pero la historia abandona a los personajes principales para centrarse en la vida cotidiana de un golem de hielo que vive apaciblemente allí cerca. El golem sale como cada mañana a por alimento sin pensar que los lobos de fuego, sus peores enemigos, rondan allí cerca. En este día nuestro nuevo y solitario amigo aprenderá lo que es la amistad al tener que cuidar de una de las crías de los lobos al verse separada de su familia.

El cortometraje no abandona el hilarante humor surrealista santo y seña de la serie que consigue arrancarnos carcajadas a diestro y siniestro, pero hace énfasis en la parte más entrañable de Hora de aventuras explotando más la parte emocional de esta. Como resultado tenemos uno de los mejores diez minutos de esta producción de Cartoon Network. Un corto con el que a la vez que lo pasamos bien, nos emocionamos con su magia.

Así, nos invitan a descubrir que se esconde en el maravilloso mundo de Ooo, más allá de las aventuras de nuestro divertido dúo de protagonistas y sus amigos, para darnos cuenta de lo mucho que todavía tiene escondido esta serie en sus entrañas. Todo ello contado con una deliciosa semi-mudez en la que no hacen falta diálogos para llegarnos al fondo.

Divertido, tierno, algo triste y sencillamente estupendo, este especial es sin duda de las mejores aportaciones de la serie a nuestro entretenimiento. No me canso de verlo.

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TÍTULO ORIGINAL Adventure Time with Finn & Jake: Thank You (TV)
AÑO 2011
DURACIÓN 11 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Larry Leichliter
GUIÓN Mark Banker, Patrick McHale, Kent Osborne, Pendleton Ward
MÚSICA Casey James Basichis, Tim Kiefer
VOCES ORIGINALES Jeremy Shada, John DiMaggio, Tom Kenny
PRODUCTORA Cartoon Network
GÉNERO Animación. Comedia. Fantástico. Aventuras
TEMÁTICA Comedia absurda. Surrealismo. Amistad. Cortometraje. Spin-off. Futuro postapocalíptico

SINOPSIS

Un Golem de Nieve encuentra a un Lobito de Fuego y trata de cuidar de él, mientras que Finn y Jake tratan de romper la armadura "invencible" del Rey Helado para recuperar sus sándwiches que el robó.

PREMIOS

2011: Premios Annie: Nominado a Mejor especial de animación (TV o mercado doméstico)
2012: Festival de Ottawa: Sección oficial competitiva cortometrajes
2013: Festival de Sundance: Sección oficial cortometrajes a concurso

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 8,4

- Filmaffinity: 7,4

- IMDB: 8,4

* Media: 8,1

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