DEL REVÉS (INSIDE OUT)

1. Globos de Oro

Ésta vez si llega el turno de echar un ojo a los premios de la prensa extranjera en Hollywood, es decir, los Globos de Oro. Este año Alejandro González Iñárritu destaca sobre el resto, algo que no consiguió el año pasado con la si premiada en los Oscar Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia) (Birdman or [The Unexpected Virtue of Ignorance]; 2014), con El renacido (The Revenant; 2015) que se ha llevado no solo el premio a mejor película, si no también el de mejor dirección y el de mejor actor protagonista en rol masculino para Leonardo DiCaprio. El mejor filme en la categoría comedia/musical ha ido a parar a manos de Marte (The Martian; Ridley Scoot, 2015), siendo el propio director sorprendido por llevarse el premio por una película que no pertenece al género cómico y mucho menos tiene momento musical alguno, el filme de Scott se llevó también el premio de mejor actor protagonista por comedia/musical para Matt Damon. Muchos se han atrevido a afirmar, y hay que dar fe de ello, que éste ha sido un estupendo año para los papeles femeninos en Hollywood, Brie Larson por La habitación (Room; Lenny Abrahamson, 2015) y Jennifer Lawrence por Joy (David O. Russell, 2015) han sido las mujeres que se han alzado con el premio a mejor actriz en las categorías de drama y comedia/musical respectivamente, siendo una sorprendida Kate Winslet la que se llevó el de mejor actriz de reparto por Steve Jobs (Danny Boyle, 2015) filme galardonado también con el premio de mejor guión. El último de los premios actorales dentro de las categorías cinematográficas ha ido a manos de Sylvester Stallone por su papel en Creed (Ryan Coogler, 2015), un premio que ha sido entregado más por su carrera como Rocky que por su interpretación en este spin-off. Otros de los premios destacados han sido el del mítico compositor italiano Ennio Morricone por su trabajo en el último filme de Tarantino Los odiosos ocho (The Hateful Eight; 2015), el de Del revés (Inside Out) (Pete Docter, Ronnie Del Carmen, 2015) como mejor filme de animación y la húngara El hijo de Saúl (Saul fia; László Nemes, 2015) como mejor película de habla no inglesa.

Entre las categorías para televisión destacan Mr. Robot (Niels Arden Oplev, 2015) como mejor drama, Mozart in the Jungle (Roman Coppola, Adam Brooks, Daryl Wein, Paul Weitz, Bart Freundlich, 2014) como mejor comedia y Wolf Hall (Peter Kosminsky, 2015) en la categoría de miniserie o película para televisión. En el apartado actoral tenemos a Jon Hamm en drama, última vez que lo consigue por la ya conclusa Mad Men (Matthew Weiner, 2007-2015), Gael García Bernal en la categoría de comedia por la ya citada Mozart in the Jungle, Oscar Isaac en la categoría de miniserie/tvmovie por Show me a Hero (David Simon, Paul Haggis, 2015) y Christian Slater como secundario en Mr. Robot. En el apartado femenino encontramos a Taraji P. Henson por Empire (2015) en drama, Rachel Bloom por Crazy Ex-Girlfriend (Rachel Bloom, Aline McKenna, 2015) en comedia, Lady Gaga –incomprensible como ya comenté en la anterior entrada- por American Horror Story: Hotel (Ryan Murphy, Brad Falchuk, 2015) como principal en miniserie y Maura Tierney secundaria en The Affair (Hagai Levi, 2014-).

Como siempre sucede en nuestro país, pocos filmes clasificados en estos premios suelen llegarnos a tiempo a nuestras salas, pocos lo hacen incluso para la ceremonia de los Oscar, así que es complicado llegar a comentar alguna de las cintas de la categoría de mejor película justo a tiempo para los Globos. Es por eso que en esta ocasión me centro en la indiscutible ganadora en la categoría animada, la cinta de Pixar Del revés (Inside Out). Dada la larga extensión del comentario sobre los Globos de Oro intentaré no alargarme demasiado.

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2. Del revés (Inside Out)

Ridley es una chica que destaca por su alegría, pero su vida va a dar un cambio que hará que su emoción más característica se vea afectada. El traslado de ciudad a causa del nuevo trabajo de su padre le hará perder a sus amigos, salir de su zona de confort y a sentirse sola, es por eso que poco a poco la tristeza irá ganando terreno al carácter alegre de la niña. Dentro de su cabeza, sus emociones: Alegría, Tristeza, Miedo, Ira y Asco, harán todo lo posible por conseguir que Ridley vuelva a ser la misma de antes. Tras un accidente, Tristeza y Alegría se perderán en la memoria de la muchacha, por lo que mientras intentan volver al centro de control, el resto de emociones deberán tomar las riendas.

Una vez más, y tras varios altibajos, Pixar vuelve ha marcar territorio con un filme que se sitúa a la altura de algunas de sus grandes obras como Wall-e (Andrew Stanton, 2008), Up (Pete Docter, Bob Peterson, 2009) o Toy Story 3 (Lee Unkrich, 2010). Del revés se convierte en otra de esas películas que emocionan a pequeños y grandes.

Aunque en esencia el filme presenta una animación infantil y sus protagonistas, Alegría y Tristeza, viven las típicas aventuras dónde conocerán nuevos personajes, deben superar problemas y crean vínculos entre ellas, al final la película está tamizada por todo un velo tan complejo que se convierte rápidamente en una cinta mucho más apta para el público maduro que al de menor edad (aunque eso no sea del todo así, como comentaré más adelante).

Detrás de todas esas aventuras se esconde una cinta que nos habla de las dificultades de la vida, y nos cuenta como debemos llevar nuestras emociones, pero ojo, lejos de cualquier manual de autoayuda a lo Bucay, centrándose en los cambios de ese paso de la infancia a la madurez. El filme intenta contarnos como de importante es escuchar nuestras emociones, nos advierte que si uno se siente triste no tiene por qué sonreír, sentirnos así tiene su razón de ser. Esforzar-se a ser feliz a la fuerza es negar lo evidente, eso nos puede llegar a desgastar, y es un aviso para los padres, instándolos a comprender mejor los sentimientos de sus hijos, al fin y al cabo, si Ridley termina en un colapso es por no afrontar la realidad, dado que sus mayores le imponen que debe sonreír como una obligación ante la nueva etapa de su disconforme vida. Eso implica un inevitable desgaste emocional que nos advierte que no hay que aparcar lo que sentimos -la tristeza en el caso de Ridley-, si no escuchar nuestras propias necesidades.

En el filme los recuerdos alegres, con el paso del tiempo, se vuelven tristes, algo fácilmente identificable como melancolía. Echar de menos esos buenos momentos: los primeros juegos con los amigos, el apoyo de la familia, las bromas, etc.; y comparándolos con los actuales: abandono de los viejos amigos, la ausencia familiar, la soledad, etc.; hace que Ridley se sienta triste, y eso no es malo, al contrario, debería de ayudar a saber lo que uno quiere.

Contar todo esto en un filme de animación es harto complicado y Pete Docter, con la ayuda de Ronnie Del Carmen y el texto de Michael Arndt, consigue transmitir lo que de entrada podría ser tan complicado en una película de corte convencional y especialmente dirigida a un público infantil.

Ese público de menor edad puede encontrar en Del revés una cinta divertida, llena de aventuras que les hará pasar un rato de lo más alegre, pero a su vez se les lanza un mensaje en el que se les cuenta como pueden contar con el apoyo de la familia en los momentos más difíciles, y aunque ese mensaje sea positivo contaré más adelante porqué es a la vez el error más grande del filme.

Si la hermosa animación no fuese suficiente, especial atención al estilo puntillista de las emociones, Del revés está repleta de escenarios de lo más imaginativos que la convierten en una joya. Pero quiero hacer especial hincapié en la secuencia dónde las emociones perdidas cruzan el pensamiento abstracto para llegar a su destino de modo más rápido. Ese instante es de unos niveles artísticos de lo más elevados, y toparse con ello en pleno metraje no hace más que sorprendernos gratamente al darnos cuenta del nivel artístico que esconden los creadores de la película.

Además de contar con unos protagonistas de lo más entrañables -no hay emoción que no nos caiga bien-, cuenta también con un secundario de lujo, el imaginario amigo de Ridley, Bing Bong. Esa (como él se define) mezcla de gato, elefante, delfín y algodón de azúcar podría convertirse fácilmente en uno de esos personajes odiados por generaciones, pero lejos de ello se presenta como un toque divertidísimo para la trama y protagoniza uno de los momentos más intensos de la película, sin duda el más emotivo, y el que va dirigido directamente a esa perdida de la inocencia que fue parte central en Toy Story 3.

Pero como ya he adelantado, la película esconde algo un tanto oscuro que no puede pasar desapercibido. Pixar es una compañía que deberíamos considerar fresca e incluso progresista en el sentido más amplio, pues en Wall-e nos enseñó a luchar contra el capitalismo en una muestra de auto-crítica y en Up nos mostró que a veces las familias pueden ser todo lo contrarío a un apoyo o por contra estar compuestas por personas que acaban de llegar a nuestra vida. Por eso sorprende ver como en Del revés apuestan por una familia tan de carácter patriarcal que estremece. Y no es solo por toparnos con unos padres heteronormativos, si no por ver como toda la familia debe sacrificarse por el bien del progenitor, el encargado de mantenerlos, una mujer de la que desconocemos trabajo alguno a parte de estar pendiente del camión de la mudanza, y cuyos caracteres son tan tópicos que asustan (terrible escena la de la cena en la que nos introducimos por primera vez en sus mentes). A estas alturas, que alguien del nivel de Pixar haga algo así debería ser una ilusión, pero parece que a la filial de la Disney le queda mucho recorrido en ese campo para acercarse a la sinceridad de por ejemplo la joven productora animada Laika, que no tiene un solo filme en sus filas que luche contra esa imposición.

Por otro lado, en un filme que se supone ayuda a los infantes a encontrar el apoyo familiar para superar sus problemas, asusta que solo encuentre la solución en un esquema hogareño cada vez más obsoleto, pues para los que no cuenten con tal cuadro en sus hogares podrían incluso sentirse decepcionados en sus vidas. Un tema muy peliagudo que creo que no han sabido tratar muy bien dado los tiempos que corren.

Por lo demás decir que tenemos delante una película excelente y de lo más disfrutable. Una suerte que los estudios del flexo vuelvan a encarrilar su filmografía después de un par de descarrilamientos suicidas. 

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TÍTULO ORIGINAL Inside Out AÑO 2015 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Pete Docter, Ronnie Del Carmen GUIÓN Michael Arndt (Historia: Pete Docter) MÚSICA Michael Giacchino VOCES ORIGINALES Amy Poehler, Phyllis Smith, Richard Kind, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Kaitlyn Dias, Diane Lane, Kyle MacLachlan PRODUCTORA Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures 

GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia

TEMÁTICA  Infancia. Familia. Cine familiar. Pixar. 3D

SINOPSIS
Riley es una chica que disfruta o padece toda clase de sentimientos. Aunque su vida ha estado marcada por la Alegría, también se ve afectada por otro tipo de emociones. Lo que Riley no entiende muy bien es por qué motivo tiene que existir la Tristeza en su vida. Una serie de acontecimientos hacen que Alegría y Tristeza se mezclen en una peligrosa aventura que dará un vuelco al mundo de Riley.

PREMIOS

2015: Premios Oscar (Por entregar): Nominada a mejor film animado y guión original
2015: Premios BAFTA (Por entregar): Nominada a mejor film animado y guión original
2015: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2015: Globos de Oro: Mejor filme de animación
2015: Premios Annie: 14 nominaciones incluyendo Mejor película y dirección
2015: National Board of Review (NBR): Top 10, Mejor largometraje de animación
2015: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2015: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
2015: Críticos de Los Angeles: Nominada a Mejor largometraje de animación
2015: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo Mejor largometraje de animación
2015: Critics Choice Awards: 3 nominaciones incluyendo mejor película animada

CRÍTICA

+ "Un concepto asombrosamente original, que no sólo deleitará y entretendrá al inmenso público de Pixar, sino que promete también cambiar para siempre la manera en la que las personas piensan acerca de la manera en la que piensan otras personas" (Peter Debruge: Variety)

+ "Aunque no será una rival para sus mejores películas, es una obra de entretenimiento inteligente y visualmente innovadora (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "'Inside Out' es una absoluta delicia - divertida y encantadora, ágil y llena de sorpresas. También es una defensa de la tristeza, un argumento a favor de la necesidad de una melancolía vestida con los brillantes colores del entretenimiento." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "En el transcurso de todo este año, no habrá probablemente otra película americana tan preocupada por mirar al interior, y tan interesada por los elementos de una vida significativa, como 'Del revés'" (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

+ "Dirigida con una gran elegancia y un ritmo perfecto, llena de geniales efectos visuales, repleta de interpretaciones vocales de primera categoría, emocionantes aventuras y momentos inolvidables, 'Del revés' es un clásico instantáneo" (Richard Roeper: Chicago Sun-Times)

+ "Te reirás, y llorarás. Pixar está en la cima de su poder alcanzando el corazón con esta conmovedora y alegre historia sobre la adolescencia. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Otra preciosidad de Pixar. (...) En 'Del revés' todo posee el aroma del clasicismo. Su sentido visual deslumbra, su comicidad y su humor tendrían poder de contagio hasta con un iceberg, su ternura conmueve" (Carlos Boyero: El País)

+ "Prodigiosa obra maestra (...) la mejor película [de Pixar] hasta la fecha (...) una exhibición de imaginación, inteligencia y humor pocas veces contemplado" (Luis Martínez: El Mundo)

+ "Es original, sorprendente, apuesta por esa melancolía que ya exhalaba 'Toy Story', y aúna un guion inmenso con una gloriosa imaginería (...) ha sido recibida en Cannes con una enorme ovación" (Gregorio Belinchón: El País)

+ "Es una obra maestra absoluta (...) Es una película densa y conceptual de una ligereza que alegra el día. Es cine que existe para hacernos felices" (Sergi Sánchez: La Razón)

+ "La lluvia de ideas y de ingenio, de guiños y de gags que llaman a la reflexión sobre infinidad de temas es constante y apabullante, convirtiendo 'Del revés' en una obra imprescindible en el estante de manuales para tratar de conocernos mejor." (Philipp Engel: Fotogramas)

+ "Es tan divertida, lúcida, creativa, trascendente y emotiva como la mejor que haya hecho nunca esta maravillosa Compañía (...) Es casi imposible explicar con mayor lucidez lo que nos sustancia como personas, y de un modo tan sencillo" (E. Rodríguez Marchante: ABC)

+ "Es una película sobre la pérdida de la inocencia, sobre el final de la infancia, sobre la tristeza y felicidad que conlleva. Es una película que abraza la nostalgia. Es brillante" (Irene Crespo: Cinemanía)

+ "No todo son chistes y hallazgos visuales. En el fondo, 'Intensa-Mente' explora la complejidad del sentimiento humano, sobre todo en el trance por el que atraviesa Riley, quien está a punto de dejar de ser niña." (Leonardo García Tsao: La Jornada)

+ "Una gran fábula que nos indica que la farsa del mundo feliz es insostenible porque no puede haber felicidad si marginamos las otras emociones." (Àngel Quintana: Caimán Cuadernos de Cine)

- "Inside out es pues una lúdica, hermosa y contundente exaltación del orden establecido, y al que sin miedo alguno debemos poner los adjetivos patriarcal y capitalista. (...) Divertimento sí, brillante sin duda, pero con un tufillo que nos demuestra que para Pixar el tiempo parece seguir moviéndose de acuerdo con el reloj que un día diseñó, y no sabemos si congeló, Walt Disney. (Octavio Salazar: El Huffington Post)

PUNTUACIONES

 

	8,5		7,9		8,3
NOTA MEDIA: 8,2

TRAILER

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ANIKI-BÓBÓ

 

El día 2 de abril fallecía con 106 años uno de los cineastas más longevos del viejo continente. Manoel de Oliveira se mantuvo activo hasta el final realizando hasta una treintena de películas. De este modo, el portugués, se ha convertido en uno de los más celebres y reconocidos cineastas de su país, estando siempre a la vanguardia de las tendencias cinematográficas y entendiendo el cine como un noble arte, una "manifestación cultural moderna, indispensable, necesaria". Con su desaparición nos queda una filmografía rica, y para conmemorarlo no se me ocurre mejor modo que hacerlo con su primer largo de ficción, Aniki-Bóbó.

 

El filme nos muestra las aventuras de una pandilla de muchachos que viven en la ciudad de Oporto, dónde destacan el despistado Carlitos y el matón Eduardinho, dos muchachos que se pelean por conquistar a la pequella Terezinha, aunque eso les haga apartar del camino correcto.

 

Manoel de Oliveira se avanza unos años al Neorrealismo italiano para retratarnos las barriadas de la bella Oporto. Ya en esta primera aproximación cinematográfica podemos darnos cuenta del adelanto de Oliveira en su visión vanguardista del séptimo arte, creando una filmografía de identidad propia que irá puliendo poco a poco según sus propios intereses.

 

Para ello, Oliveira, decide mostrarnos la sociedad portuguesa desde la mirada paralela de unos niños, cuyas preocupaciones quedan lejos de la cotidianidad del adulto. De este modo consigue a segundas instancias retratar la realidad social a través del foco que la cámara le ofrece, pues los juegos y sus reflexiones no serían los mismos de no ser por el tapiz social que les envuelve, algo fácil de ver al extender nuestra mirada en la totalidad del campo de filmación que Oliveira crea en Aniki-Bóbó. Como decía, adelantándose a sus coetáneos italianos, el director portugués apuesta por los escenarios naturales y los actores amateur par dotar de profundidad el mensaje de su filme.

 

El relato principal se centra en esos niños fruto de la sociedad que les envuelve, que entre juegos, risas y peleas, reflexionan sobre sus propias preocupaciones. Un pequeño grupo que fácilmente se convierte en bandera del mensaje de preocupación colectiva y coalición comunitaria para superar los malos momentos. Así, Carlitos, aprende una lección gracias al remordimiento y la culpa, y de pasada Eduardinho tendrá la oportunidad de valorar el verdadero significado de la amistad.

 

Oliveira consigue tan solo con la cámara realzar su mensaje, podemos fijarnos en cualquiera de sus escenas para darnos cuenta de ello, pero se hace especialmente latente en las escenas nocturnas, sobretodo en la escena del juego de policías y ladrones, dónde el juego de luces y el montaje son realmente soberbios, Oliveira nos cuenta más con su realización que con el propio texto que adapta la novela de Rodrigues de Freitas.

 

Aniki-Bóbó es más que un juego de niños, es un relato a pequeña escala de una sociedad como la portuguesa. Un canto a la solidaridad y a la unión de fuerzas, pero especialmente un relato sobre la inocencia, ese maravilloso tesoro que hay que intentar no perder.

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TÍTULO ORIGINAL Aniki-Bóbó AÑO 1942 DURACIÓN 71 min. PAÍS Portugal IDIOMA Portugués DIRECCIÓN Manoel de Oliveira GUIÓN Manoel de Oliveira (Novela: Dr. Rodrigues de Freitas) MÚSICA Jaime Silva Filho FOTOGRAFÍA António Mendes (B&W) REPARTO Nascimento Fernandez, Fernanda Matos, Horácio Silva, António Santos, António Morais Soares, Feliciano David, Manuel Sousa, António Pereira, Américo Botelho, Rafael Mota, Vital dos Santos PRODUCTORA Produções António Lopes Ribeiro

GÉNERO Drama. Comedia

TEMÁTICA Infancia. Amistad

SINOPSIS

La película sigue a unos niños por las calles de Oporto, donde el grito de guerra es "Aniki-Bóbó!". El jefe del grupo, Eduardinho lucha con otro niño, Carlitos, por ganarse la amistad de Terezinha, la única niña del grupo.

CRÍTICA

+ "Sin duda, nos encontramos ante una de las mejores películas del cine portugués de todos los tiempos." (Rubén Redondo: Cinemaldito)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,2		7,9
NOTA MEDIA: 7,4

ESCENA

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BABADOOK

Y hablando de directoras noveles este año es imposible no acordarse de una de las mujeres que ha dado el pelotazo en el campo cinematográfico. La australiana Jennifer Kent, empezó en el mundo audiovisual como actriz televisiva para pasar rápidamente a formar parte del equipo de Lars Von Trier en Dogville (2003) como ayudante. No tardó en realizar su primer cortometraje, Monster (2005), el cual le sirvió como semilla del largometraje que rodaría diez años después: Babadook.

Tras la muerte de su marido Amelia debe hacerse cargo sola de su recién nacido hijo. Con el paso del tiempo, cuándo el niño cumple los seis años de edad, empieza a convertirse en un muchacho problemático, todo a raíz del miedo por los monstruos que cree ver. Tras la aparición de un misterioso libro titulado Babadook, los problemas crecen y el miedo se apodera también de Amelia.

Monster, el cortometraje previo de la realizadora, ya presentaba unas ideas estupendas que creaban una atmósfera única para causar terror. Así, en su paso al largo, Kent no solo conserva esas ideas, si no que las trabaja y las modela para crear sin duda una de las cintas de terror más solidas del año. 

Las ideas siguen siendo las mismas, el terror infantil y la incapacidad por afrontar el echo de educar a un hijo. Pero esta vez los conceptos son llevados hasta limites más lejanos, dónde la locura siembra poco a poco la resolución narrativa de esta historia. Así nos encontramos ante Amelia, una mujer que no logra superar la perdida de su marido especialmente al encontrar en su hijo un recuerdo doloroso de su cónyuge. Samuel, a su vez, es un niño incapaz de comprometerse socialmente, pues el lastre que su madre deposita en él afecta directamente a su manera de percibir el mundo. Kent logra introducirse en unos temas tan complejos a través del fantástico, y materializa los miedos de sus protagonistas en un ser de carne y hueso. Un ejercicio ejemplar para que su filme no se encasille como un mero producto de género, ni tampoco como un profundo drama moral.

Kent conduce la película con una realización muy fresca, en la que no tiene miedo de saltarse algunos esquemas clásicos del montaje, aunque en alguna ocasión eso le cueste algún que otro desliz narrativo. Así las elipsis temporales son realizadas con un sentido muy estético y eficaz que resalta en la narrativa, pero el efecto no solo es estético, si no que se yuxtapone muy bien con la evolución psicológica de su protagonista Amelia.

Toda la primera parte del filme se conduce bajo un terror de atmósfera, en el que no sirven los esquemas clásicos para causar miedo, toda la apuesta está centrada en el devenir de la historia, ajustándose muy bien en ella la fotografía, el sonido, la escasa banda sonora y los decorados, estupendamente diseñados para reforzar un ambiente lúgubre y asfixiante. Todos los elementos son combinados con maestría y el resultado engancha muy bien.

Si el cortometraje ya presentaba elementos de homenaje al género de terror siliente, especialmente en el tono y fotografía, esta vez se lleva el concepto mucho más allá, mostrandolo más explícitamente en varias de sus acertadas secuencias televisivas, que no solo sirven para sumar la prgresiva demencia de sus personajes, si no para también acercarse a los orígenes del cine a través de la reproducción de algunos fragmentos en blanco y negro donde además se permite la licencia de introducir al terrorífico monstruo protagonista de la película.

Partiendo de la base que el filme se gesta a raíz de una historia corta, era de esperar que el momento climático sea quizás la baza menos fuerte de la película, pues es en ese segmento en el que la película toma una senda más cercana a los estándares básicos, y parece que tampoco los termina de resolver del todo bien, pues las ideas originales quedan algo disueltas en pro de un estiramiento narrativo algo poco en sintonía con el conjunto del metraje. Pero no por ello el filme llega a desmerecer, pues incluso en ese segmento el terror llega a apoderarse de nosotros.

La ambigua resolución nos deja satisfechos, pues en ella las lecturas son tan amplias que nos quedamos con la película un tiempo largo en nuestra mente. Los intentos de llegar a entender ese final, e incluso el mágico momento previo a los créditos de cierre son garantía de que Kent es capaz de crear una historia redonda creando uno de esos típicos finales de cinta de terror pero con nuevas herramientas no tan directas.

Otro de los elementos más reseñables es el cuidado diseño artístico del apartado más fantástico, no solo del monstruo, si no también de las pesadillas y como no, del famoso libro dónde nace Babadook. A pesar del miedo, ¿quién no querría tener ese valioso ejemplar de papel para ojearlo por si mismo?

No hay ninguna duda de que Babadook es otra de esas cintas de uno de los géneros más explotados que vuelven a demostrar el margen que todavía queda para crear buenas historias en su regazo, pues la película de Jennifer Kent entrará seguro en cualquier lista de los filmes de los mejores filmes de terror de esta década.

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TÍTULO ORIGINAL The Babadook AÑO 2014 DURACIÓN 95 min. PAÍS Australia IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Jennifer Kent GUIÓN Jennifer Kent MÚSICA Jed Kurzel FOTOGRAFÍA Radek Ladzcuk REPARTO Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel Henshall, Hayley McElhinney, Barbara West, Ben Winspear, Tiffany Lyndall-Knight, Tim Purcell, Benjamin Winspear, Cathy Adamek, Carmel Johnson, Adam Morgan, Craig Behenna, Michael Gilmour, Michelle Nightingale, Stephen Sheehan PRODUCTORA Entertainment One / Causeway Films / Smoking Gun Productions

GÉNERO Terror. Thriller. Drama

TEMÁTICA Sobrenatural. Monstruos. Cuentos. Thriller psicológico. Infancia. Muerte / Duelo

SINOPSIS

Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia (Essie Davis) no se ha recuperado todavía, pero tiene que educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Cuando un inquietante libro de cuentos llamado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel llega al convencimiento de que el Babadook es la criatura con la que ha estado soñando. Entonces sus alucinaciones se hacen incontrolables y su conducta, impredecible y violenta. Amelia, cada vez más asustada, se ve forzada a medicarle. Pero, de repente, empieza a sentir a su alrededor una presencia siniestra que la lleva a pensar que los temores de su hijo podrían ser reales.

PREMIOS

2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima
2014: Festival de Sitges: Premio del Jurado y Mejor actriz (Davis)
2014: Critics Choice Awards: 2 nom. incluyendo Película de ciencia-ficción/terror
2014: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor director novel

CRÍTICA

+ "The Babadook es la película más aterradora que he visto jamás." (William Friedkin: Director de El exorcista)

+ "Logra ofrecer verdaderos sustos y al mismo tiempo toca temas tan serios como la pérdida, el dolor y otros demonios que no pueden ser vencidos tan fácilmente." (Scott Foundas: Variety)

+ "Pasarás miedo. Y también, quizás lo que será más aterrador es que te llegará a conmover" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Este thriller psicológico de la talentosa realizadora debutante Jennifer Kent hará que te subas por las paredes simplemente ahondando en la violencia de la mente. Prepárate. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una de la películas de terror más inteligente y efectiva en años (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordan Hoffman: The Guardian)

+ "Impactante ópera prima (...) Proporciona un tipo de angustia que tiene menos que ver con las posesiones demoníacas y más con el traicionero poder de una imaginación salvaje" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Debería existir una ley requiriendo que todas las películas de terror fueran dirigidas por mujeres" (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "La actriz convertida en debutante directora, Jennifer Kent, tiene la habilidad narrativa de mostrarnos una historia de cuentos desplegables y luego hacer que nos retorzamos cuando los eventos predichos se hacen realidad. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Joshua Rothkopf: Time Out)

+ "Un muy buen debut (...) Una pequeña película que pegará extraordinariamente fuerte" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

+ "'Babadook' es como una pesadilla, de esas que no necesitan ser sangrientas para dejarte helado (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Un filme inteligente e insólito, explora el miedo en diferentes niveles (...) Posiblemente la veas más de una vez y sigas haciéndote un montón de preguntas. Imprescindible. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

+ "Es 'Babadook' una de las mejores y más ambiciosas películas de terror que ha dado el género en años. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

+ "Extraordinario film de terror que encajaría perfectamente en el canon de James Wan." (Pablo González Taboada: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,0		6,9
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

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BOYHOOD (MOMENTOS DE UNA VIDA)

Aunque ya hayamos asistido a varias entregas de premios, los Globos de Oro son por excelencia los que marcan el tiro de salida para la maratón de galardones que vuelve loco a todo cinéfilo. Este año los premios dorados se han encargado de confirmar aquello que críticos y público llevan anunciando hace tiempo, la apuesta por Boyhood como el mejor filme del año.

Durante la película acompañamos a Mason y su familia durante varios años, para ver como avanza su situación a lo largo del tiempo. Las mudanzas de un lugar a otro, el intento del padre por retomar su vida, de la madre por encontrar una estabilidad, los cambios de colegio, el primer amor, las disputas domesticas, los amigos... Todo un reconocimiento al paso del tiempo y a los cambios que vienen con él.

Son varias cosas las que ha hecho de Boyhood una película que va a quedar marcada en la historia del cine como uno de esos filmes imprescindibles. Aunque Richard Linklater use el concepto del paso del tiempo como un tema clave en su filmografía, algo muy evidente en su trilogía Antes de... (Before...) compuesta por Antes de amanecer (Before Sunrise; 1995), Antes del atardecer (Before Sunset; 2004) y Antes del anochecer (Before Midnight; 2013), en Boyhood se esfuerza mucho más en reflejarlo tal y como ocurre en la realidad. No es difícil darse cuenta que la principal diferencia se presenta en los lapsos de tiempo, ya que en Antes de... nos encontramos con saltos de nueve años no solo durante una acción y otra, si no entre las producciones, en cambio en su última película nos encontramos con un esquema progresivo. Así, aunque la recurrencia en las ideas entorno al tema es evidente, las narrativas no tienen en realidad nada que ver.

Por eso Boyhood no es solo un filme sobre el paso del tiempo, si no también sobre el ahora desde dos puntos de vista distintos: el básico, que nos habla sobre vivir el momento; y el más evocativo, sobre el hoy, nuestro entorno. De este modo, al final descubrimos que la película nos habla sobre nosotros mismos. Y "esa" historia se convierte rápidamente en "nuestra" historia, resultando ser esa la clave de su éxito. Boyhood se articula facilmente como un filme melancólico, que sin recurrir a la más burda nostalgia, crea lazos con nosotros, y no solo por hacernos mirar al pasado, si no también al futuro, lo que define bien ese segundo concepto evocativo del el hoy.

Es cierto que existen precedentes a Boyhood, el más comentado es el del documental en formato serie llamado 7 Up series - The Up series (Michael Apted, 1964 - ?), un concepto que en nuestro país se pudo ver en la televisión autonómica catalana en un formato similar llamado Generació D (Francesc Escribano; 1989 - ?) y cuya última entrega pudo verse en 2011, y en el que se recurre a las entrevistas a varias personas, volviendo a ellas a lo largo del tiempo para ver como han ido cambiando sus inquietudes, y hacia dónde les han conducido sus caminos. Otros destacados son quizás el de Truffaut y su saga junto a Antoine Doinel y que inicia con Los 400 golpes (Les Quatre cents coups; 1959); la trilogía de Bill Douglas; o Anna (Anna: Ot shesti do vosemnadtsati; Nikita Mikhalkov, 1993) dónde la autora filmó a su hija durante varios periodos de tiempo durante doce años. Pero en realidad nada se parece al resultado del filme de Linklater.

El cineasta Gabe Klinger, autor de Double Play (Double Play: James Benning and Richard Linklater; 2013), documental que recoge la amistad de Linklater con el cineasta James Binning, escribía para la revista Cinema-scope lo siguiente:

"El objetivo oculto de Boyhood es desmantelar esa costumbre del cine narrativo convencional de que las vidas de los personajes tienen que estar definidas por acontecimientos transcendentales prescritos."

Así, la observación de Klinger, nos ayuda a darnos cuenta de que la película está construida orgánicamente, sin que parezca que la mano del director sea la mano de Dios.

La construcción de una película en pedazos de doce años puede ser fácilmente desastrosa tanto argumentalmente como actoralmente, pero gracias a ese tono orgánico (y a la fidelidad al formato de 35 mm. tomada desde el principio) el filme se organiza de un modo casi mágico, convirtiéndolo en toda una proeza cinematográfica basada en el más puro realismo.

Para hacernos una idea de las herramientas que Linklater utiliza para lograr ese realismo podemos fijarnos por ejemplo en la banda sonora, un elemento que no se utiliza como uno propiamente narrativo, que no enfatiza, que solo acompaña. Lo mismo se podría decir por ejemplo del montaje, algo muy importante para cualquier película. El director no echa mano de transiciones complejas o letreros para marcar el paso del tiempo, no hay soluciones de montaje explícitamente marcadas, y aún así no nos es difícil percibir ese paso del tiempo, lo que nos lleva claramente al realismo del que hablaba.

Es normal pues que analizando el guión nos demos cuenta que acontecimientos clave en la vida de su protagonista como la boda de su padre, la angustia por amor, el acercamiento primerizo al sexo... elementos de gran fuerza narrativa que se utilizarían sin dudar en otras películas, queden ocultos, ya que aquí se habla de transición. El drama narrativo está igualmente implícito, pero no se nos muestra explícitamente (volvemos al concepto orgánico). La mano de Linklater con el paso del tiempo es ejemplar, y la colaboración de sus actores es simplemente de aplauso. No es nada fácil construir un personaje bajo unas premisas tan estrictas, rodar solo durante unos pocos días una vez al año, hace casi imposible una continuidad interpretativa, pero ellos consiguen hacerlo, siendo Patricia Arquette el mayor de sus ejemplos, al presentar los matices dramáticos más marcados.
  
Solo hay una cosa que me molesta de Boyhood, y es que el interés por ese tiempo al que hemos estado dando vueltas, obliga al realizador a construir un filme sin dilemas narrativos, no hay un plan argumental claro para sus protagonistas, y aunque eso podría considerarse parte de las bondades del filme, al llegar a los créditos finales siento que la película me ha sabido a poco. La falta de dramaturgia termina por dejarme frío tras el visionado, y aunque me interesa lo que veo en la pantalla, al final me queda una espina clavada. Aunque está claro que si Linklater hubiese dotado al filme de una estructura dramáticamente más construida, al final nos hubiésemos topado con un filme más, y poco hubiese importado que el rodaje hubiese sido tan longevo. 

Boyhood es un juego con el tiempo que llega hasta el punto que sus 165 minutos se conviertan en un espacio temporal corto, algo que con otros filmes podríamos retenerlo como una eternidad, y su duración finalmente solo nos invita a tener ganas de disfrutar más de unos personajes que echaremos de menos, aunque en realidad estos sigan vivos dentro de nosotros, a pesar de que no lo sepamos ver.

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TÍTULO ORIGINAL Boyhood AÑO 2014 DURACIÓN 166 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Richard Linklater GUIÓN Richard Linklater MÚSICA Varios FOTOGRAFÍA Lee Daniel, Shane Kelly REPARTO Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Jordan Howard, Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother, Evie Thompson, Tess Allen, Megan Devine, Fernando Lara, Elijah Smith, Steven Chester Prince, Bonnie Cross, Libby Villari, Marco Perella, Jamie Howard, Andrew Villarreal, Shane Graham, Ryan Power PRODUCTORA IFC Films

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Infancia. Adolescencia. Familia. Cine independiente USA

SINOPSIS

Drama rodado a lo largo de 12 años (2002-2013) pero únicamente en 39 días de rodaje. Es la historia de Mason (Ellar Coltrane) desde los seis años y durante una década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa. Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.

PREMIOS

2014: 3 Globos de Oro: Mejor película - Drama, director y actriz sec. (Arquette)
2014: Premios BAFTA: 5 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de Berlín: Mejor director
2014: Festival de Sundance: Estreno mundial (sección "Premieres")
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: Festival de San Sebastián: Gran Premio FIPRESCI: mejor película del año
2014: National Board of Review: Mejores 10 películas del año
2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, director y actriz sec. (Arquette)
2014: Críticos de Los Angeles: Mejor película, director, actriz (Arquette) y montaje
2014: Premios Gotham: 4 nomin. (mejor película, actor, actriz, actor revelación)
2014: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Satellite Awards: 7 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Sindicato de Actores (SAG): 3 nominaciones incluyendo Mejor reparto
2014: Critics Choice Awards: 8 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Críticos de Chicago: 3 premios incluyendo Mejor película

CRÍTICA

+ "'Boyhood' es una epopeya sobre lo ordinario (...) una película que puede resultar normal momento a momento, pero que se convierte en algo muy especial en su totalidad." (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Menudo logro tan asombroso; menuda película tan hermosa. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Xan Brooks: The Guardian)

+ "Es una narración dramática fascinante y única en su género: una hermosa estratagema de película." (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

+ "Inquebrantable, ingeniosa y muy sentida, la película va a estar pagando dividendos emocionales durante mucho, mucho tiempo. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Joshua Rothkopf: Time Out)

+ "'Boyhood' es una obra maestra épica que parece totalmente despreocupada en tratar de serlo. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "El relato de Richard Linklater sobre el paso hacia la mayoría de edad es la mejor película del año, un punto de inflexión de cuatro estrellas que se ha ganado un sitio en la cápsula del tiempo cultural. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

"'Boyhood' deslumbra con la más conmovedora descripción posible de la herida del tiempo y propone reglas nuevas a eso llamado cine (...) Una película sin precedentes, tan descomunal e inquietante como conmovedora. Magnética e irrenunciable" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Linklater corrobora que es uno de los grandes cineastas en activo. (...) «Boyhood» es a la vez una película humilde y una hazaña épica. Ofrecernos la suma de instantes que se llama vida es lo que la hace tan conmovedora" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "La propuesta de Linklater, siendo monumental, fáustica, apasionante, está desprovista de toda grandilocuencia. Su trascendencia está en nosotros (...) Obra maestra (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

+ "En el curso del tiempo. (...) El filme de Linklater es como ese fabuloso álbum inexistente: imposible pero real. Maravillosamente mágico. Y sin misterio. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,6		8,3
NOTA MEDIA: 7,8

TRAILER

VER TAMBIÉN

HISTORIAS DE NAVIDAD

Las películas navideñas son en si mismas un género. Un género dónde es fácil identificar tópicos, melodías y situaciones recurrentes. Es por eso que, aunque no haya año que se nos obsequie con la producción de turno, se nos vuelve complicado encontrar una película que no nos de un solo motivo para añadirla al montón de producciones que es mejor no visionar si no es bajo los efectos del turrón. Pero no hay que ser alarmista, ya que todos tenemos nuestras películas imprescindibles sobre estas fiestas, e incluso entre ellas nos podemos encontrar con filmes de esos que es imperdonable no conocer, obras maestras donde poco importan las fechas en las que sitúa su acción, ver películas como Plácido (Luis García Berlanga, 1961) o Qué bello es vivir (It's a Wonderful Life; Frank Capra, 1946) -por citar un par- es tarea obligada para cualquier cinéfilo que se precie. Y dentro de esas listas privadas seguro que más de uno tendrá escrito Historias de Navidad, un título navideño de lo más reivindicable, que de bien seguro nos ayuda a pasar mejor estas fiestas.

Ralphie quiere un rifle de aire comprimido por Navidad, pero parece que ningún adulto puede entender los motivos por los que un niño podría querer un regalo tan peligroso. ¿Es que Ralphie quiere perder un ojo? Mientras el pequeño nos va mostrando sus pequeñas aventuras en la época previa a la Navidad, iremos descubriendo las historias más curiosas del entorno que le rodea, como aquel premio en forma de pierna que recibió su padre, la pelea con los gamberros de barrio o el fatídico desenlace de la comida de Navidad que preparó su madre.

Historias de Navidad es una de esas películas a las que parece que el tiempo no ha afectado. Y los motivos por los que consigue esa frescura es el humor tan gamberro que impregna cada uno de sus fotogramas. Todo en el filme de Bob Clark nos invita a pasar un rato divertido, da igual la broma con la que nos ataque, siempre la encontraremos divertida, no importa lo que el guión nos tenga preparado, de bien seguro que, en un primer visionado, lo encontraremos curioso y realmente gracioso. Situaciones de lo más absurdas que atacan a todo el imaginario navideño de la sociedad americana (cada vez más extendida en Europa y América Latina).

Es también su aire nostálgico, no olvidemos que es un filme de los 80 ambientado en los 40, el que ayuda a que nos sintamos totalmente atraídos por él. Es imposible no sentir empatía con unos personajes con lo que tan fácil es identificarnos, ¿quién no ha querido por Navidad algún regalo que sabría que jamás llegaría?

Clark conduce el argumento del filme a través de una voz en off, que nos cuenta, vía recuerdos de infancia, una de las Navidades más inolvidables de su vida. Resulta imposible que una época así no sea recordada a pesar del paso del tiempo. La decisión de seguir la narrativa de este modo anexa a la perfección los tres segmentos diferenciables del argumento, y nos hace la película llevadera y realmente entretenida.

Estupendas y exageradas interpretaciones para un filme dónde los excesos son bien recibidos. Si los adultos dan lo mejor de sí, los niños tampoco quedan atrás, conseguir buenas interpretaciones infantiles jamás es tarea fácil, y ni el mejor Macaulay Culkin de Solo en casa (Home Alone; Chris Columbus, 1990) podría superar a este divertido y entrañable Peter Billingsley.

Historias de Navidad es pues una divertida apuesta para pasarlo en grande solos o acompañados durante estas fiestas, un buen motivo para perder un poco de tiempo delante de una pantalla disfrutando del relato de Ralphie y de su divertida historia sobre como intentó conseguir aquel rifle Red Ryder BB en una de las Navidades de su infancia.

Felices fiestas a todos/as.

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TÍTULO ORIGINAL A Christmas Story AÑO 1983 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos, Canadá IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Bob Clark GUIÓN Jean Sheperd, Leigh Brown, Bob Clark MÚSICA Carl Zittrer, Paul Zaza FOTOGRAFÍA Reginald Morris REPARTO Melinda Dillon, Darren McGavin, Peter Billingsley, Ian Petrella, Scott Schwartz, R.D. Robb, Tedde Moore, Yano Anaya, Zack Ward, Jeff Gillen PRODUCTORA Christmas Tree Films / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

GÉNERO Comedia

TEMÁTICA Infancia. Navidad. Años 40

SINOPSIS

En los años cuarenta, un niño quiere como regalo de navidad un rifle de aire comprimido. Claro está, los padres piensan que no es una buena idea. Comedia familiar extraordinariamente popular en Estados Unidos que se basa en las historias del humorista Jean Shepherd. Calificada como divertida y conmovedora a partes iguales, una tierna historia con mensaje que encandila tanto a los adultos como a los más jóvenes.

PREMIOS

2012: La película se incluyó en Registro Nacional de Cine para ser preservada en el grupo de películas culturales, históricas o estéticamente significativas.

CRÍTICA

+ "Una cinta muy divertida, bien actuada, dirigida y guionada, que desarrolla un final muy efectivo, reflexivo y entretenido. Una muy bien lograda película, con un estilo muy marcado y original, ambientada en la navidad que vale la pena volver a ver, disfrutar y recordar." (Martín Morales: mmcríticas)

+ "Demasiado curiosa para ser ignorada y ya en estas fechas una buena recomendación para pasar la tarde." (Matius Lenin: CGnauta blog)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,3		8,1
NOTA MEDIA: 7,5

TRAILER

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