EL CRIMEN DE LARAMIE (EL PROYECTO LARAMIE)

Es imposible apartar la mirada de las noticias de odio que estos días nos llegan desde Estados Unidos. La matanza de Orlando no hace más que ratificar el largo camino que queda por la lucha contra la homofobia alrededor del mundo, no solo en las partes dónde ser homosexual o transexual sea delito, si no también en aquellas dónde se suponen que los derechos humanos están más avanzados. Sin duda alguna, hoy más que nunca, hace falta una mayor visibilidad para conseguir que los delitos de odio, ya sea por orientación sexual, género, raza, y evidentemente religión (no faltarán estos días los que condenen el Islam sin reflexionar antes sobre otras religiones que también son duras con lo diferente. Sin escuchar como parte de la comunidad está dando apoyo al colectivo LGTBI), sean condenados unánimemente. No hay que olvidar tampoco el gran problema armamentístico que existe en el supuesto país de las libertades, dónde conseguir una arma es más sencillo que comprar un huevo Kinder, una debate que el lobby de las armas siempre dinamita en pro de los intereses comerciales de los mismos.

Los casos de odio en Estados Unidos siempre se han utilizado como referencia para la lucha del colectivo LGTBI, tanto es así que momentos como los altercados de Stonewall o el asesinato del activista político Harvey Milk, han sido clave para la evolución de los derechos, otro de los casos es el de Matthew Shepard, un joven asesinado en Laramie, Wyoming, por el cual se consiguió (muchos años después) una enmienda en pro de la lucha contra el odio. Es precisamente ese caso el que ocupa hoy el blog con el filme para televisión El crimen de Laramie – o Proyecto Laramie -. Un falso documental que intenta indagar como ha afectado el caso a la población de Laramie.

En octubre de 1998, Matthew Shepard fue hallado cubierto de sangre y en estado de coma atado en una valla a las afueras de Laramie, pocos días después el joven fallecía en el hospital. Los culpables del homicidio fueron rápidamente identificados como dos jóvenes de la ciudad. El caso resonó en todos los medios de comunicación y se convirtió en toda una referencia para la lucha contra la homofobia. El filme recoge las entrevistas que se hicieron a varios habitantes de la ciudad, para construirlas a modo de falso documental –o documental ficcionado- contando la historia que sucedió.

El crimen de Laramie, dirigida por Moisés Kaufman, es una estupenda apuesta televisiva que se basa en la obra de teatro homónima del mismo Kaufman, dónde un grupo de estudiantes de teatro se traslada hasta Laramie para entrevistar a algunos de sus habitantes. Son las propias declaraciones las que se transcriben en boca de los actores que dan vida a los protagonistas de esta historia. Unos actores que son, sin duda alguna, una de las mayores bazas del filme, pues cuenta con un reparto de lujo. Nombres como Steve Buscemi, Christina Ricci, Dylan Baker, Jeremy Davies, Clea DuVall, Michael Emerson, Amy Madigan, Clancy Brown, son algunos ejemplos del espectacular reparto que da vida a esos entrevistados.

A pesar del homogéneo tono de telefilme, Kaufman sorprende con algún que otro despunte en dirección y montaje, para dar vida, sin perder nunca el sentido narrativo, a una película que no olvidemos, se basa en retratar unos hechos históricos recogidos a través de declaraciones, algo que por lo pronto podría parecer repetitivo, pero que el director resuelve muy bien,  y consigue mantenernos atentos al hilo argumental.

El filme, además de ser todo un alegato en contra de la homofobia, busca también mostrar como los medios pueden demonizar un lugar a causa de un hecho aislado, dando carta blanca a toda declaración, a favor o en contra de esos derechos, para mostrar la realidad lo más aproximada posible. Encontramos así a personajes que sienten vergüenza de que algo así haya podido ocurrir en un lugar aparentemente pacifico, otros que no esconden el rechazo a los que no son como ellos, tanto los que condenan de todos modos la violencia, como los que no –terrible personaje el del reverendo-, los que viven escondidos en su armario en una población rural o los que no temen a dar la cara. En conjunto es un filme coral, dónde todas las voces intentan ser recogidas, que busca concienciar no solo a través de un acto atroz, si no también a favor de una localidad donde no todo es demoníaco.

Es una lástima que casos como el de Matthew Shepard sigan hoy siendo noticia, igual que lo es que haya países que encarcelen o condenen a las personas por su orientación sexual. Que todavía hoy haya personas de primera y segunda clase, y que quede todavía un largo camino por recorrer. Filmes como El proyecto Laramie no solo nos ayudan a no olvidar, si no a luchar contra el odio y por los derechos de todos.

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TÍTULO ORIGINAL The Laramie Project AÑO 2002 DURACIÓN 97 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Moisés Kaufman GUIÓN Tectonic Theatre (Obra teatral: Tectonic Theatre) MÚSICA Peter Golub FOTOGRAFÍA Terry Stacey REPARTO Dylan Baker, Steve Buscemi, Jeremy Davies, Peter Fonda, Janeane Garofalo, Joshua Jackson, Laura Linney, Christina Ricci, Nestor Carbonell, Camryn Manheim, Clea DuVall, Michael Emerson, Mark Webber, Ben Foster, Amy Madigan, Clancy Brown, Tom Bower, Summer Phoenix, James Murtaugh, Richard Riehle, Terry Kinney, John Nance PRODUCTORA Cane/Gabay Productions / Good Machine / HBO

GÉNERO Drama. Intriga

TEMÁTICA Homosexualidad. Basado en hechos reales. Telefilm. Drama judicial. Falso documental. Crimen. Teatro. LGBTIQ

SINOPSIS

Basada en hechos reales. El film narra la reacción de la ciudad de Laramie tras el brutal asesinato de Matthew Sheppard, un estudiante homosexual de la Universidad de Wyoming, víctima de la violencia e irracionalidad de dos homófobos.

PREMIOS

2002: Emmy: 4 nominaciones, incluyendo mejor telefilm, dirección y guión

CRÍTICA

+ "Un símbolo del sufrimiento y el dolor de la comunidad LGBT." (Cinegayonline)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,0		7,3
NOTA MEDIA: 6,6

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LA ÚLTIMA NOCHE DEL TITANIC

Justo esta noche, hace 103 años, se sucedía una de las tragedias humanas más recordadas. El imponente transatlántico RMS Titanic desaparecía en las frías aguas del Atlántico llevándose con él la vida de 1514 personas de un total de 2224 que iban a bordo. El gran buque se ha convertido ya en leyenda, y no han sido pocas las veces que ha pasado por la gran pantalla. Sobra decir que (actualmente) la más famosa de ellas es la gigantesca y premiadísima producción de James Cameron Titanic (1997), obra cumbre del cine épico y comercial contemporáneo, pese a quién le pese. Eso no significa que el filme de Cameron sea en realidad la obra sobre el barco que más atención merezca, pues de entre otras varias producciones hay que destacar una en particular, La última noche del Titanic, filme que adapta uno de los libros más importantes sobre lo sucedido aquella noche -obra de Walter Lord- y un precedente más que evidente para Cameron, hasta el punto de poder considerar su cinta de 1997 un remake de esta.

El 10 de abril de 1912 partía de Southampton (Inglaterra) el mejor barco jamás creado, el Titanic, con destino Nueva York (Estados Unidos) y un total de 2224 pasajeros (contando tripulación). Tras unos días de placentero crucero, el 14 de abril sucedía la gran tragedia. El choque con un iceberg iniciaba el hundimiento del barco hacía las profundidades del océano. Toda una tragedia para las personas abordo.

Sin lugar a dudas, el mejor acierto del filme de la prestigiosa productora Rank, dirigido por el inglés Roy Ward Baker y guionizado por el novelista Eric Ambler, es la decisión de crear una película lo más aproximadamente fiel a su verdadera historia. De este modo nos topamos con una película pacientemente recreada en la que los cuidados detalles poco tienen que envidiar a las pomposidades del filme del 97. La mayoría de elementos que forman parte de la decoración del buque se han logrado conseguir con la mayor fidelidad, en una época dónde la información no era tan certera como la que podemos tener hoy. La película de Baker apuesta por una línea más histórica, alejándose de las opciones narrativas que logran una más sencilla empatía con el espectador, como si hizo Cameron en su filme al crear tramas ficticias paralelas reforzando la dramaturgia. Eso quizás haga que se necesite una mayor apuesta por parte del espectador, pero una trama como lo sucedido con el Titanic no requiere gran esfuerzo por ello, es fácil dejarse atrapar por su terrorífica historia.

Así, La última noche del Titanic se conforma como un filme de conjunto, dónde no hay más protagonista que la propia tragedia, dónde un mosaico de personajes se unen para ayudarnos a hacernos una pequeña idea del alcance de lo que posiblemente sucedió aquella fatídica noche. Personajes fieles a la realidad, que sin la necesidad de que nos los señalen con un dedo, podemos ubicarlos en la verdadera historia.

Artísticamente no solo sobresalen los decorados y detallados vestuarios, si no una fotografía en blanco y negro imponente para el estilo de un filme como este, en la que gracias a la iluminación se cuidan hasta los más pequeños detalles. Lo mismo sucede con la mano de Baker, quien con una realización sencilla consigue muy bien dotar al filme de veracidad e introducirnos de lleno en él gracias a una planificación inteligentemente ejecutada. No es casualidad que James Cameron calcara muchos de sus momentos para su filme.

La última noche del Titanic es sin duda el mejor filme para acercarse a la verdadera historia de la catástrofe, y si todavía no la habéis visto os recomiendo encarecidamente hacerlo, si más tarde recuperáis el filme de 1997, podréis verlo con otros ojos, separando mejor la ficción de la realidad.

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TÍTULO ORIGINAL A Night to Remember AÑO 1958 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés, Ruso, Alemán, Italiano, Polaco DIRECCIÓN Roy Ward Baker GUIÓN Eric Ambler (Libro: Walter Lord) MÚSICA William Alwyn FOTOGRAFÍA Geoffrey Unsworth (B&W) REPARTO Kenneth More, Jill Dixon, David McCallum, Laurence Naismith, Honor Blackman, Frank Lawton, Alec McCowen, George Rose, Sean Connery PRODUCTORA Rank Film Organization

GÉNERO Drama. Acción

TEMÁTICA Basado en hechos reales. Catástrofes. Titanic. Histórico

SINOPSIS

El novelista Eric Ambler adaptó el libro del historiador Walter Lord que relata minuciosamente la primera y última travesía del Titanic, el lujoso barco de pasajeros, que se hundió en las frías aguas del Atlántico Norte en abril de 1912.

PREMIOS

1958: Globos de oro: Mejor película extranjera de habla inglesa
1958: NBR: Top películas extranjeras
1959: Premios Laurel: Nominada a mejor fotografía (b/n)

CRÍTICA

+ "Soberbia labor de realización de Ward Baker, quien domina a la perfección tanto montaje como planificación, logra dotar del desasosiego y la tensión necesaria a la escena para que el espectador, pese a no conocer a fondo a ninguno de sus personajes, se identifique con una situación límite como la que se produjo en el barco minutos antes del naufragio." (Rubén Collazos: Cinemaldito)

+ "La mejor película para muchos de los expertos en el Titanic" (David M. Anton: Halcón de la noche)

+ "Roy Ward Baker representa con sensibilidad, respeto y un fino sentido de la tragedia últimas horas de la nave. Con actuaciones restringidas, 'A Night to Remember' es la más sutil obra cinematográficade de esta monumental catástrofe del siglo XX." (Damian Cannon: Filmref)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,8		7,9
NOTA MEDIA: 7,2

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PRIDE

No voy a ser yo el que caiga en el tópico de que estos días de fiesta no hay demasiadas películas interesantes en cartelera, pues parece que esta semana santa ha quedado completita en lo que a variedad se refiere. Así, uno puede optar por cualquiera de los blockbusters que suelen aparecer durante estas fechas en las salas, o por alguna de las pequeñas joyas apartadas de lo más comercial. Por mi parte prefiero situarme en un punto medio, pues Pride, uno de los bombazos de esta última temporada, reside en ese limbo de cine que sirve de unión con ambas partes. La cinta de Matthew Warchus ha logrado triunfar con el público y con la crítica, siendo sin duda una (que no la única) de las comedias del año.

En 1984, en pleno gobierno Tatcher, el Sindicato Nacional de Mineros convoca una huelga que durará una larga temporada. A su vez, el verano de ese mismo año, y en plena celebración del Orgullo gay en Londres, un pequeño grupo de homosexuales decide recaudar fondos para las familias de los mineros. La unión de ambos sectores sociales se convierte en toda una muestra de lucha hermanada en pro de los derechos, aunque para algunos la moral y la decencia impida la aceptación de la ayuda de un grupo de personas que hacen gala de su "desviada" orientación sexual.

Basándose en un hecho histórico, Pride no es ninguna novedad cinematográfica, pues repite formulas muy vistas por todos. Heredera de la comedia social británica, la cinta de Warchus es un ejemplo más de película que se ve lastrada por el éxito arrasador que tuvo una cinta como Full Monty (The Full Monty; Peter Cattaneo, 1997) -a su vez deudora del cine cómico inglés-. Pues adentrarse en un entramado social a través de la comedia es algo ya sobradamente explotado. Pero no por ello hay que decir que la película no merezca un gran reconocimiento, todo lo contrario, pues a pesar de esas reformulaciones, Pride, consigue presentarse como una película fresca, emotiva y realmente divertida, muy en contra de lo que los tópicos podrían hacernos pensar, pues consigue hacerse suyo cada uno de esos elementos tan recurrentes con los que es fácil sentirse atrapado.

Pride es ante todo una sana comedia, una comedia construida a raíz de un acontecimiento real a priori nada dado a la jocosidad, pues no hay que olvidar que estamos hablando de un momento en el que la lucha obrera, la lucha por la igualdad social, y la expansión del VIH, estaba en boca de todos. Construir una comedia basada en el respeto a raíz de estas premisas ya es de por si un noble acto, pero hacerlo con un resultado como el de Pride es todavía más aplaudible. Es curioso, que hayan tenido que pasar 30 años, para que alguien decida construir un filme basándose en unos hechos tan curiosos como la unión de dos sectores (a priori) tan distintos.

Sin recurrir a grandes amaneramientos técnicos ni artísticos, pues Pride no juega en esa liga, Warchus presenta el guión de Stephen Beresford de la mejor de las maneras. Un guión inteligente, armado con decisión y con una entrega que es fácil de identificar. Los momentos álgidos y los diálogos llenos de chispa no se echan en falta en ningún momento, pues la película está sembrada de cabo a rabo con ellos. Su grupo de actores se encarga de dar vida a esas ideas, y lo hacen con entrega, y con un feeling que hace fácil la digestión.

Pero lo mejor de la formula, algo que rara vez no funciona, es el logro de hacernos reír y a su vez emocionarnos, que aunque sea una mezcla cuyo resultado suela ser de agrado de casi todo el mundo, también hay que reconocer que es difícil llevarla a cabo con éxito, pues la salida de tono puede ser de lo más sonada. Pride lo consigue, nos hace emocionar y reír al mismo tiempo, y se presenta como un producto no solo entretenido, si no que para más inri con unas intenciones morales de lo más aceptables, aunque haya pasado mucho tiempo, su relato sigue estando muy vigente.

Muy recomendable para todo aquel que busque pasar el mejor de los ratos con un filme totalmente entregado. Apto para todos, algo de lo que pocas películas pueden presumir. Y para más inri podemos disfrutar de una banda sonora, que por si sola consigue entusiasmarnos.

Estupenda.

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TÍTULO ORIGINAL Pride AÑO 2014 DURACIÓN 120 min. PAÍS Reino Unido, Francia IDIOMA Inglés, Galés DIRECCIÓN Matthew Warchus GUIÓN Stephen Beresford MÚSICA Christopher Nightingale FOTOGRAFÍA Tat Radcliffe REPARTO Ben Schnetzer, Monica Dolan, George MacKay, Bill Nighy, Andrew Scott, Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine, Joseph Gilgun, Sophie Evans, Jessie Cave, Freddie Fox PRODUCTORA Calamity Films / Pathé / BBC Films / Proud Films / BFI / Canal+ / Ciné+

GÉNERO Comedia. Drama

TEMÁTICA Drama social. Comedia dramática. Basada en hechos reales. Años 80. Homosexualidad. Cine social. Trabajo/Empleo. SIDA. LGBTIQ

SINOPSIS

En el verano de 1984, siendo primera ministra Margaret Thatcher, el Sindicato Nacional de Mineros (NUM) convoca una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un grupo de lesbianas y gays se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los trabajadores, pero el sindicato no acepta el dinero. El grupo decide entonces ponerse en contacto directo con los mineros y van a un pueblecito de Gales. Empieza así la curiosa historia de dos comunidades totalmente diferentes que se unen por una causa común.

PREMIOS

2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor película - Comedia o musical
2014: Premios BAFTA: Mejor debut de un escritor, director o productor británico. 2 Nominaciones
2014: British Independent Film Awards: Mejor película independiente, Mejor actriz de reparto (Imelda Staunton), Mejor actor de reparto (Andrew Scott). 4 Nominaciones
2014: Cannes: Queer Palm

CRÍTICA

+ "Una película hecha para gustar al público, en el mejor sentido (...) 'Pride' no es sutil cuando señala sus propósitos, pero, por desgracia, son temas que todavía necesitan señalarse (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "La fórmula 'Full Monty' está viva, en buen estado y todavía es irresistible (... ) tiene sus toques cursis pero consigue una honesta reacción emocional con su conmovedor final" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Una huelga desgraciadamente separatista en la Gran Bretaña de Margaret Thatcher, promueve la improbable unión solidaria entre mineros asediados y activistas gays en esta conmovedora historia real" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "La historia del olvidado movimiento LGSM (...) tiene tantos matices inspiradores de buen rollo, que la única verdadera sorpresa es que haya tardado tres décadas en ser desenterrada para propósitos cinematográficos" (Charles Gant: Variety)

+ "Warchus es director de teatro de profesión, y 'Pride' vibra con la misma energía y el mismo estímulo que una gran obra sobre el escenario. Busca los aplausos, y se los gana. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Es cálida e ingeniosa, con unas interpretaciones fenomenales; el guión de Stephen Beresford es rápido y divertido y tiene una entusiasta banda sonora de Chris Nightingale. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Para ser una película descaradamente comercial, no tiene reticiencias o reparos para gritar a favor del poder de la solidaridad, la amistad y la empatía (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Dave Calhoun: Time Out)

= "De ambiciosa temática y desarrollo algo esquemático, 'Pride' encuentra la emoción cuando busca la verdad de sus personajes, y el resquemor cuando huye de los problemas por medio de bromas que buscan la risa más fácil." (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "'Pride' se disfruta sin querer, emociona sin avasallar, divierte sin ofender. Definitivamente, esta es la película que todo el mundo recomendaría a todo el mundo sin la menor posibilidad de arrepentimiento." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Demasiado amable en su conjunto, con clímax de dudoso gusto, contiene, sin embargo, interpretaciones convincentes y momentos agradecidos (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Se enmarca en el efectivo linaje de la feel-good movie británica: cine de sonrisas y lágrimas, con trasfondo social (...) 'Pride' no esconde que busca el aplauso del público. Y lo consigue. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Roger Salvans: Fotogramas)

= "Es entretenida y emotiva, aunque, en ocasiones, resulte demasiado naíf y pueda caer en tópicos (que los hay). Pero logra su objetivo (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	8,0		7,2		7,8
NOTA MEDIA: 7,7

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PICNIC EN HANGING ROCK

Joan Lindsay publicaba en 1967 Picnic en Hanging Rock, su obra más conocida tras convertirse no solo en un libro de culto, si no en toda una leyenda. Lindsay declaró que su novela se basaba en hechos realmente acontecidos, por lo que las investigaciones, mitos e hipótesis sobre el caso que en ella se plantea lograron convencer al planeta entero de la veracidad de sus lineas. No es de extrañar que una obra de semejante envergadura no tuviese rápidamente una adaptación cinematográfica temprana. Fue así como en menos de diez años de su publicación un joven australiano llamado Peter Weir rodaba su segundo largometraje, empezando a demostrar grandes dotes para contar historias con la cámara. El éxito del filme, a pesar de ser un estreno para salas de arte y ensayo, era asegurado, y sirvió no solo para que un ahora famoso director se labrase un nombre, si no para forjar el cine australiano como símbolo de calidad.

El día de San Valentín de 1900 las alumnas de una selecta escuela femenina se dirige a su anual excursión a la formación rocosa Hanging Rock. Tras un tranquilo y armonioso día de campo, cuándo el grupo decide volver al internado, se dan cuenta de la falta de cuatro chicas y una profesora. En medio de la búsqueda se encontrarán con una de las chicas dando gritos desesperados por el bosque, el paradero del resto: totalmente desconocido.

A día de hoy, y a pesar de lo demostrado, la historia de Hanging Rock sigue siendo uno de esos misterios de la humanidad. Lindsay consigue en su novela crear una atmósfera de suspense realmente asfixiante y absorbente, y su paso a la gran pantalla no solo logra mantener ese nivel, si no que lo lleva hasta el mejor de los limites que puede ofrecer el arte audiovisual.

La historia es tan peculiar y tiene una fuerza tan grande que es fácil quedar atrapado por sus planteamientos, y durante todo el metraje el espectador intentará una vez más lograr entender que pasó ese día de San Valentín, que tanta conmoción ha causado. La mejor manera de conseguirlo es poniendo sobre la mesa todas las cartas, y en vez de ir en busca de resoluciones argumentales sencillas, Weir, gracias al guionista Cliff Green, nos plantea todo aquello que Lindsay construye en su relato. Las imágenes hablan por si solas, y la puesta a punto del metraje es tan sublime y detallista que es imposible que se le escape cualquier detalle de importancia. Weir logra en su película transmitir toda la angustia del libro, y a su vez, ya sea ayudándose de los diálogos o de las imágenes rodadas en la propia montaña, crea una historia impregnada de posibilidades, en la que es fácil concluir con cualquiera de las hipótesis que se han formado alrededor de la leyenda, ya sean científicas, como de aire fantástico y por lo tanto, poco probable.

Podemos adentrarnos en Picnic en Hanging Rock de dos modos. El primero, conociendo su leyenda, y disfrutando -a la vez que descubriendo- del planteamiento que Weir hace de todas esas teorías, transformando el entorno en el que rueda en un personaje vivo, cuya presencia y personalidad son tan imponentes y magistrales que dejan sin habla. La segunda opción es hacerlo desde el total desconocimiento, y dado que personalmente es el que creo mejor para el espectador, ya que en un segundo visionado puede gozar de la otra experiencia, prefiero no adentrarme demasiado en las resoluciones de su historia. Y aunque os recomiendo no hacerlo sin haber visto antes la película, podéis encontrar mucha e interesante información en la red sobre el caso que gira entorno la historia del filme.

Toda la dirección artística de la cinta es de lo más loable, no solo por la majestuosidad de la localización principal que es esa épica roca, si no también por la buena mano del equipo de Weir al conseguir una atmósfera estupenda para la escuela femenina, así como para el vestuario, el maquillaje y la peluquería de todos y cada uno de los personajes. Unos personajes interpretados con total entrega, en la que destaca una imponente Rachel Roberts en el papel de la institutriz del internado y Anne-Louise Lambert, cuya fantasmagórica presencia como una de las chicas desaparecidas impregna todo el relato. No puedo olvidar el encomiable trabajo de Bruce Smeaton, cuya partitura ayuda a dar vida a ese ente natural que es Hanging Rock, una banda sonora digna del mejor cine de suspense.

Picnic en Hanging Rock es una película que deja poso en el espectador, de la que es difícil desprenderse, y que queda grabada fácilmente en la memoria. Las ganas de conocer mucho más de ella tras su visionado, no hacen más que alzar el trabajo de Weir hasta las nubes. Una obra imprescindible del cine, estupenda.

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TÍTULO ORIGINAL Picnic at Hanging Rock AÑO 1975 DURACIÓN 110 min. PAÍS Australia IDIOMA Inglés, Francés (algunas palabras) DIRECCIÓN Peter Weir GUIÓN Cliff Green (Novela: Joan Lindsay) MÚSICA Bruce Smeaton FOTOGRAFÍA Russell Boyd REPARTO Rachel Roberts, Vivean Gray, Helen Morse, Kirsty Child, Tony Llewellyn-Jones, Jacki Weaver, Frank Gunnell, Anne-Louise Lambert, Karen Robson, Jane Vallis, Christine Schuler, Margaret Nelson, Ingrid Mason, Jenny Lovell, Janet Murray PRODUCTORA Australia Film Corporation / Picnic Productions PRESUPUESTO 440.000 AUD (Estimado) (311.255 €)

GÉNERO Drama. Intriga

TEMÁTICA Basada en hechos reales. Años 1900 (circa). Secuestros / Desapariciones. Colegios / Universidad

SINOPSIS

El día de San Valentín de 1900, las estudiantes de la Escuela Appleyard van de excursión a Hanging Rock, una región australiana montañosa. A lo largo del día se producen una serie de fenómenos sobrenaturales: el tiempo se detiene, estudiantes y maestras pierden el conocimiento y tres chicas y una profesora desaparecen.

PREMIOS

1976: BAFTA: Mejor fotografía. Nominada a Vestuario y Sonido.
1976: AFI (Instituto de cine Australiano): 7 nominaciones. Incluyendo Película, Dirección, Actriz (Helen Morse).
1979: Premios Saturn: Mejor fotografía. Nominada a mejor guión.

CRÍTICA

+ "Un subyugante y extraño filme, de fascinante pulso narrativo, que narra la misteriosa desaparición de un grupo de colegialas australianas durante una excursión. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

+ "Fascinante desde el primer al último minuto. [...] Les aseguro que van a disfrutar de una pieza de arte digna de las más desaforadas alabanzas." (Sergio Benítez: Blog de cine)

+ "Emocionante y estremecedora. El misterio velado tiene una belleza única, y a pesar de todo inquieta, porque se asoma a una trastienda en la que cada solución posible es más horrible que la anterior. [...] ‘Picnic en Hanging Rock’ deja en el espectador un recuerdo imborrable. (Eduardo González: Vivir el Cine)

PUNTUACIONES

 

	8,0		6,9		7,6
NOTA MEDIA: 7,5

TRAILER

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SELMA

A Selma le ha tocado el sambenito de ser la película contra el racismo de esta temporada de premios. Las comparaciones son casi inevitables, y con un precedente el año pasado como la sobrevalorada 12 años de esclavitud (12 Years a Slave; Steve McQueen, 2013), que ganó el mayor de los galardones, se hace más complicado defender su aparición entre las aspirantes a mejor película. Pero si lo miramos objetivamente, es imposible pensar en una repetición de esquemas, ya que de ese modo no se hubiese colado entre las ocho candidatas, así que en realidad es fácil pensar que Selma ofrece suficientes elementos para no compararla con el filme de Steve McQueen, aunque claro, luego nos encontremos en que es la única película nominada a la gran categoría sin sumar otras nominaciones (si no contamos la candidatura a mejor canción), decisión que pone ante sospecha a los académicos de Hollywood encargados de la selección.

La película se centra en el momento histórico en el cual el premio Nobel de la Paz Martin Luther King Jr. encabezó una marcha en Selma, Alabama, en favor del derecho a voto de las personas de raza negra. El domingo 7 de marzo, día en que partía la marcha pacífica que pretendía llegar a Montgomery en señal de protesta, las autoridades policiales causaron uno de los famosos domingos sangrientos mostrando alarde de su violencia autoritaria.

Si seguimos la actualidad de Estados Unidos, es fácil que nos demos cuenta de lo lentas que han ido avanzando las cosas en el país de la libertad, ya que muchas han sido las veces que este año hemos podido leer en la prensa las muertes en manos policiales que se han sucedido allí, siendo los fallecidos comúnmente de raza negra. De este modo es fácil adivinar los motivos por los que Selma se ha convertido en un reivindicado e imprescindible filme. La película echa mano de un hecho lejano para recordarnos los errores pasados, y alertarnos de la facilidad con la que nos podemos volver a desviar del camino correcto.

Contar el complejo entramado de una parte importante de la historia en un filme nunca ha sido una tarea demasiado sencilla, se corre el riesgo o bien de minimizar las cosas, de sacarlas de contexto o incluso de saturar al espectador con datos confusos. El guión de Paul Webb y Ava DuVernay, también directora de la película, resuelve muchas de esas pesquisas que pueden enturbiar la narración con facilidad y desaturan por completo cualquier elemento complejo para el espectador, que si sigue atento a los acontecimientos entenderá con facilidad el relato, y seguir atento a la absorbente historia que se nos cuenta en Selma es realmente fácil. Un crucial y a la vez crudo momento de la historia de la humanidad que se nos cuenta sin aspavientos ni trampas narrativas, con total sinceridad y un sentido fílmico grandioso.

DuVernay demuestra con su dirección la pasión con la que siente y vive su cine, y aunque nos topemos con una película medida, es fácil darse cuenta en muchos momentos como la directora de Los Ángeles siente verdadero amor por su relato mostrándonos como una cinta biográfica puede estar rodada también con entusiasmo y sin caer en los clasicismos. Sorprende que la academia no haya premiado a DuVernay con una merecida nominación y ha dejado que otros que han demostrado menor pasión han entrado de lleno en la quiniela, la sosa mano de Morten Tyldum con su The Imitation Game (2014) por citar alguno. De ahí que sea inevitable pensar que la mayoría de miembros de Hollywood son hombres blancos que superan los 60 años de edad, ¿casualidad?

Debo reconocer que sentí hastío y pocas ganas de adentrarme en la propuesta de DuVernay. Fui de los que pensó que no hacía falta un año más otro de esos filmes sobre el trato racial, y es que después de un año en que 12 años de esclavitud, El mayordomo ( Daniels' The Butler; Lee Daniels, 2013) o Mandela. Del mito al hombre (Mandela: Long Walk to Freedom; Justin Chadwick, 2013) sobrecargándonos las pantallas, era fácil sentir pereza de adentrarse una vez en el repetitivo (aunque esencial) mensaje. Pero debo reconocer que Selma no solo me ha sorprendido gratamente, si no que también me ha hecho sentir satisfecho. La película de DuVernay es una gran muestra de cine y de pasada un memorándum histórico esencial.

Por cierto, normal su nominación a mejor canción por Glory de Common y John Legend, una pequeña muestra de su estupenda banda sonora, que da un toque muy fresco gracias al tono contemporáneo a un filme de hechos históricos que no quiere ser encorsetado. Os dejo con ella:

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TÍTULO ORIGINAL Selma AÑO 2014 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Ava DuVernay GUIÓN Ava DuVernay, Paul Webb MÚSICA Jason Moran, Morgan Rhodes FOTOGRAFÍA Bradford Young REPARTO David Oyelowo, Tom Wilkinson, Tim Roth, Giovanni Ribisi, Cuba Gooding Jr., Common, Carmen Ejogo, Lorraine Toussaint, André Holland, Alessandro Nivola, Oprah Winfrey, Dylan Baker, Tessa Thompson PRODUCTORA Cloud Eight Films / Celador Films / Harpo Films / Pathé / Plan B Entertainment

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Histórico. Basado en hechos reales. Racismo. Años 60. Política

SINOPSIS

Retrata la lucha del político y activista Martin Luther King Jr. en defensa de los derechos civiles y se centra en la marcha desde Selma a Montgomery, Alabama, en 1965, que llevó al presidente Johnson a firmar la ley sobre el derecho al voto.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 2 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Globos de Oro: Mejor canción original - John Legend, Common ("Glory")
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: National Board of Review (NBR): Premio a la libertad de expresión
2014: Críticos de Los Angeles: Premio Nueva Generación
2014: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Critics Choice Awards: Mejor canción
2014: Críticos de Chicago: Nominada a Mejor actor (David Oyelowo)

CRÍTICA

+ "Con un guión inteligente, una impresionante fotografía, un montaje conciso y unas elegantes interpretaciones, la película representa un raro ejemplo de artesanía para reflejar una pieza de la historia profundamente conmovedora." (Stephen Farber: The Hollywood Reporter)

+ "La mirada de DuVernay a la marcha de Martin Luther King de 1965 a favor del derecho al voto contra la injusticia racial resulta relevante aquí y ahora. La emocionante y conmovedora interpretación de Oyelowo como King es excepcional. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "El afilado retrato que DuVernay hace del movimiento por los Derechos Civiles (...) es políticamente astuto y psicológicamente agudo (...) Reforzado por el guión bien documentado de Paul Webb y una interpretación principal de David Oyelowo elegante y majestuosa." (Scott Foundas: Variety)

+ "El brillo de la creación de la leyenda supera a lo personal (...) la mayor fuerza de la película de Ava DuVernay es detallar lo estratégico que fue el liderazgo de King (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Steve Rose: The Guardian)

+ "David Oyelowo está electrizante como Martin Luther King en la furiosa, valiente y demasiado oportuna narración de Ava DuVernay sobre la lucha de la América negra por los derechos civiles (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Tim Robey: Telegraph)

+ "Pocas veces he visto una película histórica que resultara tan poblada y llena de vida, tan atenta a los bucles de la narrativa que éstos traspasan la pantalla." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "'Selma' es una de las mejores películas norteamericanas del año, de hecho tal vez la mejor." (James Rocchi: The Wrap)

+ "DuVernay ha dado un gran servicio con 'Selma'. No sólo ha hecho una de las películas más poderosas del año, nos ha regalado un necesario recordatorio de lo que King hizo por este país" (Chris Nashawaty: Entertainment Weekly)

+ "Las notables interpretaciones de su estelar reparto (...) pueden ser razón suficiente para ver esta película. Pero su foco intelectual sobre un tema de gran carga emocional (...) la convierte en obligatoria (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Joe Neumaier: New York Daily News)

PUNTUACIONES

 

	7,5		6,8		7,7
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS

A pesar de contar con un par de propuestas algo más arriesgadas como eran el thriller El Niño (2014) del ya preseleccionado anteriormente Daniel Monzón con su Celda 211 (2009), o el drama romántico de calibre internacional -a pesar de ser producción más modesta- 10.000 KM. (Carlos Marqués-Marcet, 2014), este año la academia no sorprende al elegir una tragicomedia de aires sesenteros, dónde no faltan sus dosis de denuncia social, en un guión construido gracias a la historia real del profesor de inglés Juan Carrión Gañán, el cual instruía a sus alumnos a través de las canciones de The Beatles, y que tras una charla con John Lennon consiguió que el grupo inglés incluyera las letras de sus canciones en sus álbumes, algo que con el tiempo se ha convertido en práctica habitual para cualquier formación musical.

Antonio es un profesor de inglés que se toma un día libre para viajar a Almería dónde John Lenon está rodando una película y así poder hablar con él. Por el camino recoge a Belén, joven de 21 años que busca el modo de encarrilar su vida al sufrir un embarazo no deseado, y a Juanjo, un chico de 17 que escapa de su casa tas una discusión con su padre.

David Trueba construye una película suave y melancólica que nos habla sobre los caminos de la vida, sobre la amistad, y las buena emociones. Pero en su película, también se habla de temas de calibre más duro, de un carácter más social y didáctico, y por desgracia esa segunda parte no termina de encajar con la primera, y hace que nos topemos con una película de un calado emocional menor al que de entrada podría haber apostado.

Vivir es fácil con los ojos cerrados nos lleva a plena época franquista para crear un anacronismo premeditado, es decir, queriéndonos hablar del presente a través del pasado. Trueba nos muestra como la España franquista no ha desaparecido y sigue afectando a nuestros tiempos, por eso se atreve a aderezar su film con temas que hoy están a la orden del día en nuestro país: el aborto, la educación, el papel de la mujer en la sociedad, el abuso de poder... entre otros aspectos que se tratan con más sutileza en el filme. Todos ellos muy nobles, pero que no hacen más que emborronar la historia principal del filme, la que en realidad cuenta con la fuerza suficiente para aguantar el peso de una película por si sola, y es el viaje de ese profesor. Una lástima que Trueba haya apostado más por lo didáctico que por lo entrañable, sin duda hubiésemos gozado -salvando las distancias- con una versión española de Una historia verdadera (The Straight Story; David Lynch, 1999), y no con el popurrí que finalmente nos ha ofrecido, que aunque se ve con agrado y simpatía, es fácil darse cuenta de lo mal estructurado del filme.

Y no nos engañemos, parte de la gracia que salva el filme reside en ese protagonista que tan bien sabe Javier Cámara hacerse suyo, los entrañables momentos que vive el profesor, y los diálogos -que por suerte si son de nota- que Trueba escribe para él o el resto del plantel. Un plantel secundario que intenta sobresalir en la película, pero que parece que jamás alza el vuelo. No me atrevo a decir si es por unos personajes que mejor no se hubiesen escrito o por unos interpretes que no encajan en sus papeles.

En el filme se hace demasiado evidente la escasa dirección de actores, que por momentos no se esmeran ni en disimular su acento. Se nota en exceso el uso de clichés con el catalán agarrado, el andaluz tontorrón y de acento cerrado o el guardia civil con mala leche, por nombrar algunos. Y deja mucho que desear el uso que se le da al vestuario, que aunque esté bien escogido, se presenta en el filme como si este fuese un desfile de modelos. Poco importa si nuestros protagonistas cruzan el caluroso desierto, que los veremos bajar de su coche sin que ni una mota de polvo, ni una gota de sudor haya manchado sus planchados modelitos, sin que se hayan despeinado, o sin que tan siquiera se hayan ensuciado los bajos del automóvil. (Todavía más irrisorios son los cambios de ropa de la chica protagonista, con los cuales nos llegamos a preguntar como mete tanta ropa en esa pequeña maleta).

Es por eso que a pesar de que el filme nos deje al terminar con una agradable sensación nostálgica -y es eso sin duda lo que salva todo el metraje-, no tardemos en darnos cuenta rápidamente de todo aquello que la emborrona, y nos deja con el conocimiento de que Vivir con los ojos cerrados podría haber sido una mejor película.

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TÍTULO ORIGINAL Vivir es fácil con los ojos cerrados AÑO 2013 DURACIÓN 108 min. PAÍS España IDIOMA Español, algunas palabras en Inglés y Catalán DIRECCIÓN David Trueba GUIÓN David Trueba MÚSICA Pat Metheny FOTOGRAFÍA Daniel Vilar REPARTO Javier Cámara, Natalia de Molina, Francesc Colomer, Ramón Fontserè, Jorge Sanz, Ariadna Gil, Rogelio Fernández PRODUCTORA Canal+ España / Fernando Trueba Producciones Cinematográficas / Televisión Española (TVE)

GÉNERO Drama. Comedia

TEMÁTICA Comedia dramática. Años 60. Road Movie. Basado en hechos reales. Enseñanza. Música

SINOPSIS

Antonio (Javier Cámara) es un profesor que utiliza las canciones de The Beatles para enseñar inglés en la España de 1966. Cuando se entera de que su ídolo John Lennon está en Almería rodando una película, decide viajar hasta allí para conocerle. En su ruta recoge a Juanjo (Francesc Colomer), un chico de 16 años que se ha fugado de casa, y a Belén (Natalia de Molina), una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo.

PREMIOS

2013: 6 Premios Goya, incluyendo mejor película, director y actor (Cámara). 7 Nom.
2013: Festival de San Sebastián: Sección oficial de largometrajes a concurso
2014: Seleccionada para representar España en los Oscar

CRÍTICA

+ "Trueba, y ahí el mérito de la cinta, reconstruye sin el más mínimo pudor, sin coartadas académicas y, lo más importante, con total precisión, lo que queda cuando ya se ha olvidado todo." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Sobreviviendo con gracia a la caspa. (...) contada por David Trueba con arte, sutileza, emoción y gracia. (...) [Javier Cámara] hace un trabajo espléndido" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Reivindica David Trueba el derecho al relato de buen rollo y la evocación del pasado, si no idílica, sí bañada en risueña melancolía. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Ricardo Aldarondo: Fotogramas)

+ "Casi todo es creíble, auténtico, soñador, honesto y franco en este notable filme (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Javier Cortijo: Cinemanía)

+ "Película luminosa y cargada de carisma, excéntrica mezcla de road movie y western errante con chamán en el punto de destino, a la que no le hubiese venido mal algún contrapunto amargo" (Jordi Costa: Diario El País)

= "Lo más sorprendente de esta «road movie» es su energía positiva, que, por desgracia, se traduce en un tono didáctico y previsible (...) el resultado se queda a medias" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "El trabajo de Javier Cámara es homérico, trascendental y «contamina» todo lo demás (...) con qué lucidez y sentido del humor desenmascara David Trueba el empeño de reunir en una idea dos conceptos imposibles, memoria e historia (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

PUNTUACIONES

 

	6,0		6,5		7,0
NOTA MEDIA: 6,5

TRAILER

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