CAROL

Aprovechando que estos días se están celebrando las fiestas del orgullo LGTBIQ retomamos el blog con un filme idóneo a las reivindicaciones de estos días. Película de 2015 -y a mi parecer una de las mejores obras del año- dirigida por Todd Haynes,  protagonizada por Cate Blanchett y Rooney Mara, y basada en la obra homónima de Patricia Highsmith, Carol.

Ambientada en los años 50 se nos presenta a la joven Therese, una muchacha que trabaja como dependienta mientras fantasea con una vida mejor dedicada a una de sus aficiones, la fotografía. Un buen día conoce a la refinada Carol, una mujer que vive en un matrimonio infeliz y forman rápidamente una profunda amistad que desencadenará en una relación intensa que cambiará sus vidas por completo.

Los que conozcáis a Haynes con anterioridad reconoceréis rápidamente la relación de Carol con uno de sus anteriores filmes: Lejos del cielo (Far from Heaven, 2002), un melodrama también ambientado en la década de los 50 y con la feminidad como bandera, en la que además se nos mostró también la represión que la homosexualidad vivía en la época. Las similitudes no son para nada casuales, pues el director decide volver a sus viejos tormentos narrativos aupado por un éxito que le sirve como garantía de éxito.

Existen varios elementos que convierten a Carol en una obra imprescindible. Por un lado nos encontramos con la estupenda dirección y el montaje, que junto a la fotografía se conjugan basándose en la obra de Saul Leiter, artista cuya obra se centra en la fotografía de calle y la pintura. Los colores, reflejos y ambientes creados en el filme beben directamente de la obra de Leiter, y cubren a las protagonistas de melancolía y de imposibilidad, siempre escondidas tras un cristal que les impide ser ellas mismas. Es evidente que Leiter no es la única influencia para Haynes, ya que fácilmente podemos identificar a otros artistas como Edward Hopper, que hacen de Carol una obra en conversación constante con el arte.

Por otra parte, la otra pieza imprescindible del filme son sus dos protagonistas, dos actrices que nos regalan sin lugar a dudas dos de sus mejores interpretaciones, especialmente para Mara, que es la mejor de su carrera, algo más complicado para alguien de la talla de Blanchett, que ya nos ha regalado un buen puñado de papeles perdurables. Ambas se encargan de tejer con sus actuaciones un texto difícil de concebir solo en diálogos, y aunque estos son una maravilla son los silencios, los gestos y las miradas los que nos adentran en profundidad a la intensidad del relato. Especialmente las miradas, capaces de erizarnos la piel entendiendo muy bien y de un solo golpe la amalgama de emociones que esconden estas dos mujeres.

Solo me queda destacar la excelente banda sonora de Carter Burwell, que es sin duda la guinda del pastel.

Carol es un filme que perdura y que si nos regalamos más de un visionado termina por enamorarnos por completo. Una maravilla fílmica.

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TÍTULO ORIGINAL Carol AÑO 2015 DURACIÓN 118 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Todd Haynes GUIÓN Phyllis Nagy (Novela: Patricia Highsmith) MÚSICA Carter Burwell FOTOGRAFÍA Edward Lachman REPARTO Cate Blanchett, Rooney Mara, Sarah Paulson, Kyle Chandler, Jake Lacy, Cory Michael Smith, Carrie Brownstein, John Magard, Kevin Crowley, Gielreath, Ryan Wesley Gilreath, Trent Rowland, Jim Dougherty, Douglas Scott Sorenson, Nik Pajic PRODUCTORA Film4 / Killer Films / Number 9 Films

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Años 50. Homosexualidad. Drama romántico. Melodrama. LGBTIQ

SINOPSIS

Nueva York, años 50. Therese Belivet (Rooney Mara), una joven dependienta de una tienda de Manhattan que sueña con una vida mejor, conoce un día a Carol Aird (Cate Blanchett), una mujer elegante y sofisticada que se encuentra atrapada en un matrimonio infeliz. Entre ellas surge una atracción inmediata, cada vez más intensa y profunda, que cambiará sus vidas para siempre.

PREMIOS

2015: Premios Oscar: 6 nominaciones incluyendo mejor actriz (Cate Blanchett)
2015: Globos de Oro: 5 nominaciones incluyendo mejor película drama y director
2015: Festival de Cannes: Mejor actriz (Rooney Mara)
2015: Premios BAFTA: 9 nominaciones, incluyendo Mejor película
2015: Premios David di Donatello: Nominado a mejor film extranjero
2015: Premios Guldbagge (Suecia): nominada a mejor película extranjera
2015: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2015: Premios Spirit Awards: Mejor fotografía. 6 nominaciones
2015: Critics Choice Awards: 9 nominaciones incluyendo mejor película y director
2015: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor film, director, guión y fotografía
2015: Críticos de Los Angeles: Mejor banda sonora
2015: British Independent Film Awards (BIFA): nom. mejor película intern. independiente
2015: Sindicato de Actores (SAG): Nom. actriz (Blanchett) y actriz sec. (Mara)
2015: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado
2015: Premios Gotham: Nominada a Mejor película, guión y actriz (Cate Blanchet)
2015: Satellite Awards: Mejor banda sonora. 5 nominaciones
2015: Asociación de Críticos de Chicago: 6 nom. incluyendo Mejor película

CRÍTICA

+ "Cada plano, siempre de una exactitud abrumadora (...) Cada secuencia, sencillamente, vibra. (...) Es una película inmensa en su perfección; deslumbrante hasta el agotamiento." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una obra maestra total y absoluta que narra la historia de amor entre Cate Blanchett y Rooney Mara, ambas sublimes (...) Ovación general [en Cannes 2015], y lágrimas de este cronista." (Philipp Engel: Fotogramas)

+ "Si la narrativa de Haynes te deja con la boca abierta, las maravillosas interpretaciones de Cate Blanchett y de Rooney Mara están al mismo nivel. Es una película con tanto estilo como verosimilitud, la crees y la sientes" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Haynes consigue un extraño milagro –dar la impresión de que no falta ni sobra un plano en todo el metraje–, hay que añadir un asombroso trabajo del punto de vista (...) desde ya un referente ineludible del melodrama contemporáneo." (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Dos enormes actrices (...) La puesta en escena y la piel de la película son de una elegancia inmensa (...) no se asoma a la pantalla ni el menor síntoma de algo que no sea buen gusto, sensibilidad y grandes pasiones" (Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "'Carol' es estética, pero también ética. Es gran cine. Es amor y pasión. Es Sirk, redivivo y actualizado." (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Un verdadero y precioso regalo. (...) Resulta difícil atrapar en palabras la belleza dura pero delicada de un filme como 'Carol' (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Quim Casas: Diario El Periódico)

+ "Es una obra cremosamente sensual, espléndidamente observada, generosamente detallada y amueblada (...) Entré en un trance viéndola -y aún no he salido del todo de él- (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "'Carol' es magnífica, ligeramente innovadora (...) con una melancolía muy de mediados de siglo, entendiendo el amor como la apuesta más arriesgada pero más necesaria en la experiencia de cualquiera. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Tim Robey: Telegraph)

+ "Al mismo tiempo ardiente y analítica, cerebral y embriagadora, 'Carol' es un estudio de la atracción humana, desde la física y la óptica de Eros (...) una sinfonía de ángulos y miradas, de colores y de sombras" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Hecha de cristal y lágrimas reprimidas, filmada constantemente a través de ventanas, espejos y puertas medio-cerradas (...) 'Carol' es una historia de amor que comienza en un goteo, se hincha poco a poco en un torrente, y finalmente estalla en la orilla de tu corazón." (Jessica Kiang: Indiewire)

=  "La cinta posee varias virtudes, cada plano está provisto de belleza, (...) Todas las piezas se ensamblan para contar una historia de amor y pasión; sin embargo, sientes que ya habías visto una obra similar con el mismo director." (Adrián Ruiz Villanueva: Diario Excélsior)

PUNTUACIONES

 

	9,0		7,0		7,2
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

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LA NOVIA

Ya hace unos días que tenemos anunciados los candidatos de la academia española de este año para la que es la ya 30 edición de los premios Goya. Esta vez destacan por encima del resto 6 películas: con seis nominaciones Truman (Cesc Gay), A cambio de nada (Daniel Guzmán), Un día perfecto (A Perfect Day; Fernando León de Aranoa) y El desconocido (Dani de la Torre), la única que no ha entrado en la categoría de mejor película. Con nueve nominaciones la cinta de Isabel Coixet Nadie quiere la noche (Nobody Wants the Night) y la sorpresa de la edición, La novia, dirigida por Paula Ortiz y candidata a nada menos que 12 premios además de muchas opciones a ser la ganadora del mayor galardón.

Basándose en la obra Bodas de Sangre (1931) que escribió Federico García Lorca a raíz del famoso crimen de Nijar. Se nos narra la historia de una novia que debe casarse con su novio mientras ésta está enamorada de Leonardo. Las tensiones familiares aumentan cuándo las dudas crecen sobre ella, especialmente cuándo conocemos el sangriento pasado familiar de ambos hombres.

Adaptada en varias ocasiones –la primera en 1938 por Edmundo Guibourg con una de las musas de Lorca como protagonista, Margarita Xirgu; en 1976 en una producción marroquí que adaptó la acción al desierto de Marruecos; y en 1981 en un musical dirigido por Carlos Saura y que obtuvo el premio de los críticos de Nueva York-, Bodas de sangre es un poético, intenso y trágico melodrama sobre la venganza, la muerte y el amor como antídoto a esta última. Paula Ortiz se atreve con una nueva versión mucho más visual y poética, intentándose acercar mucho más a la esencia lorquiana que las versiones anteriores.

Lo primero que llama la atención en La novia es la belleza de sus imágenes, Ortiz junto a su director de fotografía Migue Amoedo crean unos planos de una magnificencia poética que, al son de una puesta en escena teatral y unas localizaciones de un misticismo único, son en si mismos puro lirismo. Todo el metraje está orquestado de tal modo que no existe instante que no esté totalmente milimetrado, y en cada momento quedaremos sorprendidos por la fuerza de su imagen, algo que también se mantiene gracias al montaje del filme. Escenas sorprendentes como la danza alrededor del fuego, tan intensa como el texto original, el paseo de la ceremonia hasta el caserío donde se realiza el convite, dónde las escenas nos recuerdan a un Bergman de sombras en color, o las cabalgatas llenas de fuerza, por nombrar algunas de ellas.

De ese modo ya podemos darnos cuenta de las intenciones de Ortiz por acercarse a la pureza de la obra de Lorca siendo lo más fiel posible a su esencia, algo que seguimos viendo desde el momento que uno de los personajes lanza sus primeros diálogos. El estilo que utilizan los actores es una mezcla en verso -bebiendo del original- con toques más adecuados al marco cinematográfico, aunque eso no impide que la sensación que impera constantemente sea teatral, uno de los puntos flacos a mi parecer, ya que con un estilo así pierde la fuerza narrativa como filme. Lo que si que se consigue con ello es tener unas interpretaciones sinceras y potentes. Con una puesta en escena que quita el hipo todo el reparto da lo mejor de sí, en especial el sector femenino que, encabezado por una matriarca Luisa Gavasa, pasando por la protagonista Inma Cuesta y una nota especial por su papel secundario a Leticia Dolera (actriz que a pesar de no tenerle simpatía me ha impresionado en esta ocasión), consiguen que nos creamos esos textos con tan solo lanzarnos una mirada. Impresionantes.

E igual de impresionantes son las localizaciones, pues gracias a un estilo algo distópico, el filme se cierra bajo un componente mágico que ha sabido sintetizar-se muy bien con una historia de bases melodramáticas. Y de diez es su banda sonora en la que el sonido nos cuenta aquello que las palabras no pueden, una vez más acercándose a la simbología que conjugada intenta acercarse a lo que Lorca escondía detrás de sus textos, y una música maravillosa, imposible de superarse.

Pero a pesar de todas las maravillas artísticas de esta nueva adaptación, el distanciamiento emocional se dispara enormemente no tan solo por esa teatralidad impreante, si no por la incapacidad de entender del todo algunos de los conceptos que Lorca siempre ha utilizado en sus obras. Cambios sutiles que bajo una orden más artística, se olvidan de la importancia de algunos elementos, como el cambio de las navajas por cristal, la luna, que aunque está más que presente durante el filme, no se termina de integrar en el relato, ya que dado el importante papel que tiene en Bodas de Sangre, en ésta ocasión pasa a un plano más místico. Igual que el cambio sutil del final, un final que no esconde su previsibilidad, si no que busca que el espectador lo comprenda desde el inicio, pero que pierde una vez más toda la fuerza emocional de las ideas del autor granadino. Y ya no hablo del clímax previo, que está excesivamente mal encajado.

Es por eso que aunque La novia sea un filme con elementos sumamente hermosos y que ellos por si solos son suficiente para quedar satisfecho con la película, se echa en falta una mayor implicación emocional final, no es bueno que una película de una carga simbólica tan necesaria se termine con un tono tan frío que pierda todo lo ganado por el camino.

A pesar de ello el filme está gustando mucho, y no me extrañaría que terminase por convertirse en la galardonada por la academia española a mejor película, es una cinta arriesgada y ya solo por eso merece mucho reconocimiento.

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TÍTULO ORIGINAL La novia AÑO 2015 DURACIÓN 93 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Paula Ortiz GUIÓN Paula Ortiz, Javier García Arredondo (Obra: Federico García Lorca) MÚSICA Shigeru Umebayashi FOTOGRAFÍA Migue Amoedo REPARTO Inma Cuesta, Asier Etxeandia, Álex García, Luisa Gavasa, Carlos Álvarez-Novoa, Ana Fernández, Consuelo Trujillo, Leticia Dolera, María Alfonsa Rosso, Manuela Vellés, Mariana Cordero, Carmela del Campo, Álvaro Baumann, Anchel Pablo PRODUCTORA Get In The Picture Productions / Mantar Film / TVE (Televisión Española)

GÉNERO Romance. Drama

TEMÁTICA Drama romántico. Melodrama. Bodas. Venganza. Vida rural

SINOPSIS

Adaptación de "Bodas de sangre", de Lorca. Desde pequeños, Leonardo, el novio y la novia han formado un triángulo inseparable, pero cuando se acerca la fecha de la boda las cosas se complican porque entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que amistad. La creciente tensión entre ambos es como un hilo invisible que no se puede explicar, pero tampoco romper.

PREMIOS

2015: Premios Goya: 12 nominaciones incluyendo mejor película
2015: Premios Feroz: 9 nom., incluyendo mejor película drama, director y actriz
2015: Premios Gaudí: 4 nominaciones incluyendo mejor película en lengua no catalana

CRÍTICA

+ "Ni un milímetro de la película está ahí con otro objetivo que no sea arrasar (...) Su intención es negar al espectador la capacidad de respirar. (...) Más Lorca que el propio Lorca. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Es grandilocuente y aparatosa. También valiente. (...) pese a sus desperfectos, demasiados, la poética nobleza de los textos sigue ahí, y algunas grandes interpretaciones (...) Aunque solo sea por eso, y por el acontecimiento, 'La novia' también es imprescindible. Y luego decidan."(Javier Ocaña: Diario El País)

= "El envoltorio de ese pasional y letal triángulo es fastuoso, hipnótico, aunque también previsible (...) Inma Cuesta lo borda (...) En fin, a Lorca le gustaría, y a los lorquianos, también. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Paula Ortiz afronta un osado desafío que supera con creces. (...) Un torrente de imágenes sugerentes que no dan respiro al espectador que acepta desde el principio un impacto emocional estructurado con gran inteligencia." (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

+ "Un cóctel de sensaciones al límite dotado de una belleza plástica arrebatadora y que se mueve entre la línea floja entre el delirio catártico y el éxtasis visual. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Beatriz Martínez: Diario El Periódico)

+ "Para los que aprecian la belleza más sublime. (...) Lo mejor: su exquisita adaptación. Lo peor: su formalismo estético no gustará a todo el mundo. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas)

+ "Todo en 'La Novia' es perfecto, aunque eso a ratos juegue en contra de la emoción. (...) A veces la intensidad es tal que la película, milagrosamente, se convierte en poesía. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,4		7,1
NOTA MEDIA: 7

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JENNIE

Jennie, conocida también como El retrato de Jennie, es una indiscutible obra maestra de la década de los cuarenta, a pesar de ello es de las menos conocidas, y es por eso que hoy me permito el lujo de reseñarla, no vaya a ser que tú, que lees estas lineas, seas uno de los que todavía no ha descubierto esta pequeña joya del cine.

Eben Adams es un pintor que malvive malvendiendo alguna de sus pinturas. Un buen día, en un paseo vespertino en Central Park, conoce a una joven muchacha de nombre Jennie de lo más excéntrica que llama poderosamente su atención. Tras un divertido rato con ella el hombre se inspira haciendo un boceto de la chiquilla que plasma muy bien lo mejor del artista. En un nuevo encuentro con ella decide proponerle que pose para él para hacer un retrato, pero algo ha cambiado en Jennie, parece más adulta, y la atracción hacía ella empieza a convertirse en amor. Eben no conoce en realidad el secreto de Jennie.

William Dieterle dirige esta maravillosa película de brillante y original guión elaborado por Paul Osborn y Peter Berneis, a su vez adaptando la novela homónima de Robert Nathan, que cuenta con una historia de lo más sorprendente en cuanto a argumento. Una obra de realismo mágico que bien podría desmoronarse en cualquier momento, pero que en el filme de Dieterle se conjuga como solida y llena de pasión. El entorno del filme se construye bajo las licencias del cine romántico, pero con dosis de fantástico que pueblan la película de un ambiente onírico absolutamente brillante y eficaz.

El filme nos habla de la obsesión de un artista por encontrar el verdadero camino para lograr expresarse plenamente a través de su arte, y de la magia de las musas, encarnadas en el filme en la figura de Jennie, una chica que juega un papel imprescindible en el filme y que se convierte en un ser medio real medio ficticio que se presta al papel inspirativo de un artista. La presentación de este personaje y de la romántica obsesión del protagonista por ella, se gesta en un relato absorbente y atractivo del que es difícil no quedar prendado. Es quizás el punto más edulcorado (aunque en algunos planteamientos sea una cinta muy adelantada a su tiempo) el que puede enturbiar un poco su desarrollo, pero hay que reconocer que sus estrategias de relato espiritual llevan la cinta por la mejor de las sendas.

Uno de los elementos más acertados, y que se convierte en una herramienta totalmente imprescindible para su éxito, es el uso de la fotografía. En su arranque, su director de fotografía Joseph H. August, apuesta por unas imágenes donde los tonos grises logran que las localizaciones del filme se conviertan en algo fantasmagórico y onírico, muy en sintonía con lo que estamos a punto de ver. Las texturas son granuladas, y se presentan en la pantalla unas imágenes que fácilmente nos recordarían a una pintura. Pero poco a poco, siguiendo el avance de su protagonista, el tono se hace cada vez más claro, y esas tonos turbulentos se quedan solo para anticiparnos la fantasmagórica presencia de esa extraña muchacha llamada Jennie. A medida que nos acercamos al punto más álgido del filme, poco nos esperamos la abrupta evolución que va a sufrir la imagen, pues August se atreve con los filtros más básicos para dar un color verde o rosado a algunas escenas finales, logrando un tono todavía más onírico y a la vez arrollador con el espectador, que explosiona como una tormenta que nos deja realmente enganchados en la butaca. No hay que olvidar que estamos hablando de un filme de los años 40, época en que el color y el blanco y negro compartían a partes iguales la cuotas en las salas de cine. En ese aspecto, Jennie, es una película de una experimentación sin limites, y con un final digno de elogio, pues a día de hoy todavía sorprende su trato y deja latente uno de los conceptos básicos del filme: la perdurabilidad del buen arte, que no se ve afectado por el paso del tiempo.

Maravillosa, así hay que definir esta película imprescindible. Así que tenéis una cita con Jennie, esa gran chica que llena el alma de nuestro protagonista.

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TÍTULO ORIGINAL Portrait of Jennie AÑO 1948 DURACIÓN 86 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN William Dieterle GUIÓN Paul Osborn, Peter Berneis (Novela: Robert Nathan) MÚSICA Dimitri Tiomkin FOTOGRAFÍA Joseph H. August (B&W) REPARTO Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne, Albert Sharpe, Henry Hull, Florence Bates, Felix Bressart, Clem Bevans, Maude Simmons PRODUCTORA Selznick International Pictures

GÉNERO Drama. Romance. Fantástico

TEMÁTICA Drama romántico. Pintura. Arte. Sobrenatural. Fantasmas. Realismo mágico

SINOPSIS

Un pintor arruinado y abatido por haber perdido la inspiración conoce, un frío día de invierno, a una chiquilla en Central Park vestida de un modo anticuado. A partir de ese momento se suceden otros encuentros, con la particularidad de que en breves intervalos de tiempo la chica se va convirtiendo en una bellísima joven, de la cual el pintor se enamora. Pero Jennie esconde un secreto…

PREMIOS

1948: Oscar: Mejores efectos especiales. 2 nominaciones
1949: Festival de Venecia: Mejor actor (Joseph Cotten)

CRÍTICA

+ "Cuando se tiene talento, hasta el argumento más inverosímil puede servir para rodar una pequeña obra maestra. Apoyándose en la solidez de unas interpretaciones increíblemente creíbles y en la magnificencia de una fotografía que combina magistralmente dos registros opuestos, Dieterle combina con sabiduría el registro realista con el fantástico, para ofrecer un peculiar cuento de hadas que cautiva por su lirismo, su fuerza y su romanticismo." (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)

+ "Cuento de hadas inteligente, extraño, inolvidable." (Antonia Méndez: Alohacriticón)

+ "Película extraña, misteriosa, evocadora, en donde se da esa única conjunción de magia y perfección artística que ocurre pocas veces en el cine." (Natalia Vías: Miradas de cine)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,8		7,8
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

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10.000 KM.

Entregados quedan los premios Gaudí de la academia catalana de cine en un año escaso en producciones, pero de buena calidad, aunque pocas apuesten por el idioma del territorio. De este modo 10.000 km. ha quedado como la película ganadora a mejor película catalana de habla no catalana, aunque oficialmente (debido a la nada necesaria separación lingüística) sea Rastres de sàndal (Rastros de sándalo) (Maria Ripoll, 2014) la que ostente oficialmente el título de mejor producción, por cierto una sorpresa al reventar todas las quinielas que apuntaban a la excéntrica Stella Cadente (Lluis Miñarro, 2014) como favorita, y que se ha tenido que conformar con la mejor dirección artística y mejor vestuario. Completa el grupo de grandes vencedoras El niño (Daniel Monzón, 2014), que se postula como la película con más premios con un total de siete galardones.

Alex acaba de conseguir una beca para ir a Los Ángeles a trabajar en un proyecto fotográfico, una buena noticia a pesar de que deberá dejar Barcelona por un tiempo y separarse de Sergi. Ambos eran ya una pareja consolidada en busca de su primer hijo, pero la separación temporal de los dos hará tambalear los cimientos de la vida que juntos habían construido.

Carlos Marques-Marcet decide arriesgarse con un género muy explotado y poco agradecido en los circuitos más críticos como es el romántico, para contarnos la historia de una deconstrucción amorosa afectada por el espacio, algo que de entrada podría parecer muy visto, pero que aplicado a las relaciones de hoy en día se convierte en un análisis fresco y novedoso, que queda lejos de la repetición de clichés. 

Lo mejor del filme de Marques-Marcet es sin duda la realización del mismo, que funde la idea del guión que escribe junto a Clara Roquet en las imágenes. Así ya de entrada podemos ver a través de un largo plano secuencia la relación de la pareja durante un día cualquiera, dónde a pesar de quedar separados por paredes y tabiques se consolida como eterna, gracias a ese conjunto llamado hogar que tan bien queda reflejado con la ayuda de la cámara. De este modo las barreras arquitectónicas impiden resquebrajar esa relación que la cámara une, y aunque ellos se encuentren en estancias separadas conseguimos verlos juntos, sin nada que rompa sus lazos.

Una vez Alex abandona su hogar, la realización no cambia del todo, seguiremos viendo como la pantalla partida, esta vez no por paredes, si no por pantallas de un ordenador, sigue centrándose en la relación de esta pareja ya separada por el espacio e incluso ese delay temporal que es la zona horaria. Entonces Marques-Marcet se centra en construir dos planos dentro de uno mismo, en el que podemos ver a uno de ellos dentro de otra pantalla, en un ejercicio metafílmico que resume muy bien las relaciones de hoy en día, aunque estas no se vean afectadas por el espacio como les ocurre a los protagonistas. Poco a poco, las pantallas empiezan a verse separadas, la definición cambia, y al igual que crece el deterioro emocional, crece esa distancia en el marco, algo que de entrada no habíamos visto tan directamente, y que resume muy bien la paulatina separación sentimental, y el crecimiento de las dificultades que ofrece una relación a distancia, dónde lo físico desaparece por completo.

Sin lugar a dudas es un acierto que la historia se centre en la relación de los dos personajes, sin dejar que los detalles superfluos empañen la dirección del guión. Poco veremos de los momentos que no implican hablar de la relación, por lo que nos convertimos en espectadores directos de ese emocional deterioro que se nos presenta. Solo aquellas cosas que afecten directamente el quid de la cuestión son la que nos son mostradas, sin dejar lugar para cualquier artificio.

Es cierto, que este modo de contar una historia puede convertir 10.000 km. en un filme algo pesado, pero si conseguimos conectar con él (algo no muy dificultoso) es fácil que superemos esa barrera del tono. Si lo logramos nos sentiremos satisfechos con un desenlace realmente brillante, en el que se apuesta por un efecto totalmente realista y que dinamita directamente sobre nosotros dejándonos enganchados en la butaca.

Sin la ayuda de David Verdaguer, actor normalmente relacionado con la comedia, y la internacional Natalia Tena, el filme no hubiese sido lo mismo. El dúo de actores, que además han sido ambos premiados en un acierto por parte de la academia catalana, ofrecen un registro interpretativo de altura, en la que ambos saben transmitirnos las inquietudes de sus personajes, y no precisamente con las palabras, que en momentos así pueden intentar convencernos de cosas que realmente no son ciertas, si no por sus pequeños gestos, miradas e incluso pensamientos, que nos los transmiten con total claridad, ofreciendo una gamma emocional amplia y que realmente nos alcanza.

Es entonces de justicia que 10.000 km. se postule como la mejor cinta catalana de este 2014, ya que es sin duda una obra arriesgada, cercana y llena de vigor. Un cine que hace falta en nuestro entorno, y que es capaz de llegar a una gamma de público de lo más amplia. Ahora solo queda esperar que en los Goya repita el éxito, y el filme logre hacerse suyas las tres nominaciones noveles por las que compite: actor, actriz y dirección.

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TÍTULO ORIGINAL 10.000 km. AÑO 2014 DURACIÓN 98 min. PAÍS España IDIOMA Español, Catalán, Inglés DIRECCIÓN Carlos Marqués-Marcet GUIÓN Carlos Marqués-Marcet, Clara Roquet FOTOGRAFÍA Dagmar Weaver-Madsen REPARTO Natalia Tena, David Verdaguer PRODUCTORA Lastor Media / La Panda

GÉNERO Romance. Drama

TEMÁTICA Drama romántico

SINOPSIS

Alex y Sergi, una sólida pareja de Barcelona, acaricia la idea de tener un hijo, pero, inesperadamente, Alex consigue una beca de un año en Los Ángeles, lo que supondría un año de relación a 10.000 Km de distancia

PREMIOS

2014: Premios Gaudí: Mejor película de habla no catalana, mejor dirección, mejor actor (David Verdaguer), mejor actriz (Natalia Tena), mejor guión
2014: Premios del Cine Europeo: Nominada a European Discovery - mejor ópera prima
2014: Premios Goya: 3 nominaciones incluyendo Mejor director novel
2014: Festival de Málaga: 5 premios: Mejor película, mejor actriz (Natalia Tena), mejor dirección, mejor guión novel, y premio especial del jurado de la crítica.
2014: Festival SXSW de Austin: Mejor actor y Mejor actriz
2014: Premios Feroz: 6 Nominaciones, inc. Mejor película drama, director, actor y actriz.
2014: Premios CEC: 3 Nominaciones, inc. Mejor director revelación, actor revelación y actriz revelación.
2014: Premios Forqué: Nominada a mejor actriz (Natalia Tena)

CRÍTICA

= "Tiene su particular talón de Aquiles en el corsé expresivo que centra el grueso de su metraje. (...) El desenlace (brillante, sutil, complicado en su aparente sencillez) cierra, no obstante, el discurso en alto" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "La autopsia a una relación tan cercana y tan lejana a un tiempo (...) La pareja protagonista es espléndida (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Una película de planteamiento aparentemente sencillo pero de larguísimo alcance. (...) un relato emocionante y doloroso (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Álex Montoya: Fotogramas)

+ "Si en 'Her' Spike Jonze esquivaba la plasticidad de la tecnología con un futuro antiguo e inalámbrico, '10.000 KM' prefiere zambullirse en ella hermanando con brillantez su forma y su fondo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,6		6,9
NOTA MEDIA: 6,8

TRAILER

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SUSURROS DEL CORAZÓN

A pesar de que nos haya pillado a todos por sorpresa, el cierre "temporal" de los estudios Ghibli iba siendo ya una muerte anunciada. Y no solo por la despedida de sus figuras más importantes, si no por los ya conocidos problemas financieros de la empresa. De todos modos hay que matizar, Toshio Suzuki ya se ha encargado de dejar las cosas claras, Ghibli no cierra, sólo hace un parón para reestructurarse y volver a empezar. Aunque sus palabras sean algo esperanzadoras la realidad ahora mismo es que el estudio deja de hacer películas, y nos deja pendientes de un hilo. Todavía nos quedan tres de sus películas por llegar a España, quien sabe si mientras esperamos que estas aparezcan empieza la producción de un nuevo trabajo que sea la cabecera de la nueva era de Ghibli. Mientras tanto voy a dedicar hoy el espacio a reseñar una de las películas que todavía tengo aquí pendientes del estudio japonés. Toca Susurros del corazón, primer largometraje del estudio que no fue dirigido ni por Miyazaki ni Takahata (en realidad el segundo, ya que la primera ocasión fue con Puedo escuchar el mar [Umi ga kikoeru; Tomomichi Mochizuki, 1993], aunque fuese un metraje para televisión), la película corrió a cargo del tristemente fallecido Yoshifumi Kondo, siendo esta su único legado cinematográfico como director. Con ella Ghibli se lanzaba a experimentar con nuevos realizadores, para empezar a crear una cantera de buenos sucesores para cuándo faltara el trío fundador, por eso Susurros del corazón es una de las pequeñas muestra de esperanza que el estudio nos ha ido dando a lo largo del tiempo, y que demuestra como siempre ha sabido irse adaptando al paso del tiempo.

Shizuku es una joven estudiante enamorada de los libros. Un día se da cuenta que todos los libros que coge prestados de la biblioteca ya han sido leídos anteriormente por un tal Seiji Amasawa. La joven no puede contener su curiosidad e intenta adivinar quién puede ser ese misterioso lector con similar gusto por la lectura. En su búsqueda llega a un joven que también tiene una pasión: fabricar violines de madera artesanalmente.

Con guión del propio Miyazaki, nos encontramos con una de las películas del estudio que abandona el fantástico para adentrarse en una historia dónde no hay cabida para seres fabulosos. Pero lo más curioso, es que dada esta premisa, nos topamos también con una de las películas que mejor explora la fantasía, una paradoja en toda regla que se entiende fácilmente al conocer la soñadora protagonista del filme, algo así como una semilla del último protagonista de Miyazaki, Jiro, el ambicioso ingeniero aeronáutico de El viento se levanta (Kaze tachinu; 2013) -otra película que sabe aprovecharse muy bien de la fantasía vista desde la realidad-.

Ese realismo se hace todavía más certero al darnos cuenta del mimo de los detalles que Kondo emplea para su película. Si bien todas las películas han sido muy cuidadas en detalles, Susurros del corazón es el mayor ejemplo de dedicación en ese sentido. No solo podemos hablar de los detalles animados, dónde los decorados y entorno dónde aparecen los protagonistas llegan a parecer una fotografía pintada, si no también de la interacción con este entorno que tienen los personajes, dónde ponerse unos zapatos, o apagar una luz desde la cama, requiere un tiempo especifico o una dificultad concreta, y esos detalles que parecen casi invisibles van conduciendo a la película hasta un realismo tan extremo que es imposible que no explosione con el imaginario que en realidad esconde.

La película se centra en la época de maduración de una niña que sin darse cuenta deja de serlo, en este camino aprende a ir identificando y descubriendo las diferencias entre el mundo adulto y el de un infante, además de encontrarse de frente con los duros obstáculos tan comunes no solo en la maduración, si no en la vida adulta. Aunque para ello se pueda llegar a emplear algo tan tópico como el amor de instituto, rápidamente nos damos cuenta que el argumento del filme no gira entorno a esa idea y aunque lo use como un elemento más de su estructura en ningún momento se convierte en base para construir el avance psicológico de la joven Shizuku.

En esta etapa de maduración no pueden faltar las inquietudes del futuro, y las verdaderas aspiraciones por las que se quieren luchar, así Shizuku empieza a apartarse poco a poco de los estudios para reflexionar sobre hacia dónde quiere conducir su vida. De este modo apuesta por una de sus pasiones, los libros, y la muchacha no duda en ponerse a escribir su propia historia, un cuento fantástico dónde si darse cuenta irá introduciendo elementos de su vida real. Son sin duda los momentos que Shizuku dedica a su historia los que nos conducen por esa ambivalencia de la fantasía, dónde si en la ficción los gatos hablan y las figuras de cerámica cobran vida, veremos como en la realidad algo similar podría ocurrir.

Es fabuloso acompañar a Shizuku en este camino, ya que es verdaderamente sencillo sentir una empatía con ella, dado que nosotros en algún momento también habremos pasado por esa fase de preguntas sin respuesta, de caminos angostos, y de quebraderos de cabeza. Sin duda alguna la película avanza concienzudamente sin dejarse llevar por el énfasis, tiene claro lo que nos quiere contar, y no va a preparar ninguna trampa para ello, solo se suelta, se deja llevar por sus lineas y nos lleva hasta el final, dejándonos completamente maravillados por la madurez de las decisiones que se presentan en ella. La historia es clara, la madurez y el alcanzar nuestros sueños no es nunca un camino de rosas.

Es imposible hablar de esta película y no escribir ni que sea una linea sobre su peculiar banda sonora, en especial a su tema central. Si Ghibli nos tiene acostumbrados a maravillosas bandas sonoras inéditas, en Susurros del corazón echan mano de una canción del cantante country John Denver y que en la versión en inglés interpreta Olivia Newton-John. Hablo de Country Road, Take Me Home, una nostálgica y melancólica propuesta que tan bien se conjuga con las imágenes y el mensaje el filme.


 
Con el paso del tiempo, Susurros del corazón, daría paso a un spin-off dónde regresarían algunos de los personajes del filme, para narrarnos lo que podría ser la historia que Shizuku escribe para descubrir su vocación. Hablo de Haru en el reino de los gatos (Neko no Ongaeshi; Hiroyuki Morita, 2002), una historia que nació gracias a la espinilla que quedó tras la muerte de Kondo, y que sirve para volver a reivindicar un filme que a pesar de ser menos conocido por el gran público demuestra la pasión que siempre ha tenido la gente de Ghibli por crear grandes películas, sea con Miyazaki en cabeza, o no. Otro de los motivos para seguir esperando buenas noticias del resurgimiento del estudio que tantas y tan buenas películas nos ha ido dejando.

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TÍTULO ORIGINAL Mimi wo sumaseba (Whisper of the Heart) AÑO 1995 DURACIÓN 111 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés, inglés DIRECCIÓN Yoshifumi Kondo GUIÓN Hayao Miyazaki (Cómic: Aoi Hîragi) MÚSICA Yuji Nomi FOTOGRAFÍA Atsushi Okui VOCES ORIGINALES Yoko Honna, Issei Takahashi, Takashi Tachibana, Shigeru Muroi, Shigeru Tsuyuguchi, Maiko Kayama, Keiju Kobayashi, Yorie Yamashita, Yoshimi Nakajima, Minami Takayama PRODUCTORA Studio Ghibli

GÉNERO Animación. Romance. Fantástico

TEMÁTICA Drama romántico. Manga. Música. Literatura. Adolescencia. Gatos

SINOPSIS

Una joven estudiante amante de los libros descubre que todos los libros que ha elegido en la biblioteca han sido previamente elegidos por una misma persona. Cuando descubre quién es conoce a Seiji, un joven que está aprendiendo el arte de fabricar violines.

CRÍTICA

= "Una película sobre vocaciones, sobre la idea de que la vida sólo tiene sentido si seguimos el camino de lo que sentimos y nos gusta, no caminos preconcebidos por los demás. Una película tierna, pero no conmovedora, interesante pero ingenua y ligera en cuanto a emoción. Muy humanista." (MrSmabo: Cinemelodic)

= "Si bien la película sufre de un cierto grado de falta de ambición, habitual en las películas de Miyazaki, o el humanismo abrumador conocido de las películas de Takahata, Susurros del corazón logra perfectamente lo que se propone hacer: mostrar la vida de una niña durante unos meses con honestidad, en claro tributo a la alegría y el dolor, la diversión y la tristeza del primer amor. Una película auténtica y conmovedora." (David P.:No es cine todo lo que reluce)

+ "Película inspirada e inspiradora donde las haya, debilidad personal y uno de esos films que traspasan la pantalla. La traspasan con sus emociones, sus sentimientos, su magia, su música, sus personajes. Todo en una armonía tan perfecta que le otorga el honor de alzarse por encima de la media cinematográfica. Pero sobre todo se alza con su capacidad innata de convertirse en una de las películas que se quedan grabadas en la mente y en el corazón." (Álvaro López: Generación Ghibli)

+ "Los paisajes de Japón están brillantemente retratados en esta película todo la ciudad, la ciudad mas animada que he visto. Con sus vistas totalmente increíbles, los movimientos de los dibujos son algo increíbles y es que cuidado tienen mucho los japoneses cuando hacen una película. y los detalles esos detalles son fantásticos." (Javier Ramírez: Alma viajera)

PUNTUACIONES

 

	7,4		7,4		8,0
NOTA MEDIA: 7,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

MUJERES ENAMORADAS (OTHER MEN'S WOMEN)

Hollywood, 1931, el sonoro ya terminaba de asentar sus bases y la explotación del mismo a través del marco musical empezaba a hastiar a los espectadores. Para evitar la huida del público Mujeres enamoradas (Other Men's Women), que originalmente debía llamarse The Steel Highway, se olvidó casi por completo del uso de la música, para centrarse en una historia que un par de años más tarde, con la entrada del código Hays, hubiese sido imposible de llevar a las pantallas.

Bill es un vividor al que le encanta beber y tener un amor en cada puerto, después de que su casera se harte de soportarle, el hombre se verá en la calle de la noche a la mañana. Por suerte Jack, su buen amigo y compañero de trabajo, como él ingeniero de locomotoras, le acoge en su hogar, dónde convivirán además con Lily, la simpática mujer de Jack. La amistad de los dos se verá truncada cuando Bill empiece a sentir una fuerte atracción por Lily.

Alcohol, infidelidades y gamberradas diversas son la carta de presentación para este cómico drama, que como ya he dicho, se convierte en una de esas rarezas que el código Hays se encargó de volver invisibles. Mujeres enamoradas responde por completo a una situación histórica en la que la gran depresión hacía acto de presencia, por lo que se convierte en un documento gráfico inigualable para entender -aunque de un modo algo superficial- el modo de vida de una época. De ahí el acierto de situar la acción en plena estación de ferrocarril de Eats, dónde la camaradería y la dureza del trabajo (algo comúnmente presente en el cine de William A. Wellman) en manos de los empleados del lugar, son la herramienta perfecta para ello.

Esa misma camaradería sirve también de punto de partida, y de sustento, para la historia que escribe Maude Fulton, y que presenta unos personajes (esencialmente los protagonistas) de una fuerza y vitalidad abrumadoras, cada uno de ellos dentro de su estatus. Unos actores provenientes del cine mudo (Mary Astor, que se come literalmente la pantalla con su personaje, es la que más evidencia deja de ello) son los encargados de lograr expresar el abanico de emociones que se vive en el filme de Wellman, un abanico que se presenta desde una madurez casi desconocida en los filmes de los años treinta.

Lo más curioso del filme es sin duda la valentía y mano dura con la que se presenta la figura femenina, que aunque los roles no se distancien demasiado con los reales de la época, entiéndase la mujer que sólo sueña con un buen marido, la que se encarga de las tareas del hogar, y la que se preocupa del bienestar de su pareja, se presenta también como una guerrera de cuidado, algo no muy común en un filme de calado romántico.

Aunque Mujeres enamoradas no sea ni de lejos una película que haya permanecido fresca con el paso del tiempo, tiene la virtud de poder presentarse como un documento cinematográfico único, el cual es imposible no enmarcar históricamente en varias opciones, ya sea para entender la producción de una época concreta, como la frescura de su argumento, es por eso que merece un pequeño descubrimiento.

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TÍTULO ORIGINAL Other Men's Women AÑO 1931 DURACIÓN 70 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN William A. Wellman GUIÓN Maude Fulton FOTOGRAFÍA Barney McGill (B&W) REPARTO Grant Withers, Mary Astor, Regis Toomey, James Cagney, Fred Kohler, J. Farrell MacDonald, Joan Blondell, Lillian Worth, Walter Long PRODUCTORA Warner Bros. Pictures

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Trenes/Metros. Amistad. Comedia romántica. Drama romántico. Alcoholismo. Trabajo/empleo. Gran depresión. Pre-Hays

SINOPSIS

La relación de Bill y Jack, dos ingenieros de locomotoras y grandes amigos, se verá afectada cuando Bill se sienta atraído por la mujer de Jack.

CRÍTICA

+ "Wellman sabe ser sensible, pero en ningún momento olvida su garra cinematográfica." (The cinema)

PUNTUACIONES

 

	5,5		6,8		6,6
NOTA MEDIA: 6,3

TRAILER

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