DÉMONTABLE

Después de las reseñas de los apartados digamos "gordos" del Atlántida Film Fest (AFF): Dos disparos (Martín Rejtman, 2014) para la Sección Oficial, y Buzzard (Joel Potrykus, 2014) para la Sección Atlas; llega el turno de una de las nuevas propuestas que Filmin se ha aventurado a añadir para este año, la sección de cortometrajes. Démontable es el primero que he visto del grupo de diez cortos que la distribuidora Marvin & Wayne ha elegido para el festival.

Mientras una persona anónima toma un café y lee el periódico con normalidad, una guerra en miniatura aparece en la mesa atacando a todo aquello rutinario. Helicópteros, metralletas, cazas... La batalla no cesa.

El holandés Douwe Dijkstr construye a través de la experimentación cinematográfica una pieza de doce minutos en el que se sienta a reflexionar como aquellas guerras que nos parecen lejanas atacan directamente a nuestra cotidianidad. Principalmente el filme se centra a mostrarnos como la batalla se cuela en nuestro mundo supuestamente aislado a través de los medios de comunicación, aunque la reflexión nos invite a ir mucho más allá al ver como la impasibilidad del anónimo hombre del salón nos muestra como a pesar de poder conocer los echos, estos no nos afectan en absoluto, pudiendo seguir nosotros con nuestras propias vidas.

En esos doce minutos Dijkstr no se deja conducir por la simpleza, y en un ejercicio meta-cinematográfico nos insta también a reflexionar sobre lo absurdo de algo construido bajo unas bases nada solidas, en dónde no se corta a mostrar-nos los croma que utiliza para las yuxtaposiciones de sus imágenes, como construye las armas, o como él mismo se presta a representar cualquiera de los papeles según los intereses. Algo muy extrapolable a la realidad que demuestra como el autor es capaz de construir un filme interesante dentro del campo de la experimentación, y sin necesidad de un metraje demasiado largo.

Démontable es un buen filme, e incluso me atrevería a decir que es de lo mejor que he visto hasta la fecha en AFF. Seguiré con el maratón a la espera de nuevas sorpresas.

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TÍTULO ORIGINAL Démontable AÑO 2014 DURACIÓN 12 min. PAÍS Países Bajos (Holanda) IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Douwe Dijkstra GUIÓN Douwe Dijkstra MÚSICA Rob Peters FOTOGRAFÍA Douwe Dijkstra REPARTO Douwe Dijkstra PRODUCTORA Voor Film

GÉNERO Acción. Bélico. Animación

TEMÁTICA Cine experimental. Cortometraje

SINOPSIS

La guerra se libra en la mesa de la cocina mientras un hombre bebe café, helicópteros atacan su diario, un dron dispara a un brócoli: un juego sobre la absurda relación entre vida cotidiana y noticias globales. El mundo está en llamas. 

PREMIOS

2014: Festival Internacional de Cortos de Hamburgo: Nominado a mejor cortometraje.
2014: Rotterdam: Selección oficial

CRÍTICA

+ "Fácilmente, ¡una de las mejores películas experimentales del año!" (Tim Lukas Leinert: Filmfestival Oberursel)

+ "La mejor manera de describir la locura medíatica de la guerra que todos los días vivimos directamente en nuestra mesa de la cocina. 12 minutos cargados para provocar reflexión, sorprendernos y a la vez: un cine entretenido." (Sven Schwarz: Cineuropa)

+ "Tan absurdo como brillante.[...] Sencillamente sublime el ejercicio de Douwe Dijkstr, un cortometraje más que recomendable." (Maria José Maroto García: Pandora Magazine)

PUNTUACIONES

 

	6,5		-,-		6,0
NOTA MEDIA: 6,3

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REGRESO AL PLANETA DE LOS SIMIOS

 

Como no podía ser de otra manera, el éxito del filme El planeta de los simios (The Planet of the Apes; J. Schaffner, 1968) sería explotado por Hollywood hasta sacarle todo el jugo. Aprovechándose del final del filme de Schaffner que tan grabado ha quedado en nuestras retinas, y que a su vez resulta tan abierto, la 20th Century Fox decide seguir explorando las posibilidades narrativas del planeta dónde habitan los famosos monos. Así nace Regreso al planeta de los simios.

Taylor desaparece tras escapar y descubrier la verdad sobre el planeta al cual llegó tras su viaje espacial. Ahora otra nave llega al lugar estrellándose y del accidente solo logra sobrevivir Brent, el cual tiene la misión de averiguar el paradero de Taylor, a la vez de descubrir dónde ha llegado él mismo. En su búsqueda conocerá a los simios y sus belicistas intenciones en contra de los humanos, con la ayuda de Nova y la Dra. Zira, se adentrará en la zona prohibida, dónde descubre que los simios no son los únicos habitantes del planeta.

Regreso al planeta de los simios no hace más que repetir los esquemas de su antecesora, incluso intentando crear un héroe similar al que dio vida Charlton Heston, esta vez con James Franciscus como protagonista. El mayor problema no es que se convierta en un constante Déjà vu, si no que éste pierde además toda ambición cinematográfica y narrativa, convirtiéndose en una simple cinta de acción, dónde las huidas se convierten en las grandes protagonistas constantes. 

Para evitar un poco esa sensación se decide apostar por una nueva linea narrativa, presentando unos nuevos personajes, evolución de los humanos, que rallan lo ridículo y lo inverosimil, incluso para un filme de ciencia ficción. Ni los efectos, ni decorados se salvan de tal desbarajuste.

Al final nos encontramos ante un filme de lo más simple y elaborado con pocas ganas y gracia. En el que solo los verdaderos fanáticos de la saga lograrán encontrarla meramente entretenida, especialmente al ver recuperados los más míticos personajes del filme del 68.

La cosa podría haber quedado así, de echo el filme, aunque con un final extremadamente abrupto y que llega a ser lo peor del filme, decide terminar de un modo fulminante, dejando la sensación de que no habría más partes, pero parece que la cosa finalmente no fue así, pues sin contar las dos recientes precuelas, el remake de Burton, el spin off en serie o las bizarras versiones niponas, todavía llegaron tres partes más.

Lo dicho, una película de lo más plana que en lo único que llega a sobresalir es en el intento de explorar el universo que se esconde tras ese futuro apocalíptico que se nos presentó en El planeta de los simios, aunque al final quede algo desmerecido.

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TÍTULO ORIGINAL Beneath the Planet of the Apes AÑO 1970 DURACIÓN 95 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Ted Post GUIÓN Paul Dehn (Historia: Paul Dehn, Mort Abrahams. Personajes: Pierre Boulle) MÚSICA Leonard Rosenman FOTOGRAFÍA Milton Krasner REPARTO James Franciscus, Charlton Heston, Kim Hunter, Maurice Evans, Victor Buono, Linda Harrison PRODUCTORA 20th Century Fox

GÉNERO Ciencia ficción. Acción

TEMÁTICA Secuela. Simios. Futuro postapocalíptico

SINOPSIS

Una nueva nave procedente del espacio y del tiempo aterriza al mando del astronauta Brent, que acude en busca del desaparecido George Taylor. Vuelve a encontrarse con los simios que dominan el mundo, relegando a los humanos a la esclavitud. Sin embargo, con la ayuda de la doctora Zira seguirá las huellas de Taylor hasta la Zona Prohibida, en cuyas catacumbas, lo que son las ruinas del metro de Nueva York, encuentra a una raza humana mutante con poderes telepáticos.

CRÍTICA

= "‘Regreso al planeta de los simios’ es una película entretenida, cortita, que repite esquemas en su primera mitad para después ofrecer un desenlace impensable y hasta surrealista. Un film flojito del que no se puede esperar mucho más. Lo mejor que se puede decir de él es que es superior a las tres películas que vinieron después." (Alfonso Gutiérrez Caro: La voz en off)

= "Volver al planeta de los simios supone volver a visionar la lucha de clases de los años 70, incluso dentro de la propia sociedad simia se observa cómo hay diferentes categorías y cómo las clases dominantes (los políticos orangutanes y los guerreros gorilas) manejan y utilizan a la clase inferior (los pacifistas y científicos chimpancés).[...]Regreso al planeta de los simios supone una evolución y un avance de las ideas principales de la primera película, por lo cual es entretenida y sorprendente, pero la recta final se vuelve previsible y la conclusión es bastante típica para la época (recurriendo a la voz en off por la falta de presupuesto para concluirla con un final digno). (Oscar M.: No es cine todo lo que reluce)
+ "Es un muy buen filme en sus propios términos. Quizás no memorable pero superior a la media." (Alejandro Franco: Arlequin)

+ "En conjunto “Regreso al planeta de los simios” es una más que correcta cinta de ciencia-ficción plenamente disfrutable pese a sus carencias, que sin duda sería más conocida de no ser por estar a la sombra de la obra magna que es la película original." (Dr. Quatermass: The Qutermass Xperiment)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,4		6,1
NOTA MEDIA: 5,7

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LA ÚLTIMA NOCHE DEL TITANIC

Justo esta noche, hace 103 años, se sucedía una de las tragedias humanas más recordadas. El imponente transatlántico RMS Titanic desaparecía en las frías aguas del Atlántico llevándose con él la vida de 1514 personas de un total de 2224 que iban a bordo. El gran buque se ha convertido ya en leyenda, y no han sido pocas las veces que ha pasado por la gran pantalla. Sobra decir que (actualmente) la más famosa de ellas es la gigantesca y premiadísima producción de James Cameron Titanic (1997), obra cumbre del cine épico y comercial contemporáneo, pese a quién le pese. Eso no significa que el filme de Cameron sea en realidad la obra sobre el barco que más atención merezca, pues de entre otras varias producciones hay que destacar una en particular, La última noche del Titanic, filme que adapta uno de los libros más importantes sobre lo sucedido aquella noche -obra de Walter Lord- y un precedente más que evidente para Cameron, hasta el punto de poder considerar su cinta de 1997 un remake de esta.

El 10 de abril de 1912 partía de Southampton (Inglaterra) el mejor barco jamás creado, el Titanic, con destino Nueva York (Estados Unidos) y un total de 2224 pasajeros (contando tripulación). Tras unos días de placentero crucero, el 14 de abril sucedía la gran tragedia. El choque con un iceberg iniciaba el hundimiento del barco hacía las profundidades del océano. Toda una tragedia para las personas abordo.

Sin lugar a dudas, el mejor acierto del filme de la prestigiosa productora Rank, dirigido por el inglés Roy Ward Baker y guionizado por el novelista Eric Ambler, es la decisión de crear una película lo más aproximadamente fiel a su verdadera historia. De este modo nos topamos con una película pacientemente recreada en la que los cuidados detalles poco tienen que envidiar a las pomposidades del filme del 97. La mayoría de elementos que forman parte de la decoración del buque se han logrado conseguir con la mayor fidelidad, en una época dónde la información no era tan certera como la que podemos tener hoy. La película de Baker apuesta por una línea más histórica, alejándose de las opciones narrativas que logran una más sencilla empatía con el espectador, como si hizo Cameron en su filme al crear tramas ficticias paralelas reforzando la dramaturgia. Eso quizás haga que se necesite una mayor apuesta por parte del espectador, pero una trama como lo sucedido con el Titanic no requiere gran esfuerzo por ello, es fácil dejarse atrapar por su terrorífica historia.

Así, La última noche del Titanic se conforma como un filme de conjunto, dónde no hay más protagonista que la propia tragedia, dónde un mosaico de personajes se unen para ayudarnos a hacernos una pequeña idea del alcance de lo que posiblemente sucedió aquella fatídica noche. Personajes fieles a la realidad, que sin la necesidad de que nos los señalen con un dedo, podemos ubicarlos en la verdadera historia.

Artísticamente no solo sobresalen los decorados y detallados vestuarios, si no una fotografía en blanco y negro imponente para el estilo de un filme como este, en la que gracias a la iluminación se cuidan hasta los más pequeños detalles. Lo mismo sucede con la mano de Baker, quien con una realización sencilla consigue muy bien dotar al filme de veracidad e introducirnos de lleno en él gracias a una planificación inteligentemente ejecutada. No es casualidad que James Cameron calcara muchos de sus momentos para su filme.

La última noche del Titanic es sin duda el mejor filme para acercarse a la verdadera historia de la catástrofe, y si todavía no la habéis visto os recomiendo encarecidamente hacerlo, si más tarde recuperáis el filme de 1997, podréis verlo con otros ojos, separando mejor la ficción de la realidad.

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TÍTULO ORIGINAL A Night to Remember AÑO 1958 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés, Ruso, Alemán, Italiano, Polaco DIRECCIÓN Roy Ward Baker GUIÓN Eric Ambler (Libro: Walter Lord) MÚSICA William Alwyn FOTOGRAFÍA Geoffrey Unsworth (B&W) REPARTO Kenneth More, Jill Dixon, David McCallum, Laurence Naismith, Honor Blackman, Frank Lawton, Alec McCowen, George Rose, Sean Connery PRODUCTORA Rank Film Organization

GÉNERO Drama. Acción

TEMÁTICA Basado en hechos reales. Catástrofes. Titanic. Histórico

SINOPSIS

El novelista Eric Ambler adaptó el libro del historiador Walter Lord que relata minuciosamente la primera y última travesía del Titanic, el lujoso barco de pasajeros, que se hundió en las frías aguas del Atlántico Norte en abril de 1912.

PREMIOS

1958: Globos de oro: Mejor película extranjera de habla inglesa
1958: NBR: Top películas extranjeras
1959: Premios Laurel: Nominada a mejor fotografía (b/n)

CRÍTICA

+ "Soberbia labor de realización de Ward Baker, quien domina a la perfección tanto montaje como planificación, logra dotar del desasosiego y la tensión necesaria a la escena para que el espectador, pese a no conocer a fondo a ninguno de sus personajes, se identifique con una situación límite como la que se produjo en el barco minutos antes del naufragio." (Rubén Collazos: Cinemaldito)

+ "La mejor película para muchos de los expertos en el Titanic" (David M. Anton: Halcón de la noche)

+ "Roy Ward Baker representa con sensibilidad, respeto y un fino sentido de la tragedia últimas horas de la nave. Con actuaciones restringidas, 'A Night to Remember' es la más sutil obra cinematográficade de esta monumental catástrofe del siglo XX." (Damian Cannon: Filmref)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,8		7,9
NOTA MEDIA: 7,2

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LA LEGO PELÍCULA

Durante la etapa de los Oscar siempre se habla de las grandes olvidadas, aquellas cintas que estaban en todas las quinielas y que finalmente no aparecen entre as nominadas, y si este año hay una película por la cual mucha gente apostaba y finalmente ha quedado algo desierta es La LEGO película, filme de animación que todos (incluso ellos) creían merecedor del premio de mejor cinta animada del año y que ha quedado fuera de la lista de las nominadas (aunque si que su loco tema Everything is awesome está nominado a mejor canción). La calidad de las nominadas de este año en dicha categoría es de altura, y la ausencia del producto de Lego en realidad no sorprende en exceso, quizás sería más reivindicable la falta de reconocimiento a por ejemplo Cheatin' (Bill Plympton, 2014), y no a una película que a pesar de haber resultado todo un éxito en taquilla, en realidad no alcanza a ofrecer nada más que diversión y entretenimiento puro.

Emet es seguramente la figura de Lego más normal que existe, trabajador como ninguno y una persona que se ciñe a las normas. Pero un buen día es confundido como la persona más extraordinaria que existe y la que va a salvar al mundo de todo mal. De este modo se ve envuelto en una apasionante aventura junto a un grupo extremadamente variopinto, que deberán luchar contra un malvado tirano, convirtiendo de repente su vida en una locura.

La LEGO película tiene varios puntos fuertes que hay que reconocer. De entrada, el más visual de ellos, es el diseño de un mundo muy identificativo para la marca de piezas de construcción, que es usado de un modo totalmente acertado, al dotar a las figuras de un falso efecto stop-motion que viene al dedillo para un producto así. Pero es a la vez esa decisión la que hace de La LEGO película un filme poco valiente, que demuestra como el único interés es hacer un producto capaz de alzar las ventas a una empresa de por sí ya famosa. Es evidente que el elevado coste y el esfuerzo que hubiese requerido realizar una película de estas dimensiones en stop-motion real, hubiese sido desproporcionado, pero en realidad es lo que se podía esperar de un brickfilm. Es cierto que la comprensible pero poco acertada decisión de utilizar la digitalización, dota al filme de mayores texturas, colores y posibilidades, pero por contra resta mucha de la magia que ofrece el sistema tradicional de animación, un uso que con toda seguridad hubiese alzado la película a cualquier lista de películas animadas imprescindibles. Y no es que los dos estilos animados estén reñidos, de echo la factoría Aardam ya ha demostrado con su ¡Piratas! (The Pirates! Band of Misfits; Peter Lord, Jeff Newitt, 2012) que ambas son compatibles y juntas pueden dar verdadero juego.

Así, la película del trío Lord, Miller y McKay debe conformarse con su espectáculo para contentar al espectador, quedando incluso por detrás de otra de sus películas: Lluvia de albóndigas (Cloudy with a Chance of Meatballs; 2009), mucho más fresca que este, al fin y al cabo, largo anuncio de una factoría de juguetes.

La película hace una apuesta acertada hacía su jocoso humor absurdo, que gracias al uso de personajes populares convertidos en figuras de Lego (Batman y compañía), crean un cóctel que fácilmente va a contentar a cualquiera, ya que es fácil encontrar algún que otro punto que alcance de lleno a alguno de nuestros sentidos. Lo más destacable del asunto, es la facilidad con la que lo consigue, ya que desde el primer segundo de la película, su estilo y diseño atrapan por completo, y hasta el final lo que vemos ante nosotros es una atracción que difícilmente llegue a desagradar.

Es por eso que, aunque La LEGO película sea un filme poco atrevido, al final se convierte en una cinta más que recomendable, ya que el rato que nos hace pasar es realmente divertido, y aunque veamos la película una y otra vez, es difícil cansarse de ella.

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TÍTULO ORIGINAL The Lego Movie AÑO 2014 DURACIÓN 100 min. PAÍS Australia, Estados Unidos, Alemania IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Philip Lord, Chris Miller, Chris McKay GUIÓN Philip Lord, Chris Miller (Historia: Kevin Hageman, Dan Hageman) MÚSICA Mark Mothersbaugh FOTOGRAFÍA Barry Peterson VOCES ORIGINALES / REPARTO Chris Pratt, Will Arnett, Elizabeth Banks, Craig Berry, Alison Brie, David Burrows, Anthony Daniels, Charlie Day, Amanda Farinos, Keith Ferguson, Will Ferrell, Will Forte, Dave Franco, Morgan Freeman, Todd Hansen, Jonah Hill, Jake Johnson, Keegan-Michael Key, Liam Neeson, Kelly Lafferty, Chris McKay, Christopher Miller, Graham Miller, Doug Nicholas, Shaquille O'Neal, Nick Offerman, Chris Paluszek, Chris Romano, Jadon Sand, Cobie Smulders, Melissa Sturm, Jorma Taccone, Channing Tatum, Billy Dee Williams, Leiki Veskimets PRODUCTORA Animal Logic / The LEGO Group / LEGO / Lin Pictures / Warner Bros.

GÉNERO Animación. Comedia. Aventuras. Acción

TEMÁTICA Cine familiar. Cómic. DC Comics. 3D. Lego

SINOPSIS

Cuenta la historia de Emmet, una figurita LEGO absolutamente normal y fiel a las normas que es identificada por error como la persona más extraordinaria y la clave para salvar al mundo. Se ve entonces inmerso en una búsqueda épica para detener a un malvado tirano junto a un grupo de desconocidos, una aventura para la que Emmet no está preparado en absoluto.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor canción
2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor filme de animación
2014: Premios BAFTA: Mejor película de animación
2014: Premios Annie: Mejor guión. 6 nominaciones
2014: Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo Mejor largometraje animación
2014: National Board of Review: Mejor guión original, Top 10
2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
2014: Critics Choice Awards: Mejor largometraje de animación
2014: Críticos de Chicago: Mejor film de animación

CRÍTICA

+ "Es un desmadre continuo de principio a fin, plagada de locas irreverencias, deslumbrantes efectos digitales (...) y un casting de voces con el tono perfecto encabezado por Chris Pratt, Elizabeth Banks y Will Ferrell. " (Michael Rechtshaffen: The Hollywood Reporter)

+ "Phil Lord y Christopher Miller deconstruyen de forma irreverente el estado del blockbuster moderno y en su lugar nos ofrecen una experiencia más inteligente, más satisfactoria, iniciando una franquicia fresca para que otros puedan desarrollarla." (Peter Debruge: Variety)

+ "¡Por fin! Una comedia que funciona. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "Captura tanto el placer como la frustración de este tipo de juego (...) Agrupar 'La Lego Película' es como un 'Matrix', su concepto se convierte en una alegoría sobre la naturaleza de la creatividad y el sentido de la diversión." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Toda la Lego-aventura es cálida e ingeniosa, mostrando chispas de sátira. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Un ‘brickfilm’ catedralicio. (...) tiene su mayor virtud en lograr ser, en efecto, más una película que un spot. Insertando el anárquico espíritu de juego infantil con piezas heterogéneas a lo “Pánico en la granja” (2009) dentro de la retórica hiperbólica del blockbuster" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Definitivamente, una monada de película. Pero con miga (...) Una cinta recomendable para todo tipo de espectadores contra el pensamiento único y la falta de libertad creativa" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

+ "Deslumbrante, arrollador espectáculo (...) Gags brillantes y mensaje final con Will Ferrell. Un fiestorro para Legomaniacos (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Una inteligentísima sátira (...) Lo mejor: su ingenio aparentemente ilimitado (y la canción de Batman). (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Noel Ceballos: Fotogramas)

+ "Una película que también vuelve a demostrar que el mejor anuncio puede ser una obra cinematográfica sensacional, y viceversa (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,8		7,8
NOTA MEDIA: 7

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ALIEN: RESURRECCIÓN

Cierro la saga Alien -aunque Ridley Scott intente alargada con otra saga en forma de precuela (algo fuera de órbita) llamada Prometheus (2012)- con la película menos querida del grupo: Alien: Resurrección. La cuarta y última entrega dónde veremos las aventuras de nuestra amada Ripley (supuestamente muerta en la anterior entrega).

Un par de siglos más tarde de los hechos que dieron lugar a la muerte de Ripley, unos laboratorios que experimentan con la clonación dan vida de nuevo a nuestra heroína. El problema viene cuándo el ADN de una reina Xenoforme se cruza con el de Ripley y nace un híbrido que a pesar de parecer la propia teniente, cuenta con las peligrosas capacidades de los Aliens.

En perspectiva es normal que la cuarta entrega de la saga sea la menos apreciada por los seguidores, pues es sin duda la que más se separa del estilo denominador de las otras tres cintas. El motivo principal de estas diferencias es la mano que ejecuta la dirección de la película, el francés Jean-Pierre Jeunet. Director que antes de dar forma a Alien: Resurrección, logro dar vida junto a Marc Caro a trabajos como Delicatessen (1991) o La ciudad de los niños perdidos (La Cité des enfants perdus; 1995), aunque su mayor éxito, y filme más reconocido, corresponde a la posterior Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain; 2001), cinta con la que regaló una carrera internacional a Audrey Tautou.

Con estos datos tan reveladores no es de extrañar que el resultado de esta cuarta parte de Alien, un filme que de entrada poco tiene que ver con el imaginario de Jeunet, no sea del agrado de muchos. A pesar de que sus anteriores entregas también contaran con nombres relevantes del cine como Scott, James Cameron y un novato David Fincher, a estos podemos relacionarlos más con el cine de género al uso, en cambio al director francés se lo relaciona con un cine más autoral (a pesar del fondo comercial de sus películas), algo que confunde al relacionarlo con un blockbuster.

De todos modos, y a pesar de que muchos no lo han sabido ver, la esencia de la saga sigue intacta en la película de Jeunet, dónde lo que cambia son las formas, al llevarse el director toda la película hacía su terreno, impregnándolo de sus señas identitarias, y haciéndose suya la cinta (algo que en el fondo también hicieron los anteriores directores, lo distinto es la huella).

Así, en Alien: Resurrección, vemos un tono mucho más cercano al estilo comiquero que siempre nos ha regalado Jeunet en sus cintas, viéndose resaltado con un argumento que invita mucho más a la relación. La fotografía de su inseparable Darius Khondji (y que el director hereda para toda su obra incluso cuándo no cuenta con su colaboración) de tonos verdes y amarillos, ofrece un resalte de ese estilo, con el cual dota de una mayor fuerza estilística a la cint, acercándola algo más a la comedia, sin duda el elemento que más ha dinamitado la aceptación de los espectadores.

Jeunet cuenta también con sus habituales (y franceses) actores -Ron Perlman o Dominique Pinon, por citar un par- que junto a otros personajes dan un toque muy humorístico a la más bien sosa historia, la cual, deja claro el intento de estirar la franquicia para sacar todo el jugo posible. El resultado, una vez más, se separa por completo de sus tres hermanas.

Pero si somos capaces de aceptar que una película de Alien se convierta por completo en una cómica cinta de autor, algo que personalemente, y salvando las distancias, encuentro totalmente gracioso y permisible, podremos disfrutar de un entretenimiento que nos sorprenderá y que nos llegará en forma de un renovado viento fresco. Quizás el mejor modo de ello, es no relacionándola ni comparándola con sus antecesoras.

De todos modos, aunque sea la más cómica y/o irritante de las cuatro, hay que reconocerle que también es la más valiente. Su tono violento y sexual la hacen única, y responde por completo a las ideas que se pueden palpar dentro de la obra del ya fallecido H.R. Giger, que aunque no colaboró en esta última parte, parece que es la más cercana a sus trabajos, pues la fálica figura del Alien no es en esta película el único factor que se acerca a él. La relación de la nueva Ripley con la también nueva reina Alien, y el final el cual voy a omitir por motivos de no destripar nada argumentalmente, dan fe de ello, y nos ofrecen un éxtasis en su clímax tan distinto a cualquier otra cosa vista en cualquier filme de gran recaudación, que ya por eso merece la pena.

Lo dicho, si sois capaces de presentar un sentido crítico más libre frente a Alien: Resurrección, la película se disfruta y se convierte en una obra realmente desquiciante. De lo contrario os sumaréis fácilmente a la horda de detractores de una película que, a mi parecer, ha sido injustamente menospreciada (Winona Ryder incluida).

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TÍTULO ORIGINAL Alien Resurrection AÑO 1997 DURACIÓN 108 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inlgés DIRECCIÓN Jean-Pierre Jeunet GUIÓN Joss Whedon (Personajes: Dan O'Bannon & Ronald Shusett) MÚSICA John Frizzell FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Sigourney Weaver, Winona Ryder, Ron Perlman, Dan Hedaya, J.E. Freeman, Brad Dourif, Michael Wincott, Leland Orser, Raymond Cruz, Dominique Pinon, Gary Dourdan PRODUCTORA 20th Century Fox / Brandywine Productions

GÉNERO Ciencia ficción. Terror. Acción

TEMÁTICA Extraterrestres. Secuela. Saga

SINOPSIS

Más de doscientos años después de su muerte, Ripley (Sigourney Weaver) vuelve a la vida gracias al empleo de técnicas avanzadas de clonación. Pero, durante el proceso, el ADN de Ripley se ha mezclado con el de la Reina Alien, por lo que Ripley empieza a desarrollar ciertas características de la peligrosa alienígena.

PREMIOS

1998: Academia de Ciencia Ficción, Terror y Fantasía (USA): 6 nominaciones. Incluyendo mejor película de Ciencia Ficción
1998: Blockbuster Entertainment Awards: Mejor actriz de reparto- Sci-Fi (Winona Ryder). Nominada a mejor actriz principal - Sci-Fi (Sigourney Weaver)
1998: Satellite Awards: 1 Nominación

CRÍTICA

= "Sorprende por ser quizá la más sanguinaria, brutal, sórdida y agresiva, pero le falta fascinación" (Ángel Retamar: Cinemanía)

+ "Simpático delirio de genes y golpes de efecto (...) Interesante" (Luis Martínez: Diario El País)

+ "En “Alien: Resurrection” todo es tan “Over the Top” que dicen los anglos que uno se queda inmunizado al delirio y termina por comprarlo todo… porque todo vale." (A.M.M.: Ultramundo)

= "Alien resurrection está bien si consigues olvidar la idiotez del argumento y su delirante final. Por momentos funciona como película de acción y aventuras, si bien no entusiasma." (Luis Cifer: Las críticas de Luis Cifer)

- "No hay por donde cogerla." (Cinebso)

PUNTUACIONES

 

	7,0		5,6		6,3
NOTA MEDIA: 6,3

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ANI*KURI15

Se cumplen hoy cuatro años de la triste muerte del gran Satoshi Kon, el cual nos ha dejado como legado un -aunque reducido- grupo de películas cada cual mejor, una excelente serie: Paranoia Agent (Môsô Dairinin; 2004), y una serie de mangas que podemos disfrutar en nuestro país en algún recopilatorio como Historias Cortas de Satoshi Kon (Planeta DeAgostini, 2012) o Seraphim (Planeta DeAgostini, 2014), obra póstuma inacabada con guión de Mamoru Oshi. Como todas las películas del director japonés ya han sido reseñadas con anterioridad, echo mano de Ani*Kuri15, una miniserie de televisión que en conjunto recoge 15 micrometrajes de 15 famosos animadores japoneses (exceptuando a Michael Arias, aunque también ha realizado trabajos en el país nippon), dónde Satoshi Kon destaca sobre el resto.

Ani*Kuri15 se emitió en tres temporadas de cinco cortometrajes cada una, los cuales fueron encargados a distintos directores de animación con la única premisa de que los trabajos debían durar un minuto exacto cada uno.

El conjunto no puede ser más irregular, y vistos del tirón dejan al espectador un poco desorientado, ya que todavía no hemos asimilado el inicio del primero, que el segundo ya está en marcha. Esa sensación se hace especialmente clara en la primera parte del metraje, ya que los cortos de ese segmento son realmente un delirio de velocidad, imposible de digerir. Por suerte poco a poco la cosa va mejorando, y en su tramo final se encuentran sin duda los mejores trabajos, siendo el de Kon el encargado de cerrar, y como no, el mejor de ellos.

Estos son los micrometrajes:

Attack of Higashimachi 2nd Borough (Shinji Kimura, 2007). Tres alienígenas llegan a una tierra de cartón para invadirla. 

El primero de los cortometrajes no puede ser más loco, lo que hace que el inicio de Aki*Kuri15 sea totalmente confuso, el listón parte bajo, y con él las esperanzas de que lo que venga después vaya a mejorar. Kimura elige la animación digital pero la trata como un cruce entre la tradicional y el cut-motion, aunque el resultado es algo tosco, el diseño es colorido y muy en el tono del corto.



From the Other Side of the Tears (Namida no Mukou; Akemi Hayashi, 2007). Una muchacha se recupera de una ruptura.

La segunda propuesta dirigida por Akemi Hayashi, se separa radicalmente del estilo de Attack of Higashimachi 2nd Borugh, no solo por su esilo, ya que este recurre directamente a la animación tradicional y los tonos pastel, si no también al eje argumental, que abandona la comedia loca y de ciencia ficción, para adentrarse en los porvenires del desamor. Lo mejor de From the Other Side of the Tears es que nos aclara que no todos los cortos son iguales, y que seguramente encontraremos alguno que nos convenza. Si el metraje de Hayashi no pareciese más un clip musical, y se centrara más en contarnos la historia, seguramente entenderíamos mejor su metraje, y el resultado hubiese sido mucho más satisfactorio.

Blaze Man (Hyotoko; Yasufumi Soejima, 2007). Un grupo de guerreros nativos atacan a un kami gigante con forma de oso. El kami toma uno de ellos y le prende el fuego espiritual.

El tercer trabajo nos vuelve a desilusionar. A pesar de centrarse en seres míticos japoneses (los kami), su argumento dista mucho de lo mágico de estos. El segmento de Soejima, diseñado totalmente en CGI, parece más el trailer de un videojuego que una historia en si misma, algo que refuerzan los excesivos efectos visuales de la película.



Sancha (The Aromatic Tea) (Osamu Kobayashi, 2007). El avaro dueño de una tienda de discos imagina el poder adquisitivo de sus clientes, según su aspecto y sus comentarios.

Kobayashi sorprende con su estilo animado, algo que llega como viento fresco tras ver los trabajos anteriores, aunque aquí el ritmo desmesurado sigue haciendo acto de presencia, esta vez es más acorde a las imágenes que se nos muestran. Lo malo de Sancha es que nos quedamos con la sensación de que hubiese salido una historia divertida de él, y al final sólo queda en un simple gag.



Invasion from Space - Hiroshi's Case (Uchujin Raikou Hiroshi no Baai; Shojiro Nishimi, 2007). Hiroshi intenta leer su manga, pero un pequeño robot está disparando bolitas para distraerlo y así poder escapar.

Muy en la línea del anterior, el trabajo de Nishimi parece que nos va a sorprender en cualquier momento, y a pesar de su entrañable humor, termina como Sancha (The Aromatic Tea), como un simple gag humoristico. Lo mejor de este Invasion from Space, no es solo la inventiva, si no que parece que el autor no necesita el ritmo desenfrenado para contarnos una historia en poco tiempo, algo muy de agradecer.

Project Mermaid (Mamoru Oshii, 2007). Un pez se convierte en una sirena que nada para escapar de una ciudad post apocapiltica.

El sobradamente conocido Mamoru Oshii por obras cumbre como la saga Ghost in the Shell (Kokaku kidotai; 1995) o Patlabor: La película (Kidô Keisatsu Patoreibâ: The Movie; 1989), nos ofrece el primer metraje realmente interesante, aunque irregular. A través de un cut-motion totalmente digital, Oshii nos muestra el viaje de este ser a través de este mundo post-apocalíptico digital, muy en la linea de sus anteriores trabajos. La metáfora de la evolución está servida, y Oshii intenta con su trabajo ofrecer algo más que un estimulo visual para el espectador.

Yurururu (Nichijou Hen) (Kazuto Nakazawa, 2007). Un animador pasa todo el día animando un clip de 1 segundo sobre un pez gigante en una ciudad.

Aunque Nakazawa siga con el gag visual, esta vez intenta reflexionar sobre el rutinario trabajo de un animador, y el esfuerzo por parte del director por ofrecer algo de interés en su trabajo queda perfectamente reflejado en el resultado final. Lo mejor de Yurururu es sin duda la mezcla de estilos que presenta, ya que lo que parte siendo un stop-motion fotografiado de una propia animación, se convierte en animación pura para hacernos arrancar una carcajada y finalmente volver al origen que nos presentó. El trabajo de Nakazawa aquí está a la altura. Es la propuesta más fresca hasta ahora.

Gyrosopter (Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, 2007). Una joven piloto girosóptica visita un espejo de agua y recuerda una batalla girosóptica y la muerte de un amigo en un planeta acuático.

El trabajo creado mano a mano entre Ranji Murata y Tatsuya Yabuta parece más una escena del videojuego Final Fantasy que un cortometraje en sí. El estilo digital, a pesar de preciosista, es burdo y cuadriculado, algo que desmerece en una propuesta que quiere ser una evocación de la nostalgia. Pero Gyrospoter tiene algo que lo salva del debacle absoluto y es la creación de un universo propio, que a pesar de que solo podamos verlo durante un minuto, nos deja con ganas de descubrir más sobre él. Un imaginario muy a la altura de los mundos de Miyazaki, en por ejemplo El castillo en el cielo (Laputa) (Tenkû no shiro Rapyuta; 1986), eso sí, mucho más futurista y lejos del Stempunk.

Wandaba Kiss (Atsushi Takeuchi, 2007). Un niño y su perro inventan una compleja máquina para robarle un beso a una chica.

La novena propuesta de Ani*Kuri15 se convierte en lo más Kawaai del conjunto de la obra. Con tonos pastel, y una animación que danza entre lo tradicional y el retoque digital, Takeuchi apuesta por una historia sencilla y agradable, dejando la espectacularidad solo para el diseño del invento de su pequeño protagonista. El corto es un trabajo sencillo y tierno, quizás nada del otro mundo, pero muy agradable y simpático (además de muy mono).


Colonel Sports (Supaatsu Taisa; obira Oda, Yasuyuki Shimizu, 2007). El coronel Sports va a las montañas huyendo de su enemigo Paul.

Es curioso que la propuesta más rompedora sea la que elija un estilo animado totalmente artesanal, y que juegue solo con la línea negra en un estilo de dibujo de lo más sencillo. De este modo se hace imposible no interesarse ni que sea un poco en la décima propuesta de Ani*Kuri15, aunque al final su argumento sea algo pobre.




A Gathering of Cats (Neko no Shûkai; Makoto Shinkai, 2008). Al gato de la familia le han pisado la cola tantas veces que sueña con la venganza.

Makoto Shinkai es un nombre que no podemos olvidar, poco a poco sus obras se están abriendo camino a nivel internacional y cosecha premios allá dónde pisa. Películas como 5 centímetros por segundo (Byôsoku go Senchimêtoru; 2007), Viaje a Agartha (Hoshi o Ou Kodomo; 2011) o la más reciente El jardín de las palabras (Kotonoha no Niwa; 2013) son un buen ejemplo de un cine con huella propia y que tiene mucho que ofrecer. Su aportación a Ani*Kuri15 no va a ser menos, y se presenta como la más destacada (sin contar la de Kon) del grupo. Sin dejar de lado el estilo de color que usa siempre el animador, A Gathering of Cats se presenta como una obra cómica, que se aparta un poco del estilo melancólico tan usual en el realizador. Shinkai sabe aprovechar sus sesenta segundos al máximo y lo hace ofreciéndonos una historia divertida, fresca, alegre y que gracias a su bigotudo protagonista, enamora.

Princess Onmitsu (Onmitsu Hime; Mahiro Maeda, 2008). Una niña mágica y su muñeco deben derrotar a una horda invasora de piratas aéreos.

Maeda es conocida básicamente por su aportación en Animatrix (The Animatrix; Andrew R. Jones, Shinichirô Watanabe, Mahiro Maeda, Yoshiaki Kawajiri, Takeshi Koike, Kôji Morimoto, Peter Chung, 2003) y también, aunque en menor medida por su Blue Submarine No. 6 (Ao no roku gô; Mahiro Maeda, Masahiro Ozawa, Toru Fukushi, 1998), trabajos que quedan lejos de la estética Magical Girl a la que echa mano en esta propuesta. Un micrometraje que podría ser de los que suscitan interés si no fuese por que al final simplemente nos deje con la sensación de haber visto la promo de una nueva serie estilo Sailoor Moon (Bishôjo Senshi Sêrâ Mûn; Junichi Sato, 1992-1997). Una vez más el ritmo alocado vuelve a reinar en este segmento y no nos deja apreciar si realmente esconde algo interesante.

Okkakekko (Michael Arias, 2008). Un grupo de niños corren por el campo y juegan con un robot gigante que no les da miedo.

A pesar de su nacionalidad americana, Arias es sobradamente conocido por su trabajo en Japón, por ejemplo es reconocible su adaptación del cómic de Taiyou Matsumoto Tekkon kinkreet (Tekkonkinkreet) (Tekon kinkurîto [Tekkonkinkreet]; Michael Arias, Himaki Ando, 2006). En su segmento podemos ver como el director vuelve una vez más adentrarse en el universo de la mente infantil para ofrecernos un trabajo de gran belleza plástica, que aunque a simple vista parezca simple y de poca profundidad, en realidad esconde un universo lleno de matices. Un minuto es poco para todo lo que Arias nos cuenta en su metraje, y por eso Okkakekko resulta algo fallida, aunque insisto, no exenta de interés. Un largometraje con esas ideas sería realmente una gozada.

Project Omega (Shoji Kawamori, 2008). Cuando una fuerza extraña se precipita hacia la sede de la NHK en Tokio, el edificio cobra vida como un Evangelion transformador para combatir al enemigo.

Project Omega vuelve una vez más al asunto de la invasión extraterrestre -ya es el tercer metraje inspirado en ellos-, pero esta vez el filme decide apostar por homenajear, y a la vez construir una sátira, al género de los mechas (Robots). Lo que de entrada parece que va a tomar un tono propio del cine de catástrofes, enseguida aparece la vena cómica aunque Kawamori logre ocultarla tras un aspecto más formal, lo que se funde en un híbrido realmente curioso. Más allá de la reacción de sus personajes y la inesperada transformación del robot, el filme no ofrece mucho más, un minuto es un minuto para Kawamori.

Good Morning (Ohayô; Satoshi Kon, 2008). Una joven se levanta de la cama y medio dormida trata de despertarse a sí misma.

Good Morning sería el último trabajo de Satoshi Kon en el campo cinematográfico de no ser por su desaparición, ya que todavía no se sabe que pasará con su inacabada The Dreaming Machine (Yume miru kikai), por lo pronto, su último trabajo en pantalla no podía ser mejor. El trabajo de Kon es sin lugar a dudas el mejor de los cortometrajes que se reúnen en esta obra, el director japonés no sólo ha sabido aprovechar los sesenta segundos de margen al máximo, si no que además ha logrado llevárselos a su terreno ofreciéndonos una pequeña joya muy en la tónica del resto de sus obras. Kon ha apostado por la sencillez, y aún así ha podido ahondar en sus ideas de lo onírico y el subconsciente, simplemente al seguir el despertar de una muchacha. El estilo animado es el mismo al que el artista nos tiene acostumbrados, dónde prima el detalle y el realismo. La aportación de Kon es sin duda el mejor sello para Aki*Kiri15.

Es común que en estos trabajos hechos a diferentes manos, nos topemos con obras algo irregulares que muestren lo difícil de conjugar las ideas de varios artistas en una sola, así Ani*Kiri15 no es una excepción, y la irregularidad de sus trabajos limita en ocasiones la apreciación de los unos y los otros, así que aunque podamos verlos del tirón, es bueno poder degustarlos uno a uno, para ver como individualmente gozan de mayor presencia.

Para despedir, si queréis una reseña que ahonde en profundidad sobre la lista de autores de estos microcortometrajes os remito al estupendo blog de Cineticamente, dónde encontraréis una estupenda entrada que realizó en 2012.

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TÍTULO ORIGINAL Ani*Kuri15 (Ani-Kuri 15) AÑO 2007 DURACIÓN 18 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon GUIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon MÚSICA Tenmon, Varios VOCES ORIGINALES Takeshi Maeda, Akira Nakagawa, Shizuka Okohira, Yuka Terasaki PRODUCTORA Studio 4°C / Gainax / Gonzo / Madhouse / Production IG / NHK 

GÉNERO Animación. Fantástico. Ciencia ficción. Acción. Romance. Comedia

TEMÁTICA Miniserie de TV. Película de episodios. Cortometraje. Robots. Magia. Comedia absurda. Extraterrestres. Manga. Futuro postapocalíptico. Gatos.

SINOPSIS

Colección formada por quince cortos realizados por diferentes directores y creadores japoneses del campo de la animación, incluyendo a un estadounidense, Michael Arias, productor de "Animatrix" y director de "Tekkon Kinkreet". La duración de cada corto es de un minuto. Su emisión se dividió en tres temporadas de cinco cortos cada una, para su emisión en fechas determinadas.

Lista de cortos:
- Attack of Higashimachi 2nd Borough
- From the Other Side of the Tears
- Blaze Man
- Sancha (The Aromatic Tea) Blues
- Invasion from Space - Hiroshi's Case
- Project Mermaid
- Yurururu (Nichijou Hen)
- Gyrosopter
- Wandaba Kiss
- Supaatsu Taisa
- A Gathering of Cats
- Princess Onmitsu
- Okkakekko
- Project Omega
- Good Morning

CRÍTICA

+ "Además del interés del proyecto en sí otro de los puntos destacables es que se buscaran animadores que no necesariamente tuvieran su carrera centrada en la dirección, incluyendo representantes de varios otros departamentos desde los más creativos a los más técnicos, dándoles por primera vez la oportunidad de organizar toda una pieza con su propia visión. Y dado que son vistazos más que rápidos no deja de resultar en una revisión interesante.
Está claro que este tipo de conjuntos siempre resultarán algo irregular, por no hablar de que el tiempo tan limitado a veces podría no darle el mejor empuje a alguna propuesta en particular. Aunque al mismo tiempo eso permite que no nos aburramos en ningún momento y que si bien algunos cortos puedan ser menos interesantes o logrados que otros, sea difícil que resulten especialmente negativos. (S.: Cineticamente)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,3		7,3
NOTA MEDIA: 6

TRAILER

Podéis ver 'Ani*Kuri15' completo subtitulado al español aquí.

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