EL HOMBRE DE MIMBRE

Existen pocas películas inclasificables fuera del campo del cine experimental, raras avis que con frecuencia se convierten en grandes obras de culto al ser incomprendidas en su nacimiento pero que con el paso del tiempo van ganando fieles seguidores que saben encontrar las maravillas que esconden, para al final lograr el reconocimiento negado de entrada. El hombre de mimbre, The Wicker Man en la original, es una obra única en todos sentidos, una extraña película que necesita más de un visionado para comprenderla por completo y darse cuenta de como ha servido de inspiración para otras obras, e incluso un comercial remake con Nicolase Cage como principal reclamo.

Una pequeña isla inglesa recibe la visita del sargento Howie de Scotland Yard, el cual es llamado a investigar la desaparición de una niña alertado por una carta anónima. Una vez allí descubrirá que las costumbres de los aldeanos son totalmente contrarias a su modo de pensar. Poco a poco se acercará a la peligrosa verdad de la desaparición de la joven chiquilla.

A partir de un arranque sencillo, la investigación del sargento sobre la desaparición de la chiquilla, la película se convierte con rapidez en una historia intrigante y oscura que va mucho más allá de cualquier filme detectivesco. Extraña e insólita como ninguna, El hombre de mimbre nos relata la confrontación entre el convencimiento religioso tradicional de Howie y las costumbres paganas de los habitantes de la isla, un choque cultural fuerte y tenso dónde el modelo imperante intenta como siempre colonizar los rincones salvaguardados de su conquista. De este modo, su director Robin Hardy, a partir de la adaptación que hace Anthony Shaffer de la novela El ritual de David Pinner, construye una película que pone a debate el fanatismo religioso en general, ofreciendo una reflexión dónde ni los buenos son tan buenos, ni los malos tan malos, todo ello desde una perspectiva oscura y siniestra.

Aunque no podría clasificarla como una cinta aterradora, la inquietante atmósfera del filme es realmente única y los momentos musicales de una genialidad insuperable. Así, la danza contra las paredes de una desnuda Britt Ekland, los saltos de las muchachas en el fuego o las vueltas de los niños alrededor de un fálico árbol mientras canturrean aquello de:

"En el árbol había una rama, y en la rama había un nido, y en el nido había un huevo, y en el huevo había un pájaro, y en el pájaro había una pluma, y en la pluma había una cama, y en la cama había una mujer, y en la mujer había un muchacho, y en el muchacho había una semilla y en la semilla había un hombre, y en el hombre había una tumba, y en la tumba había un árbol, y en el árbol había una rama...".

nos sorprenden como al protagonista del filme, aunque la fascinación hacía ellos no sea similar a la suya.

La película, de un estilo Lovecraftiano, no ha envejecido especialmente bien, lo que no quita que el filme siga conservando toda la esencia chocante de cuándo fue creada y siga sorprendiendo en su inesperado giro final. Así que a parte de por ser una obra de culto de visionado obligado, recomiendo adentrarse en las entrañas de mimbre de esta inclasificable cinta, omitiendo a poder ser el remake de 2006.

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TÍTULO ORIGINAL The Wicker Man
AÑO 1973
DURACIÓN 85 min.
PAÍS Reino Unido
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Robin Hardy
GUIÓN Anthony Shaffer (Novela: David Pinner)
MÚSICA Paul Giovanni
FOTOGRAFÍA Harry Waxman
REPARTO Edward Woodward, Christopher Lee, Britt Ekland, Diane Cilento, Ingrid Pitt, Lesley Mackie, Walter Carr, Lindsay Kemp, Aubrey Morris
PRODUCTORA British Lion Film Corporation
GÉNERO Intriga. Terror. Musical
TEMÁTICA Religión. Vida rural. Sátira. Sectas. Película de culto

SINOPSIS
Una carta que hace sospechar que una joven desaparecida ha sido asesinada lleva al sargento Howie de Scotland Yard hasta Summerisle, una isla en la costa de Inglaterra. Allí el inspector se entera de que hay una especie de culto pagano, y conoce a Lord Summerisle, el líder religioso de la isla... 

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,5
- Filmaffinity: 7,1
- IMDB: 7,6
* Media: 7,1

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LA AVENTURA DEL POSEIDÓN

Hoy en día el género de catástrofes no es de lo más popular, los estudios, emperrados en volver a explotarlo comercialmente, intentan presentarnos películas que terminan siendo un fracaso total, ejemplo de ello es el Poseidón de Wolfgang Petersen o cualquiera de las repetitivas cintas de Roland Emmerich, sólo las producciones independientes o películas de autor despuntan sobre el resto la querer explorar los limites del fin del mundo, el desastre y la cólera de la madre naturaleza desde otra perspectiva. Esto no fue siempre así, en los años 70 los grandes estudios de Hollywood encontraron un filón en el género, que se popularizó con títulos que a día de hoy son auténticas obras nostálgicas para muchos. Una de las primeras que logró tal éxito es La aventura del Poseidón, película que sirvió como base para hacer un remake en 2006, la ya nombrada película de Petersen, Poseidón.

Poseidón es un transatlántico que va de Estados Unidos hasta Europa en crucero celebrando el año nuevo. La noche de cambió de año, una feroz tormenta consigue que el enorme buque vuelque en medio del mar, poniendo en peligro la vida de todos los pasajeros que iban en busca de un placentero viaje.

¿Que se puede esperar de una película que ya de su partida sabemos lo que nos va a ofrecer? Un rato de aventuras, acción, explosiones, peligros y dramatismos, esquemáticamente preparados y que no se diferenciarán mucho de un film a otro. Un esquema que nunca ha variado demasiado, y que todavía a día de hoy sigue siendo el mismo, la espectacularidad (la que se podía ofrecer en los 70) por encima de todo. Si algo separa La aventura del Poseidón de sus películas contemporáneas y la acerca más a las pocas que se realizan hoy, es la intención de querer profundizar más en sus personajes, intentando descubrir un poco más la psicología de estos y presentarlos más cercanos a nosotros consiguiendo así una empatía para entenderlos y compartir su miedo. El resultado no es muy esperanzador, el filme lo que hace es crear unos personajes que nos presentan rápidamente al inicio de la película y que la única evolución que nos ofrece es convertir a un moderno cura en Indiana Jones y revelar abruptamente que la señora con sobrepeso fue en su juventud campeona internacional de inmersión (Oh, ¡sorpresa!). Para el resto de personajes formados con clichés (ojo, que quizás fueron los pioneros) nos encontramos: la rubia tontita y miedosa que no sabemos que hace ahí, el amanerado pero valiente personaje dispuesto a ayudar en todo momento, la prostituta malcarada y reformada, el policía que sirve de contrapunto al aventurero cura, el herido que caerá a la primera de turno, la chica enamorada del apuesto aventurero y su pequeño hermano, como siempre conocedor de los aspectos técnicos que nadie conoce, fruto de la curiosidad que le representa.

Uno de los aspectos interesantes de estas producciones pueden ser sus decorados, cuidados y espectaculares en todo momento, que aunque se basan en escenas de puro plató con goma-espuma de fondo, cumplen con la misión de recrear un verdadero transatlántico al detalle, y lo consigue estupendamente aunque en algunos momentos sirva únicamente para enredar un poco más la trama (en ocasiones nos llegaremos a preguntar ¿que diantres hace eso ahí? Incordiar sin más, no existe otra respuesta).

La banda sonora, más allá de la típica canción introducida solamente para ganarse un Oscar y poder así explotar el mercado discográfico sacando algún durillo más, está compuesta por el siempre estupendo John Williams, excelente para variar, auque cada vez más tengo la sensación de que todas sus obras son iguales (en serio, tan sólo arrancar el filme, y antes de leer los créditos, supe que la música era suya, por un momento pensé que había puesto el DVD de E.T.).

Conclusión, si os gustan las películas de aventuras con catástrofes incluidas, y estáis hartos de los planos personajes que ofrecen habitualmente, esta es vuestra película, aunque claro no esperéis milagros, para eso ya está James Cameron.

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TÍTULO ORIGINAL The Poseidon Adventure
AÑO 1972
DURACIÓN 117 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés, Hebreo
DIRECTOR Ronald Neame
GUIÓN Stirling Silliphant & Wendell Mayes (Novela: Paul Gallico)
MÚSICA John Williams
FOTOGRAFÍA Harold Stine
REPARTO Gene Hackman, Ernest Borgnine, Red Buttons, Carol Lynley, Leslie Nielsen, Shelley Winters, Roddy McDowall, Stella Stevens, Jack Albertson, Pamela Sue Martin, Arthur O'Connell, Eric Shea
PRODUCTORA 20th Century-Fox
GÉNERO Aventuras. Acción. Drama
TEMÁTICA Catástrofes. Aventuras marinas

SINOPSIS
Mientras los 1.500 pasajeros del Poseidón, un lujoso trasatlántico que navega de Estados Unidos a Europa, celebran la Nochevieja, estalla una feroz tormenta y una enorme ola transforma el placentero viaje en una catástrofe que puede acabar con la vida de todos los pasajeros.

PREMIOS
1972: Oscar: Mejor canción. 8 nominaciones
1973: BAFTA: Mejor actor (Gene Hackman). Nominada a mejor actriz de reparto (Shelley Winters)
1973: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Shelley Winters). 3 Nominaciones

CRÍTICAS
+ "Con mucha imaginación (...) Neame resucitó el cine catastrofista con esta emocionante cinta (...) obtuvo una excelente acogida comercial." (Fernando Morales: Diario El País)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 5,5
- Filmaffinity: 6,6
- IMDB: 7
* Medio: 6,4

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IT'S SUCH A BEAUTIFUL DAY (PELÍCULA)

Leyendo el post sobre la cinta en stop-motion Una noche en una ciudad / Jedné noci v jednom meste (Jan Balej, 2007, Republica Checa) en Cineticamente me dejó sobresaltó una de las ya comunes preguntas que cierran los posts del blog: “¿Cuál es la última película de animación que viste?”, de repente el asombro cubrió mi cuerpo y me di cuenta que tuve que retroceder varios meses en el tiempo para recordar ese último filme, y no solo eso, además descubrí que en lo que llevamos de año todavía ninguna película animada, uno de mis géneros favoritos, había pasado por Descubrepelis. Así que hoy vamos a remendar ese error gracias a un filme de altura, una de las mejores obras animadas de este último año, una película que logró una mención especial en Cine On, y que a mi parecer, podría haberse hecho con el premio a mejor filme, hablo del largometraje It’s Such a Beautiful Day.

Bill es un tipo corriente, que vive en un día a día rutinario del que sólo destacan pequeños anécdotas sin importancia. Bill, a simple vista, es un tipo sin interés, aburrido, pero su estado mental nos hace pensar que algo no está bien en él.

Que Don Hertzfedt no es un director cualquiera y que es ya uno de los animadores posmodernos más influyentes e importantes de nuestra época (o al menos debería ser considerado como tal), lo podemos ver gracias a cualquiera de sus trabajos animados. En su última obra It’s Such a Beautiful Day, único largometraje y quizás su trabajo más complejo, que es en realidad un tríptico compuesto por tres cortometrajes: Everything Will Be Ok (2006), I Am So Profund You (2008) y It’s Such a Beautiful Day (2011), da una vez más motivos para pensar así.

La animación siempre se ha caracterizado por ser una disciplina artística de una libertad casi sin limites, Hertzfedt siempre ha experimentado con ello y lo hemos podido ver en sus anteriores trabajos, estupendo ejemplo es la recomendable Género / Genre en la que juguetea con el dibujo de un conejo más allá de los límites del papel, algo así como un Duck Amuk fuera de estudio. A ese carácter artístico y experimental debemos sumar el fuerte humor negro del artista, implícito en todas sus obras, aunque estas traten temas dramáticos (Billy’s Ballon, por citar alguna), y el espíritu independiente que podemos apreciar no sólo por la escasa financiación de los filmes y la negativa del artista a trabajar para las agencias de publicidad, si no también gracias a trabajos tan fascinantes y alocados como Rejected, una sátira sobre los anuncios de televisión. Todos estos factores se convierten en característica implícita de todas sus obras, pero es en It’s Such a Beautiful Day dónde todas ellas cuentan con el mismo peso.

Lo que se presenta como la cómica historia de un monigote cualquiera dibujado como una figura de palo, va tornándose un oscuro relato a lo David Lynch que nos va introduciendo poco a poco en la mente del protagonista. El universo que se esconde en la cabeza de Bill es de lo más fascinante y choca por completo con la realidad que le rodea, una realidad tan confusa como su propia mente. Hertzfedt utiliza los supuestos recuerdos en forma de flashbacks de un modo totalmente desordenado jugando con nosotros y acercándonos así al estado mental de Bill, poco a poco irá introduciendo técnicas artísticas como el rallado de la película, la yuxtaposición fotográfica, la sobreexposición a la luz o la técnica de recortes, que irán acentuado el extraño estado mental de nuestro nuevo amigo.

Es inevitable, y como bien apunta Caith_Sith en su crítica en Filmaffinity, un regreso a los orígenes del cine cuándo el espectador percibía como reales las imágenes de la pantalla, aunque en esta ocasión lo real no entra por la vista, si no emocionalmente, creando una simbiosis impactante entre espectador y metraje. Sentir confusión, angustia o melancolía no es casual en It’s Such a Beautiful Day, su autor sabe como crear esa empatía y todo gracias a su entrega artística. Es la primera vez que Hertzfedt sustituye el fondo blanco de sus cortometrajes por el negro, y es que también es la primera vez que el drama toma destaca sobre la comedia negra en uno de sus trabajos, aunque ambos siempre han estado presentes.

Así pues adentrarse en It’s Such a Beautiful Day es una experiencia única y fascinante que ayuda a descubrir no sólo uno de los mejores trabajos animados de 2012, si no también una de las mejores películas de lo que llevamos de siglo.

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TÍTULO ORIGINAL It's Such a Beautiful Day (Film)
AÑO 2012
DURACIÓN 62 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Don Hertzfeldt
GUIÓN Don Hertzfeldt
MÚSICA Varios (música clásica)
FOTOGRAMAS Animation
VOCES ORIGINALES Don Hertzfeldt
PRODUCTORA Bitter Films
GÉNERO Animación. Drama
TEMÁTICA Comedia dramática. Animación para adultos. Cine experimental. Cine independiente USA

SINOPSIS

Bill se encuentra con un conocido del que casi no recuerda nada, así que ambos se cruzan pero no se paran a hablar. No se volverán a ver jamás. Bill va al supermercado y se cruza con gente extraña que quizás no vuelva a ver jamás. Los observa pero no interactúa con ellos. Tan solo se cruza unas palabras con la cajera y la conversación se le antoja frustrante. Bill se sienta en un banco y observa...

Poco a poco, con acciones cotidianas iremos descubriendo que Bill no está del todo bien...

 

PREMIOS

2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película de animación (2ª posición)
2013: Festival de Annecy: Sección oficial largometrajes (fuera de competición)

 

CRÍTICAS

+ "Pese a ser una figura hecha con palitos, Bill, el personaje principal de "It's Such a Beautiful Life" tiene una compleja vida interna (...) Hertzfeldt hace un trabajo extraordinario haciendo que sientas toda su tristeza, temores y trascendencia." (Neil Genzlinger: The New York Times)

+ "Un collage Frankensteiniano que evoca a las películas de Terrence Malick, David Lynch, Stan Brakhage y Bruce Conner (...) Revelador." (Simon Abrams: Village Voice)

+ "Si James Thurber trabajase en animación, el resultado luciría y sonaría como este "It's Such a Beautiful Day"." (Peter Debruge: Variety)

+ "Una película sorprendentemente emocionante que se beneficia de su humor oscuro sin que éste ahogue los momentos más dramáticos." (John DeFore: The Hollywood Reporter)

+ "Sin dificultad, una de las mejores películas de animación del nuevo siglo." (J.R. Jones: Chicago Reader)

+ "Un extraordinario debut en el largometraje (...) el método de Hertzfeldt le convierte en uno de los más fascinantes y disfrutables directores americanos contemporáneos." (David Jenkins: The Guardian)

+ "Los resultados son divertidos, extrañamente conmovedores y personalmente entrañables (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Mike McCahill: The Guardian)

 

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 8

- Filmaffinity:  7,8

- IMDB: 7,9

* Media: 7,9

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BERRIRO IGO NAUZU (HOY HE VUELTO A SUBIR)

El pasado fin de semana se celebró con éxito la segunda edición de Mostremp, Muestra de cine rural del Pallars. Este año la calidad de los trabajos presentados ha sido realmente excepcional por lo que la competición ha estado de lo más reñida, pero el jurado solo podía premiar a una, así que otorgó el mayor galardón a About Ndugu bout Ndugu, inspirada en el largometraje A propósito de Schmidt del director Alexander Payne que refleja las aventuras de un niño del África subsahariana que recibe una carta de su padre adoptivo norte-americano contándole que ha muerto su mujer. Además han decidido ofrecer una mención especial a Broken Border un documental iraní dirigido por Keywan Karimi. Por su parte, el público premia una vez más a la comedia, siendo la divertida L’estratègia de Madame Bretó la que se fue con el merecido reconocimiento. Como novedades este año la muestra ha ampliado las secciones infantil y juvenil ofreciendo una selección de trabajos de Animac Camina y Cinema en curs, además de ampliar las secciones fuera de los días del festival llevando las proyecciones a otras poblaciones de las comarcas colindantes gracias al crowfundig, y ofreciendo una retrospectiva muy interesante con cortometrajes iraníes presentados por algunos de los artífices de estos. Las previsiones para una tercera edición son pues muy favorables, y parece ser que poco a poco, Mostremp, va a ser un festival de referencia para el cine rural.

Para ilustrar la entrada, vamos con el cortometraje que se llevó el premio del jurado en la pasada edición de la muestra: Berriro Igo Nauzu. Un trabajo que forma parte de una colección que se puede ver en el Museo San Telmo y que más tarde se llevaría otros galardones en múltiples festivales internacionales.

Este pequeño trabajo de Carlos Rodríguez es un estupendo ejemplo que capta perfectamente la idea de la muestra basada sobretodo en buscar los nuevos elementos que caracterizan la vida en el campo, lanzando su mirara en el hoy pero sin olvidar el ayer. De este modo, la cinta vasca Berro Igo Nauzu, cumple con creces el objetivo siendo el resumen ideal de la esencia del festival.

Basada en el texto de Kirmen Uribe:

Hoy he vuelto a subir a mi montaña. He tomado el camino de mi infancia y he llegado al viejo haya. Parece ser que fue el abuelo de mi abuelo quien plantó el retoño y lo cuidó mientras vivió. Lo limpiaba de zarzas y de malas hierbas, para que creciese fuerte. Parece ser que el abuelo de mi abuelo era bertsolari, dictaba los versos a sus hijos, para que luego los vendiesen en pliegos sueltos, cuando iban de plaza en plaza. Cuando murió, su mujer falleció a los pocos días, de pena, según cuentan. Pero el haya nunca murió…1

El protagonista y narrador de la historia, nos cuenta como el paso del tiempo ha ido cambiando la vida del caserio en el que nació, que se ha ido adaptando a el progreso histórico y a los nuevos hábitos del hombre. Pare ello echa mano de la poética y se nos conduce por sus imágenes a través de una narración en off casi recitada, que sumada a los sonidos de la naturaleza o a los creados por el hombre, crean una simbiosis y un clima únicos que embellecen el trabajo.

Su paseo por flashbacks a través del lugar no pretende ser un canto a un pasado mejor, si no tan solo un ejemplo de cómo el medio rural ha tenido que ir adaptándose a los tiempos actuales, pero sin perder las características importantes que le hacen único. El reflejo cultural del medio rural en general y del país vasco en particular es simplemente perfecto.

Para poder visionar el metraje no hace falta visitar el museo de Donostia que lo proyecta junto a otros trabajos, ya que también en Internet puede disfrutarse. Así que no hay excusa.

1. Fragmento sacado de http://morgancrea.tumblr.com/post/10614789648/berriro-igo-nauzu

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TÍTULO ORIGINAL Berriro igo nauzu
AÑO 2012
DURACIÓN 10 min.
PAÍS España
IDIOMA Euskera
DIRECCIÓN Carlos Rodriguez
GUIÓN Kirmen Uribe (Texto: Kirmen Uribe)
MÚSICA Mixel Etxekopar, François Rossé, Olatz Zugasti
FOTOGRAFÍA Juantxo Sardón
REPARTO Mikel Aranburu, Uxue Etxebeste, Xabier Kerexeta, Arantza Egitegi, Vitorio Azkue, Joxe Mari Urkiliza Orbegozo, Felipe Eizagirre, Joseba Iraeta, Escolástica Martín, Rita Portularrume, Josune Uribe, Lara Rodríguez, Pilar Oliden, Itziar Lamarka, Andoni Curiel, Jose Mari Salaberria, Aroa Iraeta, Juani Martín, Iñigo Sáinz, Jabier Arregi, Yul Rodríguez, Marisa Arruabarrena, Mikel Etxarri, Paco Olascoaga, María Pilar Olascoaga, Amalia Santamaría
PRODUCTORA Rosafrey / Susy Suranyi y Asociados
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Vida rural. Cortometraje

SINOPSIS

Un poema visual, una aproximación a la evolución del caserío vasco (y del País Vasco) en los últimos 150 años, a partir de un texto original del escritor Kirmen Uribe. Entre la ficción y el documental, ‘Berriro Igo Nauzu’ (Hoy he vuelto a subir) nos cuenta cómo hemos pasado de vivir aislados del mundo, a estar integrados en el futuro como ‘casa’ compartida con todos.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,5

- Filmaffinity: No catalogado

- IMDB: No catalogado

* Media: 6,5

CORTOMETRAJE COMPLETO

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ESPERANDO LA CARROZA

Ya han pasado años desde que en 1962 se estrenaba en teatros el libreto de Jacobo Langsner, Esperando la Carroza, una comedia negra que radiografiaba la sociedad argentina de entonces (aunque extrapolable a muchos otros rincones del globo) de un modo realmente jocoso. Curioso que en 1985, momento en que se adaptó al cine, su contenido continuaba igual de actual; pero lo más sorprendente es, que hoy, lo que nos cuenta, sigue siendo igual de fresco. Es entonces cuándo nos damos cuenta de cómo el cine más allá de puro entretenimiento o de muestra de arte, es una importante herramienta crítica e histórica.

Mama Cora vive con el mayor de cuatro hermanos, junto a su nuera y su nieto recién nacido. Susana, la esposa de su hijo, empieza a padecer ataques de nervios, a causa de sus problemas económicos, la falta de espacio en el hogar y los inevitables achaques de la edad que sufre su suegra. Susana decide aprovechar una reunión familiar para quejarse de su situación y plantear que ha llegado el momento del relevo y que otro de los hermanos debe hacerse cargo de la anciana. Mientras discuten la situación, Cora desaparece y la noticia de una anciana hallada muerta en las vías del tren hará aflorar “lo mejor” de cada uno de los miembros de la familia.

Alejandro Doria nos conduce por una película realmente hilarante, en la que unos diálogos excelentes y unas interpretaciones a la altura, nos hace pasar uno de los mejores ratos posibles delante de una pantalla. Adaptando el libreto de la obra al cine, Doria sigue aprovechando la esencia del escenario sin renunciar jamás a las herramientas dinámicas que ofrece la cámara, de este modo consigue una puesta en escena directa que no necesita de demasiada filigrana para atrapar al espectador y meterle de lleno en sus enredos.

Es pues el texto, el que nada más arrancar el filme, atrapa todo nuestro interés y demuestra que lo que estamos a punto de ver nos va ha hacer pasar el mejor de los ratos. Sus ácidas frases son la clave, estas han logrado un calado tan grande en el espectador que ha día de hoy han convertido el filme en una película de culto, muchas de ellas se han incorporado en el imaginario colectivo siendo todavía hoy utilizadas por muchas personas que quedaron prendados de estas, y no es para menos.
Evidentemente, estas no serían nada si no fuera por haber sido interpretadas por los actores del filme, personas procedentes del teatro, que incluso ya habían trabajado antes en la obra original, y que  hacen suyos esos fabulosos diálogos. Aunque todos ellos están a la altura es imposible no destacar a China Zorrilla que se come literalmente la pantalla (y de vez en cuándo algún pastel), que a través de su sobradamente conocida verborrea se hace suyo uno de los personajes más divertidos del filme.

Pero Esperando la carroza no es una comedia negra sin más, el filme no duda en mostrar una fabulosa radiografía social en la que se muestran diferentes niveles de la clase social argentina a través de los cuatro hermanos; Antonio, casado con Nora, representa la clase alta cuyo cinismo es sorprendente (estupenda la escena dónde Antonio comenta a uno de sus hermanos que se le parte el corazón al ver como sus primos sólo tienen dos empanadas que sobraron de la cena de ayer para comer, algo que no le priva de comerse una), Sergio, representando la clase media, intentando aparentar lo que no es y casado con Elvira. Jorge, de la humilde clase baja, emparejado con Susana con la que compartirán apuros para llegar a final de mes, y finalmente Emilia, única mujer de la familia, viuda y con un desastre de hijo al cargo, vive en la pobreza.
A través de la familia Musicardi el texto representa de un modo totalmente irónico la realidad de un país que se divide en unas clases sociales muy marcadas, además de acercarse también a la precariedad a la que son sometidos los mayores en particular y las relaciones familiares en general.

A pesar de la dura acogida por la crítica y un escaso éxito de público, el filme de Doria ha ido convirtiéndose con honores en una película de culto, logrando así que se programe una vez al año en la televisión argentina, e incluso consiguiendo en 2008 una secuela (de nivel muy inferior), y es que perderse una película tan hilarante y a la vez interesante no es algo que merezca nadie. Tras su visionado uno se da cuenta que acaba de ver una joya, y quedará atrapado sin querer, gracias a sus estupendos diálogos y surrealistas situaciones. Os recomiendo pues su inmediato visionado, sin excusas (Youtube os lo pone fácil), y ya me contaréis el estupendo rato que habéis pasado.

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TÍTULO ORIGINAL Esperando la carroza
AÑO 1985
DURACIÓN 87 min.
PAÍS Argentina
IDIOMA Español
DIRECCIÓN Alejandro Doria
GUIÓN Alejandro Doria & Jacobo Langsner
MÚSICA Feliciano Brunelli
FOTOGRAFÍA Juan Carlos Lenardi
REPARTO Luis Brandoni, China Zorrilla, Antonio Gasalla, Julio De Grazia, Betiana Blum, Mónica Villa, Juan Manuel Tenuta, Andrea Tenuta, Cecilia Rossetto, Enrique Pinti, Darío Grandinetti, Lidia Catalano
PRODUCTORA Rosafrey / Susy Suranyi y Asociados
GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Familia. Comedia negra. Vejez

SINOPSIS

Mamá Cora, muy cerca ya de los ochenta años, tiene tres hijos y una hija. Vive con uno de ellos, precisamente el más pobre. un día la familia se reune para celebrar una comida de aniversario, y es en ese momento cuando se plantea el gran dilema: ¿Quién será el próximo heredero de doña Cora? ¿Quién se hará cargo de ella llevandosela a su casa? El peliagudo asunto se complica cuando reciben la noticia de que la anciana se ha tirado a la vía del tren.

CRÍTICAS

+ "Un clásico de lo grotesco (...) no hay que pestañear (cada fotograma es un fragor) (...) y aguzar bien el oído para no perderse ni una lasca de los diálogos (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC )

= "Una de las comedias más exitosas del reciente cine argentino, en la que se satirizan los mitos de la clase media a través de una parodia de los melodramas domésticos. Sabe mantener el tono adecuado, evitando caer en lo grotesco, aunque no lleva demasiado lejos sus estimulantes premisas. Puntuación: ★★★ (sobre 5)." (Fotogramas)

CURIOSIDADES

- El personaje Mamá Cora, siguió siendo interpretado por Antonio Gasalla en diversos programas televisivos, incluso la obra tuvo una versión televisiva en 1993. Actualmente Gasalla hace el personaje ―que ahora se llama La Abuela― como invitado en el programa de Susana Giménez y en Showmatch de Marcelo Tinelli.

- En esta película se ve un guiño a la película La nona (de 1979), donde también un hombre (Pepe Soriano) interpreta a una anciana abuelita (la Nona).

- La casa donde transcurren las principales escenas, se encuentra en la calle Echenagucía, muy cerca de la plaza Ciudad de Banff, en el barrio de Versalles de la ciudad de Buenos Aires. Fue declarada Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

- En septiembre de 2008 se rodó una secuela titulada Esperando la carroza 2 con los mismos actores principales de la original, exceptuando a China Zorrilla, Julio de Grazia, Antonio Gasalla, Enrique Pinti y Darío Grandinetti. Fue estrenada el 2 de abril de 2009.

- En Esperando la carroza 2 el papel de Jorge lo tomó Roberto Carnaghi suplantando a Julio de Grazia (Jorge en la primera parte) que se suicidó en 1989.

- Entre las distintas adaptaciones internacionales, figuran una película para la televisión portuguesa titulada Querida mãe (basada en la película), y una pieza teatral realizada en Madrid (España) hecha con actores españoles hablando con acento argentino. En 2008 se realizó una adaptación brasileña de la historia, llamada A guerra dos Rocha, protagonizada por Ary Fontoura. Fue realizada por Fox Filmes do Brasil con apoyo de Globo Filmes.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,6

- Filmaffinity: 7,6

- IMDB: 7,7

* Media: 7,6

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FACING MIRRORS

Si el nutrido e interesante panorama del cine iraní ya es de bastante difícil distribución en nuestro país, siendo toda una odisea visionar las películas de directores de renombre internacional como pueden ser Abbas Kiarostami o Jafar Panahi, todavía es más complicado que se lleguen a ver obras de pequeños cineastas que ofrecen una mirada distinta a los artistas galardonados en Cannes o Berlín, siento su cine igual de valiente que el de los más reputados. Para poder ver estas películas siempre nos quedarán los pequeños festivales y muestras cinematográficas, y con suerte y algo de maña, poder encontrarlas en el ciberespacio.

De estas pequeñas películas destaca una pionera producción firmada por un novel Negar Azarbayjani que se atreve con la que es la primera película iraní con protagonista transexual, dato sorprendente en un filme realizado en 2011, pero claro, estamos hablando de Irán, dónde la tradición religiosa prima por encima de todo.

El marido de Rana está en prisión, así que esta deberá tirar adelante ella sola y mantener a su pequeño hijo, además de pagar la deuda que mantiene a su esposo en prisión. Para ello se convertirá en taxista, algo que la ayudará a ir ahorrando el dinero para pagar lo que debe. Su trabajo le llevará a conocer a Eddie, un chico que recoge en la carretera y al cual decide acompañar en un largo viaje a cambio de una importante suma de dinero. Rana entra en conflicto con ella misma al descubrir que Eddie es transexual.

Al puro estilo Boys don’t cry, pero sin la crudeza característica de esta, el filme se mete de lleno en un tema completamente tabú en su país. Eddie se lanza al viaje para huir de su hogar, al sentirse obligado a casarse con un primo y de este modo no deshonrar el nombre de su familia, y poder hacerse la operación de cambio de sexo en Alemania (aunque en su país esta completamente permitido hacerlo, de hecho tras Tailandia es el país dónde más se practica la operación). La premisa sirve de excusa no solo para reflejar la realidad de las personas trans del país, considerada su condición como una enfermedad sujeta a cura (algo que choca con la homosexualidad, considerada pecado y por lo tanto delito), si no también y especialmente, en la condición de la mujer.

Aunque el reflejo del filme sobre el tema de la identidad de género es su principal factor, no invita a una profunda reflexión sobre el tema, ya que la película ya da todo lo que puede de si para explotarlo, sorprende pues como el interés va mucho más allá de su principal premisa y llama mucho más la atención la figura de la mujer en un país de fuerte tradición islámica. De ahí que Rana sea la figura más interesante del metraje que nada más arrancar ya se presenta como una mujer chapada a la antigua, pero que poco a poco va a ir entendiendo que las normas no son como deberían ser.

Ya empezado el filme, la mujer debe tomar un trabajo exclusivo de hombres para poder subsistir, siendo esta la primera brecha en su forma de pensar, más tarde, tras forjar una amistad con Eddy, es cuándo la mujer tendrá su mayor conflicto interior causando una lucha propia que desencadenará en una lucha más a favor de su nueva amistad. A pesar de ello, Rana siegue estando influenciada por la presencia de su esposo, no tiene reparo en confesar que lo único que le interesa es el amor hacía su marido, y está claro que todo lo hace por y para él aunque sus métodos no sean del agrado de este. A pesar de su servicial sumisión, Rana despierta una pequeña llama de auto-reflexión, que será la principal baza de la historia. Es seguramente la mejor parte del filme, cuándo al finalizar, escuchamos la conversación de Rana con su marido, este ya enterado de todo lo que ha hecho su mujer, en la que oímos las palabras del hombre, dónde su inconformidad es precisamente un resumen estupendo de la película, que en tan solo cuatro palabras refleja una realidad que debería ser de evidente cambio.

Películas como Close-Up de Kiarostami, nos enseñan como se puede conseguir que el bajo presupuesto no sea motivo para que una película se produzca con un resultado irregular fuera del guión, los fallos de imagen pueden ser también una herramienta que refuerce el contenido de la película, algo que no pasa en Facing Mirrors, los cambios de luz, o del uso de una cámara por otra (algo que se nota especialmente cuándo la acción abandona territorio iraní y se desplaza a Alemania, dónde la imagen da un salto tremendo). Esto emborrona el resultado final de la película, pero es evidente que no podemos pedir demasiado a una película así.

Por otro lado, la historia se presenta argumentalmente de un modo formal utilizando sistemas retóricos y sin mucha concesión al ámbito artístico, lo que da como resultado una película algo aburrida en algún momento, sustentada únicamente por el interés que pueda suscitar la historia en si, por lo tanto requiere de un esfuerzo por el espectador para sentirse atraído por ella.

A pesar de todos sus puntos flacos, la película tiene un contenido suficientemente interesante como para fijarse en ella, así lo ha dejado claro al triunfar en distintos festivales de temática homosexual alrededor del globo terráqueo, así que adentrarse en ella, no está de más.

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TÍTULO ORIGINAL Aynehaye rooberoo

AÑO 2011
DURACIÓN 102 min.
PAÍS Irán
IDIOMA Persa, Alemán
DIRECCIÓN Negar Azarbayjani
GUIÓN Negar Azarbayjani, Fereshteh Taerpoor
MÚSICA Fardin Khalatbari
FOTOGRAFÍA Turaj Mansuri
REPARTO Shayesteh Irani, Qazal Shakeri, Homayoun Ershadi, Maryam Boubani, Nima Shahrokh Shahi, Saber Abbar, Hengameh Ghaziani, Rabe'e Oskooyi
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Transexualidad. Mujer. LGBTIQ

SINOPSIS

Rana, mujer y madre tradicional, se ve obligada a conducir un taxi para pagar la deuda que mantiene a su marido en la cárcel y por casualidad recoge a Eddie, perseguido por dos hombres. Al principio, Rana intenta ayudarlo, pero cuando se da cuenta de que el chico es transgénero surge entre los dos un serio conflicto. Facing Mirrors es la primera película iraní con un protagonista transgénero.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6
- Filmaffinity: -

- IMDB: 6,5

* Media: 6,3

TRAILER

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INSIDIOUS

 

Está claro que dentro del panorama cinematográfico de terror no hay mucho campo dónde innovar, sobretodo cuándo los que suelen centrarse en el género son las grandes majors americanas, las cuales no están dispuestas a arriesgar ni innovar, con repetir las formulas de siempre mientras estas den dinero a cambio de poco tienen suficiente. Otros que se zambullen en ello son los nuevos cineastas, amantes del cine de género, y aunque estos puedan lograr filmes mucho más interesantes, normalmente también suelen emular las formulas de sus inspiradores en un acto de amor y fe. A pesar de ello, en contadas ocasiones suelen despuntar algunos directores que pueden ofrecernos algo más, ese es el caso de el nuevo movimiento de cine de terror americano más indi, encabezado por el que quizás sea el realizador más comercial de ellos, James Wan.

Wan se ha hecho conocido gracias sobretodo por ser el artífice del inicio de una de las sagas más rentables del género, Saw, algo que suele traducirse en un etiquetado erróneo hacía el realizador tildando sus películas de saca-dinero, aunque si nos fijamos bien Wan sólo planta la semilla y luego son las grandes productoras las que explotan su nombre hasta agotar la idea y convertirlas en filmes huecos de interés (aunque sí, su nombre también aparece en los créditos como productor), cuándo en realidad lo que podemos encontrar en este director de origen malayo es una pasión desbordante hacía este tipo de cine. Esto lo podemos ver en cualquiera de sus obras, especialmente en su inicio con el cortometraje homónimo que sirvió de precedente a su primer largo, Saw 0.5, en el que ya nos podemos dar cuenta de su fanatismo por lo escabroso y su amor por los clásicos del terror moderno. En cualquiera de sus películas podemos encontrar una indiscutible frescura y originalidad en el relato y el modo de hacer, incluso más allá de si sus obras son redondas o no, lo podemos ver por ejemplo en Insidious.

Una familia acaba de mudarse a una vieja casa, tras un pequeño accidente uno de sus hijos queda en estado de coma y a partir de ese momento empezarán a suceder sucesos extraños.

La clave de Wan es que a pesar de recurrir a las historias de terror de siempre, en este caso el género de casas encantadas, no cae en el error de las películas que se suelen ver hoy en día en las salas, esos reboots y remakes que llaman a un público mayoritario que anhela volver a encontrarse con unas actualizadas caras conocidas, y que a pesar de llenar las salas, estos suelen salir decepcionados, ya que al conocer previamente los secretos de la historia no se sienten sorprendidos durante el visionado. Es por eso que Wan trabaja con una historia original, algo que siempre ha sido clave en sus producciones, de este modo el público no sabe lo que se va a encontrar, forzando así la tensión en sus relatos.

Wan no cuenta nada que no hayamos visto antes en obras clave del terror moderno como pueden ser la excelente Al final de la escalera o la de culto Poltergeist, los recursos son los mismos, pero se guarda un as en la manga para sorprender todavía más al espectador, un pequeño mcguffin que nos muestra que lo que estamos viendo esconde una realidad distinta a la que creemos.

Insidiuos se configura pues como una entretenida cinta de terror, que a pesar de su base simple, se presenta como una respetable película de entretenimiento de lo más correcta, basada especialmente en el amor que procesa su director hacía ella y el respeto al espectador al no convertirse en un producto prefabricado.

El espectador difícilmente puede quedar decepcionado con una historia así, si bien es cierto que flojea en un diseño de producción algo descabellado en la parte final del filme, que se acerca más al chiste que al terror, causado principalmente por el bajo presupuesto de la película (presupuesto con el que eligió trabajar Wan, ya que de este modo cuenta con más libertad), algo que rompe con las líneas generales que la película ha ido creando desde el principio.

Insidious no es ni será una obra clave del género, pero cumple muy bien con un espectador que ha sabido premiarla con un buen éxito de taquilla, tal éxito ha hecho que Wan cree una segunda parte, con la que parece se despedirá del género de terror (después de alcanzar, parece ser, su clímax cinematográfico con Expediente Warren, último filme estrenado). Sorprende que un director como él decida abandonar un género tan amado y con el que se desenvuelve a la perfección para empezar a dirigir películas por encargo que empezará por la séptima parte de A todo gas (¡!). Pero ya se sabe que al final lo que manda es el dinero, y su decisión de abandono siempre puede ser algo temporal.

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TÍTULO ORIGINAL Insidious
AÑO 2010
DURCIÓN 102 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR James Wan
GUIÓN James Wan, Leigh Whannell
MÚSICA Joseph Bishara
FOTOGRAFÍA David M. Brewer, John R. Leonetti
REPARTO Rose Byrne, Patrick Wilson, Ty Simpkins, Barbara Hershey, Andrew Astor, Lin Shaye, Leigh Whannell, Angus Sampson
PRODUCTORA Alliance Films / Blumhouse Productions
GÉNERO Terror
TEMÁTICA Sobrenatural. Casas encantadas. Posesiones/Exorcismos 

SINOPSIS

Josh,, su esposa Renai y sus tres hijos acaban de mudarse a una vieja casa. Pero, tras un desgraciado accidente, uno de los niños entra en coma y, al mismo tiempo, empiezan a producirse en la casa extraños fenómenos que aterrorizan a la familia.

CRÍTICAS

+ "Una película de casas encantadas que tiene algunas de las imágenes más escalofriantes e indelebles que he visto en un filme de terror en décadas" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

= "No es asombrosamente buena, pero los espectadores tendrán lo que buscan (...) Puntuación: ★★½ (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Un filme de casas encantadas por encima de la media, sobre todo porque 'Insidious' decide que puede atormentar al público sin rociarlo con sangre (...) Puntuación: ★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

- "Mucho más desagradable que aterradora (...) Las repetitivas imágenes carentes de cualquier tipo de factor inquietante se añaden al tedio (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "La película trata de meterse debajo de tu piel y dentro de tu cabeza. A veces lo consigue"N(Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

+ "Un irresistible freak show, rodado con acierto de una forma nerviosa y espasmódica, que descuadra (para bien), perturba y divierte a partes iguales. Un festín" (Desirée de Fez: Fotogramas)

- "Corrientes circulares del terror posmoderno. (...) a Wan se le enrevesa el camino y ya no sabe hacia donde se dirige su nueva e insidiosa creación. Quizás se la encuentre en el limbo de los terrores inacabados. (...) Puntuación: ★★½ (sobre 5)" (Sergio F. Pinilla: Cinemanía)

- "Un film insidiosamente mediocre (...) Wan pretende darnos una historia de casa encantada, poltergeists y posesiones netamente clásica. El problema es confundir clásico con pretencioso, aburrido, pomposo y tópico" (Jesús Palacios: Fotogramas)

+ "Propone una vuelta a las raíces esenciales del género para reescribirlas (...) Wan logra que la voz del excéntrico Tiny Tim resulte inquietante o que un par de personajes accesorios brillen como sutil y eficaz pareja cómica" (Jordi Costa: Diario El País)

= "Lástima que en el tramo final la pirotecnia se adueñe sin piedad de la función, porque en su primera parte 'Insidious' es un ejercicio de terror más que notable (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Un aterrador viaje al lado oscuro que pasa por la descomposición del terror" (Gonzalo de Pedro: Diario Público)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6

- Filmaffinity: 5,7

- IMDB: 6,7

* Media: 6,1

TRAILER

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