BONSÁI

Vista en Cannes dentro de la sección "Un certain regard" el año pasado, aterriza en nuestro país la cinta (mayoritariamente) Chilena Bonsái. Una película que llega en forma de aire fresco para compensar la calurosa oferta de las salas de cine de este mes de agosto.

Se dice, se comenta, que su autor refleja la generación post-Pinochet, pero a nosotros esa reflexión impuesta por la crítica nos da un poco igual, ya que con tan solo fijarse en su contenido tenemos suficiente, y es que esta historia de amor, libros y plantas es simplemente una delicia en forma de cine de la que quedarse prendado es un regalo. Su espectacular arranque (al igual que su sincero final) son muestra de lo mucho que el film nos puede ofrecer.

Intentar explicar con palabras la historia que nos cuenta su autor Cristián Jiménez - que a su vez adapta la novela de Alejandro Zambra - es un pecado, ya que lo que logra a través de la pantalla es algo para sentir y no para leer, de ahí que su relación con el libro sea tan solo una relación de profundidad.

Lo mejor de Bonsái es ese hacer que nos pone difícil catalogarla, siendo claramente un drama por su tristeza ligera pero que se permite el humor equiparándose así a cualquiera de nuestras vidas, porqué al final la historia que nos presenta puede ser la vida de cualquiera de nosotros o de nuestros vecinos.

La historia es contada en fragmentos que siguen dos líneas de tiempo distintas sobre un mismo personaje: Julio. Por un lado sus tiempos de juventud, su primer amor Emilia, su saberse encontrar a través de la literatura... Por el otro, en su madurez, se encuentra perdido en una nueva sociedad en la que no encaja pero en la que tendrá los mismos dolores de cabeza que el resto, y en él veremos como su pasado le ha influenciado en quién es ahora.

Descubrir esas emociones contenidas sin demostraciones directas es el mayor placer que nos ofrece la película, un personaje desgarbado que se acerca al ser cómico pero que supura tristeza y melancolía por los cuatro costados, un trabajo soberbio no solo en la estupenda interpretación de Cristóbal Briceño, si no en la creación del personaje y en como ha sido llevado a la pantalla. Es imposible no quedarse prendado de sus imperfecciones, de su fragilidad y sentir una conexión estupenda no sólo con él, si no con el resto que lo rodean. De este modo, el filme deja un poso en nuestro corazón como otro no lo haría, algo muy agradecido de sentir.

Es sorprendente como una película tan simple, que nos cuenta una historia tan común, esta llena de una complejidad tan grande, que sin sucumbir a la pedantería ni en querer utilizar el simbolismo extremo de autor, ofrece un resultado tan tremendamente redondo y elogiable. A todo ello debemos dar las gracias a su director por no tratarnos como idiotas, y nos deje libertad para ver las cosas según nuestro criterio, dejándonos a titulo personal como captar ciertos momentos del filme y algunos de los acontecimientos que se suceden.

La realización de Jiménez, aunque se permita algunas licencias puntuales que despistan un poco el tono del film, consigue sobretodo gracias a la fotografía de Inti Briones, dar un guantazo a esos personajes que han querido darnos gato por liebre con el 3D. La película demuestra (aunque las actualizaciones a la alta definición de las salas de cine tengan mucho de ese mérito), que no es necesaria tanta tecnología para ofrecer unas imágenes que se tocan, y todo con sencillez y sin artificios de ningún tipo, simplemente con un saber hacer lleno de tacto y unas ganas de transmitir que deberían contagiar a más de uno, incluso los títulos de crédito están llenos de texturas fabulosas, que por momentos olvidamos que eso que estamos viendo son fotografías y las confundimos con el propio papel.

Aventurarse a dejarse llevar por Bonsái es una decisión muy acertada, no sólo por acercarse a la saludable cinematografía suramericana que cada vez más se está erigiendo como un lugar dónde poder encontrar trabajos de un nivel excelente, si no por sumergirse en una manera de contar las cosas distinta a lo que comúnmente nos tienen acostumbrados otras culturas ya más vistas.

A Bonsái podemos sacarle mucho jugo, y dejar escapar su visionado es un error.

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TÍTULO ORIGINAL Bonsái
AÑO 2011
DURACIÓN 102 min.
PAÍS Chile, Argentina, Portugal, Francia
IDIOMA Español
DIRECTOR Cristián Jiménez
GUIÓN Cristián Jiménez (Novela: Alejandro Zambra)
MÚSICA Caroline Chaspoul, Eduardo Henríquez
FOTOGRAFÍA Inti Briones
REPARTO Gabriela Arancibia, Cristóbal Briceño, Julio Carrasco
GÉNERO Drama. Romance
TEMÁTICA Literatura. Drama romántico

SINOPSIS
Al final de la película, Emilia muere y Julio se queda solo. En realidad, Julio ya estaba solo desde hacía años, mucho antes de la muerte de Emilia. Pero lo que importa es que, al final, Emilia muere y Julio permanece con vida. Julio vive y Emilia no. El resto no es más que ficción.

PREMIOS
2011: Festival de Cannes: Sección oficial a concurso (sección "Un certain regard")
2011: Havana Film Festival: Mejor película
2011: San Sebastián: Nominada al premio Horizontes
2012: Miami Film Festival: Premio del jurado en la competición Ibero-Americana. Premio Jordan Alexander Kressler al guión.

CRÍTICAS

= "A pesar de las ínfulas narrativas, la (en realidad doble) historia de amor sigue funcionando como tragicomedia generacional" (Javier Ocaña: Diario El País)

= "El nostálgico y, en el fondo, bastante triste filme resulta una propuesta original, estimulante y divertida (aunque el realizador se empeñe a veces demasiado en demostrarlo, lo que se nota). Una chilena, en fin, tirada con gracia." (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

= "Aunque su desarrollo es algo letárgico, cuenta con personajes acogedores, bien silueteados y detalles ingeniosos (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "A medio camino entre la comedia romántica, la melancolía, el amor a los libros y los ejercicios metaficcionales con dosis de parodia del mundo culturetas, Bonsái es un nuevo exponente del buen momento que atraviesa el cine latinoamericano." (Juan Sardà: El Cultural, El Mundo)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,4
- Filmaffinity: 6,7
- IMDB: 6,1
* Media: 6,7

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MAGGIE SIMPSON: UN LARGO DÍA DE GUARDERÍA

El verano es la época del año que injustamente es más pobre en cuanto a novedades cinematográficas (aunque siempre hay jugosas propuestas a tener en cuenta), por desgracia eso también me afecta a mi y directamente al blog siendo como podéis comprobar una época pobre de actualizaciones, lo peor de todo siempre es la vuelta, ya que cuesta reengancharse al teclado y volver a ir comentando aquellas películas a las que encuentro algún punto de interés, coger la lista de filmes y ofrecer mi humilde opinión e intentando abrir vuestra curiosidad. Pero por algún lado hay que volver a recuperar el ritmo y para ello he elegido una propuesta que todavía se puede disfrutar en las salas de cine, y que raramente ha pasado más desapercibida. Y no nos engañemos, aunque se presente como un pequeño complemento en forma de regalo para los que vayan a ver Ice Age 4 en realidad lo mejor de la sesión doble es este estupendo cortometraje, una joya de 5 minutos que no hay que perderse.

David Silverman, ya artífice de llevar a pantalla grande a la familia televisiva más conocida y querida de todos los tiempos: Los Simpson, en esa divertida sátira que no perdió ápice de la esencia original de la serie original, trabajo ya de por sí elogiable, vuelve a atreverse con la comunidad amarilla esta vez lanzando su mirada a uno de los personajes más pequeños, pero que más enamoran a los seguidores de la longeva serie animada: Maggie Simpson.

Podemos contar con los dedos de una mano las aportaciones realmente importantes en la serie que la pequeña Maggie ha protagonizado, dejándonos siempre con las ganas de descubrirla mejor a sabiendas de lo mucho que nos puede ofrecer, eso sí, unas aportaciones todas ellas antológicas. Y por fin, esa pequeña niña desata todo su potencial a lo grande, en un cortometraje dedicado a ella, y a pantalla grande, como merecía.

La historia es tan simple como llena de detalles que la cubren de armonía. Maggie vuelve a la guardería (esa guardería que seguramente recordaréis de aquel capítulo en que se homenajeo al film hitchcokiano Los Pájaros, o al estupendo drama carcelario de John Sturges, La gran evasión), allí se encontrará con su archienemigo el bebé uniceja con el que batallará para salvar la vida de una frágil mariposa. 

Una historia llena de risas y ternura a partes iguales, dónde se nota la mano de la vieja escuela Pixar en su realizador (coodirector de Monstruos S.A.), que nos hace sonreír, emocionarnos y pasarlo en grande en tan solo cinco minutos.

Realmente nos encontramos con una sencilla pero a la vez gran pieza animada, de la que es imposible no caer enamorado/a.

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TÍTULO ORIGINAL The Simpsons: Maggie Simpson in The Longest Daycare (The Simpsons: The Longest Daycare)
AÑO 2012
DURACIÓN 5 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Sin dialogos (rotulos en inglés)
DIRECTOR David Silverman
GUIÓN James L. Brooks, Matt Groening (Personajes: Matt Groening)
MÚSICA Hans Zimmer
PRODUCTORA Gracie Films / Fox Studios
GÉNERO Animación. Comedia
TEMÁTICA Spin-off. 3-D. Cortometraje. Infancia

SINOPSIS

Maggie vuelve a 'Ayn Rand School for Tots', la guardería en la que ya estuvo en el episodio "Un tranvía llamado Marge". Allí hacen pasar a cada bebé por una máquina que determina su porvenir. El de Maggie sale como "nada especial", así que la colocan en una zona no muy buena de la guardería.

CRÍTICAS

+ "Un trabajo excelente (...) maravillosa miniatura, muda y tridimensional, protagonizada por una Maggie Simpson animada con pasión, ideas y genio." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Un encantador cortometraje 3D (...) inteligente, emocionante y maravillosamente conciso." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Hilarante (...) Esta breve historia es mucho más inteligente y maravillosa que cualquier secuencia de Ice Age [Continental Drift]." (Claudia Puig: USA Today)

+ "Sólo dura unos minutos, pero en esos minutos hay más imaginación y suspense que en toda la película que viene después [NOTA: Ice Age 4]." (Amy Biancolli: San Francisco Chronicle)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,6

- Filmaffinity: 7,1

- IMDB: 7,4

* Media: 7,4

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EL HÉROE ANDA SUELTO

Aunque tarde aprovecho los fatídicos acontecimientos del preestreno en Aurora (Cerca de Denver) de la última parte de la saga Batman de Nolan, en los que un perturbado se coló en la sala de cine para terminar con trece vida y dejar a cincuenta heridos. Tal acontecimiento ha servido para abrir la polémica sobre la segunda enmienda a la Constitución de los Estados Unidos, que consiste en el derecho de cualquier individuo a la tenencia, uso y transporte de armas, con fines defensivos, deportivos y cinegéticos, aunque este derecho incluso esté vigente en España, no existe lugar con menos limitaciones por la ley que en los Estados Unidos, lo que ha causado ya multitud de actos similares al reciente en Denver. Para ilustrar un poco los actos traigo El héroe anda suelto (Targets), una interesantísima película surgida en pleno apogeo del nuevo cine estadounidense, pero para hablar de ella mejor no adelantarse y retroceder hasta finales de los 60 cuando el nuevo cine estadounidense aparecía tras el declive de los grandes estudios.

En 1954, Roger Corman, que ya había trabajado anteriormente para uno de los estudios independientes de referencia, la America International Pictures, empezó su carrera como productor ofreciendo un nuevo cine, dando oportunidades a nuevos creadores e interpretes, eso si, con unos presupuestos de lo más limitados. A pesar de ello les ofrecía total de libertad para que crearan sus obras, logrando así introducir las tendencias europeas en América. De su cantera de artistas salieron nombres como Francis Coppola, Martin Scorsese, John Sayles, Dennis Hopper, Brian de Palma, Robert De Niro, Jack Nicholson, Jonathan Demme o Peter Bogdanovich, con su afán por descubrir nuevas figuras se convirtió en un elemento clave de la modernización del cine estadounidense.

El mejor ejemplo para ilustrar esa revolución lo encontramos con El Héroe anda suelto (Targets), un film que nos ofrece dos historias que terminan por mezclarse. Una vieja gloria del cine estadounidense de género decide retirarse de las pantallas para dar paso a las nuevas generaciones, a su vez un joven de buena familia fanático del armamento, decide terminar con la vida de aquellos que encuentre a su paso.

Roger Corman, después de producir su última película El Terror, se dio cuenta que por contrato disponía de Boris Karloff, la gran estrella del cine de terror, dos días más de lo previsto, así que decidió aprovecharlo y ofreció a un joven Peter Bogdanovich la oportunidad de realizar su primer largometraje, utilizando esos dos días con Karloff, aprovechando 20 minutos que sobraron del anterior metraje y rodando en diez días el resto de la historia.
Para la sorpresa de Corman, que esperaba una cinta de terror de serie B, Bogdanovich escribió una historia totalmente distinta demostrando así un talento impresionante.

Bogdanovich decidió contar la historia de un actor de películas de terror que en un momento dado se da cuenta de que el mundo ha evolucionado tanto que los papeles que encarna en sus películas son ridículos, enlazando esa premisa sobre el fin de una época con una trama de asesinatos basada en unos acontecimientos recientes. La maestría con la que Peter Bogdanovich creó una película de tal calibre con unas restricciones de entrada tan apretadas es sin lugar a dudas de lo más elogiable, a ello hay que sumarle que el resultado es una maravilla.

La película, lenta en su evolución sin ser esto un defecto, contiene unas grandes dosis de profundidad en sus personajes, el guión es una pieza clave del metraje y sus diálogos y acciones dotan la película de una fuerza increíble. Es sorprendente ver como dos historias aparentemente sin nada en común, que culminan de un modo más cercano a la casualidad, en realidad contienen unas referencias de lo más fuertes la una con la otra. Bogdanovich no destaca solo por su trabajo en el texto, ya que como realizador tampoco queda atrás sabiendo demostrar que lo suyo también es la cámara, atreviéndose también como actor creando un interesante trabajo de metacine en el que los actores no dejan de ser ellos mismos.

El héroe anda suelto tiene mucho de la Nouvelle Vague, tiene mucho de Howard Hawks (referencia a ello con la introducción de un fragmento del film Código criminal), de Orson Welles, e incluso de Alfred Hitchcock.

Así, que si no fuera suficiente con una doble historia de lo más interesante, también nos encontramos con un trabajo muy notable en varios ámbitos que convierten esta película en uno de esos trabajos de no podemos perdernos.

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TÍTULO ORIGINAL Targets
AÑO 1968
DURACIÓN 90 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Peter Bogdanovich
GUIÓN Peter Bogdanovich
MÚSICA Ronald Stein
FOTOGRAFÍA László Kovács
REPARTO Boris Karloff, Tim O'Kelly, Nancy Hsueh, Peter Bogdanovich, James Brown, Tanya Morgan, Mary Jackson, Arthur Peterson, Monte Landis
PRODUCTORA Paramount Pictures presenta una producción Saticoy Productions
GÉNERO Thriller
TEMÁTICA Crimen. Cine dentro del cine. Basado en hechos reales. Cine independiente USA

SINOPSIS
Un envejecido actor, Byron Orlock, decide dejar el cine al ver cómo sus películas de terror no son más que un mero anacronismo, porque la violencia que se produce cada día en la vida real supera con creces a la que sus filmes reflejan en la pantalla. Sin embargo el joven y ambicioso director de cine Sammy Michaels le convence para rodar un último papel, diferente de todos cuantos interpretara con anterioridad. Al mismo tiempo, un veterano del Vietnam, Bobby Thompson, en el pasado un hombre amable y cordial, parece sentir una extraordinaria fascinación por las armas, especialmente por los rifles. En un arrebato de locura dispara y mata a su mujer, a su madre y a todo transeúnte que se cruza en su camino. Acosado por la policía se refugia en el cine donde se proyecta la última película de Orlock . Éste se encuentra allí con motivo de la presentación del filme y para despedirse definitivamente del público. El monstruo cinematográfico tendrá que enfrentarse al monstruo real...

FRASES
* Soy un anacronismo. Vivimos en un mundo de jóvenes. Abrámosles paso.

CURIOSIDADES
- En la película podemos ver un fragmento de uno de los primeros trabajos de Karloff: Código criminal, además de usar escenas eliminadas de la película El Terror, film que protagoniza el mismo estreno que aparece en el film.

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,4
- Filmaffinity: 6,8
- IMDB: 7,5
* Media: 7,2

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Agosto 2012

Y llega el mes más caluroso del año, días en los que la gente suele abandonar sus ciudades para disfrutar de unos días libres, pero para los que no podemos alejarnos de la rutina siempre nos queda el consuelo de acercarnos a una fresquita sala de cine para aprovechar estos últimos días antes de que la subida del IVA haga las entradas incrementar sus precios un 136% y entonces sólo nos quede el consuelo de la piratería que nos queda excepta de IVA y al lado del ventilador ayuda a que pasemos un estupendo verano pudiendo seleccionar mejor aquello que podemos ver (recomendando elgir alguna de las rabiosas y estupendas películas que nos ha seleccionado Después de 1984 en su artículo La cultura NO es un lujo).

Pero no adelantemos y vayamos ha hecar un vistazo a lo que encontraremos en las salas estos días:

ESTRENO EN CINES:

Viernes, 3 de agosto de 2012

Y empezamos con el estreno clave del mes: Prometheus, la pseudo-precuela de la saga Alien ya tiene la recaudación asegurada, solo cabe esperar que no decepcione a la multitud de sedientos fans que tienen ganas de volver a ver una película de ciencia-ficción que les convenza, para averiguar el resultado habrá que acercarse a partir de este viernes a los cines. Para más acción Woochi, cazador de dragones / Woochi película coreana llena de aventuras y algún toque de comedia que se basa en una leyenda clásica del país asiático. Pollo con ciruelas / Poulet aux prunes, nuevo trabajo del dúo Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud que ya nos sorprendieron con su imprescindible Persépolis y que esta vez abandonan la animación para adaptar otra de las estupendas obras de Satrapi, promete por lo poco ser interesante. Mi reencarnación / My Reincarnation, es un documental coproducido por nada menos que catorce países (Estados Unidos - Suiza - Holanda - Italia - Alemania - Finlandia - Taiwan - Singapur - Malasia - China - México - Rusia - Israel - Austria) y que cuenta la historia del maestro budista Namkhai Norbu y de como su hijo no quiere seguir con la tradición de su padre. Para cerrar el mes un par de películas pasaratos como la comedia romántica La felicidad nunca viene sola / Un bonheur n'arrive jamais seul y el thriller de bajos vuelos Sin rastro (Gone) / Gone.

Viernes, 10 de agosto de 2012

La nueva película de Pixar: Brave (Indomable) / Brave no es tan solo la película más a tener en cuenta esta semana, si no que de ella depende el que los prestigiosos estudios de animación que tanto nos han ofrecido hasta ahora no caigan al vació una vez más después de su fracaso cualitativo con su Cars 2, de entrada las primeras críticas a la cinta no están siendo excepcionalmente buenas, pero para estar seguros solo podemos esperar en verla en nuestras pantallas. Visto retrasado su estreno volvemos a tener en la lista de estrenos Silencio de hielo / Das letzte Schweigen, que como ya comenté el mes pasado es una propuesta de que entrada se percibe interesante por su historia que mezcla el thriller con el drama. Ted, una apuesta satírica que parece se ha quedado corta en lo que prometía ser una película gamberra como ninguna gracias a su sarcástico protagonista: un osito de peluche que nos recuerda al fabuloso Mr. Floppy de la serie Infelices para siempre. La última opción es Rock of Ages la comedia musical que tanto hemos visto anunciar en televisión y de la que no tengo muy claro si contar como opción.

Miércoles, 15 de agosto de 2012

Poco destacar de este miércoles festivo que algunas películas han querido aprovechar para estrenarse. Los tres chiflados / The Three Stooges quiere aprovechar los clásicos cortometrajes de los famosos personajes que se pudieron verse durante tres décadas gracias a las producciones de la Columbia Picutres, aunque parece ser que su adaptación va a quedar muy lejos de acercase al espíritu de las originales. Quiero ser italiano / L'italien tampoco ser mucho más que una suave comedia de la que mucho debamos esperar. Sin duda, el peso recae en El legado de Bourne / The Bourne Legacy, cuarta entrega de la saga de acción Bourne que siempre ha sabido aprovechar los recursos necesarios para atraparnos en sus peripecias de un modo notable.

Viernes, 17 de agosto de 2012

Tres estrenos totalmente distintos para este fin de semana que amortizan muy bien el resto de propuestas de la semana. ¡Piratas! / The Pirates! Band of Misfits el nuevo trabajo que los estudios Aardam (Wallace & Gromit, Evasión en la granja, Creature Conforts...) han estado amasando, una nueva película que por fin ha salido del horno prometiendo grandes momentos, los genios de la animación en plastelina nos cuentan esta vez una divertida historia de piratas llena de humor para toda la familia. Hara-kiri: Muerte de un samurái / Ichimei ofrece una nueva versión de la obra maestra Harakiri (Seppuku) de Masaki Kobayashi, que aunque no logra acercarse ni levemente a su antecesora ofrece unos contenidos lo suficientemente sólidos como para aguantarse por si misma sin tener que echar la vista atrás. Café de flore es una coproducción entre los países francófonos Canadá y Francia, una producción nominada a nada menos que a 13 premios de la academia canadiense, un drama sobre el amor en sus múltiples facetas.

Viernes, 24 de agosto 2012

Llegados a las dos últimas semanas del mes en las que más probablemente bailen más los estrenos, nos encontramos con un mayor número de propuestas. Empezaremos hablando del trabajo patrio Manolete,  película producida en 2008 que cuenta con un reparto del calibre de Adrien Brody y Penélope Cruz y que no ha visto la luz antes en nuestro país por ver antes su estreno en países como Francia en los que salieron críticas del calibre: "La cuestión no es que fuéramos diez espectadores en el cine. La cuestión es que sólo resistimos la mitad. En mi caso prevaleció la estupefacción ante la parodia y se convirtió la película en un concurso enciclopédico de tópicos." (Rubén Amón: El Mundo).

Centrándonos en las propuestas más interesantes nos encontramos con un par de películas que pudieron disfrutarse en Cannes, por una parte Casa de tolerancia / L'apollonide (Souvenirs de la maison close), película sobre la prostitución a finales del siglo XIX, principios del XX que ha cosechado una estupenda por parte de críticos, público; Bonsái la pudimos ver en el apartado una cierta mirada, y es que la cinta principalmente Chilena, desborda originalidad hablándonos sobre la soledad, la vida y la muerte en un juego narrativo único. Los fans de los thrillers de acción de calidad están de enhorabuena gracias a la producción finlandesa Headhunters / Hodejegerne, basada en la novela de su mismo nombre y que nos acerca a una historia que nos habla del vacío moral, no perderle el ojo. Por otra parte, dentro del thriller de acción más comercial y de género encontramos la producción americana Sin frenos / Premium Rush, sin mucho que comentar. Y también de las americas El alucinante mundo de Norman / ParaNorman, cinta animada que quiere aprovechar el filón de los zombies adaptándolos a los más pequeños de la casa. Por último los veteranos de la acción se vuelven a reunir en la secuela Los mercenarios 2 / The Expendables 2, apta solo para los fans acérrimos.

Viernes, 31 de agosto de 2012

Para despedir el mes nos quedamos con Amor bajo el espino blanco / Shan zha shu zhi lian, cinta china que se centra en la represiva historia de amor entre una joven encerrada en un entorno político-familiar y un joven campesino. Y si ya es raro que una película del país chino llegue a nuestras salas (el estreno viene abalado por su paso en el festival de Valladolid), más raro es que de la misma nación nos llegue una cinta animada, claro que algo tiene que ver que España haya puesto dinero en ello... Little Big Panda es una cinta exclusiva para los pequeños de la casa, una película que como tantas de su especie quedará entre las sombras de aquellas películas casi desconocidas por cualquiera. Sin abandonar la animación tenemos Las aventuras de Tadeo Jones (Tadeo Jones y el tesoro de los Incas), una nueva película del boom de cine de animación español que se basa en los anteriores cortometrajes de su mismo director Enrique Gato que se llevó dos Goya por sus dos incursiones en el corto, unos trabajos que guiñan directamente a la saga del emblemático arqueólogo Indiana Jones. Esperando Septiembre es la última propuesta española este mes, un trabajo independiente que aprovecha el filón de la crisis y el malestar general para acercarse al público. Le prénom (El nombre) / Le prénom es una película francesa que aprovecha los mejores recursos de las comedias corales. Por último nos encontramos con dos cintas americanas del nivel de Abraham Lincoln: Cazador de vampiros / Abraham Lincoln: Vampire Hunter, blockbuster que juega con el nombre de Tim Burton en el cartel (ha participado en forma de productor) diseñado para recaudar dinero de modo sencillo y Desmadre de padre / That's My Boy con Adam Sandler y Andy Samberg.

ESTRENOS DVD / BLUE-RAY:

Poco cabe destacar este mes en el mercado domestico, la mayoría de cintas reediciones de películas que ya teníamos en el mercado y alguna propuesta de las que poco cabe destacar.

De entrada nos quedamos con Cuenta atrás / A bout portant película francesa de acción que cuenta con un ritmo frenético que nos hace pasar un rato estupendo y emocionante, a la venta el 28 de agosto, en esa misma fecha y dentro de un thriller más pausado no debemos olvidar la española Grupo 7 que seguramente recuperaremos para la ceremonia de premios de la académia de cine.

Si todavía no habéis visto la última entrega de la saga Rec por temor a pasar demasiado miedo en el cine podéis hacerlo ahora en casa con [•REC]³ Génesis, a la venta el mismo 28 de agosto, manera de abrir boca para esperar la última entrega que verá la luz el próximo año y que cerrará por completo con [•REC] Apocalipsis.

Lo más interesante del mes lo encontramos el día 29 de agosto, haciendo complicado quedarse con un solo titulo para disfrutar.

Esto no es una película / In Film Nist (This is Not a Film), es el documental de visionado obligado para todo el mundo, Jafar Panahi preso por transmitir sus ideales a su estupenda filmografía logra realizar este trabajo único e irrepetible. Take Shelter el estreno indi por excelencia de este año nos conduce dentro de un drama psicológico sin igual, y por último Redención (Tyrannosaur) / Turannosaur es sin duda la película que más puedo recomendar de la selección, una película llena de dolor pero que por ello no deja de ser una maravilla.

OTROS EVENTOS DE AGOSTO:

Los días 24, 25 y 26 de Agosto se celebra en la localidad Lleidatana de Tremp, la I Muestra de cine rural (Mostremp), un nuevo festival dónde no solo entrarán a concurso una estupenda selección de cortometrajes relacionados con el ámbito rural, si no que se podrán disfrutar de las proyecciones de estupendas propuestas como Espui o Orson West, además de asistir a debates y mesas redondas relacionadas con el séptimo arte. Los que estáis de vacaciones y queráis disfrutar de un estupendo fin de semana cinefilo a la vez que disfrutar de las maravillas turísticas únicas que ofrece el lugar, no podéis faltar a la cita, promete ser una cita única.

El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) ofrece un verano más una estupenda selección de películas para disfrutar por la cara y al aire libre. Del 7 al 24 de agosto os invitan a Gandules'12, donde encontrareis títulos como: Vénus Noire, Rent-a-cat, Diamond Flash, Bullhead o Avé, además de una sesión especial dónde se podrá ver El ángel exterminador.

Y hasta aquí lo más destacado del mes, quién tenga más noticias que compartir ya sabe dejarlo en los comentarios. Un saludo y no olvidéis pasaros por Descubrelapeli.

ATTACK THE BLOCK

  

A pesar de su exitoso paso por Sitges, Attack the Block no es más que una entretenida cinta de ciencia-ficción que adereza su historia con comedia y muchas, muchas dosis de acción.

En una barriada baja de Londres nos topamos con un grupo de pandilleros de baja edad que sin comerlo ni beberlo se ven en medio de una batalla con un grupo de alienígenas. Los chavales, aventurados como son, deciden poner fin a la invasión de un modo drástico y muy doloroso.

Normalmente cuando una pel·lícula lleva en su cartel el anuncio de los productores de, no es más que una estratagema de marketing para atraer al público hacía las salas, pero en esta ocasión los productores de Zombies Party o Arma Fatal, apuestan por una película que ofrece lo que ya nos trajeron sus anteriores producciones, humor y acción en una película gamberra, que seguramente gustará a los fans de este tipo de filmes.

Sin dudarlo lo más interesante de Attack the Block es elegir una localización tan curiosa para contarnos la historia de una invasión extraterrestre, a pesar de ello sus puntos cómicos son insuficientes y seguramente poco aptos para el público general, centrando todas sus miradas hacía los jóvenes que se puedan sentir identificados con los protas de la historias, dejándonos al resto como comodines que a pesar de disfrutar con la cinta no lo haremos de un modo completo. Lo peor de todo es su parte de acción, a la que se recurre en exceso y con un ritmo tan frenético que en ocasiones puede provocar que perdamos la cabeza, en cierto punto del film no sabía dónde se encontraba cada personaje, y eso que estamos hablando de una localización bastante reducida.

A su favor tiene una banda sonora que le va como anillo al dedo, tremendamente bien elegida y bien combinada con sus imágenes, por no mencionar el diseño de esos fabulosos seres venidos de no sabemos que parte del universo, una oscura mezcla entre Critters, Aliens, Gusiluz y hombres lobo que son tan originales como inimaginables por nadie.

Y poco más que añadir, una película bastante entretenida de la que poco más podremos sacar, y eso ya es suficiente.

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TÍTULO ORIGINAL Attack The Block
AÑO 2011
DURACIÓN 80 min.
PAÍS Reino Unido
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Joe Cornish
GUIÓN Joe Cornish
MÚSICA Steven Price
FOTOGRAFÍA Thomas Townend
REPARTO John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, Leeon Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Jumayn Hunter, Danielle Vitalis, Paige Meade, Sammy Williams, Michael Ajao, Nick Frost, Joey Ansah
PRODUCTORA Studio Canal / Film4 / UK Film Council
GÉNERO Ciencia ficción. Acción. Terror. Comedia
TEMÁTICA Comedia de terror. Extraterrestres

SINOPSIS

En pleno Londres, un grupo de chavales tendrá que enfrentarse a una invasión de alienígenas. Todo empieza cuando los adolescentes asaltan a una enfermera, a la que dejan en paz, cuando un extraño objeto aterriza sobre un coche. Al acercarse al vehículo, de su interior sale una extraña criatura... 

PREMIOS

2011: Festival de Sitges: Premio del público y Mejor BSO
2011: Premios BAFTA: Nominada al Mejor debut británico

CRÍTICAS

+ "El reparto es espléndido, el guión ingenioso y la acción satisfactoria. Si Steven Spielberg y J.J.Abrams hubieran convertido 'Super 8' en una película barata de serie B, podría haber sido algo como esto (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Elizabeth Weitzman: New York Daily News)

+ "Un entretenido thriller en la tradición de la serie B setentera, con un reparto desconocido, unos enérgicos efectos especiales y un montón de energía (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Una invasión extraterrestre infecciosamente divertida que respecta las convenciones del género y anima el brebaje con un distintivo sabor local" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Una serie hilarante y ruidosa de persecuciones y batallas que cruza 'Gremlins' con 'Asalto en el distrito 13' (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Energía, sentido del espectáculo, humor feroz y, lo más importante, sentido lúdico a pleno rendimiento." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Lo más admirable de la película es la velocidad con que se desarrolla el conflicto, el modo en que saca partido de la pobreza de medios, el sentido del humor con que caracteriza a los personajes secundarios (...) es cine popular del auténtico" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Avanza a base de golpes de genio y el resultado es una de las grandes películas del año (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

CURIOSIDADES

- Ha poco tiempo de su estreno ya se rumorea una secuela, un remake americano y hasta un spin-off televisivo.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,3

- Filmaffinity: 6,2

- IMDB: 6,7

* Media: 6,4

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VER TAMBIÉN

CINCO METROS CUADRADOS

Cinco metros cuadrados, gran triunfadora en el festival de Málaga 2011, es una película de gran contenido, la especulación inmobiliaria, un tema que anteriormente ya se habían atrevido a tocar grandes cineastas de nuestro cine con El Verdugo o El pisito, pero que hasta ahora nadie había abordado de una perspectiva tan dramática y realista.

Álex y Victoria son una pareja llena de ilusiones, buscan un nuevo lugar donde vivir para así casarse y formar una familia. Ven una oportunidad al encontrarse con una nueva promoción de pisos que se están construyendo a las afueras de Madrid,  cansados de tirar el dinero en alquileres se aventuran a convertir-se por primera vez en propietarios de su hogar. Todo marcha a las mil maravillas hasta que ven que la obra no termina de avanzar y por si eso no fuera poco, el departamento de medio ambiente para el proyecto a causa de una serie de irregularidades. La pareja ve su vida convertida en un infierno, mal viviendo en pensiones y trabajando en jornadas maratonianas para poder seguir adelante. Su relación poco a poco se va deteriorando a la vez que la empresa promotora de su casa no les ofrece alternativas sintiéndose como tantas familias en similar situación: engañados.

El arranque del film es prometedor, pero a medida que la cinta avanza los sentimientos hacía ella son contradictorios, una historia de estas características es realmente de gran interés,  sobretodo porqué su director, Max Lemcke, se inclina hacia un relato realista y dramático con el que es fácil empatizar, o lo sería si no fuese por la falta de algo de chispa, de mala uva, y de garra, quedando la cinta en lo que podría haber sido y no es. A pesar de arremeter con fuerza contra "los malos" parece que se queda corta en ello, y de otra banda, no terminamos de ver como la situación de los protagonistas puede ser realmente dura, centrándose más en soluciones e idas y venidas que no terminan de llevarnos a ninguna parte y que no profundizan en el estado emocional de la pareja. A ello debemos sumar que la parte final del film da un giro de género que pasa de lo dramático hacía el thriller costumbrista de un modo poco acertado que estropea el trabajo hecho anteriormente.

A pesar de ello, es interesante ver el trabajo del dúo Tejero-Alterio, que dan una vuelta de registro a sus interpretaciones que hasta ahora se habían centrado siempre en el campo de la comedia, demostrando que son unos interpretes capaces de ofrecernos mucho más de lo que habíamos visto hasta ahora, en los que son sin duda sus mejores papeles. De igual modo es apreciable el trabajo de realización de Lemcke, que ya demostró en su Casual Day sus ansias por experimentar y que en esta ocasión no abandona a pesar de decantarse por un estilo más clásico. 

Es curioso observar también como de un modo extremadamente escalofriante, nos damos cuenta de que a pesar de la distancia enorme en el tiempo con films como El Verdugo de Berlanga, las cosas en vez de mejorar han empeorado hasta encontrarnos en la situación en la que estamos, haciéndonos ver como el cine español ha perdido bastante de sus orígenes pero que de vez en cuando aparecen obras que nos recuerdan aquellos años que bailaban entre el neorrealismo y la sátira que luchaba por franquear la censura, unos tiempos que por suerte o por desgracia estamos recuperando.

Sin lugar a dudas es una lástima que está película se haya quedado en ese limbo de quiero y no puedo, ya que en realidad todo el jugo que podríamos haberle sacado se ha quedado dentro. Lo esperanzador de todo es que realizadores como Lemcke, que se alejan de los circuitos habituales, son personas atrevidas y dispuestas a contarnos aquello que queremos escuchar y es evidente que hay que apostar por ellos.

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TÍTULO ORIGINAL Cinco metros cuadrados
AÑO 2011
DURACIÓN 86 min.
PAÍS España
IDIOMA Español
DIRECTOR Max Lemcke
GUIÓN Pablo Remón, Daniel Remón
MÚSICA Fernando Velázquez
FOTOGRAFÍA José David Montero
REPARTO Fernando Tejero, Malena Alterio, Emilio Gutiérrez Caba, Manuel Morón, Jorge Bosch, Secun de la Rosa
PRODUCTORA Aliwood Mediterráneo Producciones S.L.
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Drama social. Crisis económica

SINOPSIS

Álex y Virginia compran un piso, sobre plano, en las afueras de una gran ciudad porque no pueden permitirse grandes lujos. Con sus ahorros pagan la entrada y aceptan una hipoteca a 40 años. Cuando sólo faltan unos meses para la entrega de la vivienda, el edificio aún está sin terminar. Un día, inesperadamente, precintan la zona y paran las obras. Los compradores forman una plataforma de protesta y denuncian a la constructora. Así es como Álex conoce a Toño, otro afectado, que trabaja en la construcción, y que está convencido de que se trata de una maniobra para deshacerse de ellos. Un año después, los afectados han dejado de reunirse. Alex, cada vez más tenso y deprimido, empieza a descuidar el trabajo y a tener problemas con Virginia, pero se niega a rendirse y decide actuar para encontrar una solución.

PREMIOS

2011: Festival de Málaga: Mejor película, actor (Tejero), actor sec.(Bosch), guión y Premio de la Crítica
2012: Circulo de escritores: Nominada a mejor actor (Tejero)
2012: Premios Turia: Mejor actor (Tejero) (compartido con Coronado por No habrá paz para los malvados), actriz (Alterio), nuevo director (compartido con Mateo Gil por Blackthorn)

CRÍTICAS

+ "Notable película (...) Con convicción, humanidad, fuerza interpretativa y, lo más difícil, brillantes toques de humor negro con los que se pasa del amargo drama a una durísima sorna" (Javier Ocaña: Diario El País)

- "Pisa firme en el linóleo del costumbrismo hispánico, aunque le cuesta crear vínculos de empatía con sus protagonistas y no sabe muy bien qué hacer con un conflicto que resulta tan agotador y cansino para ellos como para el espectador" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

= "Una obra honesta y cívica a la que le falta algo de fuerza y arrojo, algo de mala leche (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Escalofriante arranque (...) la historia es una rotonda entre la avenida Kafka y el bulevar Fernán Gómez (...) Y Tejero y Alterio sencillamente perfectos (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Javier Cortijo: Diario ABC)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,4

- Filmaffinty: 5,9

- IMDB: 6

* Media: 6,1

TRAILER

VER TAMBIÉN

ANA Y LOS LOBOS

Carlos Saura, uno de nuestros reputados cineastas más internacionales, evoca su complejo mundo interior a través de su excelsa filmografía, una serie de radiografías personales-sociales que dan el pistoletazo de salida a partir de su tercer largometraje de ficción La Caza, en la que se valió de los simbolismos para contarnos un mensaje escondido entre las imágenes haciendo así una feroz critica social evitando el peso de la censura, a partir de él sus siguientes largometrajes parecen ser la continuación del anterior, haciendo así, como él ha comentado en varias ocasiones un cine que refleja el mundo que le envuelve y de alguna manera sus propias vivencias. Saura, aragonés nacido en el seno de una familia burguesa y habiendo vivido en plena Guerra Civil española, tiene mucho que contarnos en su cine, y para un ejemplo más, uno de los relatos más duros de su filmografía: Ana y los lobos.

En esta película nos topamos con la historia de Ana, una joven institutriz que es contratada por una familia con la intención de que se haga cargo de las niñas de la casa. La familia está compuesta por una madre dominante, y tres hermanos: José, un hombre autoritario que colecciona uniformes militares, Fernando, rodeado de un aura misticista y que busca el eterno contacto con Dios y Juan, casado con una mujer a la que le es infiel y con la que ha tenido tres hijas. Poco a poco los tres hermanos sentirán una enfermiza atracción sexual hacia la joven Ana.

La historia, se cuenta de un modo atrayente gracias a su intriga que atrapa fácilmente incluso al espectador menos experimentado de su cine, con el problema que al final del relato solo el más experimentado y conocedor de su obra identificará el verdadero interés de lo que Saura nos ha querido contar, necesitando un fuerte análisis ubicándonos en su contexto histórico y sabiendo identificar los puntos alegóricos que el autor ha presentado en la cinta...

Ahondando en ese análisis nos topamos ante una feroz y demoledora critica a la España franquista de su época. Ya desde la ubicación del caserón, solitario, apartado de todo, en un entorno hostil y arrasado que puede compararse con el país y dónde se respira el mismo ambiente de hostilidad. En la casa nos encontramos con la madre, una figura vieja y senil, pero atenta a todo, que pasea por su territorio siempre subida a su trono y transportada por sus criadas, una mujer que se aferra al pasado, que lucha por sobrevivir y aconseja a sus hijos para que resten unidos, haciendo frente a los tiempos venideros, su figura nos recuerda al mismo que por esos tiempos dictaba sus leyes en España, pero acercandose a su decadente realidad, recordando aquellos tiempos en que como el propio personaje de la mujer explica, los campos estaban llenos de fresones como puños, el encargado de guardar esos campos es José, hijo frío, autoritario y sin personalidad, reflejo de uno de los tres grandes estamentos: el militar, velador de una paz que ni tan siquiera podemos encontrar, obsesionado con los uniformes y las armas que no dudará en utilizar incluso para acabar con la vida de un pájaro que vuela en libertad (otro interesante símbolo), Francisco, reflejo del estamento religioso, el favorito de mamá, su conexión espiritual le lleva a una lucha interna intentando separarse del seno familiar, siempre mirando por el propio interés aunque finalmente se una a la propia lucha sintiéndose perturbado por el nuevo aire fresco que ha llegado al territorio. Juan, símbolo de la burguesía, y del estamento familiar tradicional, malcría a sus hijas y engaña a su inadvertida esposa la cual en un momento dado revela su invisibilidad en el seno familiar en un potente giro narrativo, la represión hace de Juan un hombre perturbado sexualmente que esconde una mascara oscura de las perversiones más intimas. Las hijas, representación de un país preocupado por su futuro, juegan con la inocencia con el miedo siempre presente, revelando siempre aquello que está por ocurrir, en especial a Ana, que representa las nuevas ideas, que se atreven a jugar con aires de superioridad con aquello existente, sin saber que poco a poco lo único que va a conseguir es meterse en la boca de los lobos que controlan la sociedad que les envuelve, llegando a un trágico final.

Es evidente que para lograr entender todo ese contenido necesitamos hacer un esfuerzo que en otros casos podemos ver con más claridad, haciendo del film de Saura un trabajo complicado a pesar de su enorme gran interés, necesitando una segunda revisión que nos ayuda a sumergirnos en el territorio que quiere realmente explorar, eso hace que la película decaiga para el público en general, siendo con lo cual una de las obras que menos se van a tener en cuenta del autor.

Si bien, el reparto de lujo nos regala unas actuaciones excelentes que cautivan a cualquiera, Saura también es conocido por su estupenda mano en la dirección de actores, así podemos ver una suprema Rafaela Aparicio en su máximo esplendor, un Fernando Fernán-Gómez único, un terrorífico Juan María Prada o a la musa del autor, Geralidine Chaplin que hace un trabajo como siempre estupendo. Más tarde, Saura continuaría la historia con Mamá cumple 100 años, en la que nos reencontramos con los personajes de Ana y los lobos, y en la que las actuaciones superan lo insuperable de su predecesora, y en la que destacan aquellos actores que en esta ocasión se presentaban más en segundo plano, pero de ello hablaremos en su debido momento cuando toque analizar el filme en cuestión.

De este modo nos encontramos con Ana y los lobos con una película muy interesante, que a pesar de su farragoso visionado, ofrece un contenido único y de gran importancia para entender nuestro cine. Una cinta de visionado obligado de la que tenemos mucho que aprender.

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TÍTULO ORIGINAL Ana y los lobos
AÑO 1972
DURACIÓN 102 min.
PAÍS España
IDIOMA Español, inglés
DIRECTOR Carlos Saura
GUIÓN Carlos Saura & Rafael Azcona
MÚSICA Luis de Pablo
FOTOGRAFÍA Luis Cuadrado
REPARTO Geraldine Chaplin, Fernando Fernán-Gómez, Juan María Prada, Juan Vivó, Rafaela Aparicio, Marisa Porcel, Anny Quintas, Charo Soriano
PRODUCTORA Elías Querejeta P.C.
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Familia. Años 70

SINOPSIS

José, autoritario, coleccionista de trajes militares, pobre de espíritu. Fernando, perseguidor incansable de la unión mística con Dios. Juan, escritor de cartas enloquecidamente eróticas. La madre hidrópica, nostálgica de antiguos esplendores. Las niñas que, entre juegos, encuentran muñecas enterradas y torturadas. Y en medio de esta atmósfera tan extraña e inquietante está Ana, la institutriz inglesa de 25 años.

PREMIOS

1973: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1974: Circulo de escritores: Mejor actor (Fernando Fernán-Gómez) y mejor actriz secundaria (Rafaela Aparicio)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,4

- Filmaffinity: 6,9

- IMDB: 7,1

* Media: 6,8

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