LA ISLA MÍNIMA

Tan solo llevan dos ediciones y los Premios Feroz ya empiezan a ser toda una referencia en nuestro país. La Asociación de Informadores Cinematográficos de España son los encargados de dar vida y premiar al mejor cine español del año, algo así como unos Globos de Oro de nuestro cine. Un pequeño adelanto a lo que sucederá en la entrega de los premios hispanos más gordos: los Goya. Así, en esta edición, La isla mínima a sido la que se ha llevado el mayor reconocimiento como mejor película, además de otros cuatro premios que la postulan como la favorita para los Goya, por encima de Magical Girl (Carlos Vermut, 2014), la cinta que causó furor en San Sebastián y que tampoco se ha ido de vacío, ganando un total de cuatro premios y prometiendo dar guerra en la batalla final.

Una pareja de policías son enviados al sur de España a investigar la extraña desaparición de dos muchachas. Allí descubrirán un pueblo anclado en el pasado, dónde los secretos no ayudan a encontrar ninguna pista sobre un brutal asesino.

No es de extrañar que la película de Alberto Rodríguez, que tras su exitosa Grupo 7 (2012) confirma sus dotes a la hora de construir estupendos thrillers policíacos, sea totalmente reconocida como una estupenda película, ya sea por el público o por la crítica. Lo curioso, es que gran parte del público ha quedado algo confuso con un final que ha dado mucho que hablar, y que en realidad no es tan complicado como aparenta ser. El problema está en que el guión peca de dejar demasiado margen al espectador, algo que por si solo no es tan malo (todo lo contrario), pero que si lo sumamos a una puesta escena algo confusa en el momento del clímax, dónde no terminamos de ver quién es quién en el juego resolutivo que presenta, despista demasiado al espectador y corre el peligro de no dejar que éste termine de atar cabos. Algo que por suerte puede solventarse con un segundo visionado.

Sin querer dar demasiados detalles sobre ese final, si puedo adelantar que es sencillo darse cuenta de como la ideología de los personajes principales es la pieza clave para no perderse en el entramado. El dúo, que combina a la perfección, nos va acercando poco a poco a través de pequeños detalles hasta un claro entendimiento del final del caso policial, no es cuestión de fijarse solo en los últimos momentos, si no en todo su conjunto, y es precisamente eso lo que hace de La isla mínima un thriller de altura.

Si he empezado la casa por el tejado, hablando directamente del final, es precisamente porque resulta curioso que aunque el espectador termine algo confuso, en ningún momento es capaz de despreciar la película, demostrando que este es capaz de conformarse disfrutando de otros elementos más jugosos y que van más allá de los aspectos narrativos del guión.

Por un lado tenemos las sublimes interpretaciones de Raúl Arévalo y Javier Guitiérrez. Quizás pueda parecer que no destacan en exceso, pero ambos actores saben adaptarse a las exigencias de sus personajes, cumpliendo con su tarea de un modo que roza lo perfecto. Tanto uno como el otro han sabido mostrarnos como de camaleónicos pueden ser, y eso justifica cualquier premio que les ha sido entregado.

Sin olvidar la estupenda y tan comentada fotografía que ha ensimismado a más de uno, al transformar los paisajes de las marismas del Guadalquivir en una localización enigmática y asfixiante, además de una banda sonora de igual altura, es fácil darse cuenta del cuidado de todos los detalles. Tanto la ambientación como los personajes secundarios (muy bien elegidos, y completamente entregados), que responden correctamente a la localización, algo que aunque pueda parecer básico para la credibilidad de una película, por desgracia no suele ser lo más común en muchas producciones.

El filme no solo habla de la historia de un crimen, si no también de una época y una idiosincrasia muy concreta, una combinación muy buena par una película que busca ir mucho más allá. Alejándose de tópicos (especialmente geográficos), entra de lleno en una radiografía del ser humano mucho más precisa, ahí aparece un filón a la serie de culto Twin Peaks (David Lynch, Mark Frost, 1990-1991) (algunos han querido relacionarla con True Detective [Nic Pizzolatto, Cary Joki Fukunaga, 2014], pero al final todo viene del mismo sitio), dónde se nos muestran -o más bien no- los secretos de la gente del lugar, aunque esta parezca de bien. 

Siguiendo con la relación sobre la serie de culto, dónde también nos encontrábamos ante un pueblo remoto y lleno de secretos convertido en escena de un crimen, nos topamos con más relaciones influyentes. El más claro, después del narrativo, son los momentos oníricos con los pájaros, algo que el en filme de Rodríguez va directamente relacionado con la construcción de los personajes, de los cuales no se nos cuenta directamente su pasado, si no que se van dejando pequeñas pistas a cuenta-gotas huyendo de la simpleza narrativa. Gracias a ello se consigue ahondar mucho más en su final argumental, que va mucho más allá de los aspectos clásicos del género, para plantearnos un reto filosófico sobre la herencia identitária (particularmente sobre nuestro país), muy proclive a invitarnos a la reflexión, y que deja con un buen sabor de boca al darnos cuenta del tiempo bien empleado en el filme.

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TÍTULO ORIGINAL La isla mínima AÑO 2014 DURACIÓN 105 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Alberto Rodríguez GUIÓN Alberto Rodríguez, Rafael Cobos MÚSICA Julio de la Rosa FOTOGRAFÍA Alex Catalán REPARTO Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesús Castro, Mercedes León, Manolo Solo, Jesús Carroza, Cecilia Villanueva, Salvador Reina, Juan Carlos Villanueva PRODUCTORA Atresmedia Cine / Atípica Films / Sacromonte Films

GÉNERO Thriller. Intriga. Cine negro

TEMÁTICA Policíaco. Años 80. Asesinos en serie. Secuestros / Desapariciones. Vida rural

SINOPSIS

España, a comienzos de los años 80. Dos policías, ideológicamente opuestos, son enviados desde Madrid a un remoto pueblo del sur, situado en las marismas del Guadalquivir, para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En una comunidad anclada en el pasado, tendrán que enfrentarse a un feroz asesino.

PREMIOS

2014: Premios Goya: 17 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de San Sebastián: Mejor actor (Gutiérrez) y fotografía
2014: Feroz: Mejor película dramática, mejor dirección, mejor actor (Javier Guitiérrez), mejor música original, mejor tráiler. 5 Nominaciones
2014: Premios del Círculo de escritores cinematográficos: 8 Nominaciones. Incluyéndo mejor película.
2014: Fotogramas de plata: Mejor película española
2014: Gaudí: Nominada a mejor película europea
2014: Premios Forqué: Mejor película, mejor actor (Javier Gutiérrez). 1 Nominación.

CRÍTICA

+ "Este thriller, magníficamente realizado y con una rica textura, es una de las películas españolas más potentes del año. (...) cine negro que ofrece tensión a diferentes niveles" (Jonathan Holland: The Hollywood Reporter)

+ "Un drama policíaco asombrosamente elegante (...) magnífica dirección de arte (...) Rodríguez consigue una narrativa sólida" (Fionnuala Halligan: Screendaily)

+ "Alberto Rodríguez te engancha con los anzuelos más sólidos y menos tramposos." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Sin duda, la cinta española más reveladora del año." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Película triste, crepuscular, magníficamente filmada por fuera como por dentro, con un pulso que no deja ni un instante de latir (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Thriller de alto nivel, fibroso y apasionante, que revalida el talento para el género de Alberto Rodríguez (...) impecables Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Rodríguez coge carrerilla hacia la película perfecta. (...) mirada con denominación de origen que el director lleva cultivando desde el salto en bomba a la piscina de '7 vírgenes' (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

+  "Una gran, inmensa película. Pegada a la realidad pero al mismo tiempo, inteligente pasatiempo. Denunciatoria pero sutil, el director respeta a su espectador (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Mirito Torreiro: Fotogramas)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,4		7,6
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 2

Cómo entrenar a tu dragón 2, o como autosuperarse. Cuándo el nombre de Dreamworks suena nunca siento demasiadas esperanzas, especialmente si la película se trata de una secuala, otro intento más de sacar el máximo jugo a una película que en su día tuvo éxito. Los estudios fundados por Spilberg jamás me llegaron a convencer del todo salvando alguna producción decente como El príncipe de Egipto (The Prince of Egypt; Simon Wells, Steve Hickner, Brenda Chapman, 1998), una de sus primeras producciones o Shrek (Andrew Adamson, Vicky Jenson, 2001), con la cual tocaron las teclas acertadas -a pesar de que su animación ha envejecido a una velocidad alarmante, algo que no sucede con filmes de dibujo tradicional-; además de alguna otra pequeña cinta que se presta al entretenimiento más sano como Megamind (Tom McGrath, 2010), quizás una de sus más infravaloradas hijas. Pero no fue hasta Cómo entrenar a tu dragón (How to Train Your Dragon; Dean DeBlois, Chris Sanders, 2010), que no encontré una película de los estudios animados que me convenciese del todo. Entonces pensé, y tras posteriores películas me reafirmé a ello, que en Dreamworks simplemente habían tenido suerte, que les había quedado un filme redondo por pura casualidad, o más bien por la buena mano de su director Dean DeBlois. Y tras el anuncio de su secuela me eché las manos a la cabeza y dije: bien, consiguen hacer una película que realmente valga la pena y la cagan escurriéndola al máximo. En ese momento no sabia cuánto me equivocaba.

Ya han pasado cinco años desde que el joven Hipo conoció y se hizo amigo del legendario dragón furia nocturna al cual bautizó con el nombre de Desdentado. Ahora el joven sueña con conocer mundo y descubrir territorios volando a lomos de su fiel amigo. Todo parece apacible para Hipo y su aldea, hasta que una amenaza se presenta sin previo aviso. Una amenaza que pretende acabar con la existencia de los dragones.

Cómo entrenar a tu Dragón 2 presenta a unos personajes más maduros, y al igual que ellos el filme también ha madurado si lo comparamos con su antecesora. DeBlois, que sigue al mando del proyecto, dirigiendo y esta vez también al guión, se presta mucho más a afilar el lápiz y nos presenta una película que supera con creces todas las expectativas. DeBlois no se deja arrastrar por el éxito, él quiere seguir subiendo la calidad, y lo consigue espectacularmente.

No es solo que la animación sea mucho más afinada, la cual realmente sorprende en los movimientos de sus personajes o las texturas utilizadas, y los decorados sean impresionantes, un trabajo exquisito; Es que el director canadiense ha hecho una labor excelente a la hora de escribir una historia llena de aventuras, y de un nivel épico que ya quisiera Peter Jackson para sus Hobbit... Lo que empieza como una simple historia de maduración, de búsqueda de los sueños... cosas que se repiten una y otra vez en muchas de las producciones similares, enseguida va tomando tintes que van mucho más allá, y DeBlois crea argumentos paralelos con los que va enriqueciendo el hilo principal del filme. Así pasamos de un libreto más sencillo en la primera parte, en la que se centra en la amistad entre los dos protagonistas, y el cambio de rumbo en el modo de pensar de un pueblo anclado al pasado, a otro mucho más complejo, en el que se cruzan dramas familiares o procesos bélicos. Y al final todo se conjuga para crear una película cuyo argumento absorbe y atrapa de principio a fin. Una maduración, como decía, que me alegra de haber vivido.

En Cómo entrenar a tu dragón 2 se repiten los fabulosos esquemas musicales de la primera parte, en la que John Powell vuelve a atacar con las influencias celtas de viento y percusión. Una música que le viene que ni pintada a esta majestuosa cinta de vikingos. Y si esta vez no se ha incluido su trabajo en la competición por los Oscar, es sin duda por la dura competición con artistas como Hans Zimmer en Interstellar (Christopher Nolan, 2014), o el doblete del maravilloso Alexandre Desplat por The Imitation Game (Morten Tyldum, 2014) o El gran hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel; Wes Anderson, 2014). Para muestra un botón, así que os dejo con una playlist para que podáis escucharla mientras seguís por aquí.

Se ha anunciado ya una tercera parte de la saga, pero DeBlois ya adiverte, no va a dejar que la productora cree una cuarta. El director ya tiene toda una historia creada en su mente, y promete que con su tercera parte no nos va a defraudar. Esperemos sea cierto, y nos encontremos con una de las mejores trilogías animadas que existen (con perdón de Woody, Buzz y compañía. Hay cosas que no se superan.) Me quito el sombrero ante él.

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TÍTULO ORIGINAL How to Train Your Dragon 2 AÑO 2014 DURACIÓN 102 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Dean DeBlois GUIÓN Dean DeBlois (Libros: Cressida Cowell) MÚSICA John Powell FOTOGRAFÍA Roger Deakins VOCES ORIGINALES Jay Baruchel, Cate Blanchett, Gerard Butler, Craig Ferguson, America Ferrera, Jonah Hill, Christopher Mintz-Plasse, T.J. Miller, Kristen Wiig, Djimon Hounsou, Kit Harington, Kieron Elliott, Philip McGrade, Andrew Ableson, Gideon Emery PRODUCTORA DreamWorks Animation / DreamWorks SKG / Mad Hatter Entertainment

GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras 

TEMÁTICA Vikingos. Amistad. Dragones. 3D. Secuela. Cine épico

SINOPSIS

Han pasado cinco años desde que Hipo empezó a entrenar a su dragón, rompiendo la tradición vikinga de cazarlos. Astrid y el resto de la pandilla han conseguido difundir en la isla un nuevo deporte: las carreras de dragones. Mientras realizan una carrera, atraviesan los cielos llegando a territorios inhóspitos, donde nadie antes ha estado. Durante un viaje descubren una cueva cubierta de hielo que resulta ser el refugio de cientos de dragones salvajes, a los que cuida un misterioso guardián. Hipo y los suyos se unen al guardián para proteger a los dragones de las fuerzas malignas que quieren acabar con ellos.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje animación
2014: Globos de Oro: Mejor filme de animación
2014: Premios Annie: 9 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje animación
2014: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2014: Festival de Annecy: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2014: National Board of Review (NBR): Mejor largometraje de animación
2014: Critics Choice Awards: Nominad a Mejor largometraje de animación
2014: Críticos de Chicago: Nominada a Mejor film de animación

CRÍTICA

+ "Más audaz que 'Brave', más divertida que 'Frozen' y emocionalmente más satisfactoria que muchas de sus compañeras (...) la madre de todas las secuelas de animación" (Peter Debruge: Variety)

+ "Técnicamente asombrosa y conmovedora en su percepción sobre las relaciones entre hombres y animales (...) puede ser demasiado para el público más joven" (Leslie Felperin: The Hollywood Reporter)

+ "Cuando la película vuela, crece. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Esta secuela tiene un ritmo inteligente, hace un gran trabajo con la continuación de la caracterización de los personajes principales, ampliando el mundo en el que habitan y añadiendo algunos momentos tiernos y emotivos." (Mark Adams: Screendaily)

+ "Ofrece algunas secuencias de impresionante belleza y una historia absorbente, aunque a veces bastante oscura (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "La mayoría de las secuelas se realizan por razones comerciales, independientemente de si el mundo las necesita o no. 'Cómo entrenar a tu dragón 2' es una película que el mundo necesita" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

+ "Dean De Blois (...) ha creado una fábula tan amable como significativa para los adultos como disfrutable por su público juvenil (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Colin Covert: Minneapolis Star Tribune)

+ "'Cómo entrenar a tu dragón 2', como 'El imperio contraataca' eleva a las secuelas a un nuevo nivel de imaginación e innovación. Es, en verdad, una maravilla de altos vuelos y cargada de profundidad (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una de las películas de animación más bellas jamás rodadas (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Rene Rodriguez: Miami Herald)

+ "Casi tan exuberante como la original, 'Cómo entrenar a tu dragón 2' evita ágilmente la 'secuelitis' (...) Un sorprendente espectáculo visual (...) Rating: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Tomando apuntes tanto de 'Star Wars' como de 'Juego de Tronos', además de su propia narrativa, 'Cómo entrenar a tu dragón 2' insufla fuego en la secuela de la franquicia (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Peter Howell: Toronto Star)

+ "Una de esas películas que logran la proeza de sostener con inteligencia y convicción muy diversos niveles de lectura y elementos que resultan atractivos para niños, adolescentes y adultos." (Diego Batlle: Diario La Nación)

+ "Las batallas épicas y los momentos humorísticos están tan bien conjugados que la proyección pasa rasante como el vuelo de un dragón." (Pablo O. Scholz: Diario Clarín)

= "El apartado técnico es brillante (...) en el guión no han acertado a afilar del todo una de sus dos grandes apuestas (...) la trama pseudo-ecologista de protección de los dragones se despliega en su parte central entre los bostezos de los críos" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Ofrece mucho: emocionantes reencuentros, clases de naturalismo, unas gotas de humor y el dragón como metáfora de la vida salvaje y mito de la buena bestia. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

= "Deslumbrante en su técnica digital, derrocha energía y dinamismo (...) Pero su trama es endeble (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

= "Un juego de trono para púberes. (...) Lo mejor: el diseño siniestro, casi lovecraftiano, del dragón villano. Lo peor: cierta pereza argumental (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

+ "Más grande, no mejor, igual de disfrutable. (...) La mejor de DreamWorks… a excepción de su predecesora (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Nando Salvá: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,1		8,0
NOTA MEDIA: 7,5

TRAILER

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ALIEN: RESURRECCIÓN

Cierro la saga Alien -aunque Ridley Scott intente alargada con otra saga en forma de precuela (algo fuera de órbita) llamada Prometheus (2012)- con la película menos querida del grupo: Alien: Resurrección. La cuarta y última entrega dónde veremos las aventuras de nuestra amada Ripley (supuestamente muerta en la anterior entrega).

Un par de siglos más tarde de los hechos que dieron lugar a la muerte de Ripley, unos laboratorios que experimentan con la clonación dan vida de nuevo a nuestra heroína. El problema viene cuándo el ADN de una reina Xenoforme se cruza con el de Ripley y nace un híbrido que a pesar de parecer la propia teniente, cuenta con las peligrosas capacidades de los Aliens.

En perspectiva es normal que la cuarta entrega de la saga sea la menos apreciada por los seguidores, pues es sin duda la que más se separa del estilo denominador de las otras tres cintas. El motivo principal de estas diferencias es la mano que ejecuta la dirección de la película, el francés Jean-Pierre Jeunet. Director que antes de dar forma a Alien: Resurrección, logro dar vida junto a Marc Caro a trabajos como Delicatessen (1991) o La ciudad de los niños perdidos (La Cité des enfants perdus; 1995), aunque su mayor éxito, y filme más reconocido, corresponde a la posterior Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain; 2001), cinta con la que regaló una carrera internacional a Audrey Tautou.

Con estos datos tan reveladores no es de extrañar que el resultado de esta cuarta parte de Alien, un filme que de entrada poco tiene que ver con el imaginario de Jeunet, no sea del agrado de muchos. A pesar de que sus anteriores entregas también contaran con nombres relevantes del cine como Scott, James Cameron y un novato David Fincher, a estos podemos relacionarlos más con el cine de género al uso, en cambio al director francés se lo relaciona con un cine más autoral (a pesar del fondo comercial de sus películas), algo que confunde al relacionarlo con un blockbuster.

De todos modos, y a pesar de que muchos no lo han sabido ver, la esencia de la saga sigue intacta en la película de Jeunet, dónde lo que cambia son las formas, al llevarse el director toda la película hacía su terreno, impregnándolo de sus señas identitarias, y haciéndose suya la cinta (algo que en el fondo también hicieron los anteriores directores, lo distinto es la huella).

Así, en Alien: Resurrección, vemos un tono mucho más cercano al estilo comiquero que siempre nos ha regalado Jeunet en sus cintas, viéndose resaltado con un argumento que invita mucho más a la relación. La fotografía de su inseparable Darius Khondji (y que el director hereda para toda su obra incluso cuándo no cuenta con su colaboración) de tonos verdes y amarillos, ofrece un resalte de ese estilo, con el cual dota de una mayor fuerza estilística a la cint, acercándola algo más a la comedia, sin duda el elemento que más ha dinamitado la aceptación de los espectadores.

Jeunet cuenta también con sus habituales (y franceses) actores -Ron Perlman o Dominique Pinon, por citar un par- que junto a otros personajes dan un toque muy humorístico a la más bien sosa historia, la cual, deja claro el intento de estirar la franquicia para sacar todo el jugo posible. El resultado, una vez más, se separa por completo de sus tres hermanas.

Pero si somos capaces de aceptar que una película de Alien se convierta por completo en una cómica cinta de autor, algo que personalemente, y salvando las distancias, encuentro totalmente gracioso y permisible, podremos disfrutar de un entretenimiento que nos sorprenderá y que nos llegará en forma de un renovado viento fresco. Quizás el mejor modo de ello, es no relacionándola ni comparándola con sus antecesoras.

De todos modos, aunque sea la más cómica y/o irritante de las cuatro, hay que reconocerle que también es la más valiente. Su tono violento y sexual la hacen única, y responde por completo a las ideas que se pueden palpar dentro de la obra del ya fallecido H.R. Giger, que aunque no colaboró en esta última parte, parece que es la más cercana a sus trabajos, pues la fálica figura del Alien no es en esta película el único factor que se acerca a él. La relación de la nueva Ripley con la también nueva reina Alien, y el final el cual voy a omitir por motivos de no destripar nada argumentalmente, dan fe de ello, y nos ofrecen un éxtasis en su clímax tan distinto a cualquier otra cosa vista en cualquier filme de gran recaudación, que ya por eso merece la pena.

Lo dicho, si sois capaces de presentar un sentido crítico más libre frente a Alien: Resurrección, la película se disfruta y se convierte en una obra realmente desquiciante. De lo contrario os sumaréis fácilmente a la horda de detractores de una película que, a mi parecer, ha sido injustamente menospreciada (Winona Ryder incluida).

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TÍTULO ORIGINAL Alien Resurrection AÑO 1997 DURACIÓN 108 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inlgés DIRECCIÓN Jean-Pierre Jeunet GUIÓN Joss Whedon (Personajes: Dan O'Bannon & Ronald Shusett) MÚSICA John Frizzell FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Sigourney Weaver, Winona Ryder, Ron Perlman, Dan Hedaya, J.E. Freeman, Brad Dourif, Michael Wincott, Leland Orser, Raymond Cruz, Dominique Pinon, Gary Dourdan PRODUCTORA 20th Century Fox / Brandywine Productions

GÉNERO Ciencia ficción. Terror. Acción

TEMÁTICA Extraterrestres. Secuela. Saga

SINOPSIS

Más de doscientos años después de su muerte, Ripley (Sigourney Weaver) vuelve a la vida gracias al empleo de técnicas avanzadas de clonación. Pero, durante el proceso, el ADN de Ripley se ha mezclado con el de la Reina Alien, por lo que Ripley empieza a desarrollar ciertas características de la peligrosa alienígena.

PREMIOS

1998: Academia de Ciencia Ficción, Terror y Fantasía (USA): 6 nominaciones. Incluyendo mejor película de Ciencia Ficción
1998: Blockbuster Entertainment Awards: Mejor actriz de reparto- Sci-Fi (Winona Ryder). Nominada a mejor actriz principal - Sci-Fi (Sigourney Weaver)
1998: Satellite Awards: 1 Nominación

CRÍTICA

= "Sorprende por ser quizá la más sanguinaria, brutal, sórdida y agresiva, pero le falta fascinación" (Ángel Retamar: Cinemanía)

+ "Simpático delirio de genes y golpes de efecto (...) Interesante" (Luis Martínez: Diario El País)

+ "En “Alien: Resurrection” todo es tan “Over the Top” que dicen los anglos que uno se queda inmunizado al delirio y termina por comprarlo todo… porque todo vale." (A.M.M.: Ultramundo)

= "Alien resurrection está bien si consigues olvidar la idiotez del argumento y su delirante final. Por momentos funciona como película de acción y aventuras, si bien no entusiasma." (Luis Cifer: Las críticas de Luis Cifer)

- "No hay por donde cogerla." (Cinebso)

PUNTUACIONES

 

	7,0		5,6		6,3
NOTA MEDIA: 6,3

TRAILER

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CIUTAT MORTA (CIUDAD MUERTA)

Habría que entender las televisiones públicas como algo plural, un lugar dónde se puedan escuchar las voces de todas las ideologías e idiosincrasias. Un lugar dónde la población pueda verse reflejada, dónde pueda participar. Ocurre que no suele ser así. Ciutat Morta (Ciudad muerta), es una película independiente de la productora Metromuster que se suma a esa ola que ya comenté en la entrada sobre Bye Bye Barcelona (Eduardo Chibás Fernández, 2014), donde se refleja el descontento de la población sobre el sistema bajo el que vivimos, utilizando la ciudad de Barcelona para ello, aunque sus historias sean perfectamente aplicables a una escala más global. Ciutat Morta puede estar orgullosa de haber recorrido varios festivales dónde ha recibido grandes aplausos y premios, como el de mejor documental en el Festival de Málaga, lo que la convierte en un filme imprescindible. De este modo es curioso que Televisió de Catalunya, la televisión pública de la zona dónde nació, decida esquivar cualquier intento de programarla en sus cadenas. Es una pena que sólo tras una fuerte campaña de presión, la cadena autonómica haya decidido por fin ofrecerse como una pantalla para poder disfrutarla, aunque sea con una baja campaña publicitaria, en la segunda cadena y con una (inútil) censura judicial de cinco minutos. Así, por fin, se ha podido ver (y se puede re-visionar a través del servicio online de la cadena) el documental dentro del estupendo programa de cine Sala33, con una posterior y pequeña charla con los directores.
Aunque el filme puede encontrarse en diferentes plataformas online, a partir del 4 de febrero podrá verse libremente en la misma web de la productora, una oportunidad que no hay que dejar pasar.

La noche del 4 de febrero de 2006 terminó en desgracia a causa de una carga policial en un teatro okupado de Barcelona dónde se celebraba una fiesta. El resultado, varios detenidos y un agente en coma. Ciutat Morta no es una película sobre la aplicación de la ley, es la terrorífica historia de una venganza.

Y digo terrorífica porque la película de Xavier Artigas y Xapo Ortega no es un documental al uso, es más bien un filme de terror capaz de dejar helado a cualquiera, mucho más que cualquier cinta de género. La película nos conduce hacía los hechos acontecidos aquella fatídica noche de febrero, recogiendo los argumentos silenciados de aquellos que se convirtieron en cabeza de turco de un entramado mucho más complejo del que a priori podríamos observar.

La película se centra en varios protagonistas. Por un lado tres españoles de origen sudamericano, que fueron automáticamente arrestados como supuestos culpables por el homicidio del agente (el cual recibió el golpe de una maceta en la cabeza). Tres jóvenes que automáticamente vieron como la noche se transformó en un infierno de torturas y vejaciones por parte los que se hacen llamar fuerzas de seguridad. Por otro lado tenemos a Patricia, una chica que tras sufrir la caída de su bicicleta, junto a Alfredo, es llevada al hospital más cercano para que le revisen las heridas. Allí, sin quererlo ni beberlo, un agente les convierte también en culpables de homicidio, tan solo por el modo de vestir. Ciutat morta tiene evidentemente más protagonistas, y juntos, se encargan de construir otra versión de los hechos, aquella que las fuerzas del orden, las de la justicia, las políticas, y los medios de comunicación, no quieren escuchar. Tras varios juicios, años de cárcel, dos agentes acusados de torturas con una pensión por incapacidad de entre 1600 y 1800 euros, el caso sigue cerrado sin que la justicia se interese por esclarecer todas las evidencias. Ni la muerte da Patricia ha sido suficiente motivo para sacar a relucir la verdad.

Como indicaba el principio, podemos incluir Ciutat Morta, dentro de ese grupo de documentales descontentos con el sistema, junto a Bye Bye Barcelona. A pesar de la relación entre ellas, en Ciutat Morta nos topamos con un relato mucho más escalofriante, aquí no solo se recogen las quejas de los que tienen que convivir en una ciudad cada vez menos pensada para habitarla, en ella descubriremos los más oscuros secretos a voces de un sistema quebrado y no quiere ser sanado. Y por ello, hay que dedicarle una especial atención. 

Puede que el filme sea señalado como una película falta de objetividad a pesar de los intentos de hablar con todas las partes implicadas en los sucesos del 4-F y  el resto de casos relacionados. Pero se puede decir que en realidad lo que hace es complementar aquello que se ha vendido como verdad, es decir, contrarrestar información. De ahí que intentar colgarle la etiqueta de subjetiva es un error de los más grandes, ya que lo que hace en realidad es denunciar y ofrecer otra versión, de unos hechos ya vendidos y sorprendentemente aceptados.

Por si el relato no fuera suficiente motivo para engullir sin pensárselo este filme documental, hay que añadirle un tratamiento cinematográfico digno del mejor realizador. La mayor parte de las veces, es fácil que un documental de denuncia, recurra a los esquemas más clásicos del reportaje, pero Ciutat Morta construye un relato fílmico único y valiente. De entrada es fácil adivinar un uso de la cámara totalmente excepto de miedos, los movimientos de encuadre durante las entrevistas o los planos recurso que en realidad no podríamos llamar recurso, ya que están impregnados de un sentido narrativo tan sensible como abrumador, consiguen demostrar que se puede llevar el cine de no ficción al terreno más artístico, aunque este esté cerca del reportaje. De este modo también sorprende el perfecto uso del montaje, que deja entrever detrás horas y horas de buen trabajo, para ofrecernos el mejor de los resultados. Un resultado que se combina a la perfección con una banda sonora digna del mejor cine de terror y/o suspense, que demuestra que a pesar de las denuncias, en Ciutat Morta no se olvida lo que es en realidad el cine.

Podéis encontrar mucha información sobre el caso del filme en Internet, con lo cual no voy a entrar mucho en los detalles que en él se exponen, pero no olvidéis que el mejor complemento para entender el entramado es disfrutar hacerlo con el visionado de la película. Un buen modo de conocer la desinformación que vivimos sobre casos que nos remiten a épocas dónde los derechos humanos apenas existían, donde las libertades de las personas eran algo secundario, y dónde los intereses de las altas estancias estaban por encima de la población. En definitiva, una muestra de aquello que se nos oculta, una muestra de la necesidad de exigir la recomposición de un sistema que parece, ha dejado de funcionar.

Recordar, a partir del 4 de febrero, la película queda liberada en la web de la productora, y podrá verse de modo gratuito bajo licencia Creative Commons.

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TÍTULO ORIGINAL Ciutat morta (Ciudad muerta) AÑO 2014 DURACIÓN 120 min. PAÍS España IDIOMA Catalán, Español DIRECCIÓN Xavier Artigas, Xapo Ortega GUIÓN Mariana Huidobro, Jesús Rodríguez, Xavier Artigas, Xapo Ortega MÚSICA Las CasiCasiotone FOTOGRAFÍA Xavier Artigas, Xapo Ortega REPARTO Elvira Prado, Sílvia Villullas, Rodrigo Lanza, Juan Pintos, Mariana Huidobro, Diana Junyent, Helen Torres, Jaume Asens, David Fernández, Virginia Álvarez, Jesús Rodriguez, Gregorio Morán, Francesc Co, Manuel Delgado, Gonzalo Boyé, Metello Alonge, Raffaello Manacorda PRODUCTORA Metromuster 

GÉNERO Documental

TEMÁTICA Cine social. Corrupción. Política. Drama judicial

SINOPSIS

Junio de 2013, un grupo de 800 personas entran en un cine abandonado del centro de Barcelona para proyectar un documental. Una vez dentro, cambian el nombre del edificio: el antiguo Palacio del Cine se llama a partir de ahora Cine Patricia Heras. ¿Quién fue Patricia? ¿Por qué decidió quitarse la vida? Y lo más importante ¿qué tiene que ver Barcelona con su muerte? Una acción de desobediencia, con fuerte contenido simbólico y un gran impacto mediático, que busca -a través de la historia de Patricia- dar a conocer la otra cara de Barcelona, la Ciudad Muerta.

PREMIOS

2014: Festival de Málaga: Mejor documental. Biznaga de Plata
2014: San Sebastián: Sección Made in Spain
2014: Festival Iberoamericano de Huelva: Mejor documental
2014: Muestra del Atlántico Alcances: Premio del público al mejor largometraje
2014: L'alternativa de Barcelona: Premio GAC al mejor guión.
2014: Festival de cine y derechos humanos de Barcelona: Premio Amnistia Internacional
2014: Festival Plataforma Nuevos Realizadores Madrid: Premio al mejor largometraje. Premio de la crítica. Premio del jurado joven.
2014: MiradasDoc: Mención Honorífica

CRÍTICA

+ "Debería ser de obligación que todo el mundo viera este documental valiente y atrevido que se atreve a gritar lo que durante años se ha tratado de silenciar. Una historia que ha marcado la vida de muchos inocentes, que seguirán luchando por poner las cosas en su sitio. De momento, cuentan con este maravilloso documental que pone los pelos de punta y demuestra que la realidad supera la ficción." (Ángela Ruiz: El Palomitrón)

+ "El documental 'Ciutat Morta' es extraordinario y sobrecogedor" (Diego Galán: El País)

+ "Ciutat Morta es uno de los documentales más rabiosamente combativos que se ha hecho en mucho tiempo." (Pablo García: Cine Maldito)

+ "Documentales como Ciutat Morta, que desbordan expectativas y consiguen el primer sold out del festival. Documentales que obtienen un aplauso de varios minutos y dejan al público con un nudo en la garganta. Documentales que nos recuerdan que la impotencia existe, sí. Pero que a veces, por suerte, es posible luchar contra ella." (Marla Jacarilla: Culturaca)

+ "Xavier Artigas y Xapo Ortega arrancan la venda de los ojos al usar el caso del 4F como paradigma perfecto de extrapolación para denunciar: la violencia que sufrieron los detenidos a manos de la policía y su papel como vehículo de control del pueblo; la quimera de la justicia, latente queda su inexistencia en el documental o su aplicación con desigual baremo; y los prejuicios sociales, una condena errónea fundamentada en el look antisistema de los detenidos." (Jose Cabello: Cine Divergente)

+ "El documental se convierte en un revulsivo del pensamiento, un filme destinado a resucitar nuestro espíritu crítico y combativo desde la realidad escondida que nos rodea." (El antepenúltimo Mohicano)

PUNTUACIONES

 

	8,5		8,0		8,4
NOTA MEDIA: 8,3

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KATY, LA ORUGA

Ayer martes saltaba a las redes la noticia del fallecimiento de un nombre clave para la publicidad española y el campo del cine animado: José Luis Moro. El artista fundó, junto a su hermano Santiago, los estudios Moro, cuna de varios anuncios inolvidables para los españoles como el de la famosa canción del Colacao. Los hermanos Moro crearon también personajes tan emblemáticos como la calabaza Ruperta, mascota del concurso de éxito Un, dos, tres… responda otra vez (Narciso Ibáñez Serrador, 1972-2004), además de otros de los personajes que aparecieron posteriormente en el programa; sin olvidar a la emblemática familia Telerín, cuyos integrantes nos mandaban a los más pequeños de la casa a dormir bien temprano, y que además fueron llevados a la gran pantalla como protagonistas de la estupenda película El mago de los sueños (Francisco Macián, 1966). Los estudios Moro produjeron también, junto a la mexicana Televicine S.A. de C.V., series animadas como la de Cantiflas Show (Mario Moreno 'Cantinflas', Jose Luis Moro, 1972-1982) o el filme que hoy nos ocupa, Katy, la oruga (José Luis Moro, Santiago Moro, 1984). Con tantos títulos emblemáticos no es de extrañar que Moro fuera galardonado con varios premios importantes como tres Palmas de Oro en Cannes, premios publicitarios en el Festival de Venecia, medalla de oro por efectos especiales y muchos otros reconocimientos especialmente en el campo de la publicidad. Sin duda hoy, merece una buena despedida.

Katy es una oruga curiosa e inconformista que vive junto a sus amigas oruga en un árbol a salvo del mundo hostil. Katy siente la necesidad de recorrer mundo, y encontrar un lugar para ella sintiéndose satisfecha, así, tras una conversación con la madre naturaleza, decide emprender un temerario viaje dónde conocerá los estilos de vida de varios personajes, los cuales le ayudarán a entenderse mejor a si misma.

Hay que reconocer que Katy, la oruga, es una película realmente mal envejecida. Pero en su época, siendo una cinta hispana, pudo presumir de una calidad animada superior a la media a pesar de usos de la técnica limitada. La mano de Moro para los escenarios queda muy bien definida y es sin duda de lo mejor del filme, además de un estupendo diseño para algunos de los personajes como la araña, la reina abeja o los ratones de la ciudad. En los momentos musicales se crean unos escenarios muy propios de Moreno, que nos recuerdan con nostalgia los créditos de apertura del programa de Narciso Ibáñez Serrador, dónde luces de colores y gigantescas letras llenan la pantalla.

El filme en si cuenta con un argumento que carece de fuerza dramática, siendo desarrollado de un modo demasiado básico, el cual solo podría llegar a entretener al público más infantil, estimulado principalmente por su colorido contenido. Realmente, dejando de lado su básica narración, el filme contiene una serie de valores difícilmente apreciables en otras películas infantiles de la época, y ese es sin duda una baza que hacen del filme de la oruga una película a tener en cuenta para nuestros pequeños. Katy nos enseña valores como el no conformarse con lo impuesto y luchar por los sueños, o si bien no, encontrar aquellas aspiraciones que nos pueden hacer realmente felices; el respeto hacía los que son diferentes a nosotros, el no tener miedo a equivocarse, o a enseñarnos a evitar de un modo suave algunos valores negativos como el capitalismo más feroz. Al final la moraleja es clara, Katy nos muestra como dentro de nosotros se esconde un potencial único e incomparable, y que solo hay que esforzarse un poco para lograr ser felices.

La perdida de José Luis Moro es sin duda una triste noticia, pero por lo pronto que nos sirva para revisar alguna de sus obras y recordar con nostalgia aquellos buenos momentos del pasado.

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TÍTULO ORIGINAL Katy AÑO 1984 DURACIÓN 69 min. PAÍS España, México IDIOMA Español DIRECCIÓN José Luis Moro, Santiago Moro GUIÓN Silvia Roche, Steve Hulett, Peter Young MÚSICA Nacho Méndez VOCES Cristina Camargo, Alfonso Obregon, Héctor Lee, Francisco Colmenero, Diana Santos, Álvaro Tarsiglo, Eduardo Tejeda, Nancy MacKenzie, Gabriela Willer, Esteban Siller, Luis Bayardo, Patricia Acevedo, Araceli de León PRODUCTORA Moro Creativos Asociados / Televicine S.A. de C.V.

GÉNERO Animación. Aventuras. Musical. Infantil

TEMÁTICA Naturaleza. Animales. Insectos

SINOPSIS

En un avión que sobrevuela el Atlántico, un contenedor de abejas modificadas genéticamente es abierto y se deja escapar su mercancía.... unos insectos cuya única picadura es suficiente para causar la muerte. Cuando al avión aterriza en Nueva York, el que las abejas puedan escapar puede significar el inicio de una tragedia a escala mundial...

CRÍTICA

+ "Esta joya de la animación mexicana, basada en el libro de Silvia Roche ha sido injustamente olvidada y quizá muchos de ustedes la recuerden sólo como una peli cursi. En realidad es mucho más. Katy la Oruga es en realidad una hermosa metáfora sobre la niña que se convierte en mujer." (Mail Civeira: Ego Sum Qui Sum)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,8		6,9
NOTA MEDIA: 6,1

TRAILER

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EL GRAN HOTEL BUDAPEST

No podemos olvidar que los globos de oro no solo tienen una categoría principal para premiar a las mejores películas del año. Aunque la denominada categoría a mejor cinta dramática suele ser la que se tiene en cuenta a la hora de anunciar una ganadora, en realidad existe una separación dónde también se elige la mejor película comedia/musical (?!). Una separación totalmente absurda que nos hace pensar que los integrantes de la asociación de periodistas extranjeros en Hollywood (los cuales eligen las ganadoras), se lo debieron pasar "chachi piruleta" riendo entre canción y canción viendo filmes musicales como Los miserables (Les Misérables; Tom Hooper, 2012) o La vida en rosa (La Môme; Olivier Dahan, 2007). Una desafortunada separación sin duda, que nos muestra como de absurdos pueden ser a veces las ceremonias de entrega de premios. Lo único bueno que veo de esta separación, es que un filme tan estupendo como El gran hotel Budapest de Wes Anderson se ha postulado como mejor película en esta segundona categoría, premio que posiciona el filme en un sitio de honor totalmente merecido, y que de otro modo hubiese sido injustamente olvidada.

Durante los años 30, en un difícil periodo de guerras, nos encontramos dentro del lujoso Gran Hotel Budapest. Allí conocemos a Gustave H., el histórico conserje del lugar, que entabla amistad con el nuevo mozo de equipajes convirtiéndolo en su protegido (y posible heredero de su cargo). La repentina muerte de una de las antiguas clientas del hotel, causa un revuelo en el lugar, al dejar como herencia una de sus preciadas obras renacentistas a Gustave, obra que desaparecerá misteriosamente.

No es nueva la precisión de Anderson a la hora de orquestar todos los elementos de sus películas de un modo mágico. Realización, planificación, montaje... o la siempre perfecta y adecuada (además de brillante) banda sonora de Alexandre Desplat, son elementos recurrentes que pueden llegar al error de hacernos pensar que El gran hotel Budapest es más de lo mismo, otra película de Wes Anderson. El mismo Anderson de siempre.

Pero en realidad la progresiva maduración del director se hace más que evidente en este trabajo dónde no solo es mayor la explosión cómica y surrealista en un guión plagado de personajes excepcionales, si no que parece fácil darse cuenta de como el director consigue conjugar lo mejor de sus anteriores obras en una sola. Personajes de Los Tenenbaums. Una familia de genios (The Royal Tenenbaums; 2001); detalles de vestuario y atrezzo similar al de Moonrise Kingdom (2012); el ritmo desenfrenado y los decorados (animación incluida) de Fantástico Sr. Fox (Fantastic Mr. Fox; 2009); o las aventuras casi surrealistas de su menor Viaje a Darjeeling (The Darjeeling Limited; 2007), son algunos de los elementos que se incorporan a los nuevos -como el uso del blanco y negro y la modificación del formato cinematográfico para los flashbacks- . De este modo da la sensación de que El gran hotel Budapest es una especie de síntesis de todo lo que nos ha ido mostrando a lo largo de su filmografía. En suma una delicia llena de bocados de lo mejor de su obra.

Uno de los esquemas que más ha variado si echamos la vista atrás, es el uso del color. Aunque siempre ha sido un elemento (más o menos) recurrente a lo largo de sus producciones, Anderson siempre lo ha utilizado de un modo responsable, en cambio en esta nueva película, apuesta por una explosión de color dónde resalta mucho más la saturación, especialmente en los tonos rojos, azules y amarillos en todas sus gammas. Algo que contrasta con el epílogo de la cinta, dónde el colorido más apagado nos sitúa en una época más triste, dónde el glamour y la alegría quedan ya lejos.

Una de las bazas menos comentadas de Anderson siempre ha sido la dirección de actores, de los cuales siempre consigue lo mejor, teniendo en cartera una serie de nombres comunes que repiten película tras película con perfectos resultados. En esta ocasión hay que destacar la química que desprenden Ralph Fiennes, nuevo actor que se incorpora a la cantera de Anderson para dar vida al conserje Gustave, y Tony Revolori, joven descubrimiento que encarna al joven mozo. Un dúo estupendo que llevan gran parte del peso del filme, de un modo magistral. Y no hace falta pararse mucho en el resto de actores, para darse cuenta de las mil y una maravillas que nos ofrece el resto del reparto, especialmente con los personajes que encarnan a la familia de la fallecida.

Divertida, enérgica, aména y de gran contenido. Quizás El Gran Hotel Budapest no sea la mejor obra de Anderson, pero el motivo no es cualitativo, si no que el listón lo tenía ya muy alto. Estupenda de principio a fin.

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TÍTULO ORIGINAL The Grand Budapest Hotel AÑO 2014 DURACIÓN 99 min. PAÍS Estados Unidos, Alemania, Reino Unido IDIOMA Inglés, Francés DIRECCIÓN Wes Anderson GUIÓN Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Hugo Guinness) MÚSICA Alexandre Desplat FOTOGRAFÍA Robert D. Yeoman REPARTO Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Edward Norton, Jeff Goldblum, Jude Law, Willem Dafoe, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson, Larry Pine, Bill Murray, Léa Seydoux, Owen Wilson, Giselda Volodi, Florian Lukas, Karl Markovics, Wallace Wolodarsky, Bob Balaban, Volker Michalowski, Fisher Stevens, Waris Ahluwalia PRODUCTORA FoxSearchlight / Scott Rudin Productions / American Paintbrush

GÉNERO Comedia. Aventuras

TEMÁTICA Años 30

SINOPSIS

Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX.

PREMIOS

2014: Globos de Oro: Mejor película - Comedia o musical
2014: Premios BAFTA: 11 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado
2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor guión
2014: Críticos de Los Angeles: 2º mejor film del año. 2 premios, incl. Mejor guión
2014: Premios Gotham: Nominada a Mejor película
2014: Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor reparto
2014: Critics Choice Awards: 11 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Críticos de Chicago: Mejor guión y Mejor dirección artística
2013: Premios David di Donatello: Mejor film extranjero

CRÍTICA

+ "Un cautivador relato de los años 30 (...) vibrante e imaginativa evocación de una época pasada (...) sus innumerables placeres en la superficie puede que te seduzcan tanto que pases por alto su sutil inteligencia y su profundidad de sentimiento." (Justin Chang: Variety)

+ "Una idiosincrática comedia de época que hará las delicias de sus seguidores, más que las del gran público. (...) una maliciosa y sofisticada farsa (...) elegante comedia" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Es maravillosa. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Tim Robey: Telegraph)

+ "Con los años, las películas de Wes Anderson han desarrollado de una manera constante un mundo exuberante y excéntrico que funciona en sus propios términos, y 'El gran hotel Budapest' sobresale en su exploración." (Eric Kohn: Indiewire)

+ "La hermosa y divertida 'El gran hotel Budapest' de Wes Anderson es la mejor película de su director." (Mark Adams: Screendaily)

+ "Llena de los elementos visuales típicos de Anderson, cámaras que se apartan, zooms rápidos, montajes rápidos, tiene un estilo familiar, un tono refrescante y es una de las mejores películas de Anderson. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Dave Calhoun: Time Out)

+ "Es una compleja caja de juguetes, con un aspecto tan delicioso que es posible que desees lamer la pantalla. Está también, a la manera de Anderson, atravesada por el humor, el desamor y una romántica y magullada visión del pasado." (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Esta película es una maravillosa parodia de la historia que convierte a sus horrores en una serie de chistes graciosos y gestos traviesos. Uno puede llamar a esto escapismo si lo desea. También se puede pensar en ella como una venganza." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Un reparto inmenso, una profunda sensación de melancolía, secuencias animadas, (...) hermosa banda sonora (...) por primera vez sus personajes irradian ternura." (Gregorio Belinchón: Diario El País)

+ "La perfección de 'The grand Budapest hotel', una inmersión tan divertida como intensa en las profundidades de la melancolía. (...) una forma de hacer cine sencillamente única, contradictoria e irresistible." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Deslumbrante carta de amor a una Europa imaginada que acaba proponiendo un sofisticado discurso sobre la construcción de la nostalgia como paraíso privado (...) Todo en esta maqueta de alta precisión (...) tiene ángel. Y genio." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Melancólica y aventurera -a su manera- (...) Un filme que se mueve por la fina línea roja que separa la genialidad de la patochada, pisando ambos territorios a la vez (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "¿Cuál es la ética de 'El Gran Hotel Budapest'? Acaso demostrar que el pasado nos reinventa, y que recordarlo, con todas sus luces y sombras, ha de ser una experiencia deliciosa. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

+ "Una frenética historia de las de antes con peripecias, con guiños al mejor Hitchcock y a Spielberg –Tintín–, pero tan wesandersoniana que sería ridículo decir que se parece a otra cosa que a él mismo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

+ "El Gran Hotel Budapest es como una enorme bola de nieve que va creciendo a medida que recorre más y más la trama. (...) Hay que zambullirse en la pantalla y disfrutar." (Pablo O. Scholz: Diario Clarín)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,3		8,1
NOTA MEDIA: 7,6

TRAILER

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