LA TEORÍA DEL TODO

Después de que los Goya queden ya entregados en una larga, llena de censura y hastía gala, dónde La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) se alza con el premio al mejor filme español, un thriller estupendo pero que lejos queda de las cintas verdaderamente potentes que este año nos ha dado nuestro cine y que tan injustamente maltratadas han sido en la entrega de premios -hablo por supuesto de la absorbente Magical Girl (Carlos Vermut, 2004) y de la pequeña joya que es Loreak (Flores) (José Mari Goenaga, Jon Garaño, 2014)-, llega el momento de dar paso a los BAFTA, los premios ingleses del cine. A estas alturas no sorprende que Boyhood (Richard Linklater, 2014) sea la declarada mejor película del año por los académicos británicos, así que toca centrarse en la que ha sido premiada como mejor película inglesa, reconocimiento que ha sido entregado a La teoría del todo.

Stephen y Jane se conocen en una fiesta en la universidad de Cambridge, quedando perdidademente enamorados el uno del otro. Entonces la joven pareja no sabia lo que el futuro les deparaba. Stephen no solo se convertiría en el más celebre astrofísico de nuestro tiempo, si no que además una enfermedad degenerativa haría su vida de lo más complicada.

James Marsh, más conocido por sus obras documentales -especialmente por la maravillosa ganadora del Oscar Man on Wire (2008)-, se centra esta vez en contarnos otra historia biográfica pero esta vez desde las estrategias que ofrece el cine de ficción. Así adapta las memorias de Jane Hawking, dónde cuenta la relación que tuvo con Stephen Hawking y de las dificultades que ambos tuvieron al afrontar una enfermedad que le daba de entrada dos años de vida al joven científico.

Marsh dirige con mano correcta a su nueva hija, con el dinamismo y el suspense que le caracterizan, y aunque éste nos esté contando una historia de entrada ya conocida, nos lleva a sentirnos cautivados por ella y sentir curiosidad por los acontecimientos que en ella se desarrollan. Aunque como biopic podamos echar en falta una visión más amplia de los personajes que se plasman, Marsh decide apostarlo todo por el romance, y aunque eso de como resultado un filme poco atrevido, al final el envoltorio preciosista llega a conmovernos con facilidad.

Parece que el filme esté conjugado para que sus interpretes cosechen premios, especialmente Eddie Redmayne que da vida al científico achacado por la ELA (enfermedad de la cual el filme se aprovecha tras la popularidad del Ice Bucket Challenge de este verano), un papel muy agradecido para todo actor que se precie, aunque Redmayne tenga que poner de su parte para dar credibilidad a su trabajo, y eso lo consigue con creces, aunque no alcance la grandeza de Daniel Day-Lewis en aquella maravilla irlandesa llamada Mi pie izquierdo (My Left Foot; Jim Sheridan, 1989).

Al final lo que más me atrae del filme de Marsh es su banda sonora. El compositor islandés Jóhann Jóhannsson está sonando mucho últimamente por Hollywood, y es que su trabajo sabe sintetizar muy bien la verdadera esencia de las películas para las cuales compone. En La teoría del todo, su música nos endulza el trágico relato de amor de una pareja que lucha por superar las trabas, y Jóhannsson al final es el maestro que consigue hilar todo el conjunto narrativo del filme. Todo gracias a sus notas.

La teoría del todo no es ni de lejos una película que vaya a quedar grabada en nuestras retinas, pero si que es cierto que lo que ofrece es suficiente para una película de rasgos ya marcados, y el resultado es muy aceptable. Al final es fácil quedar encantado con ella.

Por cierto, os dejo en el lateral derecho del blog una lista de reproducción para que podáis escuchar un resumen de las melodías que han estado sonando en las entregas de premios y festivales que dedican alguna de sus secciones a ellas, os invito a ir escuchándolas mientras leéis los artículos del blog.

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TÍTULO ORIGINAL The Theory of Everything AÑO 2014 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN James Marsh GUIÓN Anthony McCarten (Libro: Jane Hawking) MÚSICA Johann Johansson FOTOGRAFÍA Benoît Delhomme REPARTO Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, David Thewlis, Emily Watson, Simon McBurney, Charlotte Hope, Adam Godley, Harry Lloyd, Maxine Peake, Joelle Koissi, Zac Rashid, Hugh O'Brien, George Hewer, Georg Nikoloff, John W.G. Harley PRODUCTORA Working Title Films 

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Biográfico. Años 60. Enfermedad. Discapacidad. Drama romántico. Colegios/Universidad

SINOPSIS

Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking y su primera mujer, Jane, en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al famoso científico en una silla de ruedas.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: 2 Globos de Oro: Mejor actor - Drama (Redmayne) y Mejor BSO
2014: Premios BAFTA: Mejor film británico, actor (Redmayne) y guión adaptado
2014: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Eddie Redmayne)
2014: Critics Choice Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película

CRÍTICA

+ "Una estimulante y agridulce historia de amor, modulada con un sentido del humor de buen gusto." (Justin Chang: Variety)

+ "'La Teoría del todo' (...) es ciencia fascinante, provocación emocional y una singular historia de amor, todo encajado en una maravillosa película. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Es una historia real inusualmente convincente acerca de una pareja extraordinaria (...) Hasta el momento es mi película favorita del año (...) No te la pierdas (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Cautivadora, preciosa y triste." (Tim Grierson : Screendaily)

+ "'La teoría del todo' deja una huella profunda gracias a Redmayne. Su asombrosa interpretación hace justicia a la vida real de Hawking (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Rene Rodriguez: Miami Herald)

= "Sí, 'La Teoría del todo' hace hincapié en cosas diferentes. Pero al igual que tantas vidas cinematográficas de famosos, pierde el rastro al origen de la fama de su protagonista." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Marsh toma a un personaje complicado y revela su amplia gama de dimensiones. El resultado es un interesante biopic que a menudo resulta bastante conmovedor. Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Como si fuera la cosa más fácil del mundo, "La teoría del todo" hace malabares y profundiza en las tres áreas principales de la vida de Hawking -su trabajo, su enfermedad y su matrimonio (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

= "No importa cuánto muestre 'La Teoría del todo' del increíble proceso a través del cual Hawking mantiene una conexión con el resto del mundo, se queda corta a la hora de meterse dentro de su cabeza." (Eric Kohn: Indiewire)

= "Un 'biopic' atípico (...) una película desenfocada, de puro minimalista. Y luego está lo de Eddie Redmayne. Impresiona. No se trata tanto de una imitación como de una especie de metamorfosis." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "En ningún sentido es desdeñable este biopic. (...) es tan contenido como digno. Y son muy justas las nominaciones al Oscar de Eddie Redmayne y de Felicity Jones" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Tal vez, desde un punto de vista científico, la película no esté a la altura de su personaje, pero es evidente que el propósito apuntaba a otra zona de Hawking, mucho más íntima y conmovedora. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Felicity Jones (...) toma ella sola las riendas de una película, por lo demás, delicada, sensible y rodada con extrema elegancia. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Beatriz Martínez: Fotogramas)

+ "En el trabajo de Redmayne y el de Felicity Jones como Jane está en realidad la verdadera fuerza de esta historia de amor que trasciende el tiempo y el espacio (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Irene Crespo: Cinemanía)

- "'La teoría del todo' evade cuidadosamente todo tipo de polémica y busca con denuedo el consenso con estrategias cinematográficas que terminan aburriendo de tan convencionales." (Alejandro Lingenti: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,2		7,8
NOTA MEDIA: 7,2

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1984

Pocos no estaréis de acuerdo en que la distópica y visionaria novela de George Orwel 1984, publicada en junio de 1949, es una obra de referencia. Y no solo por su contenido de imprescindible lectura, si no por ser una referencia absoluta para todo seguidor de la ciencia ficción e incluso de los aficionados a las ciencias políticas. Evidentemente la novela no necesita mucha más presentación. De este modo sería de extrañar que una obra de tal calibre no tenga ya su propia adaptación cinematográfica, y aunque ha contado con un total de tres títulos de adaptación directa, ninguno de ellos ha conseguido alcanzar el nivel de una obra tan compleja en matices e ideas. Es quizás la última de ella, estrenada no por casualidad en 1984, y dirigida por Michael Radford (director asiduo en adaptaciones literarias), la que más se acerque a la esencia del libro.

Londres es una ciudad que pertenece al estado colectivista de Oceanía. El estado está controlado por el Partido Único, compuesto bajo un sistema totalitarista dirigido por El Gran Hermano. Winston Smith trabaja para el gobierno en uno de sus cuatro Ministerios, el de la verdad, encargándose de re-escribir la historia según convenga. Smith poco a poco empieza a cobrar un sentido crítico que le ayuda a darse cuenta de la farsa en la que su gobierno hace vivir a la población. El joven, tras conocer a Julia, una chica también desengañada por las políticas, intentará entrar en una resistencia contra una sociedad que se vigila a si misma.

El filme de Radford deja patente la complejidad de adaptar una obra de este calibre al mundo cinematográfico, con un resultado confuso que sólo llegarán a entender aquellos que hayan devorado antes la novela original de Orwell. Así pocas cosas buenas podemos destacar de una película, que aunque es la mejor adaptación en pantalla, no llega a alcanzar un nivel aceptable.

Así, aunque la trama sea confusa y llegue a provocar hastío, hay que reconocerle un par de bazas que consiguen al menos salvarla de la quema. La principal de ellas es la ambientación que el director plantea para construir el mundo dónde viven nuestros protagonistas. Cada detalle está cuidado y milimétricamente estudiado para crear una atmósfera muy a la altura de lo que podríamos estar imaginando cuándo estamos dentro de las líneas de la novela. Eso, sumado a un montaje construido desde una confusión hecha a propósito, un ritmo feroz y una banda sonora asfixiante, consigue que el trabajo de Radford al menos plantee un clima para el espectador muy cercano a lo que pueden sentir los personajes que viven dentro de esa realidad distópica, acercándose así lo más posible a los juegos mentales propuestos por Orwell.

Además nos encontramos con la presencia de un John Hurt totalmente excelente en su papel protagonista, con una evolución sorprendente y a la altura. Poca coincidencia es que James McTeigue lo eligiese para dar vida al dictador del anárquico cómic homónimo de Alan Moore, V de Vendetta (V For Vendetta, 2006), el filme de éxito que tanto bebe de las ideas orwellianas de 1984, en un papel totalmente opuesto al que ofreció en este film.

De este modo, aunque no nos encontremos ante una película muy destacable, hay que dejarle el merito de que al menos consigue presentarse con una fiel adaptación de ideas, algo muy complicado que sólo consigue ofrecer un puzzle confuso para un espectador alejado del texto original. Mientras esperamos una adaptación más pulida (el nombre de Paul Greengrass suena como director de la nueva producción que se cocina en Hollywood), podemos ir releyendo la novela, ya que seguro que en posteriores lecturas encontraremos nuevas ideas y matices que nos den de lleno al cerebro.

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TÍTULO ORIGINAL 1984 (Nineteen Eighty-Four) AÑO 1984 DURACIÓN 113 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés, Neolengua (Nuevahabla) DIRECCIÓN Michael Radford GUIÓN Michael Radford & Jonathan Gems (Novela: George Orwell) MÚSICA Dominic Muldowney (canciones: Eurythmics) FOTOGRAFÍA Roger Deakins REPARTO John Hurt, Richard Burton, Suzanna Hamilton, Cyril Cusack, Gregor Fisher, James Walker, Andrew Wilde, Shirley Stefox, Phyllis Logan PRODUCTORA Umbrella-Rosenblum Films Production / Virgin

GÉNERO Ciencia ficción. Fantástico. Thriller. Romance

TEMÁTICA Política. Distopía. Thriller futurista

SINOPSIS

El futuro, año 1984. Winston Smith (John Hurt) soporta una abyecta existencia bajo la continua vigilancia de las autoridades en la Oceanía totalitaria. No obstante, su vida se convierte en una pesadilla cuando prueba el amor prohibido y comete el crimen de pensar libremente. Enviado al siniestro “Ministerio del Amor”, se encuentra a merced de O’Brien (Richard Burton), un cruel oficial decidido a dominar sus pensamientos... y a quebrantar su voluntad.

PREMIOS

1984: BAFTA: Nominada a Mejor diseño de producción
1984: Seminci de Valladolid: Mejor nuevo director y mejor actor, (Richard Burton y John Hurt)
1984: Fantasporto: Mejor actor (John Hurt). Nominada a mejor película.

CRÍTICA

+ "Una cinta desoladora, cuyas estremecedoras imágenes muestran un tenebroso porvenir" (Guzmán Urrero: The Cult)

- "Tuvo un planteamiento tan aparatoso como ambicioso, pero sus resultados no pasaron de ser una simple ilustración más aparente que incisiva." (Fotogramas)

- "Aunque fiel al trabajo del famoso escritor, me resulta forzada, sin personalidad y excesivamente fría. (David Reszka: TAIblog)

PUNTUACIONES

 

	5,0		6,5		7,2
NOTA MEDIA: 6,2

TRAILER

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10.000 KM.

Entregados quedan los premios Gaudí de la academia catalana de cine en un año escaso en producciones, pero de buena calidad, aunque pocas apuesten por el idioma del territorio. De este modo 10.000 km. ha quedado como la película ganadora a mejor película catalana de habla no catalana, aunque oficialmente (debido a la nada necesaria separación lingüística) sea Rastres de sàndal (Rastros de sándalo) (Maria Ripoll, 2014) la que ostente oficialmente el título de mejor producción, por cierto una sorpresa al reventar todas las quinielas que apuntaban a la excéntrica Stella Cadente (Lluis Miñarro, 2014) como favorita, y que se ha tenido que conformar con la mejor dirección artística y mejor vestuario. Completa el grupo de grandes vencedoras El niño (Daniel Monzón, 2014), que se postula como la película con más premios con un total de siete galardones.

Alex acaba de conseguir una beca para ir a Los Ángeles a trabajar en un proyecto fotográfico, una buena noticia a pesar de que deberá dejar Barcelona por un tiempo y separarse de Sergi. Ambos eran ya una pareja consolidada en busca de su primer hijo, pero la separación temporal de los dos hará tambalear los cimientos de la vida que juntos habían construido.

Carlos Marques-Marcet decide arriesgarse con un género muy explotado y poco agradecido en los circuitos más críticos como es el romántico, para contarnos la historia de una deconstrucción amorosa afectada por el espacio, algo que de entrada podría parecer muy visto, pero que aplicado a las relaciones de hoy en día se convierte en un análisis fresco y novedoso, que queda lejos de la repetición de clichés. 

Lo mejor del filme de Marques-Marcet es sin duda la realización del mismo, que funde la idea del guión que escribe junto a Clara Roquet en las imágenes. Así ya de entrada podemos ver a través de un largo plano secuencia la relación de la pareja durante un día cualquiera, dónde a pesar de quedar separados por paredes y tabiques se consolida como eterna, gracias a ese conjunto llamado hogar que tan bien queda reflejado con la ayuda de la cámara. De este modo las barreras arquitectónicas impiden resquebrajar esa relación que la cámara une, y aunque ellos se encuentren en estancias separadas conseguimos verlos juntos, sin nada que rompa sus lazos.

Una vez Alex abandona su hogar, la realización no cambia del todo, seguiremos viendo como la pantalla partida, esta vez no por paredes, si no por pantallas de un ordenador, sigue centrándose en la relación de esta pareja ya separada por el espacio e incluso ese delay temporal que es la zona horaria. Entonces Marques-Marcet se centra en construir dos planos dentro de uno mismo, en el que podemos ver a uno de ellos dentro de otra pantalla, en un ejercicio metafílmico que resume muy bien las relaciones de hoy en día, aunque estas no se vean afectadas por el espacio como les ocurre a los protagonistas. Poco a poco, las pantallas empiezan a verse separadas, la definición cambia, y al igual que crece el deterioro emocional, crece esa distancia en el marco, algo que de entrada no habíamos visto tan directamente, y que resume muy bien la paulatina separación sentimental, y el crecimiento de las dificultades que ofrece una relación a distancia, dónde lo físico desaparece por completo.

Sin lugar a dudas es un acierto que la historia se centre en la relación de los dos personajes, sin dejar que los detalles superfluos empañen la dirección del guión. Poco veremos de los momentos que no implican hablar de la relación, por lo que nos convertimos en espectadores directos de ese emocional deterioro que se nos presenta. Solo aquellas cosas que afecten directamente el quid de la cuestión son la que nos son mostradas, sin dejar lugar para cualquier artificio.

Es cierto, que este modo de contar una historia puede convertir 10.000 km. en un filme algo pesado, pero si conseguimos conectar con él (algo no muy dificultoso) es fácil que superemos esa barrera del tono. Si lo logramos nos sentiremos satisfechos con un desenlace realmente brillante, en el que se apuesta por un efecto totalmente realista y que dinamita directamente sobre nosotros dejándonos enganchados en la butaca.

Sin la ayuda de David Verdaguer, actor normalmente relacionado con la comedia, y la internacional Natalia Tena, el filme no hubiese sido lo mismo. El dúo de actores, que además han sido ambos premiados en un acierto por parte de la academia catalana, ofrecen un registro interpretativo de altura, en la que ambos saben transmitirnos las inquietudes de sus personajes, y no precisamente con las palabras, que en momentos así pueden intentar convencernos de cosas que realmente no son ciertas, si no por sus pequeños gestos, miradas e incluso pensamientos, que nos los transmiten con total claridad, ofreciendo una gamma emocional amplia y que realmente nos alcanza.

Es entonces de justicia que 10.000 km. se postule como la mejor cinta catalana de este 2014, ya que es sin duda una obra arriesgada, cercana y llena de vigor. Un cine que hace falta en nuestro entorno, y que es capaz de llegar a una gamma de público de lo más amplia. Ahora solo queda esperar que en los Goya repita el éxito, y el filme logre hacerse suyas las tres nominaciones noveles por las que compite: actor, actriz y dirección.

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TÍTULO ORIGINAL 10.000 km. AÑO 2014 DURACIÓN 98 min. PAÍS España IDIOMA Español, Catalán, Inglés DIRECCIÓN Carlos Marqués-Marcet GUIÓN Carlos Marqués-Marcet, Clara Roquet FOTOGRAFÍA Dagmar Weaver-Madsen REPARTO Natalia Tena, David Verdaguer PRODUCTORA Lastor Media / La Panda

GÉNERO Romance. Drama

TEMÁTICA Drama romántico

SINOPSIS

Alex y Sergi, una sólida pareja de Barcelona, acaricia la idea de tener un hijo, pero, inesperadamente, Alex consigue una beca de un año en Los Ángeles, lo que supondría un año de relación a 10.000 Km de distancia

PREMIOS

2014: Premios Gaudí: Mejor película de habla no catalana, mejor dirección, mejor actor (David Verdaguer), mejor actriz (Natalia Tena), mejor guión
2014: Premios del Cine Europeo: Nominada a European Discovery - mejor ópera prima
2014: Premios Goya: 3 nominaciones incluyendo Mejor director novel
2014: Festival de Málaga: 5 premios: Mejor película, mejor actriz (Natalia Tena), mejor dirección, mejor guión novel, y premio especial del jurado de la crítica.
2014: Festival SXSW de Austin: Mejor actor y Mejor actriz
2014: Premios Feroz: 6 Nominaciones, inc. Mejor película drama, director, actor y actriz.
2014: Premios CEC: 3 Nominaciones, inc. Mejor director revelación, actor revelación y actriz revelación.
2014: Premios Forqué: Nominada a mejor actriz (Natalia Tena)

CRÍTICA

= "Tiene su particular talón de Aquiles en el corsé expresivo que centra el grueso de su metraje. (...) El desenlace (brillante, sutil, complicado en su aparente sencillez) cierra, no obstante, el discurso en alto" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "La autopsia a una relación tan cercana y tan lejana a un tiempo (...) La pareja protagonista es espléndida (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Una película de planteamiento aparentemente sencillo pero de larguísimo alcance. (...) un relato emocionante y doloroso (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Álex Montoya: Fotogramas)

+ "Si en 'Her' Spike Jonze esquivaba la plasticidad de la tecnología con un futuro antiguo e inalámbrico, '10.000 KM' prefiere zambullirse en ella hermanando con brillantez su forma y su fondo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,6		6,9
NOTA MEDIA: 6,8

TRAILER

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THE IMITATION GAME (DESCIFRANDO ENIGMA)

Parece que una de las películas candidatas al Oscar, ha abierto una brecha olvidada para los ingleses. Benedict Cumberbatch, que da vida a Alan Turing en The Imitation Game (Descifrando Enigma), junto al actor Stephen Fry, han mandado una carta abierta al Gobierno inglés, así como a los Duques de Cambride, pidiendo que el país pida perdón a los 49.000 homosexuales que han sido condenados por su orientación sexual. La Reina Isabel II concedió el perdón a Turing en 2013, un gesto que no es suficiente para un país considerado democrático y donde la igualdad de derechos justo ahora empieza a alcanzarse. Sin lugar a dudas, la popularidad del filme y el gesto de los actores, hacen que sintamos más interés sobre la vida del matemático que ha cambiado nuestra forma de vida, y es por eso que esta película dirigida por Morten Tyldum y candidata a ocho premios Oscar, se hace hoy un hueco en el blog.

Alan Turing, un joven y brillante matemático, es puesto en cabeza de un equipo secreto destinado a descifrar los mensajes secretos que la máquina Enigma que los Nazis utilizan para pasar su información durante la II Guerra mundial. El trabajo de Turing y su equipo se convierte en clave para el giro de una guerra que los ingleses empezaban a dar por perdida. Pero lejos de ser convertido en un héroe, Turing termina siendo investigado por su condición de homosexual.

Ya hace unos días os hablé del documental Codebreaker (Britain's Greatest Codebreaker; Clare Beavan, Nic Stacey, 2011), el cual ya nos ofrecía todos los datos sobre la vida del importante matemático. En The Imitation Game se intentan construir algunos de los momentos claves de esa vida, centrándose sobretodo en la construcción de la máquina capaz de romper el código Enigma, para acercar al público la interesante figura de Turing.

Tyldum, el director, convierte este filme en uno de esos biopics que se pueden englobar en el grupo de esas películas que son buenas por el simple relato que nos cuentan. Eso no hace ningún favor a The imitation Game, ya que una película de ficción no puede sostenerse tan solo por sus ideas, si no que necesita de muchos otros elementos que la hagan grande. Alguno de ellos tiene, pero a modo global no consigue explotarlos hasta el punto de convertirse en una obra imprescindible, ni mucho menos.

Aunque el filme construya muy bien el personaje de Turing, que se refuerza por la interpretación de Cumberbatch, y los detalles importantes de su vida estén representados dentro del metraje, parece que lo único que se consigue es que simplemente sean eso: detalles, cuándo en realidad cosas importantes de su vida sean poco exploradas para terminar de construir una figura que despierte del todo el interés del espectador. En ese aspecto, parece un error centrarse especialmente en una sola etapa de su vida, dejando el resto menos exploradas, siendo otras las que quizás hubiesen sacado mayor provecho del personaje. Pero la decisión de la temporalidad da, por contra, motivos reivindicativos a la película ya sea por la figura del homosexual marginado o por la reivindicación feminista de la que se aprovecha el personaje interpretado por Keira Knightley. Unas reivindicaciones algo maniqueas, pero que al fin y al cabo nos acercan a la realidad de una época, en la que poco importaba la capacidad de una persona si esta era de un género considerado inferior o de una orientación sexual no aceptable.

Así nos encontramos más que con un biopic, con una película que relata un momento concreto de la vida del matemático, la cual se utiliza para contar un relato más sobre unas reivindicaciones que sobre la poco conocida figura de Turing.

Si al menos Tyldum nos hubiese obsequiado con una realización más atrevida, que se alejase de los clasicismos más aburridos ya fuese por el ritmo, las planificaciones o el montaje, el filme hubiese logrado asomar un poco más de originalidad y frescura en una historia que se presenta en un envoltorio demasiado soso y repetitivo.

Por suerte, ahí están los actores para dar un poco de vida al asunto, y es sobretodo el polifacético Benedict Cumberbatch el que se encarga de potenciar lo mejor de la película. Cumberbatch parece entender muy bien la psique de un personaje algo complejo, del cual no solo copia tics y maneras de ser, si no que se lo hace suyo y convence por completo con su interpretación. También está Desplat y su música, para dar algo de vida al conjunto del filme, componiendo unas canciones que se encargan de llevar todo el ritmo de la película, algo que el director no consigue hacer por si solo, y que necesita de las marcas sonoras para avanzar sin precipitarse.

En conclusión, The Imitation Game es una película algo simple, y que no alcanza el nivel deseado sobre el personaje tan interesante que nos plantea. Así que se convierte en una sencilla aunque amena cinta que promete más de lo que ofrece. De este modo, si lo queréis es pasar un rato de entretenimiento algo más complejo que el que pueden ofrecer un blockbuster palomitero, el filme de Tyldum es más que aceptable, si por contra lo que buscáis es una verdadera obra que nos sorprenda con la figura de Turing, os recomiendo mejor el documental producido por Channel 4 Codebreaker, que en menos tiempo ofrece mucho más material sobre su figura, y de más fácil asimilación.

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TÍTULO ORIGINAL The Imitation Game AÑO 2014 DURACIÓN 114 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Morten Tyldum GUIÓN Graham Moore (Libro: Andrew Hodges) MÚSICA Alexandre Desplat FOTOGRAFÍA Óscar Faura REPARTO Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Charles Dance, Matthew Goode, Matthew Beard, Allen Leech, Tuppence Middleton, Rory Kinnear, Tom Goodman-Hill, Hannah Flynn, Steven Waddington, Alex Lawther, Jack Bannon, James Northcote, Ancuta Breaban, Victoria Wicks PRODUCTORA The Weinstein Company / Black Bear Pictures / Ampersand Pictures

GÉNERO Drama. Thriller

TEMÁTICA Biográfico. II Guerra Mundial. Años 40. Años 50. Homosexualidad. Histórico. LGBTIQ

SINOPSIS

Biopic sobre el matemático británico Alan Turing, famoso por haber descifrado los códigos secretos nazis contenidos en la máquina Enigma, lo cual determinó el devenir de la II Guerra Mundial (1939-1945) en favor de los Aliados. Lejos de ser admirado como un héroe, Turing fue acusado y juzgado por su condición de homosexual en 1952.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 8 nominaciones incluyendo Mejor película y director
2014: Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película - Drama
2014: Premios BAFTA: 9 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del público)
2014: National Board of Review: Mejores 10 películas del año
2014: Satellite Awards: 8 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: Sindicato de Actores (SAG): 3 nominaciones, incluyendo Mejor reparto
2014: Critics Choice Awards: 6 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Críticos de Chicago: 3 nominaciones, incluyendo Mejor actor (Cumberbatch)

CRÍTICA

= "Un pretencioso biopic británico sobre el prodigioso matemático (...) Alan Turing, servido con un buen gusto tan infalible (...) que cada tragedia personal y cada triunfo profesional llega justo a tiempo y sin siquiera un pelo fuera de lugar." (Scott Foundas: Variety)

+ "La principal fuerza de la película es Cumberbatch, un gran actor cuyo talento brilla aquí en sus cotas más altas. Es una actuación explosiva, emocionalmente compleja. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una película apasionante y conmovedora que cuenta con una destacada interpretación de Benedict Cumberbatch, digna de Oscar (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

= "Es demasiado reacia a sumergirse en el quid de la cuestión (...) Pero por encima de todo está Cumberbatch, cuyo carisma (...) y talento a la hora de mostrar una mente que nunca descansa (... ) ayuda a crear un retrato totalmente creíble del genio en el trabajo." (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Es una historia maravillosa sobre ciencia y humanidad, con una gran interpretación de Benedict Cumberbatch, además de ser cine de primer nivel" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

- "Turing sobrevivirá a su película con su enigma intacto, pero la película en sí misma es lo opuesto a lo enigmático y Cumberbatch merece más" (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "Un thriller soberbio y un digno biopic de un héroe real (...) un impresionante debut del guionista Graham Moore y uno de los puntos álgidos de la carrera de Benedict Cumberbatch en la gran pantalla (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Dan Jolin: Empire)

+ "Es una triste y desgarradora historia que te mantiene clavado a la butaca durante sus 114 minutos de metraje (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Rex Reed: The New York Observer)

+ "Un thriller apasionante y conmovedor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Mark Kermode: The Guardian)

+ "'The Imitation Game' encuadra con eficiencia la vida de éxitos y tragedias del hombre considerado como padre de la informática moderna (...) un triunfo para Cumberbatch" (Lou Lumenick: New York Post)

= "Irregular, pero aún así en ocasiones relevante, la película, por supuesto, nos recuerda no sólo el daño a largo plazo de los secretos y las mentiras, sino también el doloroso sufrimiento personal de Alan Turing." (Rodrigo Perez: Indiewire)

= "Piel suntuosa y algunos tópicos. (...) No se puede decir que la película sea original ni tampoco todo lo contrario. Funciona." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "La película tiene poco de enigmática, pero forma un andamiaje dramático perfecto. Algo nada fácil de conseguir, pero tampoco brillante. Y Turing, siempre arriesgado, merecía más audacia y menos fórmula." (Javier Ocaña: Diario El País)

= "El principal problema es que tiene una historia demasiado amplia que contar. (...) esplendoroso segmento central (...) Mención extraordinaria para el trabajo de Cumberbatch (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,3		8,2
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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INTO THE WOODS

La Disney prosigue con su odisea de adaptar a la pantalla los cuentos de siempre pero bajo un tono más oscuro y adulto. A pesar de centrarse de lleno en las reinterpretaciones de sus propios clásicos, si buscaban un texto que ejemplifique ese espíritu, tarde o temprano tenían que llegar la obra de culto (aunque desconocida para muchos, a pesar de que en nuestro país hemos podido disfrutarla) Dentro del bosque. Una obra escrita por James Lapine bajo la música de Stephen Sondheim en 1986, que entrecruza en su relato a diferentes protagonistas de los cuentos para contarnos que sucede después del final feliz. Esta nueva propuesta de Disney la dirige Rob Marshall convirtiéndose ya en todo un recurrente del cine musical, adaptando el guión el propio Lapine, y la música el mismísimo Sondheim. El resultado de Into the Woods, bajo estas referencias, debería ser estupendo, ¿pero ha sido realmente así?

El panadero y su esposa, victimas del hechizo que lanzó a sus padres la malvada bruja vecina, no pueden tener hijos, y si quieren disolver el encantamiento deberán ir al bosque a por cuatro ingredientes que necesita la bruja par volver a alcanzar su aspecto original. Allí se cruzarán con Caperucita Roja, Cenicienta, Jack y Rapunzel, entre otros personajes de cuentos clásicos y juntos intentarán alcanzar su propio final feliz.

Lo indicado sería no llegar a comparar la obra cinematográfica con el libreto teatral original, pues ambas disciplinas tienen sus propios elementos claves para llegar al público, pero el filme de Disney, ha conseguido un resultado tan irregular, que se hace imposible no hacer esa comparación, para terminar de entender cuales son los fallos que han echo de esta prometedora cinta un desastre.

Al igual que la obra original, el filme se divide en dos segmentos. El primero nos cuenta las aventuras de sus protagonistas, los cuales intentarán por todos los medios conseguir sus objetivos, un relato divertido que se centra en entrecruzar argumentos para satisfacernos. En esta primera parte, poco parece que afecta el recorte de canciones y tramas, así como el modo descafeinado con el que la Disney censura las valientes ideas del texto original, pues las tramas sobre temas peliagudos, nada aptos para el público infantil, desaparecen por completo (pederastia, sexo, violencia, venganza...), intentando conseguir la preciada clasificación para todos los públicos que siempre necesita la productora del ratón Mickey. Pero olvidándonos de eso nos encontramos que la película de Marshall es entretenida, alegre, dicharachera... Hasta que llegamos a la segunda parte.

En esta otra mitad de la obra, es cuando la obra cobra el verdadero sentido, y nos ofrece una visión amarga (aunque siempre bajo el tono satírico de la comedia negra) de la realidad, contándonos que más allá del final feliz la vida sigue, y que ni los personajes de los cuentos se salvan de los momentos más amargos. La película de repente se transforma en un sinsentido, el argumento pierde fuelle y se convierte en una adaptación mal hecha, que omite cosas importantes (como la muerte de varios personajes) y se pierde narrativamente despistándonos a todos. Al final no sabemos que narices está pasando, los vacíos argumentales se hacen demasiado evidentes, y la película se deshincha hasta dejarnos realmente desinteresados.

Dos son los grandes problemas del filme. El más evidente es la difícil adaptación de una obra que se presta demasiado al gag visual y los juegos de palabras, a la más clásica puesta en escena y la teatralidad más pura para hacernos reír y disfrutar. Eso es algo que se pierde por completo al traspaso a la pantalla, y la divertida esencia de la obra desaparece. En ese aspecto seguramente hubiese sido más acertado un tono más satírico, como se hizo en la película de culto La princesa prometida (The Princess Bride; Rob Reiner, 1987), pero está claro que no es el tono más apropiado para un blockbuster. El segundo problema es la mala decisión de infantilizar una obra que precisamente triunfa al dinamitar cualquier intento de sueño infantil. El resultado es una película que se queda a medio camino, que el público menor aburrirá y no entenderá, y que el adulto aborrecerá por completo. Un aviso para que la Disney se ponga las pilas, y si quiere apostar por un cine más adulto, que no se quede a media hasta (el problema será que los números del boxoffice no les ayudarán a darse cuenta de ello).

Al final todo queda en una película demasiado blanda, que levita en un limbo entre varias fuerzas que no ha conseguido alcanzar, dónde ni la vitalidad del género musical salva del mayor de los desastres. Pocas son las cosas que llegan a salvar el filme, y adecentarlo de un modo, que al menos nos pueda parecer una película entretenida y amena.

El más evidente es el diseño artístico. Todo en Into the Woods ha sabido captar la esencia de la magia de esos cuentos clásicos, y nos ha sabido llevar a un sitio lleno de luz, pero sobretodo, de oscuridad. El otro son las interpretaciones. Una serie de actores que (salvando alguna excepción) demuestran una versatilidad interpretativa al dar vida a sus personajes y poner voces a las canciones (aunque sesgadas) de la mejor de las maneras. Aunque muchos se emperren en decir que Meryl Streep es lo mejor del conjunto, al final no es complicado darse cuenta que lo único que la hace destacar es la decisión por parte de los creadores de darle más importancia de la que tiene, eclipsando al resto del plantel que tiene mucho más que ofrecer. Así, Streep solo destaca por eso, ya que su interpretación de bruja queda lejos de cualquiera de sus grandes papeles, y en realidad lo único que nos ofrece en el filme son unas exageradas miradas y unos histriónicos movimientos constantes, y ni tan siquiera los intentos de darle momentos dramáticos de gran fuerza sirven, ya que el desinflado guión no se presta a ello. Así, es mejor fijarse en el resto del reparto para darse cuenta de lo bien que hacen su trabajo algunos de los actores (ya sean niños o adultos), así quizás disfrutaremos mucho más del filme.

En definitiva, si queréis una película para tener de fondo, de la cual no esperéis mucho esta es la elección indicada. Si en realidad lo que queréis es disfrutar, os recomiendo buscar la versión teatralizada para televisión que se hizo en 1991, dirigida por el propio James Lapine. Quedáis advertidos.

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TÍTULO ORIGINAL Into the Woods AÑO 2014 DURACIÓN 124 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Rob Marshall GUIÓN James Lapine (Musical: Stephen Sondheim, James Lapine) MÚSICA Stephen Sondheim FOTOGRAFÍA Dion Beebe REPARTO Meryl Streep, Emily Blunt, James Corden, Anna Kendrick, Chris Pine, Johnny Depp, Lucy Punch, Christine Baranski, Tammy Blanchard, Daniel Huttlestone, Tracey Ullman, Mackenzie Mauzy, Billy Magnussen, Lilla Crawford, Richard Glover, Simon Russell Beale, Joanna Riding, Annette Crosbie PRODUCTORA Walt Disney Pictures / Lucamar Productions

GÉNERO Musical. Fantástico. Comedia

TEMÁTICA Cuentos. Magia. Brujería

SINOPSIS

El musical entremezcla argumentos de distintos cuentos de los Hermanos Grimm (Cenicienta, Caperucita Roja, Rapunzel) intentando analizar las consecuencias de los actos y deseos de sus protagonistas.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 3 nominaciones incluyendo Mejor actriz de reparto (Streep)
2014: Globos de Oro: 3 nominaciones incluyendo Mejor película - Comedia o musical
2014: Premios BAFTA: 2 nominaciones incluyendo Mejor diseño de vestuario
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: Satellite Awards: 2 nominaciones incluyendo Mejor vestuario
2014: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor actriz de reparto (Streep)
2014: Critics Choice Awards: 5 nominaciones incluyendo Actriz secundaria (Streep)
2014: Críticos de Chicago: Nominada a Mejor dirección artística

CRÍTICA

+ "Esta retorcida mezcolanza de cuentos de hadas muestra aprecio por las virtudes de la narrativa a la antigua usanza, además de un bienvenido toque de ingenio subversivo" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Los lobos aúllan, los gigantes rugen y un reparto de estrellas de cuento de hadas busca la luz en esta sólida y satisfactoria versión cinematográfica del popular musical de Broadway" (Scott Foundas: Variety)

+ "La película es un torbellino de puro placer que no deja de girar (...) Un maravilloso entretenimiento invernal (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Sí, los decorados y el vestuario provocan desmayos, pero es la partitura sin igual de Sondheim la que, aunque truncada, hace de este bosque un destino excelente. (...) Puntuación: ★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

= "Emily Blunt y Meryl Streep la hacen más o menos digna de verse (...) El resto de la película es tan similar a la versión teatral que casi puedes oler a los acomodadores (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Catherine Shoard: The Guardian)

+ "Con sus árboles retorcidos y amenazantes, y su mágica ambientación, 'Into the Woods' es un lugar que merece la pena explorar (...) La película ofrece un deslumbrante diseño de producción y un reparto encantador (...) Puntuación: ★★½ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "La película funciona mejor cuando Corden y Blunt, intérpretes de una vulnerabilidad de carácter dulce y de un atractivo casi ilimitado, retoman la historia, aunque Kendrick tampoco se queda corta. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "'Into the Woods' (...) infunde nueva vitalidad sobre el cansado concepto de entretenimiento para 'niños de todas las edades'." (Stephen Holden: The New York Times)

= "Se ha hecho con un montón de buen humor, pero de una manera muy agitada. Algunos momentos funcionan, otros no. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Geoffrey Macnab: The Independent)

+ "'Into the Woods' le hace justicia al extraordinario material original, y permite a su experimentado elenco (...) la oportunidad de profundizar en las memorables canciones y los inteligentes juegos de palabras." (Alonso Duralde: The Wrap)

+ "Demuestra hábilmente el poder de resistencia tras 28 años de las canciones de Sondheim y la resonancia mítica de la narración de Lapine." (Tim Grierson : Screendaily)

= "Se queda a medio camino entre la ironía y lo evidente, pero funciona. (...) El resultado es exactamente lo que pretende, quiere y puede llegar a ser." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "La obra original se ha aligerado (...) sólo el prólogo clava el tono que habría convertido esta adaptación notable en experiencia amplificada y sublime. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)

- "Conjunción de los cuentos de los hermanos Grimm en una difícil amalgama que cuesta digerir entre nota y nota (...) a veces resulta opulenta y desmesurada, pero visualmente muy atractiva (...) Puntuación: ★★ (sobre 5)" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

= "Arranca con un número colectivo y sigue en un aceptable crescendo dinámico hasta el final de la primera hora, (...) la segunda parte es casi letárgica y de interés decreciente (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

= "La adaptación peca de teatral (...) Menos mal que por ahí andan Emily Blunt y Anna Kendrick para desviar el foco hacía sus prodigiosos gorgoritos y La Más Grande: una Meryl Streep desgarradora y estremecedora (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (David Bernal: Cinemanía)

- "Esta versión moderna de los cuentos de los Hermanos Grimm no tiene ningún sentido o esencia cinematográfica al transformar una confusa trama hilvanada por canciones en una narración repleta de lagunas argumentales, formalizando esa espeluznante pesadilla y ‘creepypástica’ experiencia para los sufridos padres y sus más torturados retoños." (Maldito Bastardo: Historias [bastardas] extraordinarias)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,7		6,5
NOTA MEDIA: 5,9

TRAILER

VER TAMBIÉN

LA ISLA MÍNIMA

Tan solo llevan dos ediciones y los Premios Feroz ya empiezan a ser toda una referencia en nuestro país. La Asociación de Informadores Cinematográficos de España son los encargados de dar vida y premiar al mejor cine español del año, algo así como unos Globos de Oro de nuestro cine. Un pequeño adelanto a lo que sucederá en la entrega de los premios hispanos más gordos: los Goya. Así, en esta edición, La isla mínima a sido la que se ha llevado el mayor reconocimiento como mejor película, además de otros cuatro premios que la postulan como la favorita para los Goya, por encima de Magical Girl (Carlos Vermut, 2014), la cinta que causó furor en San Sebastián y que tampoco se ha ido de vacío, ganando un total de cuatro premios y prometiendo dar guerra en la batalla final.

Una pareja de policías son enviados al sur de España a investigar la extraña desaparición de dos muchachas. Allí descubrirán un pueblo anclado en el pasado, dónde los secretos no ayudan a encontrar ninguna pista sobre un brutal asesino.

No es de extrañar que la película de Alberto Rodríguez, que tras su exitosa Grupo 7 (2012) confirma sus dotes a la hora de construir estupendos thrillers policíacos, sea totalmente reconocida como una estupenda película, ya sea por el público o por la crítica. Lo curioso, es que gran parte del público ha quedado algo confuso con un final que ha dado mucho que hablar, y que en realidad no es tan complicado como aparenta ser. El problema está en que el guión peca de dejar demasiado margen al espectador, algo que por si solo no es tan malo (todo lo contrario), pero que si lo sumamos a una puesta escena algo confusa en el momento del clímax, dónde no terminamos de ver quién es quién en el juego resolutivo que presenta, despista demasiado al espectador y corre el peligro de no dejar que éste termine de atar cabos. Algo que por suerte puede solventarse con un segundo visionado.

Sin querer dar demasiados detalles sobre ese final, si puedo adelantar que es sencillo darse cuenta de como la ideología de los personajes principales es la pieza clave para no perderse en el entramado. El dúo, que combina a la perfección, nos va acercando poco a poco a través de pequeños detalles hasta un claro entendimiento del final del caso policial, no es cuestión de fijarse solo en los últimos momentos, si no en todo su conjunto, y es precisamente eso lo que hace de La isla mínima un thriller de altura.

Si he empezado la casa por el tejado, hablando directamente del final, es precisamente porque resulta curioso que aunque el espectador termine algo confuso, en ningún momento es capaz de despreciar la película, demostrando que este es capaz de conformarse disfrutando de otros elementos más jugosos y que van más allá de los aspectos narrativos del guión.

Por un lado tenemos las sublimes interpretaciones de Raúl Arévalo y Javier Guitiérrez. Quizás pueda parecer que no destacan en exceso, pero ambos actores saben adaptarse a las exigencias de sus personajes, cumpliendo con su tarea de un modo que roza lo perfecto. Tanto uno como el otro han sabido mostrarnos como de camaleónicos pueden ser, y eso justifica cualquier premio que les ha sido entregado.

Sin olvidar la estupenda y tan comentada fotografía que ha ensimismado a más de uno, al transformar los paisajes de las marismas del Guadalquivir en una localización enigmática y asfixiante, además de una banda sonora de igual altura, es fácil darse cuenta del cuidado de todos los detalles. Tanto la ambientación como los personajes secundarios (muy bien elegidos, y completamente entregados), que responden correctamente a la localización, algo que aunque pueda parecer básico para la credibilidad de una película, por desgracia no suele ser lo más común en muchas producciones.

El filme no solo habla de la historia de un crimen, si no también de una época y una idiosincrasia muy concreta, una combinación muy buena par una película que busca ir mucho más allá. Alejándose de tópicos (especialmente geográficos), entra de lleno en una radiografía del ser humano mucho más precisa, ahí aparece un filón a la serie de culto Twin Peaks (David Lynch, Mark Frost, 1990-1991) (algunos han querido relacionarla con True Detective [Nic Pizzolatto, Cary Joki Fukunaga, 2014], pero al final todo viene del mismo sitio), dónde se nos muestran -o más bien no- los secretos de la gente del lugar, aunque esta parezca de bien. 

Siguiendo con la relación sobre la serie de culto, dónde también nos encontrábamos ante un pueblo remoto y lleno de secretos convertido en escena de un crimen, nos topamos con más relaciones influyentes. El más claro, después del narrativo, son los momentos oníricos con los pájaros, algo que el en filme de Rodríguez va directamente relacionado con la construcción de los personajes, de los cuales no se nos cuenta directamente su pasado, si no que se van dejando pequeñas pistas a cuenta-gotas huyendo de la simpleza narrativa. Gracias a ello se consigue ahondar mucho más en su final argumental, que va mucho más allá de los aspectos clásicos del género, para plantearnos un reto filosófico sobre la herencia identitária (particularmente sobre nuestro país), muy proclive a invitarnos a la reflexión, y que deja con un buen sabor de boca al darnos cuenta del tiempo bien empleado en el filme.

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TÍTULO ORIGINAL La isla mínima AÑO 2014 DURACIÓN 105 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Alberto Rodríguez GUIÓN Alberto Rodríguez, Rafael Cobos MÚSICA Julio de la Rosa FOTOGRAFÍA Alex Catalán REPARTO Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesús Castro, Mercedes León, Manolo Solo, Jesús Carroza, Cecilia Villanueva, Salvador Reina, Juan Carlos Villanueva PRODUCTORA Atresmedia Cine / Atípica Films / Sacromonte Films

GÉNERO Thriller. Intriga. Cine negro

TEMÁTICA Policíaco. Años 80. Asesinos en serie. Secuestros / Desapariciones. Vida rural

SINOPSIS

España, a comienzos de los años 80. Dos policías, ideológicamente opuestos, son enviados desde Madrid a un remoto pueblo del sur, situado en las marismas del Guadalquivir, para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En una comunidad anclada en el pasado, tendrán que enfrentarse a un feroz asesino.

PREMIOS

2014: Premios Goya: 17 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de San Sebastián: Mejor actor (Gutiérrez) y fotografía
2014: Feroz: Mejor película dramática, mejor dirección, mejor actor (Javier Guitiérrez), mejor música original, mejor tráiler. 5 Nominaciones
2014: Premios del Círculo de escritores cinematográficos: 8 Nominaciones. Incluyéndo mejor película.
2014: Fotogramas de plata: Mejor película española
2014: Gaudí: Nominada a mejor película europea
2014: Premios Forqué: Mejor película, mejor actor (Javier Gutiérrez). 1 Nominación.

CRÍTICA

+ "Este thriller, magníficamente realizado y con una rica textura, es una de las películas españolas más potentes del año. (...) cine negro que ofrece tensión a diferentes niveles" (Jonathan Holland: The Hollywood Reporter)

+ "Un drama policíaco asombrosamente elegante (...) magnífica dirección de arte (...) Rodríguez consigue una narrativa sólida" (Fionnuala Halligan: Screendaily)

+ "Alberto Rodríguez te engancha con los anzuelos más sólidos y menos tramposos." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Sin duda, la cinta española más reveladora del año." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Película triste, crepuscular, magníficamente filmada por fuera como por dentro, con un pulso que no deja ni un instante de latir (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Thriller de alto nivel, fibroso y apasionante, que revalida el talento para el género de Alberto Rodríguez (...) impecables Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Rodríguez coge carrerilla hacia la película perfecta. (...) mirada con denominación de origen que el director lleva cultivando desde el salto en bomba a la piscina de '7 vírgenes' (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

+  "Una gran, inmensa película. Pegada a la realidad pero al mismo tiempo, inteligente pasatiempo. Denunciatoria pero sutil, el director respeta a su espectador (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Mirito Torreiro: Fotogramas)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,4		7,6
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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