Y poco a poco pasa el tiempo y Descubrepelis llega ya a sus 9 años de edad. Un total de 1.389 cintas de las cuales espero que os haya ayudado a descubrir alguna, o por lo pronto, os haya abierto la curiosidad.
Con este nuevo año, aunque sin abandonar las grandes producciones, quiero intentar recomendar más cantidad de cintas pequeñas, independientes, de épocas anteriores, cine nacional o de países de los cuales no suelen llegarnos producciones a las salas, cintas de culto y películas peculiares, ya que creo que entre el extenso catálogo de cine que puedo encontrar propuestas que merecen ser descubiertas y si con alguna de ellas consigo convenceros, mejor que mejor.
Si he llagado hasta aquí, 9 años después, es gracias a los que os pasáis por aquí a echar un ojo a las entradas que voy escribiendo, por eso debo rendirme a vuestros pies y a esperar que sigáis pasando por el blog, y si dejáis algún comentario ya me alegráis del todo el día. Por otro lado quiero agradecer también a Joaquim Sicart por el diseño del póster de este año, si queréis ver otros de sus trabajos podéis entrar en su porfolio, encontraréis varias obras en la que destaco una colección en proceso basada en las cintas de David Lynch. Por cierto, ¿sois capaces de identificar las 52 películas que aparecen en la imagen? Todas ellas cintas ya vistas en el blog.
No quiero
alargarme mucho hoy, solo espero que sigáis pasando por aquí siempre que
queráis, y os invito a seguirme también por las redes sociales
habituales: Facebook y Twitter.
Y sobretodo, si os gusta el cine, y queréis pasar un rato divertido, pasar también por Descubrelapeli, os invito a todos/as a intentar adivinar a que películas pertenecen los fotogramas que voy proponiendo allí.
Después de la anual resaca de premios dónde la red, revistas, televisiones y demás, se llenan de las reseñas de las películas nominadas y premiadas en los Oscar, Globos de Oro, Goya y el sin fin de festivales, toca depurar un poco todo el banquete fílmico (y algo repetitivo), con propuestas que nos refresquen un poco, aquí en el blog ya habrá tiempo para ir comentando algunas de esas películas. Por suerte, a los que habéis estado en Barcelona el pasado fin de semana, podréis haber asistido a la que es ya la tercera edición de la Americana Film Fest, una edición cargada de estupendas propuestas y una ventana a ese cine americano que pocas veces logramos ver en nuestras salas. Películas como la más que alabada Tangerine (Sean Baker, 2015), la galardonada en Sitges como mejor película La invitación (The Invitation; Karyn Kusama, 2015), cintas galardonadas en varios e importantes festivales de cine independiente como Take Me To The River (Matt Sobel, 2015), Krisha (Trey Edward Shults, 2015), King Jack (Felix Thompson, 2015), e incluso algunas propuestas que han pasado demasiado discretamente en los Oscar como el trepidante documental Cartel Land (Matthew Heineman, 2015) o Trumbo: La lista negra de Hollywood (Trumbo; Jay Roach, 2015) el interesante biopic sobre la caza de brujas en Hollywood protagonizado por un estupendo Bryan Cranston, son algunas de esas propuestas que la organización de Americana nos han traído para nuestro goce y disfrute. Este año han inaugurado con la simpática Personas lugares cosas (People Places Things), y de ella vamos a hablar.
Will Henry es un novelista gráfico que acaba de ser abandonado por su mujer, por lo que su vida se convierte en un enigma sin rumbo por el que se refugia detrás de sus ilustraciones, sus clases en una escuela de arte y sus dos hijas (cuándo le toca tenerlas). Will Henry necesita olvidar a su exmujer Charlie para volver a dar sentido a su confusa vida.
La tercera película de James C. Strouse, más conocido por su ópera prima La vida sin Grace (Grace Is Gone, 2007), sigue la misma línea que sus antecesoras y nos presenta a una figura masculina que, tras la perdida de la vida estable que le han vendido en la que el matrimonio estable con hijos y casa propia es la norma, se encuentra navegando sin rumbo y sin entender muy bien cuales son los pasos que debe seguir. Una implosión vital que convierte a esos hombres en figuras errantes que chocan sin aviso con la realidad.
Así, en People Places Things, se nos presenta a Will, un hombre que además es fácil enmarcar en esa cada vez más recurrente figura de hombre que se queda viviendo en una juventud eterna, dónde las responsabilidades nunca han sido del todo propias, y que al tener que afrontarlas entra en un bloqueo existencial de tres pares de narices. Will a vivido toda su vida haciendo lo que ha querido, pero a costa de la vida con su mujer, él se ha dedicado a sus obras, a la parte divertida de criar a sus hijas, a vivir como ha querido, mientras ella se encargaba de sustentar a la familia y de dar una estabilidad real a sus pequeñas. Pero Will sigue sin entender el motivo por el que Charlie le abandona por otro, no sabe ver que ella también está confusa y que lo que busca es ser libre como él, poder vivir su vida plenamente a su manera.
El tono almibarado y carismático de la cinta hace que nos la tomemos con simpatía, pues la pequeña historia que nos cuenta Strouse es divertida y agradable, y a pesar de presentarse como una película que habremos visto mil veces en otras pequeñas producciones independientes (me recuerda enormemente a las simpáticas cintas dirigidas por Josh Radnor), sus aires paternalistas y su agradable tono nos entretiene y divierte a partes iguales con una gran facilidad. Es sin duda un filme de tono algo comercial, del que es difícil renegar.
Aunque podríamos esperar algo más de profundidad en la cinta, su pequeña historia nos habla de vidas tan comunes que fácilmente podemos hacernos nuestras. Su rabiate actualidad a la hora de entender la vida de los tiempos que nos están tocando vivir es suficiente para quedarse atrapado por su sinceridad, y eso hoy, ya es mucho.
Por cierto, maravillosos créditos iniciales totalmente integrados en el filme.
TÍTULO ORIGINAL People Places Things AÑO 2015 DURACIÓN 85 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN James C. Strouse GUIÓN James C. Strouse MÚSICA Mark Orton FOTOGRAFÍA Chris Teague REPARTO Jemaine Clement, Regina Hall, Stephanie Allynne, Jessica Williams, Gia Gadsby, Aundrea Gadsby PRODUCTORA Beachside Films
GÉNERO Comedia. Drama
TEMÁTICA Cine independiente USA. Comedia dramática. Familia
SINOPSIS
Will Henry es un novelista gráfico padre de dos niñas gemelas que enseña
en un aula llena de estudiantes universitarios. Intenta encontrar el
nuevo amor y olvidar a la mujer que lo abandonó.
PREMIOS
2015: Festival de Sundance: Sección oficial largometrajes a concurso
CRÍTICA
+ "Esta es una tópica comedia romántica con pocas sorpresas. Pero gracias a sus ingeniosos diálogos, potentes interpretaciones y una dirección firme, la película también resulta inteligente, hilarante y una absoluta delicia (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Katharine Pushkar: New York Daily News)
+ "Divertida, agradable y encantadora, 'People, Places, Things' es una cálida y astuta comedia romántica." (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)
= "Una ligera comedia comercial sobre cómo ser padre." (Ben Kenigsberg: Variety)
Hace un par de semanas nos dejaba un cineasta de referencia en el mundo y especialmente en su tierra, Italia. Ettore Scola fue un retratista de su país, pero no del que los políticos crean, si no del de las personas que en él habitan. Como él decía, una de sus mayores preocupaciones era ser buena persona, por eso su cine es un canto humanista en toda regla, que carga contra las imposiciones y lucha por la libertad. Italia ya no lo enamoraba, le hacía sentir triste, y eso ha quedado grabado en sus mejores trabajos. En su carrera cuenta con multitud de títulos galardonados en varios festivales y entregas de premios, pero existe un título que es imprescindible para cualquiera que ame el cine, y ese es Una jornada particular.
6 de mayo de 1938. Hitler visita la ciudad de Roma y Mussolini invita al pueblo a dar la bienvenida al führer asistiendo al desfile que se celebrará por las calles de la ciudad. En uno de los bloques de pisos construidos por el régimen nos encontramos con Antonietta, ama de casa, madre de seis hijos y de marido hosco. Es la única de la familia que no va a asistir al evento, pues debe quedarse en el hogar a hacer las tareas. El edificio queda completamente vacío, a excepción de la portera y un vecino que queda justo en la ventana de enfrente de Antonietta. Él es Gabriele. Ambos se conocen a raíz de un incidente y ello hará que entablen una fugaz relación que les evadirá de sus problemas.
Scola podría haber hablado de aquel curioso día en Italia, pero prefiere trasladar su jornada particular a una situación mucho más intima, la que podrían haber vivido dos individuos cualesquiera durante aquel seis de mayo en el que Italia debía vanagloriarse de su acuerdo de fuerzas fascistas. En este encuentro se nos presenta a una mujer que defiende los ideales de su país, pero que detrás de esa fachada esconde una mujer esclavizada y cansada cuya ilusión por la vida se ha ido marchitando lentamente. En su hogar, junto a su soledad, vive también un pájaro parlanchín que, en un descuido de Antonietta, escapa de la jaula que lo mantenía preso para ir directamente hasta la ventana del vecino. De este modo ella conoce a Gabriele, un hombre extraño que parece vivir solo rodeado de libros, y que permanece siempre atento al teléfono. No tardamos en descubrir la verdad de Gabriele y los motivos por el que fue despedido de su trabajo (en la radio nacional), sumando así un relato de dos seres que van a la deriva, pero que su encuentro casual consigue abrir un poco de luz a su situación.
El director consigue crear con un decorado frío, oscuro y realista de un edificio mastodóntico y que gracias también a una muy bien elegida fotografía del oscarizado Pasqualino De Santis, crea una perfecta simbolización de una prisión dónde se encierran las pasiones de sus habitantes. Así, nuestros protagonistas se sienten encerrados, ella sin poder escapar desde el principio, él escondido para huir de otra jaula aún peor, ambos atrapados en un lugar de dónde sólo consigue escapar el pájaro, pero por un periodo de tiempo pequeño, al igual que lo harán las ilusiones de la pareja.
Ambos descubren gracias al otro su intimidad y sus ansias de libertad, mientras el resto de la ciudad se concentra en un punto para celebrar el encuentro político. Ellos, aunque separados de la multitud, están encerrados por la mismo motivo que conduce a la ciudad a la celebración, y aunque tengan un día para vivir como realmente les gustaría, la sombra del poder que les hace ser y vivir como lo hacen sigue presente constantemente, algo que nos recuerda Scola muy bien al jugar con el sonido diegético de una radio retransmitiendo sin cesar el desfile, llena de tonos alegres para enmascarar la verdadera infelicidad.
Scola es un maestro del cine, y eso lo demuestra cada fotograma del filme, pues no hay plano, movimento de cámara, encuadre, cada detalle de atrezzo, de vestuario o escenografía, que no tenga razón de ser, todo es de vital importancia y de una plasticidad pocas veces vista en un medio visual. Una película perfecta de principio a fin en el que narración, simbolismo y visualidad convergen para trasformarse en una obra maestra.
Si ello no fuera poco, nos topamos como caras conductoras de esta obra a dos grandes figuras de la interpretación. Sofía Loren da vida a nuestra Anotonietta, capaz de mostrarnos fácilmente a una mujer condenada, insatisfecha y atrapada, a Loren se le ve la tristeza con tan solo mirarle a los ojos enseñándonos una muestra de talento única. Por otro lado Marcello Mastroianni, figura conocida por sus papeles de galán, da un giro completo interpretando a un hombre que no solo destaca por su homosexualidad, si no por su timidez, su sinceridad y una vez más, su ocultada tristeza. Ambos agarran un guión fabuloso y lo ensalzan hasta convertirlo en, como ya he dicho, una obra maestra.
Una jornada particular va más allá de ser un filme político, pues nos habla de las relaciones personales y la falta de libertad, es todo un canto a la lucha por ser uno mismo y a las injusticias históricas que hemos y/o seguimos viviendo. De verdad, no os perdáis ésta joya del cine, y hacerle un homenaje a este director imprescindible que tristemente nos ha dejado.
TÍTULO ORIGINAL Una giornata particolare AÑO 1977 DURACIÓN 105 min. PAÍS Italia IDIOMA Italiano DIRECCIÓN Ettore Scola GUIÓN Ruggero Maccari & Ettore Scola MÚSICA Armando Trovajoli FOTOGRAFÍA Pasqualino De Santis REPARTO Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Patrizia Basso, Nicole Magny PRODUCTORA Campagnia Cinematografica Champion S.P.A. / Conafox Films lnc. / Carlo Ponti
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Años 30. Homosexualidad. LGBTIQ. Mujer
SINOPSIS
El 6 de mayo de 1938, Hitler visita Roma. Es un día de fiesta para la
Italia fascista, que se vuelca en el recibimiento. En una casa de
vecinos sólo quedan la portera, un ama de casa, Antonietta, y Gabriele,
que teme a la policía por algún motivo desconocido. Al margen de la
celebración política, Antonietta y Gabriele establecen una relación
afectiva muy especial que les permite evadirse durante unas horas de la
tristeza y monotonía de la vida cotidiana.
PREMIOS
1977: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor (Mastroianni) y película extranjera 1977: Globos de oro: Mejor película extranjera. Nom. actor - Drama (Mastroianni) 1977: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película) 1977: Premios David di Donatello: Mejor director y actriz (Sophia Loren) 1977: Premios César: Mejor Película extranjera
CRÍTICA
+ "Memorables actuaciones de Loren y Mastroianni, película de amores imposibles, un auténtico canto a la amistad. Una película conmovedora" (Omar Khan: Diario El País)
+ "Una obra maravillosa." (Alfonso Mazarro: Cinemacritico)
+ "Dos actuaciones acompañadas de una sutil pero muy efectiva dirección de Ettore Scola acaban de conformar un memorable film." (El gabinete del Dr. Mabuse)
Cuidado, no asustarse, de repente en blog no se ha vuelto un canal propagandístico a favor de los oscuros tiempos del fascismo en España. El filme de hoy viene precedido por toda una polémica esta semana nacida en las redes sociales a raíz de la proyección del filme Raza en el segundo canal público del estado, lo que (especialmente en Twitter) ha encendido la ira de los internautas al denunciar que la televisión pública no debería emitir una película famosa por ser el mayor instrumento propagandístico creado en el seno del fascismo español. La película dirigida por José Luís Sáenz de Heredia (primo de Primo de Rivera) y co-escrita por Antonio Román que a su vez echaron mano de la novela escrita bajo pseudónimo por el mismo General Francisco Franco, quiso emular las grandes obras propagandísticas de países de regímenes ultra, con la diferencia de no seguir ninguna línea de calidad y por no contar con un seguimiento popular como si lo hizo por ejemplo el nazismo.
La película nos presenta al marino Pedro Churruca, cuya muerte en la batalla de Cuba hará que su esposa deba tirar adelante sola a sus cuatro hijos. Cada uno de ellos tomará caminos distintos. Por un lado tenemos a José, que sigue los pasos de su padre tomando una carrera militar que le permite darlo todo por la patria, por contra, Pedro, toma una carrera política dentro del gobierno Republicano. El pequeño Jaime se retira a la espiritualidad sirviendo en un convento dónde cuidan a niños, e Isabel que contrae matrimonio con un militar. A causa del arranque de la Guerra Civil, la familia entrará en conflicto por sus ideales.
Coincidiendo totalmente con lo que comenta Gerard Alonso i Cassadó en un artículo de opinión en la web de la revista Fotogramas (os invito a leerlo, resulta interesante su reflexión), en el que se pregunta si realmente la proyección de la película en un ente público es un atentado a la democracia, él mismo se responde como que esa afirmación es:
“Una exagerada simplificación que niega el valor patrimonial y cultural de las películas por encima de su sustrato ideológico, aún cuando este es tan relevante como en el caso de 'Raza'.”
Y es que si enmarcamos la programación de Raza dentro del formato de emisión nos damos cuenta de que lejos de ser una proyección que busque adoctrinar, es una incursión histórica a nuestro cine, como bien anuncia el título de tan interesante programa diario Historia de nuestro cine. En una anterior entrada del blog ya os comenté de que se trataba este valiente programa que se emite de lunes a viernes en La 2 de Televisión Española, pero resumiendo el concepto, se trata de un programa que nos presenta un filme cada día, de diferentes épocas y que por norma general siguen una línea temática. Todas ellas son antecedidas por una corta presentación, y el viernes puestas a debate por varias personalidades del mundo histórico y del cine. En este caso la temática del programa ha sido la de la Guerra Civil Española, y se ha abierto con Raza presentada por el crítico e historiador Romà Gubern, una figura fuertemente relacionada con el PSUC, es decir, nada afín a las ideologías que procesa el filme de Saénz de Hereida. Teniendo en cuenta además el resto de películas que se emitieron durante la semana, la siguiente fue La Caza (1966) de Carlos Saura, todo un alegato a como el ataque franquista dejó la sociedad española, o las siguientes: Las largas vacaciones del 36 (Jaime Camino, 1976) película sobre esa guerra vista desde la mirada infantil; La guerra de los locos (Manolo Matji, 1986) exposición delradicalismo bélico; y El Mar (2000) de Agustí Villaronga, un filme más humano ambientado en aquella dura época con la homosexualidad como trasfondo.
Es fácil entrever pues como la intención del programa no es ni de lejos, la de aleccionar al público con ideologías que deberían ya estar marchitas, si no la de mostrarnos un capítulo de historia cinematográfica que muchos deberíamos aprender. El cine de propaganda no debe ser olvidado, al contrario, es importante para conocernos a nosotros mismos, para aprender que los actos pasados, y si hay un lugar dónde se pueda debatir sobre ello es en un lugar de propiedad pública. CensurarRaza es como decir que películas como Olimpiada (Parte 1 y 2) (Olympiad; Leni Riefenstahl, 1938) folletín del nazismo durante las Olimpiadas en Alemania; El acorazado Potemkin (Bronenosets Potyomkin; Sergei M. Eisenstein, 1925) famoso alegato a la revolución Rusa; o la contra a Raza, el documental republicano para convencer a los americanos de su apoyo: Tierra España (The Spanish Earth; Joris Ivens, 1937); han de ser olvidadas, siendo estos estudiados alrededor de todo el mundo por no solo sus intenciones propagandísticas, si no por su importante nivel cinematográfico.
Ciertamente Raza queda lejos de ser un filme que pueda ser englobado dentro de los cánones artísticos de los filmes de Eisenstein, Riefenstahl o otras cintas de marcado carácter ideológico e igual importancia como el folletín de Hitler El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens; Leni Riefenstahl, 1935), pues la película con guión de Franco es de gran escasez en ese campo, siendo una cinta de manipulación poco atractiva y con un nivel de interés cinematográfico casi nulo. La evolución argumental y de personajes es manida y poco trabajada, la planificación burda y de estilo jocoso, y las interpretaciones por lo general poco atractivas, por el contrario sí cuenta con una buena mezcla de material ficcionado con otro documental y una caracterización nunca jamás vista en las películas de la época, especialmente del bando republicano llegando a reproducir con total fidelidad toda su iconografía. Así que es fácil afirmar que Raza es una película carente de todo interés en ese aspecto, pero decir que también lo es a nivel histórico es una gran barbaridad.
Raza es una película muy deficiente pero, dada su importancia histórica, de vital visionado a cualquiera que quiera conocer la historia cinematográfica de nuestro país o los intentos del fascismo por convencer a la población de su “valiosa lucha en nombre de Dios y de la Patria”, y sobretodo para cualquier aficionado al cine que se precie.
Por mi parte solo espero seguir disfrutando de las propuestas de un programa tan acertado como Historia de nuestro cine, pocos programas de carácter cultural se encuentran en prime time en televisión, y os invito a aprovechar los días que el filme todavía sigue colgado en la web del programa, ya que la versión que se emite es la original completa rescatada por la Filmoteca Española, mucho más difícil de encontrar que la versión digamos oficial, dado que en 1950 se decidió eliminar escenas críticas con Estados Unidos, referencias a la Falange, los saludos con el brazo extendido y un cambio de nombre por el de Espíritu de una raza, para tener un más fácil recorrido debido a los cambios políticos mundiales, así que eliminaron todas las copias de la original, y no siendo hasta el año 1995 que se encontró una versión integra en Berlín, para que en 2002 se editaran ambas versiones por la Filmoteca, la que hemos podido ver en la televisión pública es la original sin ningún tipo de recorte. (Para un buen análisis de ambas versiones recomiendo visitar el artículo de Raúl Angulo Díaz en El Catoblepas).
Título original Raza (El espíritu de una raza) AÑO 1941 DURACIÓN 113 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN José Luis Sáenz de Heredia GUIÓN José Luis Sáenz de Heredia, Antonio Román (Novela: Francisco Franco) MÚSICA Manuel Parada FOTOGRAFÍA Heinrich Gärtner (B&W) REPARTO Alfredo Mayo, Ana Mariscal, José Nieto, Blanca de Silos, Rosina Mendía, Pilar Soler, Julio Rey de las Heras, Luis Arroyo, Raúl Cancio, Manuel Arbó PRODUCTORA Cancilleria del Consejo de la Hispanidad
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Guerra Civil Española. Propaganda
SINOPSIS
El marino Pedro Churruca muere en Cuba durante la Guerra hispano-estadounidense (1898). Su viuda, Isabel Acuña, educa a sus hijos, que siguen caminos diferentes: Isabel se casa con un militar, Jaime entra en un convento, Pedro sigue la carrera política, y José, la militar. Pero la Guerra Civil (1936-1939) provocará la desintegración de la familia. Película representativa del fascismo español, basada en una novela homónima de Francisco Franco, que la firmó con el seudónimo de Jaime de Andrade.
PREMIOS
1942: Sindicato nacional del espectaculo: Mejor película 1942: Venecia: Mejor película extranjera (Premio Mussolini)
CRÍTICA
- "Película mala por un guión indigesto de la miseria cultural de nuestra derecha, una miseria rancia, de ingle mal limpiada durante años, de ingle sin higiene donde se concentran los malos humores que recorren el cuerpo de Norte a Sur." (Manuel Vázquez Montalbán: El País)
- "Basado en una infumable novela del general Franco (que utilizó el seudónimo "Jaime de Andrade"), este es el título más característico del cine patriótico de la postguerra. Propone una idealizada introspección, entre la autobiografía y la política, en la personalidad del caudillo, cuya lectura psicoanalítica no deja demasiado bien parado al patético personaje. Como es lógico, en aquella época nadie leía a Sigmund Freud, ni el general ni los responsables de un film mediocre pero esclarecedor." (Fotogramas)
Más cosas pendientes en el blog. La semana pasada ya hablábamos de la muerte de David Bowie dedicándole la entrada de El Ansia (The Hunger; Tony Scoot, 1983), pues bien, unos días después nos dejaba también a los 69 años de edad y por la misma enfermedad que Bowie, el también inglés Alan Rickman, reputado actor que se hizo sumamente popular por su papel de profesor Severus Snape en los filmes de Harry Potter pero que ya antes contó con el beneplácito del sector siendo una figura conocida por su papeles de malvado, en especial el de Hans Gruber en Jungla de cristal (Die Hard; John McTiernan, 1988), papel con el que sé estreno en el largometraje. Ha trabajado con varios directores y premiado como destacado actor secundario en películas tan dispares como Robin Hood, príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince of Thieves; Kevin Reynolds, 1991), Sentido y sensibilidad (Sense and Sensibility; Ang Lee, 1995), Michael Collins (Neil Jordan, 1996), Dogma (Kevin Smith, 1999), Love Actually (Richard Curtis, 2003), Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street; Tim Burton, 2007), o El mayordomo (Lee Daniels' The Butler; Lee Daniels, 2013). Rickman no sólo se dedicó a la interpretación si no que también apostó por la dirección teniendo en su filmografía dos cintas: El invitado de invierno (The Winter Guest; 1997) y A Little Chaos (2014), una pasión que tubo que dejar aparcada por la enorme implicación profesional que fue su participación en la saga del mago creado por J.K. Rowling. Hoy no podía faltar pues esta pequeña referencia en el blog, y para ello he elegido una de las películas de la odisea que ha servido para que el actor inglés se haya convertido en todo un icono para muchos, la tercera entrega de la colección: Harry Potter y el prisionero de Azkaban.
Llega el tercer curso para Harry Potter y sus amigos en la escuela de magia Howarts. Este año arranca con un temor, Sirius Black, uno de los cómplices de Lord Voldemort acaba de escapar de la prisión para magos de Azkaban. Toda la escuela andará en alerta, pero en especial nuestro ya no tan pequeño amigo Harry Potter, el cual debe de andar con ojo, ya que Sirius Black irá a por él.
Después de dos cintas de carácter marcadamente infantil a cargo del prolifero (y familiar) Chris Colubus, el mexicano Alfonso Cuarón coge el testigo como director y se encarga de ofrecer un giro completo a la saga. Aunque no deja de lado un poco el pequeño tono infantil y de divertimento, dos señas de identidad siempre presentes en toda hasta la fecha, Cuarón apuesta por pasar la pubertad fílmica y darle otro sentido a la película. De entrada nos topamos con algo visto en pocas ocasiones, que es cuándo un filme comercial y de pura explotación se convierte a la vez en todo un deleite de autor. Es imposible no ver la autoría de Cuarón durante todo el metraje, en los que travelings y desplazamientos de cámara llenos de expresión el autor deja su firma y convierte una secuela comercial en una cinta totalmente integrada en el resto de su filmografía. Además, como buen filme inglés, esta tercera entrega toma las riendas de una herencia muy británica de uno de sus géneros más famosos, el terror gótico. El tono se torna mucho más oscuro y de un estilo noctambulo acercándose mucho más a las profundidades del texto de Rowling. Cuarón pues dio pie para que la saga diera un giro y se transformara en un producto mucho más oscuro y menos infantil que, sin abandonar el tono humorístico, consigue atrapar al espectador al cual va dirigido el producto y lo acompañe en toda su adolescencia y madurez, paso a paso. Toda un mérito para el director mexicano que sin ser él un súbdito de Isabel II ha conseguido dotar el filme de un tono mucho más británico y por supuesto dar pie a que la saga continúe sin que se derrumbe por el camino. Efectos especiales impresionantes y evolución argumental y de los personajes mucho más trabajada, El prisionero de Azkaban es sin duda todo un eje para lo que está por llegar, y sin Alfonso Cuarón quizás no hubiésemos llegado a los ocho episodios (y lo que está por venir). Aunque Harry Potter no sea ni de lejos lo mejor de Rickman, si ha sido toda una pieza clave en su trayectora, y ahora que nos ha dejado es un buen momento para que, los que todavía no lo hayan hecho, revisen sus otros trabajos y descubran que detrás de ese Snape había todo un artista de la interpretación.
TÍTULO ORIGINAL Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (Harry Potter 3) AÑO 2004 DURACIÓN 137 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés, Parsel DIRECCIÓN Alfonso Cuarón GUIÓN Steve Kloves (Novela: J.K. Rowling) MÚSICA John Williams FOTOGRAFÍA Michael Seresin REPARTO Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, David Thewlis, Michael Gambon, Robbie Coltrane, Alan Rickman, Gary Oldman, Tom Felton, Timothy Spall, Emma Thompson, Maggie Smith, Pam Ferris, Mark Williams, Richard Griffiths, Robert Hardy, Matthew Lewis, Lee Ingleby, Dawn French, Julie Christie, Fiona Shaw, Oliver Phelps, James Phelps, Devon Murray PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / Heyday Films / 1492 Pictures
GÉNERO Fantástico. Aventuras. Drama
TEMÁTICA Magia. Viajes en el tiempo. Hombres lobo. Secuela. Saga
SINOPSIS
Cuando Harry Potter y sus amigos vuelven a Hogwarts para cursar su
tercer año de estudios, se ven involucrados en un misterio: de la
prisión para magos de Azkaban se ha fugado Sirius Black, un peligroso
mago que fue cómplice de Lord Voldemort y que intentará vengarse de
Harry Potter. El joven aprendiz de mago contribuyó en gran medida a la
condena de Sirius, por lo que hay razones para temer por su vida.
PREMIOS
2004: 2 nominaciones al Oscar: Mejores efectos visuales, bso 2004: 4 Nominaciones Premios BAFTA, incluyendo mejor película británica 2004: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año 2004: 3 nominaciones Critics' Choice Awards: Actor joven, actriz joven, película familiar
CRÍTICA
+ "No sólo es esta deslumbrante entrega de lejos la mejor y más emocionante de las tres películas de Harry Potter hasta la fecha, es también un film que puedes ver incluso si nunca has oído hablar de la autora J.K. Rowling y de su jóven héroe mago." (Peter Travers: Rolling Sonte)
+ "Al final, 'Harry Potter y el prisionero de Azkaban' ofrece lo que ninguna de sus predecesoras tenía: realmente magia." (Steven Rea: Philadelphia Inquirer)
+ "Disfruta los sabrosos brebajes de brujería que Cuarón ha cocinado en su marmita de Harry. (...) Realmente fantástica." (Richard Corliss: Time)
+ "He aquí, finalmente, una película de Harry Potter que desarrolla todo su potencial: esto es, sencillamente, llena de vida." (Rene Rodriguez: Miami Herald)
+ "Una adaptación más profunda, más oscura, visualmente llamativa y emocionalmente más satisfactoria del fenómeno literario JK Rowling" (Michael Rechtshaffen: The Hollywood Reporter)
+ "La más hermosa de las aventuras. (...) Así, en los 142 minutos que dura la peripecia -que se hacen verdaderamente cortos- sigue presente el sentido del humor, las travesuras dentro del colegio Hogwarts para magos, los personajes entrañables (y también los menos). Una mezcla entre innovación y tradición tan sabia como efectiva.. aunque tal vez en esta parte se queden por el camino los admiradores más pequeños de la saga del joven aspirante a hechicero." (M. Torreiro: El País) = "Visualmente deslumbrante y considerablemente más oscura que las adaptaciones anteriores, la historia resulta un poco inconexa, lo que resultará menos accesible a los que no conozcan a fondo todos los rincones del mundo de la autora JK Rowling" (Brian Lowry: Variety)
= "Este film puede decepcionar a algunos viejos dogmáticos Hogwartsianos: algunos pocos puntos del argumento han sido sacrificados, y Mr. Cuarón parece que no se preocupa mucho por Quidditch. Pero estos lapsus se compensan de sobra con su fuerza emocional y su garbo visual." (A. O. Scott: The New York Times)
= "¿Es el prisionero de Azkaban tan buena como las dos primeras? No lo suficiente. (...) necesita explicar más de lo que debiera. Pero el mundo de Harry Potter permanece siendo encantador, entretenido y sofisticado." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
