DEL REVÉS (INSIDE OUT)

1. Globos de Oro

Ésta vez si llega el turno de echar un ojo a los premios de la prensa extranjera en Hollywood, es decir, los Globos de Oro. Este año Alejandro González Iñárritu destaca sobre el resto, algo que no consiguió el año pasado con la si premiada en los Oscar Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia) (Birdman or [The Unexpected Virtue of Ignorance]; 2014), con El renacido (The Revenant; 2015) que se ha llevado no solo el premio a mejor película, si no también el de mejor dirección y el de mejor actor protagonista en rol masculino para Leonardo DiCaprio. El mejor filme en la categoría comedia/musical ha ido a parar a manos de Marte (The Martian; Ridley Scoot, 2015), siendo el propio director sorprendido por llevarse el premio por una película que no pertenece al género cómico y mucho menos tiene momento musical alguno, el filme de Scott se llevó también el premio de mejor actor protagonista por comedia/musical para Matt Damon. Muchos se han atrevido a afirmar, y hay que dar fe de ello, que éste ha sido un estupendo año para los papeles femeninos en Hollywood, Brie Larson por La habitación (Room; Lenny Abrahamson, 2015) y Jennifer Lawrence por Joy (David O. Russell, 2015) han sido las mujeres que se han alzado con el premio a mejor actriz en las categorías de drama y comedia/musical respectivamente, siendo una sorprendida Kate Winslet la que se llevó el de mejor actriz de reparto por Steve Jobs (Danny Boyle, 2015) filme galardonado también con el premio de mejor guión. El último de los premios actorales dentro de las categorías cinematográficas ha ido a manos de Sylvester Stallone por su papel en Creed (Ryan Coogler, 2015), un premio que ha sido entregado más por su carrera como Rocky que por su interpretación en este spin-off. Otros de los premios destacados han sido el del mítico compositor italiano Ennio Morricone por su trabajo en el último filme de Tarantino Los odiosos ocho (The Hateful Eight; 2015), el de Del revés (Inside Out) (Pete Docter, Ronnie Del Carmen, 2015) como mejor filme de animación y la húngara El hijo de Saúl (Saul fia; László Nemes, 2015) como mejor película de habla no inglesa.

Entre las categorías para televisión destacan Mr. Robot (Niels Arden Oplev, 2015) como mejor drama, Mozart in the Jungle (Roman Coppola, Adam Brooks, Daryl Wein, Paul Weitz, Bart Freundlich, 2014) como mejor comedia y Wolf Hall (Peter Kosminsky, 2015) en la categoría de miniserie o película para televisión. En el apartado actoral tenemos a Jon Hamm en drama, última vez que lo consigue por la ya conclusa Mad Men (Matthew Weiner, 2007-2015), Gael García Bernal en la categoría de comedia por la ya citada Mozart in the Jungle, Oscar Isaac en la categoría de miniserie/tvmovie por Show me a Hero (David Simon, Paul Haggis, 2015) y Christian Slater como secundario en Mr. Robot. En el apartado femenino encontramos a Taraji P. Henson por Empire (2015) en drama, Rachel Bloom por Crazy Ex-Girlfriend (Rachel Bloom, Aline McKenna, 2015) en comedia, Lady Gaga –incomprensible como ya comenté en la anterior entrada- por American Horror Story: Hotel (Ryan Murphy, Brad Falchuk, 2015) como principal en miniserie y Maura Tierney secundaria en The Affair (Hagai Levi, 2014-).

Como siempre sucede en nuestro país, pocos filmes clasificados en estos premios suelen llegarnos a tiempo a nuestras salas, pocos lo hacen incluso para la ceremonia de los Oscar, así que es complicado llegar a comentar alguna de las cintas de la categoría de mejor película justo a tiempo para los Globos. Es por eso que en esta ocasión me centro en la indiscutible ganadora en la categoría animada, la cinta de Pixar Del revés (Inside Out). Dada la larga extensión del comentario sobre los Globos de Oro intentaré no alargarme demasiado.

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2. Del revés (Inside Out)

Ridley es una chica que destaca por su alegría, pero su vida va a dar un cambio que hará que su emoción más característica se vea afectada. El traslado de ciudad a causa del nuevo trabajo de su padre le hará perder a sus amigos, salir de su zona de confort y a sentirse sola, es por eso que poco a poco la tristeza irá ganando terreno al carácter alegre de la niña. Dentro de su cabeza, sus emociones: Alegría, Tristeza, Miedo, Ira y Asco, harán todo lo posible por conseguir que Ridley vuelva a ser la misma de antes. Tras un accidente, Tristeza y Alegría se perderán en la memoria de la muchacha, por lo que mientras intentan volver al centro de control, el resto de emociones deberán tomar las riendas.

Una vez más, y tras varios altibajos, Pixar vuelve ha marcar territorio con un filme que se sitúa a la altura de algunas de sus grandes obras como Wall-e (Andrew Stanton, 2008), Up (Pete Docter, Bob Peterson, 2009) o Toy Story 3 (Lee Unkrich, 2010). Del revés se convierte en otra de esas películas que emocionan a pequeños y grandes.

Aunque en esencia el filme presenta una animación infantil y sus protagonistas, Alegría y Tristeza, viven las típicas aventuras dónde conocerán nuevos personajes, deben superar problemas y crean vínculos entre ellas, al final la película está tamizada por todo un velo tan complejo que se convierte rápidamente en una cinta mucho más apta para el público maduro que al de menor edad (aunque eso no sea del todo así, como comentaré más adelante).

Detrás de todas esas aventuras se esconde una cinta que nos habla de las dificultades de la vida, y nos cuenta como debemos llevar nuestras emociones, pero ojo, lejos de cualquier manual de autoayuda a lo Bucay, centrándose en los cambios de ese paso de la infancia a la madurez. El filme intenta contarnos como de importante es escuchar nuestras emociones, nos advierte que si uno se siente triste no tiene por qué sonreír, sentirnos así tiene su razón de ser. Esforzar-se a ser feliz a la fuerza es negar lo evidente, eso nos puede llegar a desgastar, y es un aviso para los padres, instándolos a comprender mejor los sentimientos de sus hijos, al fin y al cabo, si Ridley termina en un colapso es por no afrontar la realidad, dado que sus mayores le imponen que debe sonreír como una obligación ante la nueva etapa de su disconforme vida. Eso implica un inevitable desgaste emocional que nos advierte que no hay que aparcar lo que sentimos -la tristeza en el caso de Ridley-, si no escuchar nuestras propias necesidades.

En el filme los recuerdos alegres, con el paso del tiempo, se vuelven tristes, algo fácilmente identificable como melancolía. Echar de menos esos buenos momentos: los primeros juegos con los amigos, el apoyo de la familia, las bromas, etc.; y comparándolos con los actuales: abandono de los viejos amigos, la ausencia familiar, la soledad, etc.; hace que Ridley se sienta triste, y eso no es malo, al contrario, debería de ayudar a saber lo que uno quiere.

Contar todo esto en un filme de animación es harto complicado y Pete Docter, con la ayuda de Ronnie Del Carmen y el texto de Michael Arndt, consigue transmitir lo que de entrada podría ser tan complicado en una película de corte convencional y especialmente dirigida a un público infantil.

Ese público de menor edad puede encontrar en Del revés una cinta divertida, llena de aventuras que les hará pasar un rato de lo más alegre, pero a su vez se les lanza un mensaje en el que se les cuenta como pueden contar con el apoyo de la familia en los momentos más difíciles, y aunque ese mensaje sea positivo contaré más adelante porqué es a la vez el error más grande del filme.

Si la hermosa animación no fuese suficiente, especial atención al estilo puntillista de las emociones, Del revés está repleta de escenarios de lo más imaginativos que la convierten en una joya. Pero quiero hacer especial hincapié en la secuencia dónde las emociones perdidas cruzan el pensamiento abstracto para llegar a su destino de modo más rápido. Ese instante es de unos niveles artísticos de lo más elevados, y toparse con ello en pleno metraje no hace más que sorprendernos gratamente al darnos cuenta del nivel artístico que esconden los creadores de la película.

Además de contar con unos protagonistas de lo más entrañables -no hay emoción que no nos caiga bien-, cuenta también con un secundario de lujo, el imaginario amigo de Ridley, Bing Bong. Esa (como él se define) mezcla de gato, elefante, delfín y algodón de azúcar podría convertirse fácilmente en uno de esos personajes odiados por generaciones, pero lejos de ello se presenta como un toque divertidísimo para la trama y protagoniza uno de los momentos más intensos de la película, sin duda el más emotivo, y el que va dirigido directamente a esa perdida de la inocencia que fue parte central en Toy Story 3.

Pero como ya he adelantado, la película esconde algo un tanto oscuro que no puede pasar desapercibido. Pixar es una compañía que deberíamos considerar fresca e incluso progresista en el sentido más amplio, pues en Wall-e nos enseñó a luchar contra el capitalismo en una muestra de auto-crítica y en Up nos mostró que a veces las familias pueden ser todo lo contrarío a un apoyo o por contra estar compuestas por personas que acaban de llegar a nuestra vida. Por eso sorprende ver como en Del revés apuestan por una familia tan de carácter patriarcal que estremece. Y no es solo por toparnos con unos padres heteronormativos, si no por ver como toda la familia debe sacrificarse por el bien del progenitor, el encargado de mantenerlos, una mujer de la que desconocemos trabajo alguno a parte de estar pendiente del camión de la mudanza, y cuyos caracteres son tan tópicos que asustan (terrible escena la de la cena en la que nos introducimos por primera vez en sus mentes). A estas alturas, que alguien del nivel de Pixar haga algo así debería ser una ilusión, pero parece que a la filial de la Disney le queda mucho recorrido en ese campo para acercarse a la sinceridad de por ejemplo la joven productora animada Laika, que no tiene un solo filme en sus filas que luche contra esa imposición.

Por otro lado, en un filme que se supone ayuda a los infantes a encontrar el apoyo familiar para superar sus problemas, asusta que solo encuentre la solución en un esquema hogareño cada vez más obsoleto, pues para los que no cuenten con tal cuadro en sus hogares podrían incluso sentirse decepcionados en sus vidas. Un tema muy peliagudo que creo que no han sabido tratar muy bien dado los tiempos que corren.

Por lo demás decir que tenemos delante una película excelente y de lo más disfrutable. Una suerte que los estudios del flexo vuelvan a encarrilar su filmografía después de un par de descarrilamientos suicidas. 

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TÍTULO ORIGINAL Inside Out AÑO 2015 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Pete Docter, Ronnie Del Carmen GUIÓN Michael Arndt (Historia: Pete Docter) MÚSICA Michael Giacchino VOCES ORIGINALES Amy Poehler, Phyllis Smith, Richard Kind, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Kaitlyn Dias, Diane Lane, Kyle MacLachlan PRODUCTORA Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures 

GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia

TEMÁTICA  Infancia. Familia. Cine familiar. Pixar. 3D

SINOPSIS
Riley es una chica que disfruta o padece toda clase de sentimientos. Aunque su vida ha estado marcada por la Alegría, también se ve afectada por otro tipo de emociones. Lo que Riley no entiende muy bien es por qué motivo tiene que existir la Tristeza en su vida. Una serie de acontecimientos hacen que Alegría y Tristeza se mezclen en una peligrosa aventura que dará un vuelco al mundo de Riley.

PREMIOS

2015: Premios Oscar (Por entregar): Nominada a mejor film animado y guión original
2015: Premios BAFTA (Por entregar): Nominada a mejor film animado y guión original
2015: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2015: Globos de Oro: Mejor filme de animación
2015: Premios Annie: 14 nominaciones incluyendo Mejor película y dirección
2015: National Board of Review (NBR): Top 10, Mejor largometraje de animación
2015: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2015: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
2015: Críticos de Los Angeles: Nominada a Mejor largometraje de animación
2015: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo Mejor largometraje de animación
2015: Critics Choice Awards: 3 nominaciones incluyendo mejor película animada

CRÍTICA

+ "Un concepto asombrosamente original, que no sólo deleitará y entretendrá al inmenso público de Pixar, sino que promete también cambiar para siempre la manera en la que las personas piensan acerca de la manera en la que piensan otras personas" (Peter Debruge: Variety)

+ "Aunque no será una rival para sus mejores películas, es una obra de entretenimiento inteligente y visualmente innovadora (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "'Inside Out' es una absoluta delicia - divertida y encantadora, ágil y llena de sorpresas. También es una defensa de la tristeza, un argumento a favor de la necesidad de una melancolía vestida con los brillantes colores del entretenimiento." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "En el transcurso de todo este año, no habrá probablemente otra película americana tan preocupada por mirar al interior, y tan interesada por los elementos de una vida significativa, como 'Del revés'" (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

+ "Dirigida con una gran elegancia y un ritmo perfecto, llena de geniales efectos visuales, repleta de interpretaciones vocales de primera categoría, emocionantes aventuras y momentos inolvidables, 'Del revés' es un clásico instantáneo" (Richard Roeper: Chicago Sun-Times)

+ "Te reirás, y llorarás. Pixar está en la cima de su poder alcanzando el corazón con esta conmovedora y alegre historia sobre la adolescencia. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Otra preciosidad de Pixar. (...) En 'Del revés' todo posee el aroma del clasicismo. Su sentido visual deslumbra, su comicidad y su humor tendrían poder de contagio hasta con un iceberg, su ternura conmueve" (Carlos Boyero: El País)

+ "Prodigiosa obra maestra (...) la mejor película [de Pixar] hasta la fecha (...) una exhibición de imaginación, inteligencia y humor pocas veces contemplado" (Luis Martínez: El Mundo)

+ "Es original, sorprendente, apuesta por esa melancolía que ya exhalaba 'Toy Story', y aúna un guion inmenso con una gloriosa imaginería (...) ha sido recibida en Cannes con una enorme ovación" (Gregorio Belinchón: El País)

+ "Es una obra maestra absoluta (...) Es una película densa y conceptual de una ligereza que alegra el día. Es cine que existe para hacernos felices" (Sergi Sánchez: La Razón)

+ "La lluvia de ideas y de ingenio, de guiños y de gags que llaman a la reflexión sobre infinidad de temas es constante y apabullante, convirtiendo 'Del revés' en una obra imprescindible en el estante de manuales para tratar de conocernos mejor." (Philipp Engel: Fotogramas)

+ "Es tan divertida, lúcida, creativa, trascendente y emotiva como la mejor que haya hecho nunca esta maravillosa Compañía (...) Es casi imposible explicar con mayor lucidez lo que nos sustancia como personas, y de un modo tan sencillo" (E. Rodríguez Marchante: ABC)

+ "Es una película sobre la pérdida de la inocencia, sobre el final de la infancia, sobre la tristeza y felicidad que conlleva. Es una película que abraza la nostalgia. Es brillante" (Irene Crespo: Cinemanía)

+ "No todo son chistes y hallazgos visuales. En el fondo, 'Intensa-Mente' explora la complejidad del sentimiento humano, sobre todo en el trance por el que atraviesa Riley, quien está a punto de dejar de ser niña." (Leonardo García Tsao: La Jornada)

+ "Una gran fábula que nos indica que la farsa del mundo feliz es insostenible porque no puede haber felicidad si marginamos las otras emociones." (Àngel Quintana: Caimán Cuadernos de Cine)

- "Inside out es pues una lúdica, hermosa y contundente exaltación del orden establecido, y al que sin miedo alguno debemos poner los adjetivos patriarcal y capitalista. (...) Divertimento sí, brillante sin duda, pero con un tufillo que nos demuestra que para Pixar el tiempo parece seguir moviéndose de acuerdo con el reloj que un día diseñó, y no sabemos si congeló, Walt Disney. (Octavio Salazar: El Huffington Post)

PUNTUACIONES

 

	8,5		7,9		8,3
NOTA MEDIA: 8,2

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EL ANSIA

Hoy tocaría una reseña referente a la entrega de los Globos de Oro concedidos la pasada noche del domingo, pero por la repentina muerte de David Bowie merece la pena dejar los galardones para más adelante y dedicarle a él la entrada de hoy.

El polifacético artista de origen británico era sobradamente conocido por su música, pero también por su relación con el mundo del arte, la moda, la literatura y especialmente con el cine. Un todo que se conjugó en un mundo propio y que lo alzó convirtiéndolo en una figura de lo más icónica. Además de su participación musical en cintas de importante calado histórico, artístico, social y/o de culto como pueden ser C.R.A.Z.Y. (Jean-Marc Vallée, 2005), El beso de la pantera (Cat People; Paul Schrader, 1982), Dentro del laberinto (Labyrinth; Jim Henson, 1986), Cuándo el viento sopla (When the Wind Blows; Jimmy T. Murakami, 1986) o en varias de las obras de Leos Carax, Bowie también destacó como actor en alguna de ellas o en otras de igual calado como su primera interpretación en un largometraje para la cinta de culto El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth; Nicolas Roeg, 1976), Feliz Navidad, Mr. Lawrence (Senjo no Merry Christmas [Merry Christmas Mr. Lawrence]; Nagisa Oshima, 1983), La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ; Martin Scorsese, 1988), Twin Peaks: fuego camina conmigo (Twin Peaks: Fire Walk with Me; David Lynch, 1992), El truco final (El prestigio) (The Prestige; Christopher Nolan, 2006) o la ópera prima (y seguramente mejor filme) del difunto Tony Scoot: El ansia (The Hunger, 1983), cinta con la que hoy le rindo homenaje.

Miriam es una elegante vampiresa residente en Manhattan. En su lujosa casa vive con su pareja John, y ambos pasan la eternidad disfrutando de las cosas bellas que les ofrece la vida. De repente John envejece a gran velocidad y buscará la ayuda de una especialista llamada Sarah sin mucha esperanza. Inevitablemente Miriam y Sarah sentirán una fuerte atracción entre ellas conduciéndoles a las más profundas tinieblas del deseo.

Adaptación libre de la novela homónima de Whitley Strieber que se suma al cambio de carácter del cine vampírico, dándole un enfoque más contemporáneo siguiendo la estela de novelas también adaptadas a la gran pantalla como Soy leyenda de Richard Mathenson, El misterio de Salem's Lot de Stephen King o Entrevista con el vampiro de Anne Rice. De este modo, El ansia, se convierte en uno de los ejes más importantes para este cambio que no abandona el sabio estilo impulsado por el viejo conde Drácula, si no que lo actualiza.

Tony Scott, hijo del videoclip y la publicidad, dota de un tono esterilizado a su película, algo que le mereció abundantes críticas al marcar su obra como de una estética vacua, pero lejos de ello, es precisamente esa decisión la que convierte su película en una obra interesante, de merecido título de culto. Su arranque da fe de ello.

Bajo la tonada de Bela Lugosi's Dead de Bauhaus, Scott nos ataca con una secuencia inicial que nos pone en sintonía con lo que está por venir, y que con una coreografiada puesta en escena musical nos lo cuenta todo sobre nuestros vampiros protagonistas: Sus deseos, como es su vida, la relación entre ellos y nos adelanta algunos de sus secretos. Pero la música de Bauhaus no está sola, con ella aparece otra que es en esencia la que se encarga de definir a los personajes y su relación, ésta vez es Schubert con su Trio In E-Flat, Op. 100. Música melancólica, trágica en segmentos, como la propia vida de Miriam, y es por eso que son los temas más clásicos los que se encargan de irnos acompañando durante el metraje para añadir fuerza narrativa al guión del filme.

 

En definitiva, lo que Scott nos enseña es un arranque con un montaje de unos seis minutos brillante, que bajo el prisma de lo experimental y a la vez de lo comercial, nos sorprende y nos hechiza.

Lo mejor sin duda de El Ansia son sus personajes, principalmente Miriam. Interpretada por una siempre estupenda Catherine Deneuve, de corte gélido, belleza incomparable y porte distante. Toda un icono del vampirismo en si misma que incluso ha sido emulada en la quinta temporada de la serie American Horror Story: Hotel (Brad Falchuk, Ryan Murphy, 2011- Actualidad), serie cuyo eje central convierte el filme de Scott en una clara referencia, y a Lady Gaga en una emulación de esa suprema Catherine Deneuve, aunque lejos de alcanzar su grandeza interpretativa -por mucho (e incomprensible) Globo de Oro que quieran darle por esa actuación-. Todo un referente para el cine vampirico posterior, un ente que a pesar de su frío carácter se convierte en un ser polisexual lleno de erotismo, un erotismo siempre presente en la película, algo muy bien heredado del cine anterior. Quién tiene difícil sobresalir es David Bowie, pues lo que más destaca en su papel es el inmenso trabajo de caracterización al que es sometido, brillante, digno de el mayor de los presupuestos, merece realmente un aplauso, pues consigue que lleguemos a pensar que Bowie abandona el papel para cedérselo a un actor totalmente distinto, brillante. Un trío no estaría completo sin un tercero, y es Susan Sarandon la encargada de cerrarlo. Con un papel que no es ni de lejos el mejor de su carrera, Sarandon convence en el que sí es uno de los papeles más comentados, pues el trabajo sin tapujos que ofrece en las escenas más intensas junto a Deneuve es simplemente perfecto.

El transcurso de El Ansia se pasa bajo un ritmo algo irregular, pero que se sustenta con el desarrollo argumental del mismo. La gran apuesta del filme es hablarnos de esa ansiada juventud eterna, la frialdad que rodea a todo lo que puede relacionarse con esa idea y lo trágico de lo que podría llegar a comportar. Scott convierte el ansiado deseo de la inmortalidad en una verdadera maldición. Nos habla del amor prohibido, del imposible, del egoísmo y a última instancia ejerce de cañón sobre la libertad sexual, tan de moda en su década. 

El Ansia es en definitiva no solo un interesante ejercicio de estilo, si no también un filme de género que se atreve a traspasar a los temas más profundos, una cinta cuyo título de culto tiene bien merecido y que merece ser reivindicada.

Nada más, a disfrutarla y de paso dedicar un adiós de todo corazón al gran David Bowie.

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TÍTULO ORIGINAL The Hunger AÑO 1983 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos, Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Tony Scott  GUIÓN James Costigan, Ivan Davis, Michael Thomas MÚSICA Michael Rubini & Denny Jaeger FOTOGRAFÍA Stephen Goldblatt & Tom Mangravite REPARTO Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon, Cliff De Young, Willem Dafoe, Beth Ehlers, Dan Hedaya, Suzanne Bertish, Bessie Love, Bauhaus PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Peerford Ltd.

GÉNERO Terror. Drama. Romance

TEMÁTICA Vampiros. Homosexualidad. Película de culto. LGBTIQ

SINOPSIS

Miriam Blaylock colecciona no sólo arte del Renacimiento y colgantes del Antiguo Egipto sino, sobre todo, amantes y almas. Moderna y elegante, Miriam es una vampiro intemporal residente en Manhattan, una mujer bendecida con la belleza y maldecida con su sed de sangre.

PREMIOS

1984: Saturn Awards: 2 nominaciones: Mejor vestuario, mejor maquilaje

CRÍTICA

- "Visionar una película como 'El ansia' ('The Hunger', Tony Scott, 1983) es como contemplar uno de esos aburridos cuadros en los que la perfección plástica ahoga el alma de la obra, sin que ésta llegue a transmitir absolutamente nada." (Alberto Abuín: Blog de cine)

+ "Por la fascinante perspectiva que aporta al mito. Por las brillantes actuaciones. Por la elegancia de la puesta en escena y una fotografía y montaje que aún ahora sorprenden. Por todo... hay que redescubrir este film y emplazarlo donde se merece: película de culto donde las haya." (Arantxa Acosta: El espectador Imaginario)

- "El film sirve como ejemplo de ese cine de los años ochenta, muy moderno en su día pero que ha envejecido bastante mal. Más allá de la estética y de su desaprovechado reparto de lujo, el film no tiene mayor interés." (Luis Cifer: Las críticas de Luis Cifer)

+ "Nos encontramos ante un título mítico del género, y también ante una de las películas más importantes y hermosas del género vampírico, una interesante vuelta de tuerca a la clásica historia de vampiros chupasangres y que sin duda marcó una época y una forma de concebir este tipo de cine, tanto por su aportación al mito (gracias a la obra de Strieber) como por algunas escenas antológicas que permanecen indelebles en la memoria del aficionado." (Luis Fernando Rodríguez Romero: El gabinete del Doctor Lynch)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,3		6,6
NOTA MEDIA: 6,6

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LA NOVIA

Ya hace unos días que tenemos anunciados los candidatos de la academia española de este año para la que es la ya 30 edición de los premios Goya. Esta vez destacan por encima del resto 6 películas: con seis nominaciones Truman (Cesc Gay), A cambio de nada (Daniel Guzmán), Un día perfecto (A Perfect Day; Fernando León de Aranoa) y El desconocido (Dani de la Torre), la única que no ha entrado en la categoría de mejor película. Con nueve nominaciones la cinta de Isabel Coixet Nadie quiere la noche (Nobody Wants the Night) y la sorpresa de la edición, La novia, dirigida por Paula Ortiz y candidata a nada menos que 12 premios además de muchas opciones a ser la ganadora del mayor galardón.

Basándose en la obra Bodas de Sangre (1931) que escribió Federico García Lorca a raíz del famoso crimen de Nijar. Se nos narra la historia de una novia que debe casarse con su novio mientras ésta está enamorada de Leonardo. Las tensiones familiares aumentan cuándo las dudas crecen sobre ella, especialmente cuándo conocemos el sangriento pasado familiar de ambos hombres.

Adaptada en varias ocasiones –la primera en 1938 por Edmundo Guibourg con una de las musas de Lorca como protagonista, Margarita Xirgu; en 1976 en una producción marroquí que adaptó la acción al desierto de Marruecos; y en 1981 en un musical dirigido por Carlos Saura y que obtuvo el premio de los críticos de Nueva York-, Bodas de sangre es un poético, intenso y trágico melodrama sobre la venganza, la muerte y el amor como antídoto a esta última. Paula Ortiz se atreve con una nueva versión mucho más visual y poética, intentándose acercar mucho más a la esencia lorquiana que las versiones anteriores.

Lo primero que llama la atención en La novia es la belleza de sus imágenes, Ortiz junto a su director de fotografía Migue Amoedo crean unos planos de una magnificencia poética que, al son de una puesta en escena teatral y unas localizaciones de un misticismo único, son en si mismos puro lirismo. Todo el metraje está orquestado de tal modo que no existe instante que no esté totalmente milimetrado, y en cada momento quedaremos sorprendidos por la fuerza de su imagen, algo que también se mantiene gracias al montaje del filme. Escenas sorprendentes como la danza alrededor del fuego, tan intensa como el texto original, el paseo de la ceremonia hasta el caserío donde se realiza el convite, dónde las escenas nos recuerdan a un Bergman de sombras en color, o las cabalgatas llenas de fuerza, por nombrar algunas de ellas.

De ese modo ya podemos darnos cuenta de las intenciones de Ortiz por acercarse a la pureza de la obra de Lorca siendo lo más fiel posible a su esencia, algo que seguimos viendo desde el momento que uno de los personajes lanza sus primeros diálogos. El estilo que utilizan los actores es una mezcla en verso -bebiendo del original- con toques más adecuados al marco cinematográfico, aunque eso no impide que la sensación que impera constantemente sea teatral, uno de los puntos flacos a mi parecer, ya que con un estilo así pierde la fuerza narrativa como filme. Lo que si que se consigue con ello es tener unas interpretaciones sinceras y potentes. Con una puesta en escena que quita el hipo todo el reparto da lo mejor de sí, en especial el sector femenino que, encabezado por una matriarca Luisa Gavasa, pasando por la protagonista Inma Cuesta y una nota especial por su papel secundario a Leticia Dolera (actriz que a pesar de no tenerle simpatía me ha impresionado en esta ocasión), consiguen que nos creamos esos textos con tan solo lanzarnos una mirada. Impresionantes.

E igual de impresionantes son las localizaciones, pues gracias a un estilo algo distópico, el filme se cierra bajo un componente mágico que ha sabido sintetizar-se muy bien con una historia de bases melodramáticas. Y de diez es su banda sonora en la que el sonido nos cuenta aquello que las palabras no pueden, una vez más acercándose a la simbología que conjugada intenta acercarse a lo que Lorca escondía detrás de sus textos, y una música maravillosa, imposible de superarse.

Pero a pesar de todas las maravillas artísticas de esta nueva adaptación, el distanciamiento emocional se dispara enormemente no tan solo por esa teatralidad impreante, si no por la incapacidad de entender del todo algunos de los conceptos que Lorca siempre ha utilizado en sus obras. Cambios sutiles que bajo una orden más artística, se olvidan de la importancia de algunos elementos, como el cambio de las navajas por cristal, la luna, que aunque está más que presente durante el filme, no se termina de integrar en el relato, ya que dado el importante papel que tiene en Bodas de Sangre, en ésta ocasión pasa a un plano más místico. Igual que el cambio sutil del final, un final que no esconde su previsibilidad, si no que busca que el espectador lo comprenda desde el inicio, pero que pierde una vez más toda la fuerza emocional de las ideas del autor granadino. Y ya no hablo del clímax previo, que está excesivamente mal encajado.

Es por eso que aunque La novia sea un filme con elementos sumamente hermosos y que ellos por si solos son suficiente para quedar satisfecho con la película, se echa en falta una mayor implicación emocional final, no es bueno que una película de una carga simbólica tan necesaria se termine con un tono tan frío que pierda todo lo ganado por el camino.

A pesar de ello el filme está gustando mucho, y no me extrañaría que terminase por convertirse en la galardonada por la academia española a mejor película, es una cinta arriesgada y ya solo por eso merece mucho reconocimiento.

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TÍTULO ORIGINAL La novia AÑO 2015 DURACIÓN 93 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Paula Ortiz GUIÓN Paula Ortiz, Javier García Arredondo (Obra: Federico García Lorca) MÚSICA Shigeru Umebayashi FOTOGRAFÍA Migue Amoedo REPARTO Inma Cuesta, Asier Etxeandia, Álex García, Luisa Gavasa, Carlos Álvarez-Novoa, Ana Fernández, Consuelo Trujillo, Leticia Dolera, María Alfonsa Rosso, Manuela Vellés, Mariana Cordero, Carmela del Campo, Álvaro Baumann, Anchel Pablo PRODUCTORA Get In The Picture Productions / Mantar Film / TVE (Televisión Española)

GÉNERO Romance. Drama

TEMÁTICA Drama romántico. Melodrama. Bodas. Venganza. Vida rural

SINOPSIS

Adaptación de "Bodas de sangre", de Lorca. Desde pequeños, Leonardo, el novio y la novia han formado un triángulo inseparable, pero cuando se acerca la fecha de la boda las cosas se complican porque entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que amistad. La creciente tensión entre ambos es como un hilo invisible que no se puede explicar, pero tampoco romper.

PREMIOS

2015: Premios Goya: 12 nominaciones incluyendo mejor película
2015: Premios Feroz: 9 nom., incluyendo mejor película drama, director y actriz
2015: Premios Gaudí: 4 nominaciones incluyendo mejor película en lengua no catalana

CRÍTICA

+ "Ni un milímetro de la película está ahí con otro objetivo que no sea arrasar (...) Su intención es negar al espectador la capacidad de respirar. (...) Más Lorca que el propio Lorca. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Es grandilocuente y aparatosa. También valiente. (...) pese a sus desperfectos, demasiados, la poética nobleza de los textos sigue ahí, y algunas grandes interpretaciones (...) Aunque solo sea por eso, y por el acontecimiento, 'La novia' también es imprescindible. Y luego decidan."(Javier Ocaña: Diario El País)

= "El envoltorio de ese pasional y letal triángulo es fastuoso, hipnótico, aunque también previsible (...) Inma Cuesta lo borda (...) En fin, a Lorca le gustaría, y a los lorquianos, también. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Paula Ortiz afronta un osado desafío que supera con creces. (...) Un torrente de imágenes sugerentes que no dan respiro al espectador que acepta desde el principio un impacto emocional estructurado con gran inteligencia." (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

+ "Un cóctel de sensaciones al límite dotado de una belleza plástica arrebatadora y que se mueve entre la línea floja entre el delirio catártico y el éxtasis visual. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Beatriz Martínez: Diario El Periódico)

+ "Para los que aprecian la belleza más sublime. (...) Lo mejor: su exquisita adaptación. Lo peor: su formalismo estético no gustará a todo el mundo. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas)

+ "Todo en 'La Novia' es perfecto, aunque eso a ratos juegue en contra de la emoción. (...) A veces la intensidad es tal que la película, milagrosamente, se convierte en poesía. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,4		7,1
NOTA MEDIA: 7

TRAILER

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Resumen 2015

Y el año llega a su fin y como siempre no puede faltar el resumen de lo mejor que ha pasado por el blog durante este 2015. Un año en el que ha sido complicado elegir tan solo 12 películas, quedándose a la puerta del Top un buen puñado de cintas igual de interesantes, pero basándome principalmente en la puntuación personal y de forma secundaria en la nota media en otras webs aquí os traigo los filmes que creo no debéis dejar escapar. Ya sabéis, 12 películas que si no habéis visto todavía tenéis todo 2016 por delante, una por mes, no hay excusa. Allá vamos:

12. Selma (Ava DuVernay, 2015, Reino Unido, Estados Unidos)

Uno de los filmes que más desapercibido pasó en la pasada edición de los Oscar a pesar de entrar de lleno a la candidatura como mejor película. Ava DuVernay dirige con una pasión que se come la pantalla un filme biográfico sobre el racismo con Martin Luther King como protagonista. Y diréis, ¿Una vez más? No. Selma es un filme tan completo que no admite comparaciones con otras películas que traten la problemática del menosprecio racial en Estados Unidos, pues el brillo con el que DuVernay siembra la cinta es tan pasional como la propia historia que presenta. La película solo logró llevarse el Oscar a mejor canción por esa maravilla llamada "Glory" haciendo saltar la lágrima al más fuerte durante la ceremonia de los premios. El filme logró varios galardones en varios festivales, especialmente en los circuitos independientes, destacando por mi parte el premio que el público le dio en la última edición de Americana Film Fest en Barcelona.

 Nota Descubrepelis: 7,5 / Nota media: 7,3

11. Cómo entrenar a tu dragón 2 (How to Train Your Dragon 2; Dean DeBlois, 2014, Estados Unidos)

Debo reconocer que es curioso que uno de los géneros con más presencia en Descubrepelis, este año solo aparezca en una de las posiciones de la lista, y debo añadir, que todavía es más sonado que lo haga una representante de uno de los estudios que considero más sobrevalorados por la baja calidad artística de sus filmes, Dreamworks. Pero gracias a Dean DeBlois, la factoría que solo se salvaba por el éxito de la primera entrega del ogro verde, ha logrado producir una película tan redonda y completa que sorprende que puedan tenerla en su catálogo. ¡Y encima es una secuela! DeBlois logra construir un filme de aventuras de lo más épico, logrando además un trato redondo en sus personajes, haciéndolos evolucionar en complejidad comparando con la anterior entrega. El resultado es un filme con un acabado que ya hubiese querido Peter Jackson para sus saga del Hobbit. ¡Ah! Por no hablar de una animación que quita el hipo.

 Nota Descubrepelis: 7,5 / Nota media: 7,5  

10. El gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel; Wes Anderson, 2014, Estados Unidos, Alemania, Reino Unido)

Anderson lo vuelve ha hacer y pare una comedia delirante y alocada que se presenta como una conjunción de toda su filmografía en una sola película. El gran Hotel Budapest es fresca, colorida, con unos personajes brillantes, un ritmo, una composición y una banda sonora excelentes. Resumiendo, un filme con el sello Wes Anderson 100%.

Nota Descubrepelis: 7,5 / Nota media: 7,6

9. Jennie (El retrato de Jennie) (Portrait of Jennie; William Dieterle, 1948, Estados Unidos)

Un clásico desgraciadamente más olvidado, Jennie es una obra que podría pertenecer al romanticismo más clásico de Hollywood pero que gracias a una ruptura de género fantástico se presenta como un onírico filme sobre la obsesión de un artista por lograr expresarse a través de su obra, y de la importancia de esas musas que ayudan a allanar el camino. Una fotografía en blanco y negro que evoluciona al mismo ritmo que el complejo entramado emocional de sus personajes. Una obra sorprendente, de las que dejan huella.

Nota Descubrepelis: 7,5 / Nota media: 7,7

8. The Thin Blue Line (Errol Morris, 1988, Estados Unidos, Reino Unido)

Una vez más el documental no falta en la lista de lo mejor del año. Pero The Thin Blue Line es mucho más que un documental. A través de la reconstrucción de las diferentes versiones de un crimen, la película de Errol Morris crea un filme lleno de intriga y que engancha de principio a fin. Un juego en el que Morris nos invita a participar para engañarnos y confundirnos constantemente. The Thin Blue Line se centra en un famoso caso que, gracias al propio filme, fue reabierto para dudar de nuevo sobre la culpabilidad del acusado. Una película magnética y soberbia, rodada sin dejar nada al azar, cine con mayúsculas.

Nota Descubrepelis: 7,5 / Nota media: 7,7 

7. Picnic en Hanging Rock (Picnic at Hanging Rock; Peter Weir, 1975, Australia)

Y hablando de confundirnos llega el turno de la australiana Picnic en Hanging Rock. Basado en la novela homónima de culto escrita por Joan Lindsay (tan recomendable como el filme), Peter Weir nos cuenta el supuesto caso real de la, todavía sin resolver, desaparición de un grupo de muchachas de un internado durante uno de sus picnics cerca de la montaña de Hanging Rock. El caso narrado por Lindsay en su libro se hizo tan popular que incluso ahora, casi cincuenta años después, sigue siendo todo un misterio que pone en duda que hay de real y que no en el caso. Weir adapta la novela con maestría, y nos conduce por un relato mágico y misterioso que nos abduce igual que a las bellas chicas protagonistas. Un filme que es difícil olvidar.

 

Nota Descubrepelis: 8 / Nota media: 7,5

6. Finding Vivian Maier (John Maloof, Charlie Siskel, 2013, Estados Unidos)

Nominada en los Oscar a mejor película documental, Finding Vivian Maier es otro de los filmes que siguen desafiando las estructuras básicas, esta vez introduciéndonos en la figura de una artista anónima para acercarnos a su obra fotográfica. El filme se construye sin guión previo, dejando que el relato vaya surgiendo poco a poco, por lo que el filme pasa de ser una cinta que intenta solamente reivindicar a una artista, a una película oscura y siniestra al seguir indagando en la figura de Maier, una mujer extremadamente introvertida.

 

Nota Descubrepelis: 8 / Nota media: 7,6

5. Nightcrawler (Dan Gilroy, 2014, Estados Unidos)

Bajo un tono neo-noir, Dan Gilroy dirige con pulso Nightcrawler, una película que carga las tintas contra la manipulación mediática y el sensacionalismo más duro. Todo ello lo hace bajo un prima de nocturnidad propio del más oscuro filme vampírico, y es que Drácula no es el único capaz de chuparnos toda la sangre. Pero el tono y su mensaje no es lo único que hace que éste sea un filme a tener en cuenta, y es que el actor Jake Gyllenhaal es el que termina de dar merito al filme con una de sus mejores actuaciones, todo sea dicho, en el tono de locura que mejor se le da.

 Nota Descubrepelis: 8 / Nota media: 7,7

4. Pride (Orgullo) (Matthew Warchus, 2014, Reino Unido, Francia)

La mejor comedia de este año en Descubrepelis es a su vez una de las cintas más emotivas que podremos encontrar por el blog. Siguiendo la estela del humor de tintes sociales, tan arraigado en el cine inglés, Matthew Warchus construye un filme histórico, hablando de temas muy serios, pero sin perder el tono de humor que hace que Pride sea un filme tan especial. Divertida, tierna, reivindicativa... La película de Warchus nos traslada a los ochenta de Margaret Tatcher en plena huelga de los Mineros, para contarnos como un pequeño pueblo galés dejó de lado sus mayores prejuicios al recibir la ayuda de un colectivo homosexual uniendo lazos y luchando por un bien común, el de los derechos de la ciudadanía. Con un elenco dónde aparece lo mejor de la interpretación inglesa, Pride es una cinta de la que es difícil no cansarse.

Nota Descubrepelis: 8 / Nota media: 7,7

3. Lunático (Eduard Solà, 2014, España)

El último Atlantida Film Fest nos ofreció un buen puñado de películas alternativas, cierto, pero la verdad es que fue difícil encontrar las que realmente valían la pena. Por suerte tuve la oportunidad de descubrir un buen número de películas que sobresalían del resto, y una de ellas es la más que fabulosa Lunático del catalán Eduard Solà. Si hasta ahora hablábamos del documental ficcionado, esta vez debemos dar la vuelta a la tortilla, pues Solà nos ofrece una película a la inversa, dónde la ficción se documenta. Con un bajo presupuesto, pero con una idea de lo más original, Lunático se convierte en toda una odisea que en poco más de una hora nos presenta multitud de capas, llegando al final a convertirse en todo un canto al amor, ya sea más allá del paso del tiempo, o del amor familiar que uno puede sentir por sus mayores. Una película mágica sobre un hombre loco, del que todos deberíamos aprender. Maravillosa.

Nota Descubrepelis: 8,5 / Nota media: 7,6

2. El club (Pablo Larraín, 2015, Chile)

Equivocadamente olvidada en los Oscar de este año, pues no ha pasado el filtro de las preseleccionadas (aunque hay que reconocer que la competencia era dura), la última película de Pablo Larraín es una obra maestra mayúscula. El club nos habla desde lo más profundo de las entrañas del ser humano para construir un relato sobre la maldad, sobre aquella maldad que se esconde en lo que suponemos sagrado, pero que en realidad es la más oscura de todas. El tono opresivo que el director chileno utiliza para contarnos esta historia de "curitas" convierten su película no solo en uno de lo mejores filmes que hemos visto en el blog este año, si no en una de las mejores cintas que han pasado por nuestro cine. No hay que perdérsela. 

Nota Descubrepelis: 8,5 / Nota media: 8

1. Ciutat Morta (Ciudad Muerta) (Xavier Artigas, Xapo Ortega, 2014)

Y llega el turno de la película situada en lo alto de la lista de lo mejor que ha pasado por aquí este año, y debo reconocer que hasta a mi me ha sorprendido que Ciutat Morta haya alcanzado el primer puesto en el ránquing, pero si lo pienso fríamente, no encuentro una película que me haya sacado tan de quicio y me haya removido tanto este año como el documental que más difícil lo ha tenido para ver la luz en la televisión pública. Ciutat Morta nos cuenta uno de tantos casos dónde la justicia brilla por su ausencia. Dando la otra versión de los hechos, aquella que en los juzgados no se quiso escuchar, el filme recoge el testimonio de varias de las personas implicadas en un caso que empezó con una fiesta y que terminó con heridos e incluso alguna muerte. Todo ello bañado bajo el tinte de la impunidad, Ciutat Morta nos cuenta como incluso lo que nos debe proteger termina se puede terminar convirtiendo en la peor de nuestras pesadillas. Un filme documental más cercano al terror que a otra cosa, una cinta tan violenta y removedora de conciencias que merece todo mi respeto. Recordar que se puede fer de forma gratuita en la web de su productora. No hay excusa.

Nota Descubrepelis: 8,5 / Nota media: 8,3

Y hasta aquí los 12 filmes más destacados de la sesentena de películas que han pasado durante el 2015 por aquí. Una pequeña selección que por supuesto no eclipsa al resto de recomendaciones que os invito también a revisar o descubrir.

Solo me queda una vez más invitaros a jugar a adivinar a que película pertenecen los fotogramas del blog paralelo (Descubrelapeli) que empezará de cero en la próxima entrada que vendrá con el año nuevo.

Y con eso me despido de vosotros hasta el próximo año y os digo que nos seguimos leyendo durante el 2016.

¡Feliz año a todos/as!