A pesar de que hoy tocaría hablar de la reciente y triste perdida del director, escritor y guionista José Luis Borau, conocido sobretodo por su éxito Furtivos, tengo todavía que rendir un pequeño homenaje a otra figura importante no sólo de nuestro país, si no también de latinoamerica, y que falleció hace escaso una semana. Hablo de Emilio Alberto Aragón Berbúdez, popularmente conocido como Miliki, una de las figuras clave de la historia de nuestra televisión, gracias a sus programas infantiles de circo que tantas generaciones hemos podido disfrutar. En vez de hablaros de su figura, sobradamente conocida, os recomiendo echar un vistazo al pequeño artículo que le dedicó David Trueba en el diario El país y que podéis leer aquí, y me centraré en su última (de su escasa) participación en el cine.
El polifacético Emilio Aragón (hijo) firma así su primer trabajo en dirección cinematográfica lanzando este homenaje a su padre Miliki, homenaje que se centra en el oficio seña de su familia y que lleva ya más de cinco generaciones de tradición. Hablo de la premiada Pájaros de papel.
En plena posguerra española, un grupo de artistas siguen en su lucha por mantener viva la llama de su oficio intentando sobrevivir al hambre y a las represiones del estado. De este modo nos encontramos con una entrañable familia de amigos que estarán en el punto de mira del régimen dónde encontramos al músico Jorge del Pino, el ventrílocuo Enrique Corgo, la cupletista Rocío Moliner, el pequeño Miguel, huérfano de padres y acogido por esta unión de artistas, entre otros artistas ambulantes de finales de los años treinta.
Aragón construye una emotiva película (sobradamente posicionada en su carácter político) que se sustenta en el sentimentalismo y fuerza al espectador a ofrecer sus lágrimas. A pesar de ello, hay que reconocerle una gran maestría en llevar el guión a la pantalla, demostrando que sabe conducir muy bien su historia que no pierde ápice de interés en sus dos horas de duración, y que si estamos dispuestos a asumir ese toque sentimental tan forzado encontraremos una obra muy disfrutable. Todo ello sin ofrecer ningún registro histórico de la época, pero sin restar veracidad a la acción. Aragón demuestra en su opera prima que sabe lo que hace, aunque sus recursos sean más televisivos que cinematográficos.
El plano sonoro es sin duda la joya de la corona del filme, unas estupendas canciones herederas de la tradición familiar y que no sólo están bien escogidas y compuestas (por él mismo), si no que sólo por ellas merece la pena el esfuerzo de dar la oportunidad al trabajo.
Por contra, la banda de la que más cojea es en la dirección de actores, y no será por no contar con un plantel de actores sobradamente conocidos, si no porqué van quedando algo forzados en sus papeles, sobretodo a causa de algún dialogo que pierde tono o por no terminar de encajar en sus respectivos personajes. Por ejemplo, Carmen Machi ofrece un personaje divertido y distendido pero que no termina de dar el tono en su figura, o Imanol Arias queda extraño al forzar el registro más sentimental de su papel en pantalla.
En conjunto nos queda una película que a pesar de sus premios, va a quedar con el tiempo rápidamente olvidada, pero que no por ello deja de ser un estupendo homenaje a ese payaso con mayúsculas que fue Miliki, y al que seguro nadie olvidaremos. Pájaros de papel
viene a ser, en resumen, algo así como una versión española de aquellos filmes sobrecargados de sentimentalismo que
tanto se han explotado en Italia, como pueden ser La vida es bella o
Cinema Paradiso, una versión a la que mucho le queda para alcanzar la calidad de unos trabajos así.
Sólo nos queda decir aquello de, ¡¿Cómo están ustedes?!
TÍTULO ORIGINAL Pájaros de papel AÑO 2010 DURACIÓN 122 min. PAÍS España DIRECTOR Emilio Aragón GUIÓN Fernando Castets, Emilio Aragón MÚSICA Emilio Aragón FOTOGRAFÍA David Omedes REPARTO Imanol Arias, Lluís Homar, Roger Príncep, Carmen Machi, Fernando Cayo, Diego Martín, Oriol Vila, Cristina Marcos, José Ángel Egido, Emilio Aragón 'Miliki', Luis Varela, Asunción Balaguer, Pedro Civera, Javier Coll, Francisco Merino, Lola Baldrich PRODUCTORA Antena 3 Films / Versátil Cinema GÉNERO Drama. Comedia TEMÁTICA Comedia dramática. Teatro. Circo. Guerra Civil Española. Posguerra española. Años 30 SINOPSIS Historia de un grupo de artistas de vodevil a los que la guerra civil
(1936-1939) les arrebató todo menos el hambre. El músico Jorge del Pino,
el ventrílocuo Enrique Corgo, la cupletista Rocío Moliner, el huérfano
Miguel y otras almas perdidas forman una curiosa familia que intenta
cada día salir adelante con sus miserias y sus alegrías, con el
aliciente de su música y sus canciones. Y a falta de pan, buenos les
resultan los aplausos. Entre vencedores y vencidos buscan, más que una
oportunidad, algo que comer o un lugar donde dormir. Pero, antes de lo
que se imaginan, son puestos a prueba y tienen que tomar difíciles
decisiones.
PREMIOS 2010: 2 Nominaciones al Goya: Mejor director novel y canción original 2011: Circulo de críticos cinematográficos: Nominada a mejor actriz de reparto (Carmen Machi) 2011: Montreal World Film Fest: Premio del público. Nominada al Zenith de oro. 2011: Seattle International Film Fest: Premio del público. 2011: Union de actores: Nominada a mejor rol masculino (Lluís Homar) 2011: Woodstock Film Fest: Mejor guión 2011: Young Artist Awards: Nominada a mejor actor de reparto (Roger Príncep)
CRÍTICAS = "Papiroflexia del corazón. (...) Director y guionista barnizan la
memoria de sentimentalismo (...) un recital 'kitsch'." (Jordi
Costa: Diario El País)
= "Lo mejor es la construcción de sus personajes (...) No es fácil narrar
una historia, por muy personal que sea, con la personalidad y la
distinción ideal, mágica. Y a ésta le pesa más el corazón que la cabeza.
(...) Puntuación: ** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante:
Diario ABC)
= "Bebe en el clasicismo de su puesta en escena para conseguir sus
objetivos: ser un homenaje y emocionar al espectador. Es un film atípico
y muy sincero. Una rareza." (Nuria Vidal: Fotogramas)
Cierto, es pronto para la Navidad (aunque El Corte Inglés se empeñe en decir lo contrario), pero da igual la época del año que sea para disfrutar de la primera aparición en pantalla de unos de los personajes más carismáticos no sólo del cómic americano, si no del mundo entero, hablo por supuesto de la adaptación de las tiras de Charles M. Schulz: Peanuts (Charlie Brown o Carlitos en nuestro país o también conocida por muchos como Snoopy), un pequeño regalo de la animación.
Aunque para ver a estos carismáticos personajes en formato de largometraje hubo que esperar hasta 1969, antes se rodaron para televisión una serie de especiales que a pesar de las reticencias de la cadena CBS causaron furor ante y el público y cosecharon merecidos premios, creando así una extensa y fabulosa franquicia. Para la primera aparición nos remontamos hasta 1965 con el metraje que os presento hoy, La Navidad de Charlie Brown.
En este mediometraje nuestro protagonista Charlie Brown está deprimido al ver la Navidad como algo carente de sentido, para animarlo Lucy le invita a ser el director de la obra que están preparando, como consecuencia de ello Charlie se irá convenciendo cada vez más de que la Navidad sólo es un invento consumista.
Adaptar una obra como la de Schulz es delicado, ya que puede perder el sentido de las tiras originales y convertirse fácilmente en un producto animado infantil, pero la dirección de Bill Meléndez, contando como colaborador en el guión del propio Schulz y la banda sonora jazzística de Vince Guaraldi, consiguen no sólo captar el espíritu de la obra original, si no dotarla de nuevos elementos que engrandecen su contenido.
Las tiras de Peanuts, que nacieron en 1950 y que siguieron hasta la muerte de su propio autor en el año 2000, son una de las obras más complejas, influyentes y relevantes de la cultura americana del siglo XX. En ellas se hace una radiografía social a través de la infancia dónde la frustración aparece de una forma temprana, reflejando así el modo de vida occidental en el que el máximo ideal es el triunfo mientras poco a poco se van acumulando ansiedades y bajas autoestimas. Así, la pandilla de Charlie Brown, representa en su microcosmos todos esos miedos de la sociedad moderna, siendo Charlie el factor exponencial. Todo ello sigue apareciendo en esta primera adaptación navideña añadiendo además algunos pequeños guiños.
El humor melancólico es el factor más latente en todo el metraje, que empaña cada momento del filme creando momentos inolvidables como las excelentes conversaciones en el muro, o los divertidos interludios de Snoopy. Un guión mordaz que sigue la frustración de nuestro pequeño protagonista y del que es imposible no sentir empatía en algún momento, ya sea a través de él o de alguno del resto de la pandilla.
Casi media hora de maestría se recoge en esta película que ya muchos habréis podido disfrutar en algún momento de vuestra infancia, y si no es así, ahora con la madurez encontraréis con ella muchos más factores que de bien seguro os encantarán.
TÍTULO ORIGINAL A Charlie Brown Christmas AÑO 1965 DURACIÓN 25 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECTOR Bill Melendez GUIÓN Charles M. Schulz MÚSICA Vince Guaraldi VOCES ORIGINALES Peter Robbins, Bill Melendez, Ann Altieri, Chris Doran, Sally Dryer, Karen Mendelson, Geoffrey Ornstein, Christopher Shea, Kathy Steinberg, Tracy Stratford PRODUCTOR Bill Melendez PRODUCTORA Lee Mendelson Film Productions / Bill Melendez Productions / United Feature Syndicate (UFS) GÉNERO Animación. Comedia TEMÁTICA Navidad. Cómic. Mediometraje. Telefilm
SINOPSIS Charlie Brown está deprimido porque piensa que la navidad carece de
sentido, ve a Lucy y Snoopy obsesionados con regalos y decoraciones,
Schroeder obsesionado con la obra de navidad, y todos los demás
concentrados en las tarjetas y cartas a santa, todo esto lo hace
cuestionarse el verdadero significado de la navidad. Charlie se disgusta
por ver como la festividad se ha convertido en un comercialismo total.
Cuando los chicos se comprometen a dar a Charlie la tarea de seleccionar
un árbol de navidad para la obra, el escoge uno feo y solitario, pero
Linus con un conmovedor discurso logra hacer que todos comprendan el
verdadero significado de la navidad.
PREMIOS
1965: Emmy: Mejor programa infantil. 2 nominaciones. 1966: Peabody Awards: Ganadora. 1978: Grammy: Nominada a mejor banda sonora infantil. 2009: Satellite Awards: Nominada a mejor edición en DVD.
Las críticas me daban bajas esperanzas, que tras casi 20 años de filmografía se comente que el último trabajo de François Ozon era el mejor de su trayectoria sólo podía significar una cosa, que en el filme desapareciera toda huella de Ozon, y a pesar de que su cine no se caracteriza por la excelencia, siempre ha tenido un sello propio muy diferencial que lo hace muy disfrutable. Por suerte me equivocaba, En la casa no sólo es su mejor trabajo, al menos de los filmes que yo he podido disfrutar, si no que Ozon sigue allí y mejor que nunca.
La premisa parece sencilla, un profesor de literatura vuelve al curso escolar una vez más para lidiar con alumnos estudiantes que muestran poco interés por lo que se les pone delante, desalentado de encontrar un sólo signo de esperanza en alguno de sus pupilos se topa con la redacción del chico del fondo de la clase.
En la historia de En la casa no encontramos nada que no hayamos visto ya en algún otro filme de Ozon, la película que más se asemeja es la interesante Swimming Pool (La piscina), el problema es que esta tenía huecos vacíos que dejaban con la sensación de que algo no terminaba de encajar, por no hablar de un abrupto final que se encargaba de derribar todo lo construido por el camino. El nuevo trabajo del director francés nos envuelve en una historia con puntos de similitud pero esta vez no se deja nada en el camino, En la casa es simplemente el perfeccionamiento de su cine.
Basándose en la obra El chico de la última fila de Juan Mayorga, Ozon construye un ejercicio de realidad y ficción que, alejándose del simple juego de confundir al espectador, atrapa de principio a fin absorviéndote en un trabajo metalingüístico lleno de espontaneidad del que es imposible apartar la mirada. Una construcción de la acción tan perfecta e inteligente que no deja escapar detalle, en la que además no faltan los diálogos brillantes, todo ello desde una sencillez desarmante que sabe mostrarnos muy bien la complejidad sin que esta lo parezca.
Un trabajo actoral cómo siempre soberbio en el cine de Ozon, que sabe sacar siempre lo mejor de todos sus artistas, y que en conjunto nos regalan unos personajes muy bien construidos que llenan cada recoveco de la historia. Y lo mismo pasa con la perfecta realización que nos ofrece el director, como siempre estupenda al mimar los ritmos, planificaciones y demás.
No puedo añadir mucho más, sólo recomendaros que os dejéis omnibular por este maravilloso filme merecedor de su premio en el pasado Festival de San Sebastianm y del que es casi imposible que os sintáis defraudados. Ciertamente una de las películas del año.
TÍTULO ORIGINAL Dans la maison AÑO 2012 DURACIÓN 105 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECTOR François Ozon GUIÓN François Ozon (Obra: Juan Mayorga) MÚSICA Philippe Rombi FOTOGRAFÍA Jérôme Alméras REPARTO Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Diana Stewart, Denis Ménochet, Jean-François Balmer, Fabrice Colson, Bastien Ughetto, Stéphanie Campion PRODUCTORA Mandarin Cinéma GÉNERO Drama. Comedia TEMÁTICA Comedia dramática. Enseñanza. Literatura SINOPSIS Un profesor de literatura francesa, desalentado y hastiado por las
insulsas y torpes redacciones de sus nuevos alumnos, descubre
entusiasmado que, por el contrario, el chico que se sienta al fondo de
la clase, muestra en sus trabajos un agudo y sutil sentido de la
observación. Este chico, que se siente extrañamente fascinado por la
familia de uno de sus compañeros, escribirá, animado por el profesor,
una especie de novela sobre esa familia (y también sobre el profesor),
en la que es difícil distinguir entre realidad y ficción.
PREMIOS 2012: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI 2012: Festival de San Sebastián: Concha de Oro mejor película, mejor guión 2012: London Film Festival: Nominada a mejor película
CRÍTICAS + "Una obra maestra (...) un milimetrado juego de espejos en el que la
realidad y la ficción, el drama y la comedia (...) se cruzan con una
elegancia y maestría pocas veces contemplada." (Luis Martínez:
Diario El Mundo) + "Una película misteriosa y excelente. (...) Ozon crea una apasionante
tela de araña, coronada con un final en estado de gracia. Todo resulta
hipnótico y perturbador." (Carlos Boyero: Diario El País) + "Su estructura es impecable: una narración perfectamente hilada, rica en
matices, con diálogos brillantes y bien calzados. Y luego está el
hermoso cierre de la película (...) Puntuación: **** (sobre 4)"
(Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia) + "Brillante (...) Ozon imparte una verdadera clase magistral sobre la
construcción del relato (...) convirtiendo este complejo ejercicio de
metaficción en una novela de misterio casi clásica" (Sergi
Sánchez: Diario La Razón) PUNTUACIONES - Descubrepelis: 8,2 - Filmaffinity: 7,7 - IMDB: 7,5 * Media: 7,8 TRAILER
Aprovechando un día como hoy nos acercamos a una joya del cine que en su tiempo se las vio negras para llegar a las pantallas, con el tiempo y mucho esfuerzo no sólo logró esa meta, si no que en 1999 la película fue incluida entre los filmes que preserva el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser considerada "cultural, histórica, o estéticamente significativa". Y no es para menos, La sal de la tierra es una película imprescindible.
"¿Cómo contar una historia que no tiene principio?", se pregunta una voz en off que no tardamos en identificar como la de Esperanza Quintero, protagonista del metraje. La pobreza, discriminación y explotación laboral son factores siempre presentes en una pequeña población de Nuevo México, los trabajadores de la mina, hartos de los abusos deciden plantar cara a la patronal con una huelga con el fin de llegar a mejorar sus condiciones laborales y estatus de vida. Pero los mineros no son los únicos que tienen algo que decir, también sus esposas están cansadas del trato que se les da, así que deciden ir a por todas en la lucha para el beneficio de todos.
Antes de nada es interesante situar el filme en los tiempos que vivió (aunque no sea eso necesario para disfrutarlo). En 1947 no era extraño que un director o guionista terminara entre rejas al plasmar sus ideales (de izquierda) en sus obras, añadidos también a la larga lista negra del apolillado Hollywood de entonces. Herbert J. Biberman, director del filme fue uno de ellos, pero sus creencias no se vieron apagadas y armado con valentía se junto con un par de parias más del sector: Michael Wilson (guionista) y Paul Jarrico (productor); de este modo nacía la idea de un filme que causaría revuelo: La sal de la tierra.
Pocas películas han sido tan clandestinas, tan perseguidas y saboteadas en terreno norteamericano como el trabajo de estos señores. Para ello decidieron trasladarse a Nuevo México y basarse en la historia real de la huelga de unos mineros y sus familias del lugar. Para el equipo técnico y artístico necesitaron contar con otros especialistas vetados y nuevos y valientes rostros dispuestos a participar en una aventura de tal calibre, participando también en el elenco de actores unos secundarios de categoría, los propios mineros y esposas para interpretarse a si mismos. Sólo faltaba dar con la pareja protagonista, después de barajar varias posibilidades dieron con la potente Rosaura Revueltas, actriz mexicana dispuesta a enrolarse en la aventura, y más tarde y con dudas, a Juan Chacón, presidente de la Unión de Mineros sin ningún tipo de experiencia como actor y que además nada tenía que ver con la idea que el director tenía del personaje, sin embargo la decisión no pudo ser más acertada, ya estaba todo a punto, así nacía La sal de la tierra.
La realización fue dura, de entrada la prensa se hizo eco del rodaje y pronto empezó a correr el rumor de que un filme dirigido desde Moscú se guisaba en tierras americanas a modo de película-espia al servicio de Rusia. Los obstáculos a partir de aquí fueron de lo más arduos, incluso los prestigiosos laboratorios Pathé se negaron a seguir revelando el material que iban recibiendo del filme. Matones a sueldo, aeroplanos vigilando desde el cielo constantemente, amenazas escritas... Incluso de repente la oficina de inmigración decidió retirar el visado de Rosaura Revueltas enviándola de nuevo a su país. Hechos de este tipo hicieron trabajar al equipo en estudios clandestinos y pasar el material a través de la frontera como contrabando.
Una vez finalizado el rodaje (milagrosamente), todavía faltaba la parte de post-producción, difícil fue encontrar un laboratorio lo suficientemente valiente para procesar el material, y varios fueron los editores que fueron trabajando la película en estudios improvisados, pero finalmente el subversivo trabajo de Biberman estaba finalizado.
Los problemas no terminaban ahí, las presiones al sindicato de proyeccionistas hizo imposible la proyección en las salas comerciales, no fue hasta dar con el Grande Theater de Nueva York, una sala de carácter underground, que vieron su película en la gran pantalla y con público.
El resto fue rodado, a pesar de que críticos oficiales (incluso sin ver el filme) se encargaron de que el público no se acercara a las salas, famosos críticos independientes empezaron a elogiar la magnitud del trabajo, así, la película logró un exito apabullante en el extrangero, en especial en Francia dónde fue multi-galardonada y en México dónde su protagonista se convirtió en toda una aclamada estrella. Tuvieron que pasar más de diez años para que recibiese el reconocimiento merecido en su país de origen, Estados Unidos, para ser hoy una película clave de su historia.
Resumidos los acontecimientos podemos centrarnos en el metraje, un metraje que a pesar de estar claramente posicionado no pierde un ápice de la fuerza que tiene su historia. La película va mucho más allá de mostrar la injusticia que vivían los trabajadores y mostrarnos su lucha en pro de unos derechos no reconocidos, La sal de la tierra nos muestra además como las desigualdades también se encontraban dentro de las familias proletarias, dónde la mujer poco tenía que decir frente las decisiones de su marido, así nace una doble lucha en la que las mujeres se levantan para buscar sus propios derechos pero luchando siempre en el bando de sus maridos demostrándoles que sin ellas están perdidos. Es sorprendente ver la evolución de los acontecimientos, de como los roles del hombre y la mujer se invierten siendo ellas las que encabezan la lucha y ellos los que deben cuidar de sus hijos y hogares. Han pasado muchos años, y en ese aspecto el filme sigue teniendo la misma fuerza del mismo día.
La veracidad casi documental en los rostros de los más de cien secundarios no hacen más que reforzar el fuerte pulso del relato, y la presencia de una Revueltas que literalmente se come la pantalla sigue impresionando a día de hoy. En ocasiones también cuesta creer que Juan Chacón no era un actor preparado, que da a su personaje una veracidad increíblemente impresionante por su distanciamiento del cliché.
De igual modo su imponente fotografía y su épica banda sonora no hacen más que reforzar cualquier aspecto positivo de este reivindicativo metraje, lleno de momentos impresionantes y atrayentes en cada recoveco de su extensión.
La sal de la tierra es una película que no hay que dejar escapar, aunque sólo sea para ver que cincuenta años después las mejoras que hemos conseguido sólo han sido gracias a acciones como las del filme, pero también podemos ver cómo no hay que bajar la guardia, ya que las cosas en esencia no han cambiado tanto.
TÍTULO ORIGINAL Salt of the Earth AÑO 1954 DURACIÓN 95 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español DIRECTOR Herbert J. Biberman GUIÓN Michael Wilson MÚSICA Sol Kaplan FOTOGRAFÍA Stanley Meredith, Leonard Stark (B&W) REPARTO Juan Chacón, Will Geer, Rosaura Revueltas, Mervin Williams, Frank Talavera, Clinton Jencks, Virginia Jencks PRODUCTOR Paul Jarrico GÉNERO Drama TEMÁTICA Cine social. Cine Independiente USA. Trabajo/empleo. Mujer
SINOPSIS
Unos mineros de Nuevo México van a la huelga tras una serie de incidentes, librando una dura y amarga batalla en la que recibirán el apoyo de sus mujeres. Controvertido melodrama semidocumental en el que intervienen personajes auténticos, y que tuvo innumerables problemas durante y después del rodaje; el director, el productor, es guionista, el compositor y el actor Will Geer estaban, en aquella época, en la "lista negra" del comité de actividades antiamericanas del senador McCarthy. Hoy en día "Salt of the Earth" es uno de los pocos films preservados por la Librería del Congreso de los Estados Unidos por su importancia histórica y cultural.
CRÍTICAS
+ "Maravilloso clásico, a medio camino entre el documental y la ficción
(...) Un filme comprometido, profeminista y reivindicativo, repleto de
imágenes bellísimas" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Dandelion es una de esas películas desconocidas, que al no estar respaldada por grandes nombres o por enormes campañas de publicidad es difícil llegar a ella sin una referencia previa, una lástima, ya que de vez en cuándo podemos toparnos con pequeñas joyas bastante interesantes.
Y para ejemplo la primera y única película de Mark Milgrad, un filme que nos conduce hasta una pequeña población rural de la América profunda dónde seguiremos a Mason, un introvertido joven y al mundo que le rodea.
Milgrad construye un relato sobre el dolor y su relación con la muerte, el amor, la familia, la soledad y varios de los aspectos que suelen balancear nuestra vida. Un título bien escogido (Diente de león) que resume muy bien lo que su autor nos quiere transmitir.
Dandelion es un filme de pocas palabras, Milgrad sabe introducirnos bien en las entrañas del relato con una realización ebria y depositando gran parte de la confianza en la fuerza de sus imágenes. Imágenes respaldadas por una fotografía que a pesar de ser preciosista no se acomoda en ello y busca algo más, los vitales verdes de las praderas y los intensos amarillos de los campos de trigo se ven constantemente acosados por un suave estela de gris que no desaparece y que nos recuerda constantemente ese desasosiego que acecha a nuestras vidas a pesar de luchar por la felicidad. Así, el filme nos danza como la vida misma entre la belleza y el drama, con unas fuertes dosis de melancolía. Música y sonido se suman también a la perfecta partitura de Dandelion, sintonizando constantemente con la película y sin salir jamás del buen camino. El grueso del plantel actoral nos ofrece un trabajo grandioso empatizando por completo con sus personajes y facilitando así que nosotros también lo hagamos. Un joven Vincent Kartheiser cómo protagonista que parece entender muy bien lo que su personaje siente en cada momento es quién soporta gran parte del peso de la película, pero los secundarios, en especial Arliss Howard y Mare Winningham que interpretan a los padres del chico, nos tranmiten la misma fuerza y se presentan como imprescindibles al conjunto.
Es bien cierto que su ritmo pausado no va muy acorde con la velocidad de la narración, y seguramente ese sea el punto flojo de la película, que nos deja con la sensación de una evolución forzada de los echos, pero a pesar de ello se sustenta con otros hilos que convierten esta pequeña historia de amor, que no de romántica, en una propuesta interesante con mucho que ofrecer.
TÍTULO ORIGINAL Dandelion AÑO 2004 DURACIÓN 93 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECTOR Mark Milgard GUIÓN Mark Milgard, Richard Murphy, Robb Williamson MÚSICA Robb Williamson FOTOGRAFÍA Tim Orr REPARTO Vincent Kartheiser, Taryn Manning, Arliss Howard, Mare Winningham, Blake Heron, Michelle Forbes PRODUCTORA Ballistic Media Group / Ruth Pictures LLC GÉNERO Drama. Romance TEMÁTICA Vida rural (Norteamérica). Drama sureño. Cine independiente USA SINOPSIS En una pequeña población rural vive Mason, un joven introvertido que
habita un mundo donde la familia existe en un fragmentado silencio y el
amor parece haberse ido para siempre. Un día Mason conoce a Danny, una
joven sensible con problemas...
PREMIOS 2005: Independent Spirit Awards: Nominada a mejor fotografía 2004: RiverRun International Film Festival: Premio del jurado (Mejor opera prima, mejor fotografía) 2004: Tokyo International Film Festival: Nominada al gran premio 2004: Karlovy Vary International Film Festival: Ganadora de la Independent Camera
PUNTUACIONES - Descubrepelis: 6,9 - Filmaffinity: 6,8 - IMDB: 6,8 * Media: 6,8 TRAILER NO OFICIAL
La isla de Bastøy es a día de hoy un territorio en el fiordo de Olso con una moderna institución organizada dónde los delincuentes tienen la mejor rehabilitación existente en nuestra sociedad actual (un lugar dónde tienen cabida desde timadores hasta asesinos en serie). Su gobernador la considera la primera prisión ecológica del mundo, en ella los reclusos viven en semilibertad y se ocupan de trabajos agrícolas. Pero Bastøy no siempre ha sido un lugar así, el nuevo film del noruego Marius Holst quiere con ella acercarse a los orígenes del lugar, relatando los terribles sucesos que acontecieron a principios de siglo XX, cuando esa cárcel presumía de ser un reformatorio para jóvenes modélico. En 1915, en la fría isla de Bastøy, un grupo de jóvenes se encuentran internos en el famoso reformatorio de la isla. Un nuevo chico llega al lugar dónde verá como allí la ley la escriben unos despóticos guardas, se utiliza a los jóvenes para propósitos propios, dónde la corrupción y los abusos están a la orden del día. Erling, el nuevo chico, decidirá rebelarse contra el sistema y huir del lugar.
La potente historia que nos ofrece Host es sin lugar a dudas suficientemente interesante para llamar nuestra atención, el problema viene cuando el filme sigue a rajatabla los esquemas del drama carcelario sin ofrecernos nada más allá que pueda despertar nuestra atención, simplemente se escuda en el fluir de la narración para engancharnos a la historia sin ir más allá dejando al final con la sensación de que no podrían haber ofrecido mucho más. Si bien el filme tiene otras virtudes que la convierten en una película por lo poco recomendable.
Su mejor baza es la puesta en escena: los decorados naturales y las fieles representaciones de cada uno de los rincones de Bastøy crean una atmósfera única que se refuerza con una iluminación bien trabajada que nos transmite muy bien esa sensación gélida e inquietante. Una fotografía del lugar maravillosa que transforma como por arte de magia unos arboles en unos impensables barrotes de una celda. Además las interpretaciones de unos jóvenes y noveles actores nos invitan notablemente a sentir sus propias emociones, aunque la película decida ser comedida y erróneamente no demasiado explicita.
Dobles lecturas para un filme que convenció al público en el pasado Festival 4+1 (recordar que este mes se celebra una nueva edición), en la que se esconde más de lo que a simple vista el relato nos pueda ofrecer.
TÍTULO ORIGINAL Kongen av Bastøy (King of Devil's Island) AÑO 2010 DURACIÓN 116 min. PAÍS Noruega DIRECTOR Marius Holst GUIÓN Dennis Magnusson, Eric Schmid (Historia: Mette M. Bølstad, Lars Saabye Christensen)
MÚSICA Johan Söderqvist FOTOGRAFÍA John Andreas Andersen REPARTO Stellan Skarsgård, Benjamin Helstad, Kristoffer Joner, Trond Nilssen PRODUCTORA 4 1/2 Film / MACT Productions / Opus Film / St Paul Film GÉNERO Drama TEMÁTICA Drama carcelario. Años 1910-1919
SINOPSIS Noruega, 1915. En la isla de Bastøy, en el fiordo de Oslo, un grupo de
chicos, entre los 11 y los 18 años, vive bajo el despótico poder de un
superintendente y sus guardias. En lugar de recibir una educación, son
explotados como mano de obra barata. El joven Erling, que ha matado a un
miembro de la policía militar en defensa propia, es trasladado a la
isla para ser encerrado en una prisión de adultos. Su único recurso para
eludir la pena de muerte es la fuga.
PREMIOS 2011: 4+1: Premio del público 2011: Amanda (Academia Noruega): Mejor película, mejor música, mejor actor de reparto (Trond Nilssen). 5 Nominaciones
CRÍTICAS = "Se alimenta demasiado del arquetipo (...) Sin embargo, el empaque de la
película, de hermosas fotografía y banda sonora, y de elegante puesta
en escena, provoca que el relato avance con cierta convicción, aunque
más a través del armazón técnico que del sentimental" (Javier
Ocaña: Diario El País)
= "Es mérito de Holst acercarse a tan previsible materia prima desde una
elegante puesta en escena, que utiliza el «basado en hechos reales» sin
que eso afecte a la tensión narrativa (...) ha sabido aprovecharse de la
tradición del género y la ha reconducido para retratar una amistad bajo
las inclemencias del destino" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)
- "No se nota, no traspasa. (...) Se apoya en personajes estereotipados y
en una narrativa genérica del cine de prisiones. No aburre, pero tampoco
importa" (Nando Salvá: Cinemanía)
Nuevo mes, nuevo formato, dejando de lado las largas reseñas enumerando todos los estrenos del mes y centrando en aquello que parece ser más interesante (para bien o para mal), incluyendo, eso sí, un listado completo de todo lo que encontraréis en los cines españoles ese mismo fin de semana. De este modo se amplia la presentación del mes con un nuevo apartado dónde os recomiendo una serie de películas para disfrutar esos días y encontrar así antiguas propuestas que quizás desconozcáis o quizás no os importe volver a descubrir, todo ello en una pequeña lista que busca un punto de conexión entre el conjunto de propuestas, un nuevo apartado que espero recibáis con agrado.
Y sin más aquí os dejo el resumen de noviembre, un mes cargado de propuestas más que interesantes:
ESTRENOS CINES:
Viernes, 9 de noviembre de 2012
Hasta el día 9 hay que esperar para ver renovada la cartelera de noviembre, no alarmarse, ya que es a causa de su adelanto al miércoles coincidiendo con la festividad de todos los santos (y poder cobrar el precio de fin de semana durante un par de días más). De este primer fin de semana tenemos que destacar:
- En la casa / Dans la maison (François Ozon, Francia, 2012): El nuevo trabajo del francés autor de películas como Swimming pool (La piscina),8 mujeres o El tiempo que queda, nos trae la que parece va a ser su obra más celebrada, y así lo abalan sus respectivos premios en San Sebastián (Concha de oro; mejor guión) y Toronto (premio FIPRESCI). Ozon nos habla en tono de comedia dramática de un hastiado profesor de literatura que concibe su trabajo como inútil frente a la respuesta de sus pupilos, cosa que cambiará de repente al ver como el chico del fondo del aula muestra en sus trabajos un profundo sentido de la imaginación y la observación. De este modo Ozon nos mete de lleno en el misterio de un filme que danza entre realidad y ficción.
- Drácula 3D / Dario Argento's Dracula 3D (Dario Argento, Italia-Francia-España, 2012): El maestro del Giallo vuelve a las pantallas con una nueva adaptación del clásico Drácula de siempre pero rodado en tres dimensiones. Las primeras impresiones ya marcan una clara posición ante la película, tristes al ver cómo el autor de películas de culto como El pájaro de las plumas de cristal, Rojo oscuro, Suspiria o Phenomena se ha "olvidado de hacer cine". Y es precisamente por ello que hay que destacar entre los estrenos esta obra, para poder ver con perspectiva propia la evolución del maestro italiano.
- Reality (Matteo Garrone, Italia, 2012): Galardonada en Cannes con el gran premio del jurado y participando a concurso en el Festival de Sevilla, Reality es un filme que se mofa de uno de los nuevos males sociales, la telebasura, y como no podía ser de otra manera el filme nos llega del país italiano, cuna de estos exitosos productos televisivos. De entrada el filme ya ha dividido a la crítica catalogando la película como demasiado modesta o por contra como una obra que se acerca a las películas de Fellini, lo que si están de acuerdo es que el nuevo filme de Garrone, director de la premiada Gomorra, tiene ecos de aquel extinto cine de comedia que una vez existió en el país mediterráneo.
- Il coraggio (El coratge) (Santiago Lapeira, Italia-España, 2012): Otro filme italiano que sorprendentemente llega a nuestras salas, una película sobre las mafias pero que poco tiene que ver con los antológicos protagonistas de El padrino o Uno de los nuestros, el filme del español Santiago Lapeira nos habla de personajes reales que han creado un estado propio que dominan ellos mismos, pero centrándose en las pocas figuras que se han atrevido a enfrentarse pacíficamente a las amenazas y extorsiones de la Mafia. Una película por lo pronto interesante y distinta.
- Fènix 11·23 (Joel Joan, Sergi Lara, España, 2012): A pesar de dudar de sus cualidades artísticas e incluso técnicas, debo destacar esta pequeña producción catalana que se ha financiado principalmente a través del nuevo sistema de mecenas en que usuarios de Internet ofrecen pequeñas aportaciones económicas apostando por diferentes proyectos necesitados de cualquier ayuda para su producción. El filme nos narra la interesante historia (adaptada ya y de manera exitosa al teatro) de Èric, un niño de 14 años que revolucionó a parte de la sociedad al ser acusado de terrorismo al mandar un email a diferentes supermercados pidiendo el etiquetado en catalán. Una historia que por sorprendente que pueda parecer esta basada en hechos reales.
- Todo es silencio (José Luís Cuerda, España, 2012): A pesar de que los últimos trabajos de Cuerda han dejado atrás aquel ingenioso director de Amanece, que no es poco o La lengua de las mariposas, hay que darle una nueva oportunidad con su nuevo trabajo, que además participa en competición en el Festival de Valladolid. El filme nos relata la dramática historia de un triangulo amoroso en las costas gallegas que con el tiempo se ha convertido en un caso dónde se entremezclar rivalidades, afectos, lealtad y deber.
Se estrenan también:
- Babycall (Pål Sletaune, Noruega, 2011)
- Buscando a Emish (Ana Rodríguez Rosell, España, 2012)
- Campanilla: El secreto de las hadas / Tinker Bell: Secret of the Wings (A Winter Story) (Bradley Raymond, Estados Unidos, 2012)
- Los amos del barrio / The Watch (Neighborhood Watch) (Akiva Schaffer, Estados Unidos, 2012)
Viernes, 16 de noviembre de 2012
- Holy Motors (Leos Carax, Francia, 2012): Que cabe reseñar de un filme que viene respaldado por festivales tan distintos como Cannes (seleccionada en competición) o Sitges (Mejor película, director y mejor filme europeo) y de un nombre como es el de Leos Carax, reputado cineasta outsider conocido por películas como Los amantes del Pont-Neuf, Mala sangre o su ópera prima Chico conoce chica. Carax vuelve a sus inicios experimentales (esta vez yendo más allá) con una película que narra las 24 horas en la vida de un ser con múltiples caras: asesino, mendigo, ejecutivo, padre de familia, monstruo... Una película que invita a indagar sobre lo que nos ofrece y que debemos agradecer al presentarnos alternativas al cine de siempre. Sin duda el estreno del mes.
- La parte de los ángeles / The Angels' Share (Ken Loach, Reino Unido, 2012): A pesar del desgaste del director inglés, siempre es recomendable dejarse caer en el visionado de sus películas de temática social, sobretodo si vienen respaldadas por el premio especial del jurado en Cannes. Loach vuelve a la comedia dramática con la historia de Robbie, un joven que decide dejar atrás su vida de delitos al tener su primer hijo. El problema viene al conocer a un nuevo grupo de amigos, que cómo él están sin oficio, a la vez descubre en un pequeño curso para parados su habilidad como catador de whiskys. Robbie deberá decidir si utilizar su nuevo don para seguir con su vida de delitos y dinero fácil o optar por una vida más luchadora y honrada.
- El festín de Babette / Babettes gæstebud (Gabriel Axel, Dinamarca, 1987): Curioso estreno para esta semana. Filme que se llevó el Oscar a mejor película extranjera en 1987 además de optar por similares galardones en otros premios internacionales, que ya podemos gozar en alguna edición en DVD, y que los curiosos caminos de la distribución han llevado a volverla a estrenar hoy, en las salas comerciales, sirviéndose como excusa su 25 aniversario. Sin lugar a dudas una oportunidad de oro para volver a disfrutar, o descubrir por primera vez, un clásico de la historia cinematográfica.
Se estrenan también:
- En la mente del asesino / Alex Cross (Rob Cohen, Estados Unidos, 2012)
- Y recibí las peores noticias de tus labios / Eu receberia as piores notícias dos seus lindos labios (Beto Brant, Renato Ciasca, Brasil, 2011)
- La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte 2 / The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 2 (Bill Condon, Estados Unidos, 2012)
Viernes, 23 de noviembre de 2012
- César debe morir / Cesare deve morire (Paolo Taviani, Vittorio Taviani, Italia, 2012): Éxito en Berlín y ampliamente premiada por la academia de cine italiana llega por fin esta película de estilo docuficcionado que nos conduce hacía la cárcel de Rebbibia en Roma, dónde el director Fabio Cavalli ensaya obras de Shakespeare con los presos. La yuxtaposición entre los ensayos finales de la obra de Julio Cesar y la vida en sus celdas ofrecen una visión única sobre la libertad del actor y las ataduras de un preso. Imprescindible.
- Fin (Jorge Torregrossa, España, 2012): El best-seller español homónimo de David Monteagudo se ve adaptado a la gran pantalla en una producción independiente pero que no da la espalda al género y a la comercialidad. Una propuesta interesante por el simple hecho de ver llevada al cine una historia que parece complicada de adaptar sin perder la esencia que la hace especial en el papel. Un relato semi-apocalíptico que nos cuenta como un grupo de amigos se reúne tras varios años distanciados, a partir de ahí lo que sucederá no deja indiferente a nadie.
- Hasta la vista! (Geoffrey Enthoven, Bélgica, 2011): Película que ya presenté hace un par de meses y que ha visto su estreno retrasado hasta hoy. Una comedia con un
trío de personajes muy singulares que deciden hacer un viaje a España
con el pretexto de realizar un itinerario enológico y de paso perder
allí su virginidad, por lo pronto es interesante sólo por ver como ven
el papel de nuestro país en Europa (aunque ya queda claro cual es).
Se estrenan también:
- High School (John Stalberg, Estados Unidos, 2010)
- Sesion 1.16 (José Javier Hernán, España, 2012)
- El hombre de los puños de hierro / The Man with the Iron Fists (RZA, Estados Unidos, 2012)
- Golpe de efecto / Trouble with the Curve (Robert Lorenz, Estados Unidos, 2012)
- La vida de Pi / Life of Pi (Ang Lee, Estados Unidos, 2012): Firme candidata en las quinielas para llevarse la próxima estatuilla de los Oscar, Ang Lee dirige la adaptación del best-seller de Yann Martel y que cuenta la odisea en el océano Pacífico del joven indio Pi, único superviviente tras el naufragio del barco en el que viajaba y que transportaba los animales de un zoo de la India al Canadá. El joven no será el único superviviente ya que deberá compartir el espacio en el bote salvavidas con un tigre de bengala con el que labrará una emotiva e inesperada relación.
- Zarafa (Rémi Bezançon, Jean-Christophe Lie, Francia, 2012): Curioso es que nos llegue (por fin) este largometraje animado que tiene tantos paralelismos con la anteriormente comentada La vida de Pi. Rémi Bezançon, director de la fabulosa El primer día del resto de tu vida, se pasa al campo de la animación con la ayuda de Jean-Christophe Lie y nos cuentan la historia inspirada en un hecho histórico de Maki, un niño de diez años que ha entablado amistad con una pequeña jirafa huérfana ofrecida por el pachá de Egipto al rey de Francia Carlos X para que le ayude a liberar Alejandría de los invasores turcos. Ambos vivirán una hermosa aventura con el propósito de devolver a Zarafa al África.
- Diaz: No limpiéis esta sangre / Díaz: Non pulire questo sangue (Daniele Vicari, Italia-Rumanía-Francia, 2012): Ya en septiembre hablamos de este interesante film
que parece no podemos perdernos y que nos narra los acontecimientos de
la conferencia del G8 en Génova en el año 2001, unos días el que, según
Amnistía Internacional, sucedió la suspensión más grave de derechos
humanos desde la II Guerra Mundial en la ciudad, sólo para acoger a los
diferentes mandatarios políticos. Película que se fue con el premio del público en el pasado festival de Valladolid.
Se estrenan también:
- Astérix y Obélix: Al servicio de su majestad / Astérix et Obélix: Au Service de Sa Majesté (Laurent Tirard, Francia-Italia-España-Hungría, 2012)
- El capital / Le capital (Constantin Costa-Gavras, Francia, 2012)
- El origen de los guardianes / Rise of the Guardians (William Joyce, Peter Ramsey, Estados Unidos, 2012)
- Invasor (Daniel Calparsoro, España, 2012)
- Juan y Eva (Paula de Luque, Argentina, 2011)
- El molino y la cruz (El molino del tiempo) / Mlyn I Krzyz (Lech Majewski, Polonia-Suecia, 2011)
ESTRENOS MERCADO DOMÉSTICO:
Ya se puede adquirir El mundo es nuestro en DVD, una cinta española independiente que a duras penas se ha podido ver en alguna sala comercial a un precio irrisorio a la que hay que seguir dando apoyo, sobretodo por ofrecer una comedia distinta alejada de toda norma. Si no sois fans del colecionismo de discos también podéis disfrutarla a través de las plataformas on-line como la que nos propone Youtube.
El día 6 de noviembre y aprovechando que nos acercamos a fechas navideñas encontraremos en las estanterías Arthur Christmas, primera aproximación a la animación digital de los prestigiosos estudios ingleses Aardam, sobradamente conocidos por sus excelentes trabajos stop-motion. Arthur Christmas, más allá del simple filme de animación para niños y por sorprendente que pueda parecer es una de las películas animadas a tener en cuenta del pasado año.
Varias opciones interesante el día 14, entre ellas encontramos El Cairo, 678 / 678 cinta Egipcia basada en hechos reales y que cuenta la historia de tres mujeres que han sufrido acoso sexual y de como se convierten en heroínas que despiertan admiración y recelo en todo el país al defenderse cuchillo en mano de uno de sus acosadores. El último e impresionante documental de Werner Herzog, La cueva de los sueños olvidados / Cave of Forgotten Dreams, nos conduce a las entrañas de la cueva francesa de Chauvet, uno de los mayores tesoros de la humanidad al ser la galería de arte natural con más de 400 pinturas rupestres. Sin salirse del documental encontramos The Swell Season, un filme que encantará a los fans de Once, ya que relata la actual relación entre ambos músicos ofreciendo un estupendo relato de regocijo y confusión creada tanto por el amor como por la fama.
El 21 de noviembre llega Elena, una película del ruso Andrei Zvyagintsev, que fue galardonada en Cannes en el apartado "Una cierta mirada" con el premio del jurado, además de llevarse el premio a mejor actriz (Nadehhda Markina) en el Festival de Sevilla. El filme se centra en una mujer de avanzada edad que debe elegir entre un saludable marido y un hijo alcohólico cuya
enfermedad esta conduciendo a la familia directamente a la pobreza.
El 27 nos sorprende, casi compartiendo todavía su pase en salas, Profesor Lazhar / Monsieur Lazhar, la cinta canadiense nomianada al Oscar a mejor filme de habla no inglesa y que fue premiada en varios festivales como Toronto, Locarno o Valladolid. La película nos habla de un profesor de origen argelino y de como entra en contacto con un grupo de adolescentes de Montreal obsesionados por la muerte.
A final de mes nos llegan un par de cintas sólo aptas para fans, por un lado los fans del Batman de Nolan podrán hacerse por fin con una copia de la película El caballero oscuro: La leyenda renace / The Dark Knight Rises (Batman 3), y verla tantas veces como quiera cerrando así el ciclo del director de culto. Por otro lado, los fans de las pequeñas joyas de género pueden optar por la original y fresca Rare Exports: Un cuento gamberro de Navidad / Rare Exports: A Christmas Tale, cinta premiada en Sitges que ofrece con actitud gamberra una divertida historia podríamos decir Navideña.
OTROS EVENTOS DE NOVIEMBRE:
Empieza ya la segunda edición del Festival Film Focus, a pesar de que este año Descubrepelis no participa en el proyecto no puedo dejar de recomendaros de visitar el blog a partir del día 2 de noviembre y hasta el 11 del mismo mes. Si no conocisteis la dinámica del año pasado contaros que El festival tiene como objetivo principal el intercambio de diferentes bloggers y vloggersde
toda Latinoamérica y Habla-hispana para que puedan exponer sus ideas,
comentarios y críticas sobre cine, fortaleciendo los vínculos entre los
participantes y lectores.
Del 8 al 11 de Octubre se celebra la sexta edición de la Muestra de Cine Árabe y Mediterráneo de Cataluña, este año ofrece una mirada más reflexiva y profunda sobre el estallido de la Primavera Árabe y sus orígenes, retos y contradicciones a través de la experiencia de Túnez, punto de partida de la ola revolucionaria que hizo temblar el otro lado de la Mediterránea ahora hace casi dos años. Podéis echar un ojo al programa de las proyecciones en la Filmoteca de Catalunya (Barcelona).
Del 16 al 23 de noviembre se celebra en Bilbao ZINEBI, la 54ª edición del Festival Internacional de Cine Documental y cortometraje de Bilbao.
Segovia acoge del 14 al 20 la séptima edición de la Muestra de Cine Europeo. Las películas que se proyectar se dividen en las siguientes secciones: Sección oficial, Sección Homenaje a Cineasta Europeo, Sección de cine documental, Sección rodada en Segovia, Sección Lo Nunca Visto, La mirada necesaria y Sección país inventado.
Ya no queda nada para poder disfrutar del Festival de Cine 4+1, llamado así por su particularidad de ser celebrado en 4 ciudades hispanoamericanas y una española de forma simultánea, del 21 al 25 de noviembre. Las ciudades que acogen el festival son Bogotá, Buenos Aires, Ciudad de México, Madrid y Río de Janeiro, siendo Río la sede central de la nueva edición. Además, la sección oficial podrá ser visionada por los espectadores a través del portal Filmin, sede online del festival.
La 38 edición del Festival de cine Iberoamericano de Huelva tendrá lugar del 19 al 24 de noviembre. Trabajos procedentes de 22 nacionalidades distintas se proyectarán durante esos días en Huelva.
CICLO DE... TODOS LOS SANTOS:
Aprovechando que hoy día 1 es el día de Todos los Santos os propongo una selección de películas que vienen como anillo al dedo para poder disfrutar este día o incluso el resto del mes:
- Paranormal Activity (Oren Peli, Estados Unidos, 2007): Probablemente todos conoceréis ya una de las últimas y exitosas franquicias de terror de los últimos años, y probablemente muchos ya habréis tenido la oportunidad de ver alguna de ellas, pero lo más seguro es que los que todavía no os hayáis lanzado a su visionado es por el reparo hacía este tipo de sagas, cosa que tiene toda la lógica del mundo, pero atención... Al menos la primera parte de esta saga se presenta como un filme fresco, original y tan terrorífico que asusta al más valiente, así que os recomiendo darle una oportunidad, porqué es impensable no pasarlo de miedo con ella. - Al final de la escalera / The Changeling (Peter Medak, Canadá, 1980): Uno de los clásicos del terror injustamente más olvidados. El filme escalofriante filme de Medak no ha perdido ápice de su esencia con el paso de los años. La película cuenta como un compositor destrozado por la desgraciada muerte de su esposa e hija se dispone a vivir en soledad en un antiguo caserón, de repente sonidos nocturnos y visiones extrañas empiezan a perturbar la mente del hombre. Una de las mejores películas de casas encantadas que se han hecho nunca que apuesta por un terror suave a la vez que se apoya en una dramática y potente historia. - La casa del diablo / The House of the Devil (Ti West, Estados Unidos, 2008): Pero no todo está dicho sobre las casas encantadas y adentrarse en La casa del diablo de Ti West, uno de los artífices de esta fresca y nueva ola de terror alternativo llamada Splat Pack, es un acierto. El filme es un homenaje a ese cine de los 70-80's, una época en la que el cine de terror se convirtió en un modo de vida, el filme lo consigue gracias a su cuidada estética pero yendo más allá en su historia, que consigue aterrorizar con poco esfuerzo y de un modo tan sobrio como sorprendente. - Fear(s) of the Dark / Peur(s) du noir (Blutch, Charles Burns, Marie Caillou, Pierre Di Sciullo, Lorenzo Mattotti, Richard McGuire, Francia, 2007): Filme de episodios en que varios autores del cómic y la ilustración francesa nos llevan a lo más profundo de nuestra terrorífica mente con una serie de fragmentos en blanco y negro que juegan con las sombras de la oscuridad, poniéndose al servicio de la cinematografía. Una obra coral única que experimenta en los campos visuales más variopintos con historias como la de un hombre atrapado en una casa, niños
que desaparecen, pesadillas e insectos devoradores .
- Suspense / The innocents (Jack Clayton, Reino Unido, 1961):Una de las mejores cintas de terror de todos los tiempos, películas aclamadas por su originalidad como Los otros no son más que un atisbo de lo que podemos encontrar en este filme inglés de principio de los sesenta. Más de 50 años han pasado ya y sigue conservando la misma fuerza y el mismo terror que causó en su tiempo. Una maravilla que no hay que perderse.
- El ente / The Entity (Sidney J. Furie, Estados Unidos, 1982): Olvidada cinta de terror que se atreve a indagar en los campos de la erótica y la muerte, con unos asombrosos efectos especiales, una actuación protagonista épica y una banda sonora que acompaña a un estupendo montaje que, algo oxidado con el paso del tiempo, sigue siendo una propuesta única que pocos se han atrevido a repetir. - El más allá (Kwaidan) / Kaidan (Kwaidan) (Masaki Kobayashi, Japón, 1964): Cinta de terror que sigue los esquemas tradicionales del cine oriental, una joya para visionar con tranquilidad en la que se nos muestran diferentes leyendas folclóricas a través de una hermosas imágenes de iluminación tenue, bellas pinturas, ritmo pausado y un estupendo juego con el sonido en los momentos álgidos. Una propuesta a la que no hay que tener miedo y disfrutar con todos los sentidos.
- La habitación del niño (Películas para no dormir) (Álex de la Iglesia, España, 2006): Dentro de las variopintas propuestas de aquel proyecto de filmes de terror españoles que querían emular el éxito de las añejas Historias para no dormir, encontramos la cinta de fantasmas dirigida por Álex de la Iglesia. El filme no ofrece nada que no se haya visto antes, además de contar con un bajo presupuesto que no contribuye a mejorar la cinta, pero De la Iglesia consigue con La habitación del niño hacernos pasar un verdadero rato de terror puro. - Los 13 fantasmas / 13 Ghosts (William Castle, Estados Unidos, 1960): Cinta de serie B, carne de remake y que el tiempo no ha tratado demasiado bien. Los 13 fantasmas es una película que vista hoy produce alguna carcajada pero que no impide disfrutar de su esencia. Semilla de lo que hoy se conoce como 3D, este filme fue el primero en inventarse un juego visual (que bautizaron como Horrorvisión) en el que las imágenes salían de la pantalla. Una cinta entrañable bastante recomendable. - Frankenweenie (Tim Burton, Estados Unidos, 2012): Y despedimos con una propuesta para que vayáis al cine e incluso para disfrutar con los pequeños de la casa. El mejor Tim Burton vuelve para ofrecernos un filme nostálgico, tierno, triste y divertido al mismo tiempo. Un plantel de personajes únicos, una animación en stop-motion mimada y una banda sonora preciosa, muchos son los elementos que han conseguido que la última producción del excéntrico director sea una de sus pequeñas joyas. Y si lo preferís podéis también dar un vistazo a su semilla el cortometraje que el mismo Burton produjo como uno de sus pinitos en el cine: Frankenweenie.
Y hasta aquí lo
más destacado del mes, quién tenga más noticias que compartir ya sabe
dejarlo en los comentarios. Un saludo y no olvidéis pasaros por Descubrelapeli.
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