Hace tiempo que uno de los países que se han caracterizado por su notable producción de películas, Italia, no nos ofrece nada que destaque demasiado, de hecho parece que debemos retroceder hasta 1999 cuando la cinta de Roberto Benigni, La Vida es Bella, logró un gran reconocimiento internacional, que culminó con 3 Oscar de nada menos que de 7 nominaciones (proeza poco común para un film de habla no inglesa), y es que
este país mediterráneo siempre ha destacado por su fuerte producción
cinematográfica, cuna de artistas como Rossellini, Visconti o De Sicca
propulsores del neorrealismo. Pero desde que el tragicómico film de Roberto
Benigni vio la luz, parece que ninguna otra obra italiana ha llegado a
eclipsarnos, algo bastante extraño al pensar en la notable tradición italiana.
Es cierto que algún trabajo importante ha aparecido de vez en cuando, como por ejemplo Las consecuencias del amor (2004), Gomorra (2008), Yo soy el amor (2009), o el film que hoy nos ocupa, Le quattro volte (2010), pero son casos muy puntuales que nos hacen plantear si el problema viene de una escasa inventiva por parte de los realizadores italianos, o de la distribución que antepone el cine comercial sobre el resto.
La pel·lícula de
Michelangelo Frammartino estrenada en 2010 en su país, llegó a nuestras salas
el verano pasado, de un modo tan silencioso que se nos pasó por alto a la gran
mayoría, quedando relegada a contados cines dónde no paso demasiado tiempo en cartel. Una lastima ya que nos encontramos ante un film de lo más fresco que se atreve a romper varios esquemas y nos regala un concepto de cine distinto, muy interesante, que deberían haber disfrutado más personas.
El film arranca con un estilo documental que le acompaña durante todo el metraje, y que nos da la sensación de que nos hemos aventurado a ver un film contemplativo sobre un pastor de cabras, algo no muy original, pero va dejando en cuentagotas pequeños vestigios de ficción que hace que nuestra atención no termine de desviarse del todo, hasta que de repente, en un largo plano secuencia (uno de los más magníficos que he visto jamás), el film toma un camino que nos deja atrapados durante el resto de metraje.
La película dividida en cuatro historias, que gracias a unas fantásticas transiciones entre una y otra nos demuestra que están más relacionadas entre si de lo que en realidad pueda parecer, no recurre en ningún momento a los diálogos, a no ser que sean concebidos como un sonido más de esa maravillosa localización rural, y no por ello pierde sus momentos tiernos, cómicos, o tristes, demostrando así que el poder narrativo que puede lograrse con un cine valiente, fresco y original como este, es ilimitado, algo que pocos se han atrevido a experimentar.
Le quattro volte nos habla de los ciclos de la vida, relatado a través de las cuatro formas físicas de nuestro mundo: animal, vegetal, mineral, y el todopoderoso hombre, que es enmarcado dentro de ese circulo de la vida, donde cada elemento cuenta con su propio nivel espiritual, dándonos así un relato fabuloso, lleno de una belleza extrema, al que si le abrimos nuestra mente, nos obsequiará con un resultado que nos maravillará. Cine tan sensorial como este se agradece de vez en cuando, esperemos que nos sigan llegando de un modo más abierto trabajos así.
TÍTULO ORIGINAL Le quattro volte (The Four Times) AÑO 2010 DURACIÓN 88 min. PAÍS Italia, Alemania, Suiza DIRECTOR Michelangelo Frammartino GUIÓN Michelangelo Frammartino MÚSICA Paolo Benvenuti FOTOGRAFÍA Andrea Locatelli REPARTO Giuseppe Fuda, Bruno Timpano, Nazareno Timpano GÉNERO Drama TEMÁTICA Vida rural. Naturaleza
SINOPSIS
Una visión poética de los ciclos de la vida y de la naturaleza, de las
tradiciones olvidadas de un lugar fuera del tiempo. Una película de
ciencia ficción sin efectos especiales, que acompaña al espectador a un
mundo desconocido y mágico, para descubrir el secreto de cuatro vidas
misteriosamente entrelazadas entre sí.
PREMIOS
2010: Premios David di Donatello: 3 nominaciones 2010: Cannes: Premio Label Europa Cinemas
CRÍTICAS
+ "Una bella -aunque algo lenta- y conmovedora celebración de la vida,
bellamente fotografiada. (...) Puntuación: **** (sobre 5)"
(David Parkinson: Empire)
+ "Frammartino ha creado un film sereno y bello. (...) Puede que te
sorprendas de cómo de absorto te quedas durante 'Le Quattro Volte'.
(...) Puntuación: ***1/2 (sobre 5)" (Roger Ebert: Chicago
Sun-Times)
= "Experimento que sin ser una ficción tampoco es un documental, poesía en
imágenes despojada de cualquier aderezo formal, suicida en el apartado
comercial (...) un suplicio si no se entra en su dinámica"
(Javier Ocaña: Diario El País)
+ "Inclasificable y asombrosa película (...) Frammartino conmueve y narra
en cada uno de sus planos (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 5)"
(Sergio F. Pinilla: Cinemanía)
+ "Fábula hermosa, trascendente (...) posee impagables momentos de humor
(...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El
Periódico)
El domingo pasado entre tanto Oscar, una importante noticia pasó desapercibida para la gran mayoría, murió a los 88 años de edad Erland Josephson, actor que ha trabajado en manos de grandes realizadores europeos como Angelopoulos, Ullmann, Greenway, Tarkovsky y en especial con Bergman, siendo este uno de sus actores fetiches, y que ha participado en gran parte de su filmografía. Por ello hoy, le dedicaremos el post, ya que indudablemente hemos perdido uno de los grandes.
A pesar de que Josephson cuente con un papel secundario en este film, donde destacan por encima de todo el dúo protagonista interpretados por un perturbado Max Von Syow y una potentisima Liv Ullmann que se come literalmente la pantalla, el film de Bergman ilustra muy bien la huella que este ha dejado en los posteriores realizadores europeos como Von Trier o Polanski, por citar algunos.
Desde un punto de vista que se mueve en la brecha de lo onírico y lo real, Bergman nos cuenta su historia desde los textos que la propia esposa del protagonista nos lee, introduciéndonos así en su mente, un denso mundo de sombras, creado con la ayuda de la fotografía que tan bien ambienta Sven Nykvist, y que nos acerca al surrealismo con picardía. De este modo Bergman nos da una visión abierta de los pensamientos del artista interpretado por Von Sydow, algo que de entrada nos puede parecer denso pero que ofrece unos resultados bastante interesantes y que nos traen en mente, como hemos comentado con anterioridad, trabajos posteriores como Repulsión, El quimérico inquilino, Europa, Anticristo, Caché o El séptimo continente, trabajos que sin duda se lo deben todo a La Hora del lobo, igual que la filmografía completa de Bergman hace con otros muchos trabajos de estos y otros autores generalmente europeos.
La historia culmina en un clímax muy potente donde no sabemos si lo que sucede es real o no, donde la fuerza narrativa explota en una espiral de imágenes donde el diablo se muestra en todo su esplendor, para luego, llegar a una conclusión en forma de epílogo, donde Liv Ullmann se dirige a nosotros y nos habla, como ya hizo en el prólogo, ofreciéndonos unas palabras que no hace más que erizarnos el vello.
TÍTULO ORIGINAL Vargtimmen AÑO 1967 DURACIÓN 88 min. PAÍS Suecia IDIOMA Sueco, noruego (en algunos diálogos) DIRECTOR Ingmar Bergman GUIÓN Ingmar Bergman MÚSICA Lars Johan Werle FOTOGRAFÍA Sven Nykvist (B&W) REPARTO Max von Sydow, Liv Ullmann, Erland Josephson, Gertrud Fridh, Ingrid Thulin, Gudrun Brost, Naima Wifstrand, Ulf Johansson, Bertil Anderberg, Georg Rydeberg PRODUCTORA Svensk Filmindustri GÉNERO Drama. Terror TEMÁTICA Drama psicológico
SINOPSIS
En una isla viven los Borg: Johan, que es pintor, y su mujer Alma. Sus
vecinos, los siniestros Von Merken, poseen un círculo de amistades tan
escalofriante que Johan comienza a obsesionarse con la idea de que los
demonios lo acechan...
PREMIOS
1969: National Board of Review: Mejor actriz (Liv Ullman).
1969: National Society of Film Critics Awards: Mejor director.
CRÍTICAS
+ "'La hora del lobo' no es una de las más grandes películas de Bergman, pero es impensable no verla para cualquiera que esté interesado en el cine." (Renta Adler: The New York Times)
+ Sin abandonar la metafísica, pero diversificando sus perspectivas,
Bergman sigue interrogándose sobre el sentido de la existencia.
Abandonando sus obsesiones trascendentes, plantea sus dudas desde un
plano más llano. La imposibilidad de que el arte sirva para reconciliar
al hombre con su entorno es el eje vertebrador del film. A partir del
mismo construye una historia de ricas implicaciones y compleja
intensidad. **** de 5. (Fotogramas).
+ Cine de gran altura; de una fuerza y de un magnetismo e intensidad tan grande como el realizado por Buñuel o Fellini.
Aunque es una película de terror, también es una película reflexiva
que propone muchas cuestiones que crean tanta angustia como el mismo
ingrediente terrorífico del film. (Replicante: El séptimo arte)
+ Una obra maestra absoluta en la que el cineasta sueco reflexiona sobre
las relaciones destructoras que se establecen entre el artista y su
insaciable público. (Ricardo Pérez: AlohaElcriticón)
FRASES
* "La hora del lobo es el momento entre la noche y la aurora cuando la
mayoría de la gente muere, cuando el sueño es más profundo, cuando las
pesadillas son más reales, cuando los insomnes se ven acosados por sus
mayores temores, cuando los fantasmas y los demonios son más
poderosos..."
Vamos hoy con el resumen de los Oscar, que es lo que toca. Tras una gala descafeinada que sigue el camino de las últimas ediciones, dónde ni uno de los clásicos y más divertidos presentadores, Billy Crystal, consiguió salvarnos del aburrimiento. Una lástima que hayan decidido dejar de lado los vídeos y números espectaculares, que pueden gustar más o menos, pero que no dejan de ser entrañables y nos divierten, ni siquiera nos ofrecieron una actuación en la categoría de mejor canción, y eso que tan solo tenían a dos nominadas. Increíble... Pero bueno, vayamos con lo interesante, el palmarés:
A pesar de que de las nominadas, que he tenido oportunidad de ver, es de mis favoritas, tal cantidad de abuso en su promoción han convertido a esta entrañable película en una obsesión cansina, algo que ha hecho que deje de lado el recuerdo inicial y le haya cogido algo de rabia, de todos modos, me parece la mejor opción. Es curioso además que una industria como la Hollywoodiense se atreva a premiar un film europeo a mejor producción, por mucho que cuente con capital americano, es algo que no ha sucedido en muchas ocasiones, y dicta mucho de los últimos trabajos que nos llevan de ese viejo nuevo mundo. El problema reside en que este premio, y muchos otros, tendría que haber sido para la maravillosa Drive, un trabajo mucho más atrevido y fresco que la francesa The Artist, pero los académicos sienten predilección por lo clásico, como nos vienen demostrando hace años.
Por
su original trabajo merecía este premio, si no fuese porque entre los
candidatos también teníamos al señor Martin Scorsese, con lo cual ha
sido un galardón complicado, es cierto que todos los nombres eran altos
nombres, excepto Malick, que a pesar de haber logrado un film
interesante con El árbol de la vida, no deja de ser pedante a más no poder, así que es difícil elegir un favorito entre esos nombres de altura.
Duelo entre el y George Clooney, y aunque el papel de Gary Oldman en el Topo también era premiable no entraba en las quinielas generales, el premio fue finalmente para el francés que hace un excelente trabajo en The Artist, aunque hay que reconocer que quien hizo el mejor trabajo de actuación en ese film fue Uggie el perro, por favor, Oscar para él. De todos modos en el palmares echamos de menos nombres como Ryan Gosling en su tremendo papel en Drive, o a Michael Fassbender que hizo una atrevida actuación en Shame, este último film ignorado por completo por los académicos a causa de su tonta polémica.
MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL:
Meryl Streep
Por La dama de hierro
Por fin Meryl Streep se lleva su tercer Oscar después de... ¿cuantas nominaciones? ¿Alguien sigue con la cuenta? ¿17? Bueno, pues basta ya, ya tiene su estatuilla, por favor, no más nominaciones, todos sabemos que es una actriz camaleonica y estupenda, dejar algo para el resto. En esta categoría, quien verdaderamente merecía su premio era Glenn Close, que a pesar de que Albert Nobbs pueda ser un film un tanto descafeinado para muchos, su trabajo es una maravilla. A pesar de ello, sus otras compañeras tampoco han hecho un mal trabajo, por ello ha sido un premio donde ha sido complicado elegir favorita.
Octavia hace un trabajo excelente en este agradable melodrama, poco en contra puedo añadir a este galardón, de hecho, el reparto femenino al completo es una joya, lo mejor que nos puede ofrecer esta película, un premio al mejor reparto coral quizás seria una buena idea para cuando hay trabajos como este. Entre las nominadas, todas ellas fantásticas, faltaba un nombre clave: Carey Mulligan, su trabajo en Drive es excelente, pero el que hace en Shame es simplemente insuperable, nuevo tirón de orejas a la academia.
MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA:
Nader y Simin, una separación
Jodaeiye Nader az Simin (Nader and Simin, a separation)
¿Alguna duda de que la cinta iraní se iba a quedar sin el merecido premio? Ninguna. De todos modos poco puedo decir de esta, una de las más interesantes categorías de los Oscar, ya que no ha sido ver sus candidatas todavía, de entre ellas encuentro sumamente interesante la canadiense Profesor Lazhar. Esperemos que la podamos disfrutar pronto en nuestras salas.
Sorpresa y alegría mayúscula, no esperaba para nada este fabuloso resultado, del que sólo puedo decir: ¡Gran decisión!
MEJOR GUIÓN ADAPTADO:
Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash
Por Los descendientes
A pesar de ser una de las favoritas, Los descendientes ha tenido que conformarse tan sólo con este premio, por el cual debe sentirse orgullosa, superar a otros trabajos como el de La invención deHugo o El topo no es tarea fácil.
MEJOR MONTAJE:
Kirk Baxter, Angus Wall
Por Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
Cuando todo el mundo pensaba que La invención de Hugo se quedaría con todos los premios técnicos de repente, la película de Fincher le arrebató uno de los más importantes galardones de esta categoría dejando a todo el mundo boquiabierto, y es que ya es conocido los resultados excelentes en este ámbito que consiguen todos los trabajos de David Fincher, con lo cual es un premio merecidisimo. De todos modos, es inevitable que vuelva a invocar a la fantástica Drive, una candidata excelente para este premio.
MEJOR FOTOGRAFÍA:
Robert Richardson
Por La invención de Hugo
Primer premio entregado en la noche, y que habría la veda para que el film de Scorsese se quedara con todo lo técnico, por momentos parecía que no escucharíamos más nombres durante toda la gala que Hugo, Hugo y Hugo, finalmente eso no fue así, y se tubo que conformar con 5 de las estatuillas que ha logrado sobretodo gracias a su buena mano con el 3D. De todos modos, las otras candidatas eran igual de buenas para este puesto.
La estupenda banda sonora de The Artist no se hizo de rogar a la hora de recibir este galardón, un trabajo excelente que no fue desbancado ni por el mismísimo John Williams, nominado por Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio.
Una lástima que una vez más Alberto Iglesias, se quede sin recibir el
premio por el que tantas veces ha sido nominado, tendremos que esperar
un año más.
MEJOR CANCIÓN:
Bret McKenzie (Man or Muppet)
Para Los Muppets
Un año con tan solo dos nominadas, donde Disney se lleva uno de los premios que difícilmente suele perder. La otra candidata Real in Rio de la película Río es tan agotadora que la decisión de premiar la canción de los Teleñecos ha sido la más acertada.
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA:
Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo
Por La invención de Hugo
Los entrañables y fabulosos decorados ambientados en los años 30 que nos regala La invención de Hugo son una maravilla, así que era imposible que este premio terminase en manos de otra candidata.
MEJOR VESTUARIO:
Mark Bridges
Por The Artist
Un premio que siempre he pensado que debe ser de difícil elección, ya que todas las candidatas son tan dispares que elegir a sólo una es una locura. En este caso The Artist se antepone a La invención de Hugo, dos films que compartían década, y con lo cual podían tener una lucha más cercana.
MEJOR MAQUILLAJE:
Mark Coulier, J. Roy Helland
Por La dama de hierro
Sin duda un buen trabajo que consigue un resultado impresionante al hacer que Meryl Streep envejezca de un mudo tan natural que impresiona, ¿pero es mejor que el trabajo en Albert Nobbs? Es discutible. De todos modos, dar el premio a la última entrega de Harry Potter hubiese sido una despedida loable a una saga tan taquillera y que ha dado tanto a la industria estadounidense, un fallo para ellos.
MEJOR SONIDO:
Tom Fleischman, John Midgley
Por La invención de Hugo
En esta categoría, y lo digo sin haber visto todavía el trabajo de Scorsese, quizás era el momento de dejar de castigar al trabajo de Spilberg y premiarlo con al menos una estatuilla muy merecida, como ya comenté en su post, lo mejor de War Horse (Caballo de batalla), a parte de la interpretación del equino, era su sonido, un trabajo realmente impresionante. Habrá que ver La invención de Hugo para decidir quién de los dos lo merecía realmente.
MEJORES EFECTOS SONOROS:
Philip Stockton, Eugene Gearty
Por La invención de Hugo
¿Única nominación de Drive en los Oscar y no lo gana? Una broma sin duda alguna.
MEJORES EFECTOS VISUALES:
Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman, Alex Henning
Por La invención de Hugo
Una vez más para Hugo, en esta ocasión ser el mejor trabajo echo jamás en 3D le ha hecho merecer este premio sin dudar ni un momento. ¡Y que se fastidie Avatar!
Otro resultado que no distinto a Rango, hubiese sido un insulto a toda inteligencia, y es que Rango es con diferencia el único film de animación que realmente cabe destacar de este año en cuanto a animación. Lo sentimos por Chico & Rita que sorprendentemente ha hecho mucho en llegar hasta donde ha llegado, y aunque muchos lo nieguen, el trabajo de Trueba y Mariscal es una obra sumamente sobrevalorada de la que solo hay que reconocerle un agigantado paso en la animación para nuestro país. Igual pasaba con Un gato en París, un film entrañable, pero que sólo quedaba en eso, entrañable, con una animación, eso si, maravillosa. De las otras nominadas, ambas trabajos de la Dreamworks, me ahorraré cualquier comentario hacia ellas, ya que simplemente serian ofensivos y no logro comprender que hacían ahí.
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN:
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
En esta ocasión pocas de las candidatas hemos podido ver (esta y Dimanche). Principalmente apostaba por el trabajo de Pixar: La luna, esperando así que el fabuloso estudio que año tras año ha logrado sorprendernos a todos, no se quedara en la mediocridad este año con su Cars 2, pero como tampoco he podido verlo, me quedo con la ganadora, que a pesar de sus altas dosis de azúcar no deja de ser muy entrañable.
MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL:
Undefeated
¿Un documental sobre fútbol americano ha conseguido superar a la Pina de Wim Wenders? ¿O incluso a la tercera y última parte de la interesante Paradise Lost? Bien, habrá que echarle un ojo a pesar de que toque un tema tan poco interesante para entender este premio, aunque el trailer no promete demasiado.
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL:
Saving Face
Sin haber visto ninguno de los trabajos que optaban a esta categoría, sin duda alguna Saving Face parece el más interesante y duro. Debemos verla.
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN:
The Shore
Como pasa con la mayoría de candidatas a cortometraje sea ficción, documental o animación, no hemos podido ver a casi ninguna de las candidatas, por lo que es complicado elegir una favorita. Realmente hay que valorar que pasa con los cortometrajes, y de que manera hay que darles cabida en los circuitos comerciales, ¿si realmente no van a dejar que los veamos ahí porqué no los podemos disfrutar abiertamente como si de un regalo se tratase? Hay cosas difíciles de comprender en esta industria descabellada.
A todo esto, a parte de las ya comentadas Drive o Shame, quedan muchas otras películas en el tintero, que han sido relegadas a pocas nominaciones como Beginners, Los idus de Marzo o Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio, o directamente sin ser ni siquiera nombradas en ningún galardon, grandes olvidadas como: Un método peligroso, Un dios salvaje, J. Edgar, Super 8, Tenemos que hablar de Kevin, Tyrannosaur, El niño de la bicicleta, Melancolía, Declaración de guerra, La piel que habito, El Havre, Arrugas, El gato del rabino, Senna... ¿En que estaban pensado los académicos? Son misterios que jamás podremos entender...
Pocas sorpresas podíamos esperar anoche en la entrega de los premios César (los premios de la academia de cine francesa), ya que entre las nominadas a mejor película se encontraba la imparable The Artist, por lo tanto, y a pesar de que entre las nominadas había una calidad excelente, el premio estaba vendido incluso antes de conocer las candidatas.
Entre ellas se encontraba Declaración de guerra, film que a pesar de sus seis nominaciones se fue injustamente de vació.
Con una historia que de entrada nos puede parecer ñoña e incluso maniquea, el film esquiva esos feos adjetivos sorprendiéndonos con maestría y atrapándonos en su espiral cinética sin que podamos apartar la mirada ni un segundo de la pantalla.
Destacamos por encima de todo su alocado montaje, que podríamos definir como fresco, arriesgado y atrevido, que juega con elementos que de entrada pueden resultar visualmente grotescos, pero que en conjunto consiguen mimetizarse de un modo sorprendente con lo que nos están contando y reforzar las emociones de sus protagonistas, es difícil encontrar una película que consiga ese efecto con tan solo sus imágenes y además combinarlo con una banda sonora igual de potente.
Su directora ha sabido sacar el mejor jugo a su trabajo, y es que si cogemos una historia como esta, y además la mezclamos con lo antes mencionado, es inevitable un resultado distinto: una montaña rusa de emociones para nosotros, que hace que pasemos de las lagrimas a la risa en décimas de segundo, nos erice la piel, y nos deje dispuestos a sus deseos.
Valérie Donzelli, además de dirigir y escribir su obra se atreve a encarnar el papel protagonista, y simplemente no puede hacerlo mejor, un despliegue en su actuación que además refuerza su compañero Jérémie Elkaïm, que tanto en conjunto, como por separado están soberbios. A ello hay que añadir que la idea surge de una vivencia propia de Donzelli, y sin duda, ha sabido transmitirnos esa vivencia a la perfección. Escribe un guión con unos diálogos sencillamente envidiables y nada sobrecargados, con unas frases que quedaran grabadas en nuestra mente por mucho tiempo.
Es una suerte que las producciones de nuestro país vecino nos lleguen con tanta facilidad, regalos como este es mejor no perdérselos, por ello os recomiendo que no la dejéis escapar el tiempo que continué en las salas, ya que pocas veces os veréis durante los créditos de una película, pegados a una butaca intentando asimilar tal vivencia emocional. Fantástica.
TÍTULO ORIGINAL La guerre est déclarée AÑO 2011 DURACIÓN 100 min. PAÍS Francia
IDIOMA Francés DIRECTOR Valérie Donzelli GUIÓN Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm MÚSICA Pascal Myer FOTOGRAFÍA Sébastien Buchmann REPARTO Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, Gabriel Elkaïm, César Desseix, Brigitte Sy, Elina Löwensohn, Michèle Moretti, Phillipe Laudenbach, Bastien Bouillon, Béatrice de Staël, Anne Le Ny, Frédéric Pierrot PRODUCTORA Wild Bunch Distribution / Rectangle Productions GÉNERO Drama. Romance
TEMÁTICA Familia. Enfermedad. Amistad
SINOPSIS
Una pareja, Roméo y Juliette. Un niño, Adam. Un combate, la enfermedad. Y, sobre todo, una gran historia de amor, la suya...
PREMIOS
2011: Premios Cesar: 6 nominaciones, incluyendo mejor película y director 2011: Festival de Gijón: Mejor película (ex-aequo), actriz (Donzelli) y actor (Jérémie Elkaïm)
CRÍTICAS
+"Gran ejemplo de cómo un drama personal puede convertirse en un filme
universal. Sin alharacas ni adocenamientos (...) un metraje que jamás
decae en su ritmo y en sus notas de humor." (Gregorio
Belinchón: Diario El País)
+ "Una historia que levanta ampollas, que acongoja y, perdón, ante la que
no se puede apartar la vista, repleta de lágrimas. Es una tortura. Es
una maravilla" (Javier Ocaña: Diario El País)
+ "Al exquisito trabajo como actores de Valérie Donzelli y Jérémie Elkaïm
cabe añadir el nivel narrativo de su directora. Ajena a la emoción fácil
o el maquillaje dramático (...) Puntuación: **** (sobre 4)"
(Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)
+ "Los hallazgos de 'Declaración de guerra' están en el tono y el punto de
vista (...) Cuesta pensar en una película sobre la muerte más feliz que
ésta (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Diario
La Razón)
+ "Por momentos la película juguetea con lo burlesco, pero nunca pierde de
vista su grave trasfondo. Se diría que el film no puede evitar sonreír
ante la nobleza de sus personajes, y nunca se cansa de abogar por un
cine exuberante y moderno (...) Puntuación: **** (sobre 5)"
(Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)
+ "Uno pierde la cuenta del número de saltos sin red que se arriesga a
pegar Valérie Donzelli (...) juega con todos los recursos
cinematográficos, olvidándose gozosa de la propensión al cinismo del
público malencarado y siendo libre de verdad (...) Puntuación: ****1/2
(sobre 5)" (Daniel De Partearroyo: Cinemanía)
CURIOSIDADES
- Ha sido la película seleccionada por Francia para ser representada en los Oscar este año.
Quizás este haya sido un año pobre en cuanto al nivel de las producciones animadas, para ello sólo debemos echar un vistazo a las nominadas de los Oscar (aunque no sirva de mucha referencia, ya que hay grandes olvidadas, y otras que no podremos entender jamás que hacen ahí), pero de entre tanta mediocridad tenía que ser imposible no encontrar alguna que mereciese la pena, esa una es Rango.
Hasta ahora, la Paramount, nos ha ofrecido un catálogo animado muy puntual, pero este año, y no solo por haber sabido aprovechar el marketing para promocionarla usando la voz de Johnny Deep en el doblaje del protagonista, sino también por apostar por una película tan potente como esta, abofetea a los dos grandes estudios dedicados al dibujo en Hollywoodland y a sus pobres películas de este año, por una parte la hasta ahora insuperable Disney-Pixar, que nos ha regalado su primer fracaso (Cars 2), y la menos apreciable Dreamworks (Kung Fu Panda 2, El gato con botas). Gracias a ello, los añejos estudios con el logotipo montañés han decidido crear su propia división animada, que nos traerá una película cada año a partir de 2014, esperemos que su camino siga la estela de esta primeriza Rango.
Gore Verbinski, se ha hecho popular por su saga Piratas del Caribe, y a pesar de ya haber rodado un film destinado principalmente a un público infantil (Un ratoncito duro de roer), es la primera vez que se atreve con la animación, y con esta novedad, ha conseguido sin duda (y que me perdonen los fans de la saga de los piratas) su obra maestra.
Rango es la original historia de un camaleón algo alocado que a causa de un accidente termina perdido en medio del desierto, a partir de ahí se verá envuelto en una aventura al más puro estilo Western. Y este es el mayor acierto del film, atreverse a mezclar dos géneros que sólo se han visto conjuntados en muy contadas ocasiones. La primera vez que alguien se atrevió a semejante ocurrencia fue con Johnny y Clementina en el Oeste (West and Soda) un Spaghetti Western italiano de los animadores más reconocidos de ese país, Brunno Bozzetto. A partir de ese punto pocas veces más hemos podido ver juntos estos dos campos del cine, entre los que también hay que remarcar las adaptaciones de las historietas franco-belgas de Morris, Lucky Luke.
La película cuenta con todas las características de su género, haciendo énfasis en ellas y mezclandolas con un tono de comedia fabuloso, dónde la imaginativa de Verbisnki y sus compañeros alcanza un nivel soberbio, que se ve reflejado en su historia, sus variopintos personajes, y la ayuda de una divertida banda sonora. En Rango, podemos apreciar sin duda alguna, un amor absoluto hasta el género del oeste.
Sus jocosos diálogos ya nos dan el aviso: este no es un film para niños, que también pueden verla sin problema alguno si sus padres no se escandalizan por oír algún chiste con la palabra coj*nes de por medio, claro... Padres del mundo, seguramente vuestros hijos ya conocen vocablos de esa categoría, así que tranquilos, disfrutar relajados de la película. Unos diálogos que van In crescendo minuto a minuto hasta su crepuscular final (evidentemente, en un film de estas características no podía faltar un atardecer con jinete galopando), que nos hacen pasar un rato absolutamente fantástico. Fabuloso también es en el guión, el guiño a la crisis económica que estamos viviendo dónde en su enfoque no falta las corrupciones de los altos cargos y las especulaciones, lástima es que solo sea en la ficción, donde podemos ver que estos reciben su merecido.
En su apartado técnico cuenta con una animación impresionante, su realismo y su diseño de decorados y fotografía es simplemente una maravilla, es sin ninguna duda de los mejores trabajos en esta categoría y consigue ponerse a la altura de películas como la maravillosa Wall-E.
Ahora solo queda esperar, que tras el incomprensible olvido de otras películas como por ejemplo Tintín, el desacierto de los académicos de colocar en la lista de nominadas a las dos producciones exprime franquicias de Dreamworks (El gato con botas y Kung Fu Panda 2), Rango se alce con su merecido galardón. (Chico & Rita ya ha hecho bastante camino por llegar donde ha llegado, y Un gato en París no deja de ser un trabajo entrañable).
No os perdáis Rango, pocas veces podréis disfrutar de un trabajo similar.
TÍTULO ORIGINAL Rango AÑO 2011 DURACIÓN 107 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, español (puntualmente) DIRECTOR Gore Verbinski GUIÓN John Logan (Historia: James Ward Byrkit, Gore Verbinski) MÚSICA Hans Zimmer
VOCES ORIGINALES Johnny Depp, Isla Fisher, Abigail Breslin, Ned Beatty, Alfred Molina, Bill Nighy, Timothy Olyphant, Stephen Root, Harry Dean Stanton, Ray Winstone, Ian Abercrombie, Gil Birmingham, James Ward Byrkit PRODUCTORA Paramount Pictures / Nickelodeon Movies / Blind Wink / GK Films GÉNERO Animación. Comedia. Western. Aventuras TEMÁTICA Spaghetti Western. Animales. Crisis económica. Corrupción
SINOPSIS
El actor Rango es un solitario camaleón que vive en la inmensidad del
desierto Mojave. Quiere ser un representante de la ley en un sediento
pueblo llamado Dirt, pero enseguida se da cuenta de que hay una gran
diferencia entre actuar y vivir la vida real, así que no tiene más
remedio que enfrentarse a algunos aspectos de su identidad y aprender el
significado y el valor de la amistad. Su misión consistirá en descubrir
la conspiración que está detrás de la desaparición del agua en el
pueblo.
PREMIOS
2011: Premios Annie: Mejor película, guión, montaje, diseño de personajes. 9 nominaciones 2011: Oscar (Pendientes de entrega): Nominada a Mejor largometraje de animación 2011: Premios BAFTA: Mejor película de animación 2011: Globos de Oro: Nominada a Mejor largometraje de animación 2011: National Board of Review: Mejor película de animación 2011: Premios de la Crítica de Washington (WAFCA): Mejor película de animación 2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor largometraje de animación 2011: Critics Choice Awards: Mejor película de animación
CRÍTICAS
= "Una animación para niños sobre los buenos, los malos y los feos bichos
del desierto (...) Nunca has visto nada como 'Rango' (...) Puntuación:
**1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
+ "Una exuberante y audaz carta de amor al spaguetti western, enmascarada
como unos dibujos infantiles. Y funciona deliciosamente en ambos
niveles" (Colin Covert: Minneapolis Star Tribune)
+ "'Rango' es una especie de milagro: una comedia animada para
espectadores inteligentes maravillosamente hecha, con un gran apartado
visual, perversamente satírica y (¡por fin!) rodada en glorioso 2-D
(...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago
Sun-Times)
= "Su mejor baza es su garbo visual. Lástima que la comedia consistente y
la resonancia emocional se pierdan entre el polvo y los cactus (...)
Puntuación: **1/2 (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)
+ "Una de las más extrañas -y fascinantes- producciones de animación
digital surgidas al margen de Pixar (...) elaborado humor (...)
sorprendente diseño de personajes" (Jordi Costa: Diario El
País)
+ "Más rara que un perro verde pistacho (...) 'Rango' va a su feliz aire
(...) Igual espanta a algunos críos pero, ¿qué más da? (...) Puntuación:
*** (sobre 5)" (Javier Cortijo: Diario ABC)
+ "Deslumbrante virguería (...) La trama se queda corta, pero el
divertimento está bien salpimentado" (Jordi Batlle Caminal:
Diario La Vanguardia)
+ "Un divertimento que disfruta potenciando la excentricidad de su fauna y
flora, con un impecable diseño de personajes y unas secuencias de
acción que quitan el hipo" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)
+ "Un arranque que parece escrito bajo los influjos del peyote (...)
Verbinski despliega un universo imaginativo y una galería de secundarios
originalísimos, únicos (...) Puntuación: **** (sobre 5)"
(Manuel Piñón: Cinemanía)
CURIOSIDADES
- Cuando Rango esta rebotando entre coche y coche al final llega hasta el
coche de un hombre con sombrero, gafas y un cigarro. Ese es un claro
homenaje a su papel en ¨Miedo y asco en Las Vegas¨ en el que interpreto a
Raoul Duke.
- Todas las escenas de la película fueron rodadas con actores.
Posteriormente los animadores se basaron en esas grabaciones para el
montaje del film.
- La animación fue realizada por la compañía de efectos especiales Industrial Light & Magic, siendo la primera vez que la compañía realiza la producción completa de una película de animación en 35 años.
- Su teaser trailer ha sido considerado "de los mejores que jamás se han visto" por parte de la crítica.
