MUERTOS Y ENTERRADOS

Del 9 al 18 de este mes se celebra la 48 edición del Festival Internacional de cine Fantástico de Catalunya (Sitges), y como viene siendo costumbre aprovecho esta semana para reseñar alguna cinta del género fantástico para que los que no podáis asistir al evento os marquéis vuestro propio ciclo en casa. De momento hoy tenemos Muertos y enterrados, cinta de culto que en el momento de su estreno pasó desapercibida en nuestro país, pero que a día de hoy se ha convertido en una cinta clave para los fanáticos del terror y en especial de la serie B.

Potters Bluff es un pequeño pueblo costero en el que una serie de extrañas muertes ponen en alerta a Dan, el comisario de la zona. Todos los fallecidos son visitantes, y todos presentan enormes muestras de violencia.

Muertos y enterrados parte ya de un arranque espeluznante que le da al filme un tono que mantiene durante toda la cinta y en ningún momento pierde fuelle. La película de Gary Sherman -director conocido especialmente por esta producción y la tercera parte de la saga fundada por Tobe Hooper y Steven Spielberg, Poltergeist III (Fenomenos extraños III) (1988)-, se construye a través de una trama que mantiene la incógnita hasta el final, y aunque el tiempo la haya hecho envejecer de mala manera y hoy es más probable que no nos sorprenda su desenlace, sigue siendo original y atrevida, especialmente si tenemos en cuenta que construye su trama a través del zombi más clásico, alejado del inmundo icono que nació a raíz del filme de George A. Romero: La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead; 1968), y que impera hoy en día.

Los personajes que aparecen en el filme, están realmente bien tratados y cuentan con una evolución bien realizada y acorde con el entramado del filme. Así nos encontramos con un estupendo James Farentino que da vida a nuestro sheriff protagonista y dónde destaca especialmente Jack Albertson, encarnando a un excéntrico forense, esencial en el estupendo desenlace de la película.

Otro de los puntos fuertes de Muertos y enterrados es sin duda el maquillaje y los efectos especiales, que lejos de reforzar un cine de casquería, se tornan espeluznantes y totalmente acertados, un resultado más que notable para un filme nacido de las entrañas de las producciones de serie B.

La película de Gary Sherman sigue siendo hoy en día una película que cualquier fan del género debe explorar, pues en ella encontrará un trabajo más que aceptable y entretenido, en el que el disfrute se encuentra en la trama, y no en los en la gratuidad que podríamos encontrar en el gore. Aunque lejos de las grandes obras de terror de su época, Muertos y enterrados es una cinta que no decepciona.

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TÍTULO ORIGINAL Dead & Buried AÑO 1981 DURACIÓN 92 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Gary Sherman GUIÓN Dan O'Bannon, Ronald Shusett (Historia: Jeff Millar, Alex Stern) MÚSICA Joe Renzetti FOTOGRAFÍA Steven B. Poster REPARTO James Farentino, Melody Anderson, Jack Albertson, Robert Englund, Barry Corbin, Lisa Blount PRODUCTORA AVCO Embassy Pictures

GÉNERO Terror. Intriga. Ciencia ficción

TEMÁTICA Vida rural (Norteamérica). Policíaco. Película de culto. Zombis. Serie B

SINOPSIS

En la pequeña y tranquila población de Potters Bluff ocurren una serie de extraños fallecimientos. Los muertos son forasteros, y todos ellos presentan señales de violencia. Dan, el comisario, investiga estos sucesos casi en solitario, ya que el forense, que podría aportar alguna pista sobre el caso, se entrega más a la tarea de reconstruir los cuerpos que a la de buscar las pruebas que el investigador necesita. De los mismos escritores que "Alien".

PREMIOS

1982: Academia de cine de Ciencia ficción, Fantasía y Terror, USA: Nominada a mejor película y mejor maquillaje.

CRÍTICA

+ "Un film de culto, que enfoca su punto de partida con singularidad y cuya realización garantiza una envolvente atmósfera no exenta de rareza. Elementos que parecen caprichos para los amantes del terror de serie B, personajes cuyo diseño derrocha imaginación y detalles inusitados completan un total que deleitará a cualquier seguidor del género." (Beatriz Maldivia: Blog de cine)

+ "Sherman no es el mejor director de la historia y desde luego se nota, pero se muestra extraordinariamente competente a la hora de crear una historia de tensión creciente y constante que hipnotiza y agarra al espectador para no soltarle hasta su magnífico, impactante y sorprendente final." (Mr Sambo: Cinemelodic)

- "Pese a sus buenos momentos decepciona para convertirse en un quiero y no puedo." (Herman Master: Cine de los 80)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,2		6,6
NOTA MEDIA: 6,4

TRAILER

VER TAMBIÉN

EL CLUB

"Y vio Dios que la luz era buena, y separó a la luz de las tinieblas”.

Génesis 1:4

Un grupo de antiguos curas vive aislado en una casa situada en un pequeño pueblo costero bajo la atenta mirada de la hermana Mónica, donde conviven para purgar sus pecados. Su vida transcurre pacífica hasta la llegada de un nuevo padre que hará tambalear su pacífico y cerrado estilo de vida.

No es la primera vez que Pablo Larraín presenta comunidades coercitivas en las que solo pueden nacer monstruos, pero si es la primera vez que abandona la dictadura chilena de Pinochet como eje narrativo para centrarse en la dudosa moralidad de la santa iglesia, e internacionalizando así su discurso.

Se crea en El Club, una atmósfera opresiva gracias a una fotografía de luz naturista y unos arriesgados enfoques en los que la profundidad de campo queda difusa y no nos deja ver más allá, pero crea nitidez en los planos cercanos donde el discurso de los personajes suele ser esquivo en palabras pero intenso en pensamientos.

Como bien indica el epígrafe extraído del Génesis que aparece al inicio del filme (y que podéis leer al principio de esta reseña),  nos encontramos ante una película sobre la oscuridad que se esconde tras la luz.
Los personajes representan los peores pecados de la moral y con ellos el cinismo de una iglesia corrompida que decide crear su propia -y divina- ley para castigar a sus miembros descarriados, invitándolos a un retiro espiritual. Y los de ésta nueva iglesia de imagen supuestamente renovada, que presenta los mismos síntomas que la antigua, demostrando como lo carcomido, difícilmente puede arreglarse.

El Club es una película sobre el mal, y quizás no haya mejor protagonista para representarlo que la propia iglesia. A través de unos personajes que deberían presentar culpa y remordimiento, pero en vez de eso luchan con la negación por bandera y prefieren las actividades lúdicas a las de purga eclesiástica.

Larraín nos ataca con un filme frío, sórdido, escalofriante e incluso violento, pero como el mejor Haneke, alejado del espectáculo. Nos incomoda con las verdades que subyacen en nuestros pensamientos en contra de la moral socialmente aceptada.
La mejor herramienta para conseguirlo son los actores que dan vida a unos personajes muy bien trazados, en los que destacan el grupo de "curitas" y los fantasmas que les persiguen, especialmente el padre Vidal (Alfredo Castro); la hermana Mónica, a la que Antonia Zegers encarna como uno de los personajes más siniestros escondidos detrás de la bondad; Sandokan (Roberto Farias), un hombre ambivalente que representa los mayores temores de nuestros protagonistas y que se ve incluso más atrapado que ellos; y por último el personaje de Marcelo Alonso, ese padre que se postula como paladín del bien y que no tardará en representar aquello por lo que está en contra.

Definitivamente la película elegida por Chile como representante a los Oscar es una simple maravilla. Así lo atestiguan algunos de sus galardones, en especial el del gran premio del jurado concedido en Berlín.
Así que no tardéis en ir al cine a dejaros asfixiar por la última película de Pablo Larraín, cine así solo se conjura muy de vez en cuándo en nuestras salas.

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TÍTULO ORIGINAL El Club AÑO 2015 DURACIÓN 98 min. PAÍS Chile IDIOMA Español DIRECCIÓN Pablo Larraín GUIÓN Guillermo Calderón, Daniel Villalobos, Pablo Larraín FOTOGRAFÍA Sergio Armstrong REPARTO Roberto Farias, Antonia Zegers, Alfredo Castro, Alejandro Goic, Alejandro Sieveking, Jaime Vadell, Marcelo Alonso PRODUCTORA Fabula

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Religión. Abusos sexuales. Vida rural. Drama psicológico

SINOPSIS

Cuatro hombres conviven en una retirada casa de un pueblo costero, bajo la mirada de una cuidadora. Los cuatro hombres son curas y están ahí para purgar sus pecados. La rutina y tranquilidad del lugar se rompe cuando llega un atormentado quinto sacerdote y los huéspedes reviven el pasado que creían haber dejado atrás.

PREMIOS

2015: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado
2015: Festival de San Sebastián: Sección oficial competitiva ("Horizontes Latinos")
2015: Premios Fénix: 9 nominaciones incluyendo Mejor película y director

CRÍTICA

+ "No sólo el mejor, más cruel y más divertido a la vez, trabajo [de Larraín] sino que comparte con obras como 'Saló o los 120 días de Sodoma', de Pasolini, o 'Funny games', de Haneke, la virtud del 'shock'." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "En lo que va de festival [Berlín 2015] es la película más desagradable, perturbadora, terrorífica y hostil. (...) Es mejor no contar lo que ocurre (...) y sí el coraje y las ganas de tocar las narices de Larraín, de hundir el dedo en la llaga" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

+ "'El club' es dura y áspera, destila necesaria mala leche, inteligencia, sarcasmo, claustrofobia y violencia interna, te remueve lo que ves, lo que escuchas y lo que imaginas." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "'El Club' alcanza tal nivel que perfección que, por momentos, duele verla (...) Una de las mejores películas del año" (Carlos Loureda: Fotogramas)

+ "Es un filme complejo, que se mueve con maestría en una zona de penumbra moral, como el drama que explica. (...) Un drama con toques de humor negro" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Es un trabajo sorprendente y que llama a la reflexión, por parte de un director que nunca ha optado por el camino fácil, confirmando a Larraín como uno de los talentos más auténticos del cine actual." (Jordan Mintzer: The Hollywood Reporter)

+ "Es a la vez un thriller apasionante, una incendiaria crítica social y una cáustica fábula moral." (Jessica Kiang: Indiewire)

+ "Respuesta incisiva y psicológicamente compleja a los múltiples abusos de la iglesis Católica (...) Maestro de la atmósfera sucia, Larraín demuestra aquí un feroz dominio como cineasta." (Scott Foundas: Variety)

+ "Fabulosa quinta película de Larraín (...) Incluso en la oscuridad, su humor mordaz brilla como una cuchilla. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Ryan Gilbey: The Guardian)

+ "Esta mezcla sorprendente, áspera e inteligente, de un tema muy serio con un enfoque de comedia negra, catapulta a Larraín a la primera fila de los cineastas internacionales." (Neil Young: Indiewire)

+ "Para fans del cine que experimenta y arriesga. (...) Lo mejor: su arrojo y contundencia. Lo peor: la dureza de la película es tan necesaria como difícil de soportar. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)." (Desirée de Fez: Fotogramas)

PUNTUACIONES

 

	8,5		7,8		7,8
NOTA MEDIA: 0,00

TRAILER

VER TAMBIÉN

LAST SUMMER

Lucas y Jonás viven el que parece va a ser su último verano juntos, la pareja se va a separar pronto, pues uno de ellos dejará atrás su pueblo para irse a la ciudad a por una nueva vida. Todo quedará atrás, los amigos, la naturaleza, el silencio, la familia, el amor... Y el tiempo transcurre, y los jóvenes lentamente ven llegar el momento de afrontar la realidad.

Last Summer arranca con una secuencia de cuatro minutos durante las cuales solo veremos planos detalle de texturas acompañadas de una melódica banda sonora que nos introduce a la que va a ser una historia intima pero universal. Con tan solo ese lapso ya estamos preparados para afrontar el tono del filme, que desde el principio marca su ritmo pausado. Mark Thiedeman elige una estupenda presentación para resumir el grueso de su película, una cinta que nos habla de las pequeñas cosas que nos hacen ser quienes somos.

El filme utiliza la relación de una joven pareja homosexual para acercarnos a la vida en una pequeña población rural, en la que la realidad transcurre poco a poco, y los hechos más rutinarios pueden convertirse en el mayor de los entretenimientos. Con ello, nos acerca a la realidad vista desde la perspectiva de dos chicos, uno se marcha con ansias de descubrir cosas nuevas, aburrido de una vida sedentaria, el otro no le acompaña y decide intentar odiar aquello que el otro odia, aunque en realidad se sienta satisfecho con su vida en el pueblo.

Thiedeman rueda su filme llenándolo de tonos que resumen muy bien aquello sentimientos que nos quiere mostrar, pues la fotografía, el sonido o los planos detalle, son los mejores aliados para ello. Multitud de planos de la piel rozándose la una con la otra, absorbiendo con el tacto las texturas de la naturaleza, del hogar, de aquello que siempre ha estado con nosotros pero que los jóvenes van a abandonar pronto. Se crea en Last Summer una melancolía que aunque no quieran reconocerla sus protagonistas, la sienten totalmente atrapados por ella, y por ende, nosotros con ellos. Thiedeman construye un relato que echa su mirada hacia un modo de vida que muchos quizás no conozcan, el de la absoluta ruralidad, y el director lo hace con maestría al sincerarse él mismo con su filme y hacer aquello en lo que realmente cree.

Aunque quiera centrarme en el concepto del estilo de vida, creo que es el factor más importante en la película, no puedo olvidar que su relato más directo nos habla sobre la ruptura de una longeva relación, de la perdida del primer amor, de la separación de una pareja que ha estado siempre junta, planteándose si aquello era realmente amor, o si por contra, como a muchas parejas homosexuales que viven en entornos de poca población, están unidos por un hilo de conformismo. El guión no pierde tiempo en mostrarnos aquellas diferencias entre ambos, lo distintos que en realidad son, y juega a esa ambivalencia en la que ni tan siquiera ellos pueden llegar adivinar si esas diferencias son las que los separan o por contra las que los convierten en un complemento perfecto. En ese sentido Thiedeman crea una película natural y sincera, llegando a un punto de entendimiento que puede llegarse a suponer biográfico.

Una película de estas características se supone lenta, y quizás ello pueda parecer aburrido, o el guión de escaso dialogo puede hacernos despertar una pereza bien grande, no voy a negar que es así, Last Summer juega un partido complicado y es evidente que precisa de una empatía totalmente reforzada por parte del espectador, en ese aspecto el filme no presenta elementos que ayuden al acercamiento, requiriendo pues toda la comprensión del espectador, algo que no siempre va a obtener. Evidentemente no por ello el filme desmerece en absoluto, solo que es fácil entender a aquellos que lleguen a aborrecerla, para adentrarse en su interior es un filme al que es mejor coger con ganas, de otro modo va a ser difícil que nos entusiasme. Un flaco favor para la película.

Definitivamente Last Summer es una película de extrema belleza y llena de interés emocional, una cinta bastante recomendable si queremos relajarnos en aquellos momentos en los que la melancolía se adueñe de nosotros.

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TÍTULO ORIGINAL Last Summer AÑO 2013 DURACIÓN 73 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Mark Thiedeman GUIÓN Mark Thiedeman FOTOGRAFÍA David Goodman REPARTO Deb Lewis, Samuel Pettit, Sean Rose, Roben R. Sullivant, Byron Taylor

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Homosexualidad. Vida rural. Vida rural (Norteamericana). Adolescencia. Cine independiente USA. LGBTIQ

SINOPSIS

Dos novios en el instituto, Lucas y Jonás, pasan sus últimos meses juntos en el transcurso de un largo verano, tranquilos en el sur rural - un mundo de béisbol, las bicicletas, la iglesia y el guiso de judías verdes - contemplando su futuro incierto y lo incierto del futuro de América.

CRÍTICA

+ "Una obra maestra, delicada y sutil.[...] De una belleza contundente que se queda en la retina y el corazón durante mucho tiempo. Consigue sin ningún artificio llegar al centro de lo que es el cine, la emoción en imágenes." (Maria José Díaz-Maroto García: Pandora Magazine)

- "A pesar de la belleza de sus imágenes, su lirismo resulta impostado y prescindible." (Alberto Gallardo: Tierra Firme)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,8		5,8
NOTA MEDIA: 6,0

TRAILER

VER TAMBIÉN

MA MA

Julio Medem vuelve a reunir fuerzas con una de sus musas, Penélope Cruz, para crear una nueva película. Como no iba a ser menos su cinta vuelve a crear conflicto y se convierte en uno de esos filmes que fácilmente crea detractores como un público satisfecho con lo que ve, algo a lo que el director donostiarra ya nos tiene acostumbrados, con ma ma no iba a ser menos.

La película gira entorno a Magda, una mujer en paro a la que le diagnostican cáncer de mama y que decide tomarse la vida con positivismo, contagiando sus energías a los que les rodean y viviendo con felicidad.

Si destacaba al principio la unión de Medem con Cruz no es solo por la vuelta de la actriz que hace seis años que no se le vé en un papel importante en una producción hispana -desde Los abrazos rotos (Pedro Almodóvar, 2009), si no tenemos en cuenta el pequeño cameo de otro filme de Almodóvar: Los amantes pasajeros (2013)-, si no por la importante presencia de la actriz en el filme que no solo aparece como protagonista absoluta, si no también como productora de esta. De este modo es fácil entender la obra como una muestra de sus dotes interpretativas, y lejos de ser un ejercicio de narcisismo, es sin duda un trabajo que se hace con ganas y gusto, algo que de puede entrever en el resultado final.

Y es que si algo puede destacarse en ma ma es sin duda el apartado interpretativo. A pesar de ser un papel emocionalmente complejo, es cierto que también es fácil destacar en una película que se centra mayoritariamente en una sola figura, en ese sentido Cruz lo tiene más fácil que otros de sus compañeros, que con papeles más pequeños consiguen destacar incluso por encima de ésta. Uno de ellos es Luis Tosar, que una vez más demuestra lo bien que se le da su oficio. Tosar interpreta a Arturo, un hombre religioso que ha perdido a su hija en un accidente y su mujer se encuentra en un estado grave. El actor gallego vuelve a ofrecer un trabajo estupendo incluso a pesar de su papel secundario. Tampoco podemos desmerecer en absoluto a Asier Etxeandia, que da vida a Julián, doctor y amigo de Magda.

El resto de factores del filme son los que empiezan a balancear el trabajo de Medem en esa ambivalencia que posiciona radicalmente a su público, pues ma ma tiene matices tan interesantes como aquellos que la hacen caer en lo apocalíptico (cinematográficamente hablando). Qué Medem es un director experimentado no es nuevo, y eso se vé claramente en un filme que dentro de su sencillez se expone sobre una realización para nada básica, si no que arriesga para imponer un estilo propio, aunque en algunos puntos roce lo decadente, como en los momentos de CGI que de entrada llegan a chocar tanto que alejan momentáneamente nuestra empatía del relato, muy a pesar que al final estos se vean justificados. Por otro lado ese no es motivo suficiente para salvar un guión algo edulcorado para un tipo de producción como ésta, y no por su historia en si, si no por lo poco fluido del conjunto, que se sigue más por imposición escrita que por un orden natural del relato. Al final lo único que se consigue es obtener un tono de telefilme que hace flaco favor a la película, solo hace falta fijarse en el par de innecesarios momentos musicales de la película, que provocan más vergüenza que un sentido rítmico al filme.

Lo que no quiero criticar negativamente es la decisión del tono de la película, pues aunque no sea del todo partidario de ese tono que muchos han tachado de ñoño, si es cierto que se convierte también en un punto diferenciador del filme. Otras producciones que se centran en problemáticas similares a la que se plantea en ma ma han optado por la dureza como recurso, y no viene mal que el espectador que quiera pueda elegir un producto que difiera de la debacle pesimista para hacerlo de un modo dónde el positivismo reine a pesar del siempre implícito drama. Una cosa no quita la otra.

Lo que verdaderamente podemos salvar de ese guión tan desnaturalizado es el acierto en reflexionar de un modo subversivo en planteamientos que van mucho más allá de la enfermedad, todos ellos girando entorno a la felicidad o a la imposición moral de nuestras creencias. Temas como la religión, el fútbol, la familia... todos se tratan desde una perspectiva estupenda, que invitan al respeto sea cual sea nuestro posicionamiento. Factores que Medem entiende como canalizadores de nuestros males, y que deberíamos respetar los de cada uno sin imponer los nuestros, y por supuesto, sin que se nos impongan a nosotros.

Definitivamente ma ma no es la película de la temporada, pero queda lejos de ser aquella catástrofe que muchos temen. Dentro del panorama cinematográfico es sin duda una apuesta más que aceptable y yo con eso me conformo.

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TÍTULO ORIGINAL ma ma AÑO 2015 DURACIÓN 111 min. PAÍS España, Francia IDIOMA Español DIRECCIÓN Julio Medem GUIÓN Julio Medem MÚSICA Alberto Iglesias FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica REPARTO Penélope Cruz, Luis Tosar, Asier Etxeandia, Teo Planell, Silvia Abascal, Mónica Sagrera, Àlex Brendemühl, Ciro Miró, Jon Kortajarena PRODUCTORA Morena Films

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Enfermedad. Melodrama

SINOPSIS

Magda es una maestra en paro que tras ser diagnosticada de cáncer de mama reacciona sacando toda la vida que lleva dentro, desde lo imaginable a lo inimaginable. Su lucha valiente y optimista hará posible que ella y su entorno más íntimo vivan insospechadas escenas de humor y delicada felicidad.

CRÍTICA

- "'Ma ma' es cursi, blanda y llorona. Digamos que pocas películas tan pretendidamente sublimes como ciertamente ridículas como ésta. (...) pese al bello esfuerzo de Penélope Cruz (...) Puntuación: ★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

- "Medem intenta huir de sus características figuras excéntricas (...) parece que haya querido sumergir esos personajes de Almodóvar en un tanque de formaldehido (...) El problema es que, en lugar de formaldehido, en el tanque sólo hay falsa poesía." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Gran Penélope, puro Medem. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

- "Todo lo que ocurre pasa porque está escrito en el guión, jamás porque la lógica narrativa lo dicte. (...) Sí, ya sé que estamos en un cuento. Pero también los cuentos tienen su lógica. Y aquí no se ve por ningún lado." (M. Torreiro: Fotogramas)

+ "El director despliega su capacidad atmosférica y poética (...) una experiencia que se mueve entre lo sublime y lo ridículo, pero que se llena de generosidad y autenticidad gracias a la magia luminosa que desprende Penélope Cruz en la pantalla." (Beatriz Martínez: Fotogramas)

- "Cruz es la fuente de todas las virtudes femeninas en este desvergonzado vehículo lacrimógeno (...) Un enorme cargamento de ardides sensibleros, todos diseñados para sacar brillo al halo en torno a Santa Penélope" (Dennis Harvey: Variety)

- "Dejando aparte a Cruz, la película es más bien 'meh meh' (...) Muy poco de esta muy decepcionante película parece real y parte de ella es risible" (Jonathan Holland: The Hollywood Reporter)

= "Cruz está radiante (...) Pero el sensiblero guion y el irregular tono de la película conspiran para eclipsar su interpretación y disminuir nuestra capacidad de conmovernos con ella" (Allan Hunter: Screendaily)

- "Ni siquiera una magnífica interpretación puede sostener un material forzadísimo, tan excesivo y autoindulgente como lo que viene ofreciendo Medem en sus últimas películas. Cayendo en ocasiones en la autoparodia inconsciente (...) Puntuación: *1/2 (sobre 5)" (Manuel Piñón: Cinemaía)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,7		5,9
NOTA MEDIA: 5,9

TRAILER

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