ZAFARRANCHO EN EL RANCHO

Son varios los famosos declives de la Disney, y uno de los más recientes nace después de películas como La ruta hacía el dorado (The Road to El Dorado; Bibo Bergeron, Don Paul, Will Finn, David Silverman, 2000) o la irregular Hermano Oso (Brother Bear; Aaron Blaise, Bob Walker, 2003), declive que tardarían en solucionar tras varios intentos de películas como la suicida Chicken Little (Mark Dindal, 2005), el ejemplo más escalofriante de ellos. La factoría de Mickey no tenía muy claro que camino tomar, y el resultado fueron un buen puñado de películas que es mejor olvidar. Pero entre tanta ida de cabeza personalmente rescataría el sencillo western animado Zafarrancho en el rancho (Home on the Range; Will Finn, John Sanford, 2004), sin lugar a dudas la más maltratada por la crítica del grupo.

Tres vacas deciden dejar un tiempo su querido hogar para intentar atrapar a un famoso ladrón de reses, para así cobrar la recompensa y con ella pagar el dinero que su dueña debe al banco, antes de que les embarguen el hogar.

De acuerdo, es de lo más sensato pensar que tres vacas que parece que en cualquier momento van a ponerse a tejer ganchillo no sea el mejor acierto del filme, en ese sentido la película se les escapa estrepitosamente de las manos, por mucho carisma que puedan ganar estas durante el viaje. Tampoco ayudan el escandaloso caballo del sheriff, ni el resto de animales que no presentan demasiada profundidad narrativa. El argumento, a pesar de algún pequeño giro, tiende a la planicie, y no presenta demasiada originalidad en su elaboración, tanto en su avance como en la poca ambición de su desarrollo dramático. Pero es innegable, que Zafarrancho en el rancho tiene algunos ingredientes que la hacen especial.

De entrada tenemos una animación bastante decente, de un estilo que se atreve a mezclar aires de Aladdin (John Musker , Ron Clements, 1992) con El Rey león (The Lion King; Rob Minkoff, Roger Allers, 1994). Por entonces la Disney todavía no había decidido abandonar la animación tradicional, de hecho este sería su último trabajo antes de casi abandonar los "lápices de colores" por el CGI completo, y poder gozar todavía de ello es motivo suficiente para disfrutar ni que sea un poco del filme.

Por otro lado, aunque claramente no nos encontremos ante un argumento complejo, la historia se sigue con simpatía y es fácil que encandile especialmente a los más pequeños, y aunque no pueda tener nada de especial tampoco lo contrario, así que es difícil achacarle nada en ese sentido. Se pasa un buen rato con ella, y eso ya no es moco de pavo.

Dentro de esa simpleza nos encontramos con alguna pequeña escena deslumbrante, como la aparición del villano de la función, dónde con sus cánticos consigue hipnotizar a las vacas como si del Flautista de Hamelín se tratara. Una suerte psicodélica que recuerda irremediablemente a uno de los momentos más underground de la Disney, el espiral colorido de elefantes que pudimos gozar en Dumbo (Ben Sharpsteen, 1941) -para mi de las mejores películas que han nacido en el seno del estudio-. Una escena que además está acompañada con un estupendo ejemplo del genial trabajo en las partituras de la película, la canción Yodel-adle-eedle-idle-oo. Si una cosa es de aplauso en Zafarrancho en el rancho es su banda sonora, como bien apunta el cartel del filme, Alan Menken, autor de las oscarizadas canciones de Aladdin o La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast; Gary Trousdale , Kirk Wise, 1991), es el culpable de tales divertimentos sonoros.

Definitivamente Zafarrancho en el rancho no es ni de lejos la mejor película del estudio, pero tampoco merece ser el título más desprestigiado. La película es entretenida, y se te hace pasar mejor rato que muchas de las sosa propuestas de la Dreamworks.

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TÍTULO ORIGINAL Home on the Range AÑO 2004 DURACIÓN 76 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Will Finn, John Sanford GUIÓN Will Finn, John Sanford MÚSICA Alan Menken VOCES ORIGINALES Roseanne Barr, Bobby Block, G.W. Bailey, Steve Buscemi, Carole Cook, Charlie Dell, Judi Dench, Charles Dennis, Marshall Efron, Joe Flaherty, Cuba Gooding Jr., Charles Haid, Estelle Harris, Lance LeGault, Sam J. Levine, Randy Quaid, Ann Richards, Richard Riehle, Keaton Savage, Ross Simanteris, Jennifer TillyPatrick Warburto, nMark Walton, Dennis Weaver PRODUCTORA Walt Disney Pictures / Walt Disney Feature Animation

GÉNERO Animación. Comedia. Infantil. Musical. Western

TEMÁTICA Animales. Robos/Atracos. Vida rural (Norteamericana)

SINOPSIS

Un avaricioso proscrito llamado Alameda Slim planea apoderarse de la vaquería “Patch of Heaven”, pero tres decididas vacas, un caballo karateka llamado Buck y un alegre corral lleno de criaturas unen sus fuerzas para salvar la granja en una aventura loca y frenética. Esta extraña mezcla de animales pondrá su vida en constante peligro para capturar al malvado Slim, y cobrar la recompensa con la ayuda de un misterioso cazarrecompensas llamado Rico.

PREMIOS

2005: Annie: 3 Nominaciones

CRÍTICA

+ "Un film que gusta, agradablemente nada pretencioso y muy divertido" (Olly Richards: Empire)

= "Bueno para echarse unas risas, especialmente si tienes menos de, digamos, 8 años más o menos." (Christine Dolen: Miami Herald)

= "Divertida para los niños, aunque no tenga la calidad de otros grandes productos de la Disney" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

= "La idea funciona. (...) Una comedia musical de Disney perfectamente engrasada y hueca. Atractiva para los ojos de un niño pequeño pero aburrida para los de un adulto que ha visto la fórmula repetida hasta la saciedad. Aún así, la película tiene momentos que enganchan" (Javier Mendoza: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,0		4,7		5,4
NOTA MEDIA: 5,4

TRAILER

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DIAMOND FLASH

No es de extrañar que la atrevida e independiente ópera prima de Carlos Vermut (en el largometraje, se entiende), no llegara a distribuirse en salas comerciales muy a pesar de la buena acogida por la crítica, y de parte del público que aunque la odió y la puso en un altar a partes iguales, consiguió hacer de ella toda una cinta de culto del cine español. Las ideas de Vermut son fascinantes, y su modo de hacer no tiene mucho que ver con la construcción tradicional de un filme, es por eso que Diamond Flash se conformó con los pases online y la edición a DVD (estupendo cómic incluido), algo que ayudó a que se convirtiese en una película con leyenda propia. Es por eso que no sorprende la reciente Concha de Oro (película y director) que Vermut se ha llevado con su segundo largo, Magical Girl (2014). Así que parece ser que las nuevas alucinaciones del director madrileño podremos verlas en pantalla grande.

Alba, la hija de Violeta, odia fotografiarse, es por eso que su madre no tiene fotografías para dar a la policía y ayudarla a encontrar a su hija desaparecida, de este modo, Violeta, será capaz de llegar hasta limites insospechados para conocer el paradero de Alba. Lola y Juana están metidas en un asunto extraño, Juana solo quiere alguien que confie en ella, Lola ser feliz, mientrastanto esperan la llegada de Enriqueta, una mujer que lo único que quiere es un hombre que la haga reír. Helena sufre maltrato, pero no quiere denunciar a su novio, cree que lo mejor es esperar la ayuda de Diamond Flash.

"El problema de la gente en general es la necesidad que tienen de comprenderlo todo. Tienen que tenerlo todo controlado. Si no se vuelven inseguros, débiles. Por eso eres débil: porque quieres comprender cosas que no tienen explicación."

Este fragmento del filme no debemos pasarlo por alto, ya que define muy bien el entramado que Vermut presenta en su trabajo. Es fácil que la mezcla de ciencia ficción, drama, thriller y comedia, en una película gestada fuera de los cánones tradicionales de la cinematografía más clásica, hagan sentir al espectador confuso, y que al finalizar la película se sienta desorientado. Este echo desencadena fácilmente en un desprecio hacía el filme, dejando atrás las cosas buenas que presenta, que no son pocas. Es por eso que no hay que intentar esforzarse en intentar comprender los diferentes cabos sueltos, ya que en realidad lo que importa en el filme de Vermut, va más allá de todo simple argumento.

La planificación del director, la estética que le da el bajo presupuesto, ese ritmo pausado, no ayudan en absoluto, es cierto, pero con tan solo el guión, plagado de diálogos sobresalientes, es suficiente para que fácilmente nos quedemos atrapados en su telaraña. Sin duda en la cabeza de Carlos Vermut existe un mundo fascinante, y ha sabido muy bien plasmarlo en la pantalla. No es solo el texto, es también el montaje, que logra que soportemos un filme largo dónde lo importante es el diálogo de un modo fácil, realmente el filme (aunque podría recortarse) no cansa si conseguimos meternos de lleno en él.

Diamond Flash es una película de mujeres, no hace falta ser un lumbreras para darse cuenta de ello, la casi unánime participación femenina en los personajes ya ayuda a dar fe de ello. Pero el eje de la idea se sitúa esencialmente entorno el maltrato hacía esta. La violencia está presente entorno a todas las protagonistas, no solo el misterioso Diamond Flash es el eje conductor entre ellas, si no también la rabia que acumulan a causa de un pasado doloroso, en que casi todas fueron víctimas, o la dependencia que presentan frente a la figura masculina. Enriqueta lo deja claro:

"La verdad, lo único que quiero es una sola cosa... Me da igual que seas una buena o una mala persona, que seas inteligente o que seas un idiota, que te huela el aliento... Me da igual. Yo lo único que quiero, es que me hagas reír."

(Exigencia de Enriqueta que por cierto, sirve para salvar el pellejo a otra protagonista). Tras esta declaración es sencillo darse cuenta hacia dónde se dirige el filme, y aunque sea fácil despistarse en su excéntrico y alucinógeno entramado, no deja de dejar clara su razón de ser en varias ocasiones.

Esas chicas no existirían si no fuese por las actrices que les dan vida, que aunque en alguna ocasión puedan chirriar un poco en sus actuaciones, por norma general consiguen dar credibilidad y cercanía a un guión sonado y difícil de imaginar. Esas mujeres, casi desconocidas la mayoría, son un portento, y merece la pena volverlas a ver trabajar dando vida a otros intensos personajes.

Puede que Diamond Flash guste o no al espectador, no hay medias tintas para ella, pero una cosa si está clara: Vermut ha sido rompedor, y solo por eso merece la pena darle un aplauso. Es complicado, y estando la cultura y especialmente el mercado cinematográfico como está, toparse con películas arriesgadas, que estén verdaderamente vivas, que sean libres en su gestación, y que no nos traten a los espectadores como verdaderos bobalicones frente a la pantalla. Sólo por eso, hay que reconocer, que la película merece la pena ocupar un sitio en nuestra filmografía.

Solo queda recordar una cosa tras su visionado, y es otra declaración de Enriqueta:

"Le asombraría saber la cantidad de personas que son eso, buenas personas, pero que no saben controlar su ira."

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TÍTULO ORIGINAL Diamond Flash AÑO 2011 DURACIÓN 130 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Carlos Vermut GUIÓN Carlos Vermut FOTOGRAFÍA Carlos Vermut REPARTO Ángela Boix, Miquel Insua, Klaus, Rocío León, Eva Llorach, Victória Radonic, Ángela Villar, Petra del Rey, Alba Guerrero, Miguel Noguera, Micaela Quesada, Teresa Soria Ruano, Javier Botet, Maria Cuéllar PRODUCTORA Psicosoda Films

GÉNERO Drama. Fantástico. Thriller. Intriga

TEMÁTICA Secuestros / Desapariciones. Crimen. Mujer. Drama social. Película de culto

SINOPSIS

Violeta está dispuesta a lo que sea por encontrar a su hija desaparecida. Elena guarda un extraño secreto. Lola quiere saldar cuentas con su pasado. Juana necesita que alguien la quiera sin condiciones ni preguntas y Enriqueta solo busca que le hagan reír. Estás cinco mujeres tienen algo en común, todas están relacionadas con Diamond Flash, un misterioso personaje que cambiará sus vidas para siempre.

PREMIOS

2013: Cine-On: Mejor director y Mejor Guión.

CRÍTICA

+ "'Diamond Flash', o cómo hacer tambalear el cine español. Carlos Vermut estrena on-line su extraordinario y sorprendente debut." (Carlos Reviriego: Diario El Mundo)

+ "Una de las películas más indefinibles, sorprendentes y extrañamente magistrales de la historia del cine español." (Gerard A. Cassadó: Fotogramas)

+ "Una de las producciones españolas que más me han impresionado últimamente. (...) una de las películas más negras, turbadoras y desesperanzadas que he visto." (Marcos Ordóñez: Diario El País)

+ "Una depurada, febril y brillante invitación al desconcierto. (...) la más soberbia aproximación al vértigo del cine reciente." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,1		6,4
NOTA MEDIA: 6,5

TRAILER

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VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS

A pesar de contar con un par de propuestas algo más arriesgadas como eran el thriller El Niño (2014) del ya preseleccionado anteriormente Daniel Monzón con su Celda 211 (2009), o el drama romántico de calibre internacional -a pesar de ser producción más modesta- 10.000 KM. (Carlos Marqués-Marcet, 2014), este año la academia no sorprende al elegir una tragicomedia de aires sesenteros, dónde no faltan sus dosis de denuncia social, en un guión construido gracias a la historia real del profesor de inglés Juan Carrión Gañán, el cual instruía a sus alumnos a través de las canciones de The Beatles, y que tras una charla con John Lennon consiguió que el grupo inglés incluyera las letras de sus canciones en sus álbumes, algo que con el tiempo se ha convertido en práctica habitual para cualquier formación musical.

Antonio es un profesor de inglés que se toma un día libre para viajar a Almería dónde John Lenon está rodando una película y así poder hablar con él. Por el camino recoge a Belén, joven de 21 años que busca el modo de encarrilar su vida al sufrir un embarazo no deseado, y a Juanjo, un chico de 17 que escapa de su casa tas una discusión con su padre.

David Trueba construye una película suave y melancólica que nos habla sobre los caminos de la vida, sobre la amistad, y las buena emociones. Pero en su película, también se habla de temas de calibre más duro, de un carácter más social y didáctico, y por desgracia esa segunda parte no termina de encajar con la primera, y hace que nos topemos con una película de un calado emocional menor al que de entrada podría haber apostado.

Vivir es fácil con los ojos cerrados nos lleva a plena época franquista para crear un anacronismo premeditado, es decir, queriéndonos hablar del presente a través del pasado. Trueba nos muestra como la España franquista no ha desaparecido y sigue afectando a nuestros tiempos, por eso se atreve a aderezar su film con temas que hoy están a la orden del día en nuestro país: el aborto, la educación, el papel de la mujer en la sociedad, el abuso de poder... entre otros aspectos que se tratan con más sutileza en el filme. Todos ellos muy nobles, pero que no hacen más que emborronar la historia principal del filme, la que en realidad cuenta con la fuerza suficiente para aguantar el peso de una película por si sola, y es el viaje de ese profesor. Una lástima que Trueba haya apostado más por lo didáctico que por lo entrañable, sin duda hubiésemos gozado -salvando las distancias- con una versión española de Una historia verdadera (The Straight Story; David Lynch, 1999), y no con el popurrí que finalmente nos ha ofrecido, que aunque se ve con agrado y simpatía, es fácil darse cuenta de lo mal estructurado del filme.

Y no nos engañemos, parte de la gracia que salva el filme reside en ese protagonista que tan bien sabe Javier Cámara hacerse suyo, los entrañables momentos que vive el profesor, y los diálogos -que por suerte si son de nota- que Trueba escribe para él o el resto del plantel. Un plantel secundario que intenta sobresalir en la película, pero que parece que jamás alza el vuelo. No me atrevo a decir si es por unos personajes que mejor no se hubiesen escrito o por unos interpretes que no encajan en sus papeles.

En el filme se hace demasiado evidente la escasa dirección de actores, que por momentos no se esmeran ni en disimular su acento. Se nota en exceso el uso de clichés con el catalán agarrado, el andaluz tontorrón y de acento cerrado o el guardia civil con mala leche, por nombrar algunos. Y deja mucho que desear el uso que se le da al vestuario, que aunque esté bien escogido, se presenta en el filme como si este fuese un desfile de modelos. Poco importa si nuestros protagonistas cruzan el caluroso desierto, que los veremos bajar de su coche sin que ni una mota de polvo, ni una gota de sudor haya manchado sus planchados modelitos, sin que se hayan despeinado, o sin que tan siquiera se hayan ensuciado los bajos del automóvil. (Todavía más irrisorios son los cambios de ropa de la chica protagonista, con los cuales nos llegamos a preguntar como mete tanta ropa en esa pequeña maleta).

Es por eso que a pesar de que el filme nos deje al terminar con una agradable sensación nostálgica -y es eso sin duda lo que salva todo el metraje-, no tardemos en darnos cuenta rápidamente de todo aquello que la emborrona, y nos deja con el conocimiento de que Vivir con los ojos cerrados podría haber sido una mejor película.

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TÍTULO ORIGINAL Vivir es fácil con los ojos cerrados AÑO 2013 DURACIÓN 108 min. PAÍS España IDIOMA Español, algunas palabras en Inglés y Catalán DIRECCIÓN David Trueba GUIÓN David Trueba MÚSICA Pat Metheny FOTOGRAFÍA Daniel Vilar REPARTO Javier Cámara, Natalia de Molina, Francesc Colomer, Ramón Fontserè, Jorge Sanz, Ariadna Gil, Rogelio Fernández PRODUCTORA Canal+ España / Fernando Trueba Producciones Cinematográficas / Televisión Española (TVE)

GÉNERO Drama. Comedia

TEMÁTICA Comedia dramática. Años 60. Road Movie. Basado en hechos reales. Enseñanza. Música

SINOPSIS

Antonio (Javier Cámara) es un profesor que utiliza las canciones de The Beatles para enseñar inglés en la España de 1966. Cuando se entera de que su ídolo John Lennon está en Almería rodando una película, decide viajar hasta allí para conocerle. En su ruta recoge a Juanjo (Francesc Colomer), un chico de 16 años que se ha fugado de casa, y a Belén (Natalia de Molina), una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo.

PREMIOS

2013: 6 Premios Goya, incluyendo mejor película, director y actor (Cámara). 7 Nom.
2013: Festival de San Sebastián: Sección oficial de largometrajes a concurso
2014: Seleccionada para representar España en los Oscar

CRÍTICA

+ "Trueba, y ahí el mérito de la cinta, reconstruye sin el más mínimo pudor, sin coartadas académicas y, lo más importante, con total precisión, lo que queda cuando ya se ha olvidado todo." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Sobreviviendo con gracia a la caspa. (...) contada por David Trueba con arte, sutileza, emoción y gracia. (...) [Javier Cámara] hace un trabajo espléndido" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Reivindica David Trueba el derecho al relato de buen rollo y la evocación del pasado, si no idílica, sí bañada en risueña melancolía. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Ricardo Aldarondo: Fotogramas)

+ "Casi todo es creíble, auténtico, soñador, honesto y franco en este notable filme (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Javier Cortijo: Cinemanía)

+ "Película luminosa y cargada de carisma, excéntrica mezcla de road movie y western errante con chamán en el punto de destino, a la que no le hubiese venido mal algún contrapunto amargo" (Jordi Costa: Diario El País)

= "Lo más sorprendente de esta «road movie» es su energía positiva, que, por desgracia, se traduce en un tono didáctico y previsible (...) el resultado se queda a medias" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "El trabajo de Javier Cámara es homérico, trascendental y «contamina» todo lo demás (...) con qué lucidez y sentido del humor desenmascara David Trueba el empeño de reunir en una idea dos conceptos imposibles, memoria e historia (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

PUNTUACIONES

 

	6,0		6,5		7,0
NOTA MEDIA: 6,5

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MILLENNIUM 2: LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA

Hace tiempo tenia pendiente seguir con la trilogía sueca de la hiper-vendida novela homónima Millennium escrita por el fallecido Stieg Larsson. Después de quedar mínimamente satisfecho de la primera parte, la cual logró resumir en poco más de dos horas un libro de casi novecientas páginas, adaptando el relato al medio sin perder la esencia del mismo, esencialmente esa denuncia al sistema patriarcal tan rancio en un país que se supone de lo más abierto, logrando a la vez un suspense notable que te mantenía atento a la pantalla y una realización más que suficiente para un producto pensado para la televisión. En esta segunda parte, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, la trama se abría mucho más, por lo que la adaptación requería de un mayor de esfuerzo si se quería anunciar con el nombre de Larsson en cartel, trabajo que se dejó a manos de un nuevo director, Daniel Alfredson.

Ya ha pasado más de un año de la investigación sobre la familia Vanger que llevó a cabo Mikael Blomqvist con la ayuda de la enigmática hacker Lisbeth Salander. Ahora Blomqvist ha salido de prisión y tiene entre-manos un nuevo reportaje sobre trata de blancas con un nuevo colaborador, Doug. Pero este aparece muerto antes de terminar su artículo, y todo conduce a que el asesino es la misma Salander, algo que Blomqvist no cree posible.

A pesar del pequeño cambio de estilo y narrativa, esta segunda entrega de Millennium consigue no perder el hilo de su antecesora, pero al tener detrás un relato mucho más complicado, intenta simplificarlo hasta el punto de perder parte del estupendo mensaje que sí tenía la película de Niels Arden Oplev, y que se esconde tras la investigación de la trata de blancas, que en el filme de Daniel Alfredson sirve tan solo como excusa para centrarse de lleno en sus protagonistas, olvidando que esa excusa era en realidad la base de la historia que nos quería contar. Lo que si es cierto es que el complicado trabajo de contar en pantalla algo que en el texto se presenta como farragoso, se consigue hasta un punto de simplificación casi increíble, que se resuelve con algunos diálogos de más profundidad narrativa que intentan contarnos lo profundo del caso.

De este modo nos queda un filme algo más descafeinado, que parece que sólo quiera aprovechar el tirón de un personaje tan emblemático y excéntrico como el de Lisbeth Salander, interpretado por una mayúscula Noomi Rapace, olvidando por competo lo realmente interesante del relato.

Así, Millennium 2, se presenta como un simple thriller dramático, que aunque le falte garra se deja ver con piedad, y que a pesar de su extensa duración es apto para verse, siempre y cuándo hayamos antes disfrutado con su anterior parte.

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TÍTULO ORIGINAL Flickan som lekte med elden AÑO 2009 DURACIÓN 129 min. PAÍS Suecia IDIOMA Sueco  DIRECCIÓN Daniel Alfredson GUIÓN Jonas Frykberg (Novela:Stieg Larsson) MÚSICA Jacob Groth FOTOGRAFÍA Peter Mokrosinski REPARTO Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Sofia Ledarp, Hans Alfredson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Paolo Roberto PRODUCTORA Yellow Bird Films / Nordisk Film / ZDF Enterprises / Sveriges Television

GÉNERO Thriller. Intriga

TEMÁTICA Secuela. Asesinos en serie. Prostitución. Crimen. Corrupción. Abusos sexuales

SINOPSIS

Lisbeth Salander es buscada por la policía, tras verse envuelta en el asesinato de dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia. Sin embargo, Lisbeth es más un ángel vengador que una víctima indefensa, y arremete con justa ira sobre los que la han herido... Segunda parte de la trilogía Millennium, adaptaciones de las exitosas novelas de Stieg Larsson.

PREMIOS

2009: Premios Guldbagge (Suecia): 2 nominaciones

CRÍTICA

- "Larsson para unos pocos. (...) Entre los hilos argumentales más trascendentes y la intriga más convencional, han elegido lo segundo. (...) han desaparecido desde tramas insustanciales hasta otras más básicas" (Javier Ocaña: Diario El País)

= "Mantiene el interés gracias a los recursos narrativos del thriller americano pero la incertidumbre y el interés por el destino de los personajes se pierden en una narración larga y derivativa. (...) Puntuación: ★★ (sobre 5)." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,9		7,1
NOTA MEDIA: 6,2

TRAILER

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TROLL HUNTER

Uno de los subgéneros del terror que más se han estado explotando en estos últimos años es el del Mockumentary o falso documental, especialmente el del Found Footage (metraje encontrado), que se basa en unas supuestas cintas que recogen un extraño suceso que se supone real. A pesar de la existencia de producciones previas, no reconocer El proyecto de la Bruja de Blair (The Blair Witch Project; Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, 1999), como el máximo referente de este tipo de cine, sería un error, el éxito de su campaña de marketing hizo posible que este producto independiente fuese la película más rentable de la historia del cine, título que le arrebataría años después otra famosa cinta del mismo género, Paranormal Activity (Oren Peli, 2007). A pesar de la masificación de estas cintas, la escasez de ideas en un género que parece no puede ofrecer mucho más, y la sobre-explotación comercial de los grandes estudios, es increíble que sigan apareciendo Mokumentarys, producto de estudios independientes, que ofrezcan algo nuevo y que logre atraparnos ante la pantalla. Ejemplo de ello es Troll Hunter, otra cinta de metraje encontrado que nos pierde por los bosques en busca de seres fantásticos que se suponen reales.

Un grupo de estudiantes que se encuentra rodando un documental sobre la caza ilegal de los osos en Noruega, se topa con el que parece ser un cazador furtivo. Tras seguirlo para atraparlo en acción descubren que en realidad el hombre lo que caza son Trolls, trabajando para el gobierno, el cual intenta ocultar a la población la existencia de los seres, que han empezado a abandonar su hábitat natural para adentrarse a zonas pobladas.

Temáticamente más cercana a La Bruja de Blair, dónde nos perdemos en los bosques para encontrar seres fantásticos, Troll Hunter parece de entrada una cinta más del montón. Pero las comparaciones no son justas ya que la película de André Øvredal es fresca por si sola, y tiene una serie de elementos que la hacen interesante.

De entrada la buena mano en la realización por parte de Øvredal. Lo común en estas cintas es crear la confusión a través de los movimientos de cámara, ayudándose de la luz para crear el efecto deseado, pero el director de esta cinta utiliza el efecto contrario, la base de su efecto se centra en la iluminación, dónde las sombras, focos y tonos azules de la noche son la herramienta principal para conducirnos por el suspense, utilizando la cámara en mano para ayudarse y sorprendernos con algún efecto visual añadido a la pantalla. De este modo Troll Hunter no necesita esconder sus seres fantásticos como si se hizo con la supuesta bruja de Blair, ya que gracias a los juegos de luz y el logro del rodaje en digital, puede crear un resultado totalmente creíble.

Hay que sumarle meritos a la cinta gracias a unos impresionantes efectos visuales, que demuestran que se pueden hacer bien las cosas a pesar de no contar con grandes presupuestos para ello. Unos efectos que diseñan unos Trolls impresionantes y que acojonarían a cualquiera que se topara con ellos en el bosque.

El problema del filme de los Trolls reside en el propio desarrollo de la historia, ya que la película se construye en una serie de repeticiones y un confuso ir y venir por los bosques que parece no lleva a ninguna parte. Por suerte, y conociendo que pocas cosas asustan ya al público, Øvredal se permite el lujo de añadir puntuales toques de humor que refuerzan la película y nos consigue mantener atentos a ella, para llegar a un tramo final que, aunque algo confuso, es lo suficientemente original para añadirle fuerza al asunto. Una pena que decidan terminar la película con (abro spoiler) el típico mensaje de las películas Found Footage, que se excusan en que termina de un modo abrupto ya que no se ha encontrado más material para conocer el final del mismo. (cierro spoiler)

Viendo el panorama que presenta últimamente el género de terror es esperanzador ver como dentro del cine independiente sigue habiendo una cantera de cineastas intentando rizar el rizo para sorprendernos, o al menos, demostrar que se puede hacer lo de siempre sin caer en la repetición tan común en las producciones de Hollywood.

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TÍTULO ORIGINAL Trolljegeren (Trollhunter) AÑO 2010 DURACIÓN 103 min. PAÍS Noruega IDIOMA Noruego, Inglés DIRECCIÓN André Øvredal GUIÓN André Øvredal FOTOGRAFÍA Hallvard Braein REPARTO Otto Jespersen, Hans Morten Hansen, Tomas Alf Larsen, Glenn Erland Tosterud, Johanna Mørck, Urmila Berg-Domaas, Robert Stoltenberg, Torunn Lødemel Stokkeland PRODUCTORA Film Fund FUZZ / Filmkameratene A/S

GÉNERO Terror. Fantástico. Aventuras

TEMÁTICA Monstruos. Falso documental. Metraje encontrado. Caza

SINOPSIS

Falso documental noruego que narra la historia de un grupo de estudiantes que trata de destapar una conspiración del gobierno que implica a Trolls gigantes que viven en Noruega. Lo que nos propone el film es que el gobierno noruego ha estado ocultando el hecho de que existe una población secreta de Trolls viviendo en cotos de caza en la zona del polo norte del país, manteniéndolos seguros y alejando la atención pública del lugar y la posibilidad de que se desate el pánico masivo si la gente se entera de que estas criaturas son reales.

PREMIOS

2011: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso

CRÍTICA

+ "Un disfrutable y un tanto desquiciado híbrido entre 'El proyecto de la bruja de Blair' y 'Donde viven los monstruos' (...) Ovredal, un experimentado director de publicidad, sabe crear una historia cautivadora" (David Rooney: Variety)

+ "Una película de suspense enormemente entretenida" (Peter Debruge: Variety)

+ "Deberías cazar esta inteligente película antes de que Hollywood arruine todo con un estúpido remake (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (V.A. Musetto: New York Post)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,7		7,0
NOTA MEDIA: 6,4

TEASER

 

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BYE BYE BARCELONA

En lo que va de año ya son tres los documentales independientes que se han centrado en varios problemas que parece están afectando a la ciudad de Barcelona. Títulos como Ciutat morta (Ciudad muerta) (Xavier Artigas, Xapo Ortega, 2014), que se centra en la impunidad policial, legal y administrativa; MACBA: la dreta, l'esquerra i els rics (MACBA: la derecha, la izquierda y los ricos) (Societat U, 2014), que intenta comprender la ética de las políticas gentrificadoras de la ciudad; o la que hoy nos ocupa: Bye Bye Barcelona, que si habéis estado al tanto de la prensa durante este último mes, se centra en un problema que cada vez más preocupa a los ciudadanos de Barcelona, la masificación turistica.

Bye Bye Barcelona intenta comprender la problemática del turismo en la ciudad Condal a través de varias entrevistas a académicos del sector turístico, historiadores y vecinos de la provincia catalana, que explican su visión subjetiva de cómo está influenciando la llegada de tantos visitantes a la ciudad, siendo esta la tercera ciudad más visitada de toda Europa, por detrás de Venecia y París. Para ello se centra en las zonas que reciben más visitantes y se divide en siete capítulos: 1. La Rambla; 2. El auge del turismo; 3. El motocultivo turístico; 4. Plan de usos de Ciutat Vella; 5. Sagrada Familia; 6. Parc Güell; 7. Pisos turísticos.

¿Qué sucede en Barcelona? ¿Por qué un sector que se supone da riqueza a la ciudad, está siendo objeto de tantas protestas, como hemos visto estos últimos días en la prensa? Eduardo Chibás, residente de Barcelona, vecino de la Sagrada Familia, se pregunta que está pasando con la ciudad de la cual se enamoró y que por consiguiente eligió para vivir. En su documental intenta encontrar respuesta a sus preguntas, y para ello habla con personas que también echan de menos la ciudad que conocían.

Es cierto que la película tiene claro el enfoque que quiere dar dando voz a las personas para denunciar la masificación, el incivismo, la privatización, la degradación del nivel de vida, la perdida del comercio tradicional, y muchos otras problemáticas que genera el modelo turístico que está ganando la ciudad y como estos afectan a sus vecinos, pero también intenta recordar, que es precisamente ese sector el que más dinero aporta a sus ciudadanos y que es a la vez el que permite dar un buen nivel de vida, algo contradictorio, ya que es el mismo el que lo da y el que lo quita.

La película es en todo caso muy esclarecedora. Los datos son realmente escalofriantes al ver como el número de visitantes llega a doblar al número de residentes de la ciudad, encontrando lógico el miedo a la generación de una ciudad de cartón piedra para estos últimos, que a su vez denuncian como este mismo modelo no es bueno para los que vienen a conocer a la ciudad, ya que lo que se encuentran es decepcionante. Pero a la vez se echa en falta la visión de alguno de los que permiten que este tipo de turismo sea el imperante en la ciudad condal, para hacernos una idea de los motivos de esta permisividad a todo precio, y que den un contrapunto que dote de objetividad al filme, ya que a pesar de las explicaciones de algunos de los entrevistados que explican la riqueza que deja el modelo, no llega a conseguir que sintamos esa total visión objetiva.

Otro de los puntos que no explota la película, pero que planea directamente sobre ella, es la xenofobia que despierta una problemática de este tipo, y que puede generar también el visionado malentendido de un filme de estas características. Que el racismo está despertando en Europa no es ninguna novedad, evidentemente la crisis económica es la mayor fuerza ante esta nueva oleada, pero en Bye Bye Barcelona podemos darnos cuenta como otros aspectos de invasión pueden hacer renacer poco a poco esa chispa. Es evidente que alguien que ha asentado su hogar en una zona, y ve como su estilo de vida está siendo invadido por gente de fuera (aunque no sean estos los culpables directos de esta permitida invasión), vaya poco a poco creando un rechazo a lo foráneo.

De todos modos tenemos delante un documento muy interesante, cuya exploración puede llevarse a otros puntos de la geografía mundial, y que deja clara la falta de actuación por parte de gobernantes, y el malestar que puede generar un concepto mal conducido, a pesar que este parta de una idea amable de la industria.

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TÍTULO ORIGINAL Bye Bye Barcelona AÑO 2014 DURACIÓN 55 min. PAÍS España IDIOMA Catalán, Español DIRECCIÓN Eduardo Chibás Fernández GUIÓN Eduardo Chibás Fernández FOTOGRAFÍA Eduardo Chibás Fernández MÚSICA Sebastián Seifert, Kill. Minima, Chris Zabriskie, Dan-o, Kevin McLeod REPARTO Pepe Collado, Mario García Mas, Gabriel Picart, Conchi Roque, Enric Vila Delcòs, Juan Itxaso, Llum Ventura, Marc Javierre, María Martínez, Reme Gómez, María Mas, José María Perceval, Santiago Tejedor, Rodrigo Arroyo, Daniel Pardo, Tomás Durán, Alfredo Tarre, Fabiola González PRODUCTORA Eduardo Chibás

GÉNERO Documental

TEMÁTICA Mediometraje. Cine social. Corrupción. Crisis económica. Política

SINOPSIS

Bye Bye Barcelona es un documental acerca de una ciudad y su relación con el turismo, acerca de la difícil convivencia entre Barcelona y los barceloneses, y el turismo y los turistas. Es un documental que expone, de la mano de algunos de sus residentes, los graves efectos que tiene el turismo masivo en la ciudad condal. Es un documental que puedes ver entero, o por capítulos y a tu ritmo, y que no pretende otra cosa que servir de contrapunto a la tan repetida idea de que con el turismo ganamos todos. Este es un documental sobre lo que perdemos.

CRÍTICA

+ "La película se explica como un contrapunto dónde se comprueba que el ciudadano siente que va perdiendo espacios ante una invasión sin parangón del turismo low cost, del consumo rápido de la ciudad, en el que el urbanismo, las políticas públicas y los habitantes se entremezclan de manera perversa y, en ocasiones, implacable." (Lucía Lijtmaer: Eldiario.es)

PUNTUACIONES

 

	6,5		--		7,1
NOTA MEDIA: 6,8

TRAILER

 PELÍCULA COMPLETA

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