REGRESO AL PLANETA DE LOS SIMIOS

 

Como no podía ser de otra manera, el éxito del filme El planeta de los simios (The Planet of the Apes; J. Schaffner, 1968) sería explotado por Hollywood hasta sacarle todo el jugo. Aprovechándose del final del filme de Schaffner que tan grabado ha quedado en nuestras retinas, y que a su vez resulta tan abierto, la 20th Century Fox decide seguir explorando las posibilidades narrativas del planeta dónde habitan los famosos monos. Así nace Regreso al planeta de los simios.

Taylor desaparece tras escapar y descubrier la verdad sobre el planeta al cual llegó tras su viaje espacial. Ahora otra nave llega al lugar estrellándose y del accidente solo logra sobrevivir Brent, el cual tiene la misión de averiguar el paradero de Taylor, a la vez de descubrir dónde ha llegado él mismo. En su búsqueda conocerá a los simios y sus belicistas intenciones en contra de los humanos, con la ayuda de Nova y la Dra. Zira, se adentrará en la zona prohibida, dónde descubre que los simios no son los únicos habitantes del planeta.

Regreso al planeta de los simios no hace más que repetir los esquemas de su antecesora, incluso intentando crear un héroe similar al que dio vida Charlton Heston, esta vez con James Franciscus como protagonista. El mayor problema no es que se convierta en un constante Déjà vu, si no que éste pierde además toda ambición cinematográfica y narrativa, convirtiéndose en una simple cinta de acción, dónde las huidas se convierten en las grandes protagonistas constantes. 

Para evitar un poco esa sensación se decide apostar por una nueva linea narrativa, presentando unos nuevos personajes, evolución de los humanos, que rallan lo ridículo y lo inverosimil, incluso para un filme de ciencia ficción. Ni los efectos, ni decorados se salvan de tal desbarajuste.

Al final nos encontramos ante un filme de lo más simple y elaborado con pocas ganas y gracia. En el que solo los verdaderos fanáticos de la saga lograrán encontrarla meramente entretenida, especialmente al ver recuperados los más míticos personajes del filme del 68.

La cosa podría haber quedado así, de echo el filme, aunque con un final extremadamente abrupto y que llega a ser lo peor del filme, decide terminar de un modo fulminante, dejando la sensación de que no habría más partes, pero parece que la cosa finalmente no fue así, pues sin contar las dos recientes precuelas, el remake de Burton, el spin off en serie o las bizarras versiones niponas, todavía llegaron tres partes más.

Lo dicho, una película de lo más plana que en lo único que llega a sobresalir es en el intento de explorar el universo que se esconde tras ese futuro apocalíptico que se nos presentó en El planeta de los simios, aunque al final quede algo desmerecido.

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TÍTULO ORIGINAL Beneath the Planet of the Apes AÑO 1970 DURACIÓN 95 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Ted Post GUIÓN Paul Dehn (Historia: Paul Dehn, Mort Abrahams. Personajes: Pierre Boulle) MÚSICA Leonard Rosenman FOTOGRAFÍA Milton Krasner REPARTO James Franciscus, Charlton Heston, Kim Hunter, Maurice Evans, Victor Buono, Linda Harrison PRODUCTORA 20th Century Fox

GÉNERO Ciencia ficción. Acción

TEMÁTICA Secuela. Simios. Futuro postapocalíptico

SINOPSIS

Una nueva nave procedente del espacio y del tiempo aterriza al mando del astronauta Brent, que acude en busca del desaparecido George Taylor. Vuelve a encontrarse con los simios que dominan el mundo, relegando a los humanos a la esclavitud. Sin embargo, con la ayuda de la doctora Zira seguirá las huellas de Taylor hasta la Zona Prohibida, en cuyas catacumbas, lo que son las ruinas del metro de Nueva York, encuentra a una raza humana mutante con poderes telepáticos.

CRÍTICA

= "‘Regreso al planeta de los simios’ es una película entretenida, cortita, que repite esquemas en su primera mitad para después ofrecer un desenlace impensable y hasta surrealista. Un film flojito del que no se puede esperar mucho más. Lo mejor que se puede decir de él es que es superior a las tres películas que vinieron después." (Alfonso Gutiérrez Caro: La voz en off)

= "Volver al planeta de los simios supone volver a visionar la lucha de clases de los años 70, incluso dentro de la propia sociedad simia se observa cómo hay diferentes categorías y cómo las clases dominantes (los políticos orangutanes y los guerreros gorilas) manejan y utilizan a la clase inferior (los pacifistas y científicos chimpancés).[...]Regreso al planeta de los simios supone una evolución y un avance de las ideas principales de la primera película, por lo cual es entretenida y sorprendente, pero la recta final se vuelve previsible y la conclusión es bastante típica para la época (recurriendo a la voz en off por la falta de presupuesto para concluirla con un final digno). (Oscar M.: No es cine todo lo que reluce)
+ "Es un muy buen filme en sus propios términos. Quizás no memorable pero superior a la media." (Alejandro Franco: Arlequin)

+ "En conjunto “Regreso al planeta de los simios” es una más que correcta cinta de ciencia-ficción plenamente disfrutable pese a sus carencias, que sin duda sería más conocida de no ser por estar a la sombra de la obra magna que es la película original." (Dr. Quatermass: The Qutermass Xperiment)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,4		6,1
NOTA MEDIA: 5,7

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THE VOICES

Después de que Marjane Satrapi nos dejara anestesiados con su inmensa ópera prima Persépolis (Persepolis; 2007) que dirigió junto a Vincent Paronnaud, película de gran importancia histórica no sólo para el cine de animación sino para el cine en general, y que adaptaba su también imprescindible novela gráfica homónima. Una obra autobiográfica de mensaje anti-belicista que ha catapultado a Satrapi al éxito. La artista de origen iraní siguió su aventura cinéfila estrenando cuatro años después otra adaptación de otros de sus cómics, una vez más junto a Paronnaud. Pollo con ciruelas (Poulet aux prunes; 2011) deja atrás la animación para apostar por los actores de carne y hueso, algo que no terminó de convencer a la crítica. Satrapi abandona Paronnaud en 2012 para presentar La banda de Jotas (La Bande des Jotas; 2012), película que a pesar de estar rodada en España está prácticamente inédita en nuestro país. En esta nueva producción la directora cambia completamente de registro para adentrarse en el mundo del humor negro y gamberro, algo con lo que seguiría trabajando en su última producción The Voices, el filme que hoy os traigo. 

Jerry tiene nuevo trabajo como embalador en una empresa de bañeras dónde conoce a Fiona, una hermosa chica de la que no puede evitar enamorarse. Jerry tiene como amigos a Bosco y el Sr. Bigotes, un perro y un gato con los que suele hablar para escuchar sus consejos, aunque Jerry debería escuchar más los consejos de la Dra. Warren y tomar su medicación. 

El nuevo registro de Satrapi se basa en el humor negro y como ella ha dicho, un cine de entretenimiento, lo que le apetecía hacer, simplemente divertirse. El problema de hacer algo así viene cuando se parte de un guión poco apasionado, pues la mejor manera de disfrutar un filme gamberro es precisamente con las salidas de tono. Pero en The Voices todo se queda corto y en lo único que destaca es en una puesta en escena que roza lo kitsch sin llegar a ello, usada esencialmente para ilustrar el estado mental de su protagonista. Por lo demás es una película que utiliza el tópico fácil y no se adueña de él, por lo que no consigue reírse del mismo si no que lo utiliza como una herramienta poco trabajada que realmente no llega a sorprender. En definitiva, causa poca risa.

Salva el resultado el indiscutible trabajo actoral, este sí, entregado totalmente a dar vida a sus personajes. Hay que partir de Ryan Reynolds, quién sabe pasárselo bien con su esquizofrénico personaje, dándole un toque muy cercano al más que mítico Patrick Bateman de Christian Bale en American Psycho (Mary Harron; 2000), pero desde el cariño y con un descontrol más comedido, pues Jerry no deja de ser una persona ambivalente con sus deseos, afectados por su enfermedad. El reparto femenino que encabeza Gemma Arterton, en uno de los géneros que mejor se le da: la comedia. La actriz da vida a una chica aprovechada que confunde mucho más a Jerry, y Arterton la conduce con soltura, al igual que Anna Kendrick, que incluso llega a destacar mucho más aunque sea con un personaje algo más secundario. El broche de oro lo da la siempre estupenda Jackie Weaver, la psicoterapeuta de Jerry. Weaver siempre sabe dar lo mejor de ella, y eso es indiscutible, esta vez no iba a ser menos, con pocos filmes en sus espaldas esta mujer ya ha demostrado lo bien que se desenvuelve en cualquier género, una maravilla.

Conclusivamente la salida de tono de Satrapi es un desaliento para cualquier fan de la artista. Difícilmente The Voices vaya a contentar a nadie, y se presenta tan solo como un entretenimiento de lo más descafeinado, algo nada positivo para un filme que debería ser todo lo contrarío, le falta garra, mala leche y un humor mucho más marcado. Incluso sus créditos finales llegan a sorprender más que todo el conjunto del filme. Con ello se deja ver, aunque no tenga sorpresas que darnos.

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TÍTULO ORIGINAL The Voices AÑO 2014 DURACIÓN 103 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Marjane Satrapi GUIÓN Michael R. Perry FOTOGRAFÍA Maxime Alexandre REPARTO Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick, Jacki Weaver, Stephanie Vogt, Adi Shankar, Gulliver McGrath, Paul Brightwell, Ricardia Bramley, Helena Prince PRODUCTORA Lionsgate / 1984 / Mandalay Vision / Vertigo Entertainment

GÉNERO Comedia. Thriller

TEMÁTICA Comedia negra. Thriller psicológico. Crimen. Asesinos en serie. Enfermedad. Animales. Perros y lobos. Gatos

SINOPSIS

Jerry vive en un piso con la única compañía de su perro Bosco y de su gato Mr. Whiskers. Hasta aquí todo parece normal, pero cuando conoce a la bella Fiona, nuestro protagonista llega a su casa y no duda en contarle a sus animales de compañía sobre el encuentro. Evidentemente, ellos contestan.

PREMIOS

2014: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso
2015: Gérardmer Filml Festival: Premio de la audiencia. Premio del jurado

CRÍTICA

+ "Un híbrido de género salvaje y, a ratos, hilarante, que ofrece una impresionante interpretación de Ryan Reynolds" (Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter)

= "Ryan Reynolds hace su mejor Norman Bates en una sátira de asesinos en serie con apariencia de chorrada romántica" (Peter Debruge: Variety)

- "'The Voices' intenta llegar a la interesección entre terror y comedia, pero cae en un extraño valle de tediosa repugnancia" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Es, al mismo tiempo, bizarra, divertida, perturbadora y llena de suspense (...) Satrapi evita lo predecible en casi todos los giros (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Ryan Reynolds está pavorosamente perfecto (...) Satrapi se mueve sin esfuerzo entre el gore serio y lo alegremente absurdo (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Sara Stewart: New York Post)

PUNTUACIONES

 

	5,0		6,1		6,4
NOTA MEDIA: 5,8

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LA ÚLTIMA NOCHE DEL TITANIC

Justo esta noche, hace 103 años, se sucedía una de las tragedias humanas más recordadas. El imponente transatlántico RMS Titanic desaparecía en las frías aguas del Atlántico llevándose con él la vida de 1514 personas de un total de 2224 que iban a bordo. El gran buque se ha convertido ya en leyenda, y no han sido pocas las veces que ha pasado por la gran pantalla. Sobra decir que (actualmente) la más famosa de ellas es la gigantesca y premiadísima producción de James Cameron Titanic (1997), obra cumbre del cine épico y comercial contemporáneo, pese a quién le pese. Eso no significa que el filme de Cameron sea en realidad la obra sobre el barco que más atención merezca, pues de entre otras varias producciones hay que destacar una en particular, La última noche del Titanic, filme que adapta uno de los libros más importantes sobre lo sucedido aquella noche -obra de Walter Lord- y un precedente más que evidente para Cameron, hasta el punto de poder considerar su cinta de 1997 un remake de esta.

El 10 de abril de 1912 partía de Southampton (Inglaterra) el mejor barco jamás creado, el Titanic, con destino Nueva York (Estados Unidos) y un total de 2224 pasajeros (contando tripulación). Tras unos días de placentero crucero, el 14 de abril sucedía la gran tragedia. El choque con un iceberg iniciaba el hundimiento del barco hacía las profundidades del océano. Toda una tragedia para las personas abordo.

Sin lugar a dudas, el mejor acierto del filme de la prestigiosa productora Rank, dirigido por el inglés Roy Ward Baker y guionizado por el novelista Eric Ambler, es la decisión de crear una película lo más aproximadamente fiel a su verdadera historia. De este modo nos topamos con una película pacientemente recreada en la que los cuidados detalles poco tienen que envidiar a las pomposidades del filme del 97. La mayoría de elementos que forman parte de la decoración del buque se han logrado conseguir con la mayor fidelidad, en una época dónde la información no era tan certera como la que podemos tener hoy. La película de Baker apuesta por una línea más histórica, alejándose de las opciones narrativas que logran una más sencilla empatía con el espectador, como si hizo Cameron en su filme al crear tramas ficticias paralelas reforzando la dramaturgia. Eso quizás haga que se necesite una mayor apuesta por parte del espectador, pero una trama como lo sucedido con el Titanic no requiere gran esfuerzo por ello, es fácil dejarse atrapar por su terrorífica historia.

Así, La última noche del Titanic se conforma como un filme de conjunto, dónde no hay más protagonista que la propia tragedia, dónde un mosaico de personajes se unen para ayudarnos a hacernos una pequeña idea del alcance de lo que posiblemente sucedió aquella fatídica noche. Personajes fieles a la realidad, que sin la necesidad de que nos los señalen con un dedo, podemos ubicarlos en la verdadera historia.

Artísticamente no solo sobresalen los decorados y detallados vestuarios, si no una fotografía en blanco y negro imponente para el estilo de un filme como este, en la que gracias a la iluminación se cuidan hasta los más pequeños detalles. Lo mismo sucede con la mano de Baker, quien con una realización sencilla consigue muy bien dotar al filme de veracidad e introducirnos de lleno en él gracias a una planificación inteligentemente ejecutada. No es casualidad que James Cameron calcara muchos de sus momentos para su filme.

La última noche del Titanic es sin duda el mejor filme para acercarse a la verdadera historia de la catástrofe, y si todavía no la habéis visto os recomiendo encarecidamente hacerlo, si más tarde recuperáis el filme de 1997, podréis verlo con otros ojos, separando mejor la ficción de la realidad.

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TÍTULO ORIGINAL A Night to Remember AÑO 1958 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés, Ruso, Alemán, Italiano, Polaco DIRECCIÓN Roy Ward Baker GUIÓN Eric Ambler (Libro: Walter Lord) MÚSICA William Alwyn FOTOGRAFÍA Geoffrey Unsworth (B&W) REPARTO Kenneth More, Jill Dixon, David McCallum, Laurence Naismith, Honor Blackman, Frank Lawton, Alec McCowen, George Rose, Sean Connery PRODUCTORA Rank Film Organization

GÉNERO Drama. Acción

TEMÁTICA Basado en hechos reales. Catástrofes. Titanic. Histórico

SINOPSIS

El novelista Eric Ambler adaptó el libro del historiador Walter Lord que relata minuciosamente la primera y última travesía del Titanic, el lujoso barco de pasajeros, que se hundió en las frías aguas del Atlántico Norte en abril de 1912.

PREMIOS

1958: Globos de oro: Mejor película extranjera de habla inglesa
1958: NBR: Top películas extranjeras
1959: Premios Laurel: Nominada a mejor fotografía (b/n)

CRÍTICA

+ "Soberbia labor de realización de Ward Baker, quien domina a la perfección tanto montaje como planificación, logra dotar del desasosiego y la tensión necesaria a la escena para que el espectador, pese a no conocer a fondo a ninguno de sus personajes, se identifique con una situación límite como la que se produjo en el barco minutos antes del naufragio." (Rubén Collazos: Cinemaldito)

+ "La mejor película para muchos de los expertos en el Titanic" (David M. Anton: Halcón de la noche)

+ "Roy Ward Baker representa con sensibilidad, respeto y un fino sentido de la tragedia últimas horas de la nave. Con actuaciones restringidas, 'A Night to Remember' es la más sutil obra cinematográficade de esta monumental catástrofe del siglo XX." (Damian Cannon: Filmref)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,8		7,9
NOTA MEDIA: 7,2

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EL TOUR DE LOS MUPPETS

¿Los Muppets (Teleñecos en España) otra vez? A los ejecutivos de la Disney se les encendió rápido la bombilla (y abrieron bien los bolsillos) cuándo vieron como la vuelta a las pantallas de los queridos muñecos de trapo con Los Muppets (The Muppets; James Bobin, 2011) partió con alabanzas por parte de la crítica, y una buena acogida por parte del público que adoró volver a ver a sus personajes favoritos de nuevo en pantalla. Así que no tardaron en decidir una secuela para su filme, que llegaría tres años después bajo el nombre de El tour de los Muppets.

Una vez terminada su película y recuperar su fama, Los Muppets deben decidir que hacer ahora. Un inesperado manager les propone una gira europea a la que no dudan en apuntarse. De repente aparece Constantine, una malévola rana que se adueñará de la identidad de Kermit (Gustavo) para conseguir cumplir sus perversos planes mientras este es desterrado a una fría cárcel rusa.

El nuevo filme de Los Muppets no podía empezar de mejor modo, con total sinceridad y dejando bien claro lo que vamos a ver. Así empieza con una pegadiza y más que genial canción llamada We're Doing a Sequel (Hagamos una secuela), en la que se atreven a reírse de si mismos, y como no, hacer un poco de sátira sobre las acabadas ideas de Hollywood creando secuelas inacabables de sus productos más solventes. Las marionetas lo dejan claro, esto es lo mismo, pero vamos a pasarlo bien. Y así será.

Aunque El tour de Los Muppets pierda el fuelle nostálgico de su antecesora, algo que le mereció una mayor atención, en realidad no queda muy lejos de repetir las formulas que hicieron de la anterior cinta un producto realmente entretenido. De este modo no solo crea una serie de pegadizas canciones, que ya arrancan desde el inicio con la comentada We're Doing a Sequel, y pasa por estupendas letras como I'll Get You What You Want (Cockatoo in Malibu); Interrogation Song con un divertido Ty Burrell (no se me ocurre actor más acertado para un filme de los Teleñecos); Something So Right, con una Celin Dion que sabe reírse de si misma; e incluso una adaptación de La Macarena (además de una española intro de The Show of Muppets -si logras entender el acento-); si no que el filme cuenta como siempre con multitud de apariciones estelares de la altura de Lady Gaga, Zach Galifianakis (que repite), Tom Hiddleston, Christopher Waltz, Tony Bennett, Salma Hayek, Frank Langella o Danny Trejo... Entre muchos más.

Todo ello sin contar las tres actuaciones estelares, tres papeles que dan la puntilla cómica al filme del mejor de los modos. La del ya comentado Ty Burrell, que da vida al despistado detective francés que investiga quién está detrás de los robos en los museos, la de Ricky Gervais, que aparece del modo más inesperado pero que no tarda a mostrarnos un lado más oscuro aunque siempre musical de principio a fin, Gervais es conocido como el manager Dominic Badguy o también llamado número dos. Y por último, otro as de la comedia, la divertida Tina Fey que da vida a Nadya la rusa supervisora del Gulag dónde encierran a Kermit. Los tres dan lo mejor de si en unos ambientes dónde se desenvuelven con naturalidad, pues el trío demuestra que la comedia es lo suyo, y junto a Los Muppets están en su salsa. Con sus respectivas canciones no hacen más que brillar.

Sería fácil decir que El tour de Los Muppets no ofrece mucho más allá que lo que ya se nos ofreció en la anterior producción, y podríamos decir que la repetición y la perdida emotiva solo logra sostenerse gracias a un refuerzo de la sátira. Incluso no cuesta darse cuenta como se recurre al tópico local con facilidad. Pero eso sería no ver más allá, pues los hijos de Jim Henson brillan una vez más por si solos, y no hace falta dejarse llevar demasiado para engancharse a su alegría, su humor y su facilidad con el entretenimiento puro. Y aunque digan que solo es una secuela, yo diría, no hay nada mejor que hacerla con ganas, con alegría, y emoción. Algo que no falta aquí.

No es ni de lejos el filme más redondo que podáis ver, pero es una entretenida cinta con unos de los mejores personajes que Hollywood nos ha sabido dar, y que por muchos años nos sigan entreteniendo, muy disfrutable. Pepperoni.

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TÍTULO ORIGINAL Muppets Most Wanted AÑO 2014 DURACIÓN 112 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Alemán, Ruso, Español DIRECCIÓN James Bobin GUIÓN James Bobin, Nicholas Stoller MÚSICA Christophe Beck FOTOGRAFÍA Don Burgess REPARTO The Muppets, Ricky Gervais, Ty Burrell, Tina Fey, Tom Hiddleston, Christoph Waltz, Ray Liotta, Salma Hayek, Frank Langella, Jemaine Clement, Til Schweiger, Peter Serafinowicz, Danny Trejo, Debby Ryan, Chloë Grace Moretz, Usher, Celine Dion PRODUCTORA Walt Disney Pictures / Mandeville Films

GÉNERO Musical. Comedia

TEMÁTICA Cine familiar. Marionetas. Puppet motion

SINOPSIS

La pandilla de los Muppets se va de gira por todo el mundo, llenando las mejores salas de las capitales europeas como Berlín, Madrid o Londres. Pero no se libran del caos ni siquiera en el extranjero, pues se ven involuntariamente atrapados en una intriga internacional que encabezan Constantine, el mayor delincuente del mundo y la viva imagen de la Rana René, y Dominic, su vil compinche.

PREMIOS

2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor canción "I’ll Get What You Want"
2014: BAFTA: Nominada a los premios infantiles.

CRÍTICA

- "La chispa de creatividad y el sentido de un propósito han desaparecido en esta artificial aventura transcontinental." (Justin Chang: Variety)

- "El repetitivo argumento sobre los sucesivos atracos durante una gira de los Muppets por Europea se hace tedioso y la diversión es intermitente." (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

- "La música suena y las luces están encendidas, pero parece como si no hubiera nadie en casa. (...) Puntuación: ★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Dejando a un lado la historia, lo importante son los gags, las canciones y luego más gags (...) Los chistes son buenos: la alegre mezcla habitual del humor de los personajes, la comedia de situación, la farsa, la sátira y los juegos de palabras. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Anna Smith: Time Out)

+ "Una fresca, alegre y animada travesura con el talento cómico de Ricky Gervais, Ty Burrell y Tina Fey. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

= "Todo ello termina siendo una entrada llena de acontecimientos en la biblioteca de películas de los Muppets, pero no un clásico." (Neil Genzlinger: The New York Times)

- "Las mejores películas de los Muppets han sido grandes porque tenían encanto. En ésta no hay encanto, de verdad; sólo bromas autorreferenciales, canciones decentes, pero no memorables, y montones y montones de cameos. (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

= "La sensación de que esta broma se ha estirado demasiado llega pronto. Afortunadamente, la buena voluntad de 'Muppet' le ayuda a seguir adelante. (...) Puntuación: ★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

= "Esta secuela no es ni de lejos tan buena ni tan carismática como el título que la precedió. (...) Hay buenos números musicales (...) gags afortunados, pero todo en el interior de un conjunto algo desmañado." (Jordi Costa: Diario El País)

- "Lo tiene todo menos gracia. Falla el sentido del humor transgresor y cómplice, marca de la casa." (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "La trama es lo de menos (...) [escenas] muy bien resueltas, golpes de efecto humorísticos logrados y un clima festivo" (Pablo O. Scholz: Diario Clarín)

+ "Es una película de lujo en el panorama de películas aptas para todo público. Los Muppets son una de las grandes creaciones de la cultura del siglo XX." (Javier Porta Fouz: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	7,0		5,2		6,5
NOTA MEDIA: 6,2

TRAILER

PROMO "WE'RE DOING A SEQUEL"

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ANIKI-BÓBÓ

 

El día 2 de abril fallecía con 106 años uno de los cineastas más longevos del viejo continente. Manoel de Oliveira se mantuvo activo hasta el final realizando hasta una treintena de películas. De este modo, el portugués, se ha convertido en uno de los más celebres y reconocidos cineastas de su país, estando siempre a la vanguardia de las tendencias cinematográficas y entendiendo el cine como un noble arte, una "manifestación cultural moderna, indispensable, necesaria". Con su desaparición nos queda una filmografía rica, y para conmemorarlo no se me ocurre mejor modo que hacerlo con su primer largo de ficción, Aniki-Bóbó.

 

El filme nos muestra las aventuras de una pandilla de muchachos que viven en la ciudad de Oporto, dónde destacan el despistado Carlitos y el matón Eduardinho, dos muchachos que se pelean por conquistar a la pequella Terezinha, aunque eso les haga apartar del camino correcto.

 

Manoel de Oliveira se avanza unos años al Neorrealismo italiano para retratarnos las barriadas de la bella Oporto. Ya en esta primera aproximación cinematográfica podemos darnos cuenta del adelanto de Oliveira en su visión vanguardista del séptimo arte, creando una filmografía de identidad propia que irá puliendo poco a poco según sus propios intereses.

 

Para ello, Oliveira, decide mostrarnos la sociedad portuguesa desde la mirada paralela de unos niños, cuyas preocupaciones quedan lejos de la cotidianidad del adulto. De este modo consigue a segundas instancias retratar la realidad social a través del foco que la cámara le ofrece, pues los juegos y sus reflexiones no serían los mismos de no ser por el tapiz social que les envuelve, algo fácil de ver al extender nuestra mirada en la totalidad del campo de filmación que Oliveira crea en Aniki-Bóbó. Como decía, adelantándose a sus coetáneos italianos, el director portugués apuesta por los escenarios naturales y los actores amateur par dotar de profundidad el mensaje de su filme.

 

El relato principal se centra en esos niños fruto de la sociedad que les envuelve, que entre juegos, risas y peleas, reflexionan sobre sus propias preocupaciones. Un pequeño grupo que fácilmente se convierte en bandera del mensaje de preocupación colectiva y coalición comunitaria para superar los malos momentos. Así, Carlitos, aprende una lección gracias al remordimiento y la culpa, y de pasada Eduardinho tendrá la oportunidad de valorar el verdadero significado de la amistad.

 

Oliveira consigue tan solo con la cámara realzar su mensaje, podemos fijarnos en cualquiera de sus escenas para darnos cuenta de ello, pero se hace especialmente latente en las escenas nocturnas, sobretodo en la escena del juego de policías y ladrones, dónde el juego de luces y el montaje son realmente soberbios, Oliveira nos cuenta más con su realización que con el propio texto que adapta la novela de Rodrigues de Freitas.

 

Aniki-Bóbó es más que un juego de niños, es un relato a pequeña escala de una sociedad como la portuguesa. Un canto a la solidaridad y a la unión de fuerzas, pero especialmente un relato sobre la inocencia, ese maravilloso tesoro que hay que intentar no perder.

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TÍTULO ORIGINAL Aniki-Bóbó AÑO 1942 DURACIÓN 71 min. PAÍS Portugal IDIOMA Portugués DIRECCIÓN Manoel de Oliveira GUIÓN Manoel de Oliveira (Novela: Dr. Rodrigues de Freitas) MÚSICA Jaime Silva Filho FOTOGRAFÍA António Mendes (B&W) REPARTO Nascimento Fernandez, Fernanda Matos, Horácio Silva, António Santos, António Morais Soares, Feliciano David, Manuel Sousa, António Pereira, Américo Botelho, Rafael Mota, Vital dos Santos PRODUCTORA Produções António Lopes Ribeiro

GÉNERO Drama. Comedia

TEMÁTICA Infancia. Amistad

SINOPSIS

La película sigue a unos niños por las calles de Oporto, donde el grito de guerra es "Aniki-Bóbó!". El jefe del grupo, Eduardinho lucha con otro niño, Carlitos, por ganarse la amistad de Terezinha, la única niña del grupo.

CRÍTICA

+ "Sin duda, nos encontramos ante una de las mejores películas del cine portugués de todos los tiempos." (Rubén Redondo: Cinemaldito)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,2		7,9
NOTA MEDIA: 7,4

ESCENA

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PRIDE

No voy a ser yo el que caiga en el tópico de que estos días de fiesta no hay demasiadas películas interesantes en cartelera, pues parece que esta semana santa ha quedado completita en lo que a variedad se refiere. Así, uno puede optar por cualquiera de los blockbusters que suelen aparecer durante estas fechas en las salas, o por alguna de las pequeñas joyas apartadas de lo más comercial. Por mi parte prefiero situarme en un punto medio, pues Pride, uno de los bombazos de esta última temporada, reside en ese limbo de cine que sirve de unión con ambas partes. La cinta de Matthew Warchus ha logrado triunfar con el público y con la crítica, siendo sin duda una (que no la única) de las comedias del año.

En 1984, en pleno gobierno Tatcher, el Sindicato Nacional de Mineros convoca una huelga que durará una larga temporada. A su vez, el verano de ese mismo año, y en plena celebración del Orgullo gay en Londres, un pequeño grupo de homosexuales decide recaudar fondos para las familias de los mineros. La unión de ambos sectores sociales se convierte en toda una muestra de lucha hermanada en pro de los derechos, aunque para algunos la moral y la decencia impida la aceptación de la ayuda de un grupo de personas que hacen gala de su "desviada" orientación sexual.

Basándose en un hecho histórico, Pride no es ninguna novedad cinematográfica, pues repite formulas muy vistas por todos. Heredera de la comedia social británica, la cinta de Warchus es un ejemplo más de película que se ve lastrada por el éxito arrasador que tuvo una cinta como Full Monty (The Full Monty; Peter Cattaneo, 1997) -a su vez deudora del cine cómico inglés-. Pues adentrarse en un entramado social a través de la comedia es algo ya sobradamente explotado. Pero no por ello hay que decir que la película no merezca un gran reconocimiento, todo lo contrario, pues a pesar de esas reformulaciones, Pride, consigue presentarse como una película fresca, emotiva y realmente divertida, muy en contra de lo que los tópicos podrían hacernos pensar, pues consigue hacerse suyo cada uno de esos elementos tan recurrentes con los que es fácil sentirse atrapado.

Pride es ante todo una sana comedia, una comedia construida a raíz de un acontecimiento real a priori nada dado a la jocosidad, pues no hay que olvidar que estamos hablando de un momento en el que la lucha obrera, la lucha por la igualdad social, y la expansión del VIH, estaba en boca de todos. Construir una comedia basada en el respeto a raíz de estas premisas ya es de por si un noble acto, pero hacerlo con un resultado como el de Pride es todavía más aplaudible. Es curioso, que hayan tenido que pasar 30 años, para que alguien decida construir un filme basándose en unos hechos tan curiosos como la unión de dos sectores (a priori) tan distintos.

Sin recurrir a grandes amaneramientos técnicos ni artísticos, pues Pride no juega en esa liga, Warchus presenta el guión de Stephen Beresford de la mejor de las maneras. Un guión inteligente, armado con decisión y con una entrega que es fácil de identificar. Los momentos álgidos y los diálogos llenos de chispa no se echan en falta en ningún momento, pues la película está sembrada de cabo a rabo con ellos. Su grupo de actores se encarga de dar vida a esas ideas, y lo hacen con entrega, y con un feeling que hace fácil la digestión.

Pero lo mejor de la formula, algo que rara vez no funciona, es el logro de hacernos reír y a su vez emocionarnos, que aunque sea una mezcla cuyo resultado suela ser de agrado de casi todo el mundo, también hay que reconocer que es difícil llevarla a cabo con éxito, pues la salida de tono puede ser de lo más sonada. Pride lo consigue, nos hace emocionar y reír al mismo tiempo, y se presenta como un producto no solo entretenido, si no que para más inri con unas intenciones morales de lo más aceptables, aunque haya pasado mucho tiempo, su relato sigue estando muy vigente.

Muy recomendable para todo aquel que busque pasar el mejor de los ratos con un filme totalmente entregado. Apto para todos, algo de lo que pocas películas pueden presumir. Y para más inri podemos disfrutar de una banda sonora, que por si sola consigue entusiasmarnos.

Estupenda.

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TÍTULO ORIGINAL Pride AÑO 2014 DURACIÓN 120 min. PAÍS Reino Unido, Francia IDIOMA Inglés, Galés DIRECCIÓN Matthew Warchus GUIÓN Stephen Beresford MÚSICA Christopher Nightingale FOTOGRAFÍA Tat Radcliffe REPARTO Ben Schnetzer, Monica Dolan, George MacKay, Bill Nighy, Andrew Scott, Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine, Joseph Gilgun, Sophie Evans, Jessie Cave, Freddie Fox PRODUCTORA Calamity Films / Pathé / BBC Films / Proud Films / BFI / Canal+ / Ciné+

GÉNERO Comedia. Drama

TEMÁTICA Drama social. Comedia dramática. Basada en hechos reales. Años 80. Homosexualidad. Cine social. Trabajo/Empleo. SIDA. LGBTIQ

SINOPSIS

En el verano de 1984, siendo primera ministra Margaret Thatcher, el Sindicato Nacional de Mineros (NUM) convoca una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un grupo de lesbianas y gays se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los trabajadores, pero el sindicato no acepta el dinero. El grupo decide entonces ponerse en contacto directo con los mineros y van a un pueblecito de Gales. Empieza así la curiosa historia de dos comunidades totalmente diferentes que se unen por una causa común.

PREMIOS

2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor película - Comedia o musical
2014: Premios BAFTA: Mejor debut de un escritor, director o productor británico. 2 Nominaciones
2014: British Independent Film Awards: Mejor película independiente, Mejor actriz de reparto (Imelda Staunton), Mejor actor de reparto (Andrew Scott). 4 Nominaciones
2014: Cannes: Queer Palm

CRÍTICA

+ "Una película hecha para gustar al público, en el mejor sentido (...) 'Pride' no es sutil cuando señala sus propósitos, pero, por desgracia, son temas que todavía necesitan señalarse (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "La fórmula 'Full Monty' está viva, en buen estado y todavía es irresistible (... ) tiene sus toques cursis pero consigue una honesta reacción emocional con su conmovedor final" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Una huelga desgraciadamente separatista en la Gran Bretaña de Margaret Thatcher, promueve la improbable unión solidaria entre mineros asediados y activistas gays en esta conmovedora historia real" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "La historia del olvidado movimiento LGSM (...) tiene tantos matices inspiradores de buen rollo, que la única verdadera sorpresa es que haya tardado tres décadas en ser desenterrada para propósitos cinematográficos" (Charles Gant: Variety)

+ "Warchus es director de teatro de profesión, y 'Pride' vibra con la misma energía y el mismo estímulo que una gran obra sobre el escenario. Busca los aplausos, y se los gana. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Es cálida e ingeniosa, con unas interpretaciones fenomenales; el guión de Stephen Beresford es rápido y divertido y tiene una entusiasta banda sonora de Chris Nightingale. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Para ser una película descaradamente comercial, no tiene reticiencias o reparos para gritar a favor del poder de la solidaridad, la amistad y la empatía (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Dave Calhoun: Time Out)

= "De ambiciosa temática y desarrollo algo esquemático, 'Pride' encuentra la emoción cuando busca la verdad de sus personajes, y el resquemor cuando huye de los problemas por medio de bromas que buscan la risa más fácil." (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "'Pride' se disfruta sin querer, emociona sin avasallar, divierte sin ofender. Definitivamente, esta es la película que todo el mundo recomendaría a todo el mundo sin la menor posibilidad de arrepentimiento." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Demasiado amable en su conjunto, con clímax de dudoso gusto, contiene, sin embargo, interpretaciones convincentes y momentos agradecidos (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Se enmarca en el efectivo linaje de la feel-good movie británica: cine de sonrisas y lágrimas, con trasfondo social (...) 'Pride' no esconde que busca el aplauso del público. Y lo consigue. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Roger Salvans: Fotogramas)

= "Es entretenida y emotiva, aunque, en ocasiones, resulte demasiado naíf y pueda caer en tópicos (que los hay). Pero logra su objetivo (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	8,0		7,2		7,8
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

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