EL CUARTO DE LEO

El día 28 de junio se celebraba el aniversario de los disturbios de Stonewall, una fecha para recordar ya que marca un punto de inflexión en pro de la lucha contra las desigualdades por orientación sexual. Antes de ese día de 1969 la comunidad homosexual vivía en Estados Unidos bajo un sistema legal opresivo, incluso mayor que el de los países de la Europa Oriental, pero ese 28 de junio una serie de manifestaciones espontáneas y violentas contra una redada policial en un club de nombre Stonewall Inn fue marcado en el todos los calendarios del mundo como fecha en que las comunidades LGTB salieron de las sombras para conseguir unos derechos de igualdad de los que históricamente habían sido privados. A día de hoy la mayoría de personas cuando piensan en esta celebración, tiene una imagen errónea de su razón de ser, olvidando los verdaderos motivos que nos deben seguir llevando a reivindicar unos derechos, que aunque con el paso del tiempo han ido mejorando todavía tienen mucho por transformarse, y lo que es más importante, para terminar creando una normalización que nos lleve a abandonar las reivindicaciones en días como hoy, pero especialmente en el día a día.

El cuarto de Leo es un buen ejemplo de la huella que ha dejado en la sociedad actual esa herencia de odio hacía las personas que algunos consideran distintas, una huella de miedo y rechazo que ha conducido, y en ocasiones sigue conduciendo, a la infelicidad de tantas y tantas personas. En esta coproducción entre Uruguay y Argentina, donde se estrena en el mundo del largometraje Enrique Buchichio, se nos narran los problemas de identificación de Leo, un joven que intenta encontrarse a si mismo en una batalla contra esos temores, a su vez también se nos presenta la historia de Caro, una chica sumergida en una terrible depresión, el encuentro entre los dos repercutirá en sus mundos, sin estos conocer los verdaderos problemas del otro.

El film, que suma atracción a medida que la historia avanza, esta contado con un estupendo tono que danza entre lo distante y lo bucólico con un resultado que establece una fantástica conexión emocional con la historia, su pequeños deslices de dirección primeriza no se ven para nada destacados sobre el conjunto de la película, siendo en ocasiones hasta simpáticos. Tonos naturales en la fotografía, que se combinan con otros algo más saturados hacía el final del metraje que no hacen más que sumar fuerza narrativa a su argumento. Una banda sonora que de entrada puede parecernos floja e incluso mal tratada, pero que una vez la película nos ha hecho suyos también se filtra hacía nosotros entre las imágenes.

El reparto tan estupendo como los propios personajes dotan de una inmensa credibilidad a sus creaciones, no solo sus protagonistas, un increíble Martín Rodríguez en el personaje de Leo, si no también los secundarios, que aunque en ocasiones se nos presenten de un modo casi anecdótico o desde la distancia, su fuerza en el conjunto es imprescindible para reforzar ese mundo interior de las personas, extrapolando las emociones de sus protagonistas a la sociedad en general.

Por otro lado es cierto que es más fácil conectar con la película, ayudando a verla con mejores ojos, si encontramos algún hilo que nos lleve a empatizar con aquello que nos cuenta, aunque el filme tiene los suficientes argumentos para conseguirlo no siempre puede ocurrir, en esos casos quizás se vea el metraje como una anecdótica historia más sobre desorientación, aunque de todos modos sea un ejemplo estupendo del tema y de un nivel de calidad lo suficientemente alto como para no decepcionarse.

Una película armoniosa, amable, nostálgica y sencilla que a pesar de sus tristes anecdotarios,  nos deja con una estupenda sonrisa final.

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TÍTULO ORIGINAL El cuarto de Leo

AÑO 2009
DURACIÓN 92 min.
PAÍS Uruguay, Argentina
IDIOMA Español
DIRECTOR Enrique Buchichio
GUIÓN Enrique Buchichio
MÚSICA Sebastián Kramer
FOTOGRAFÍA Pedro Luque
REPARTO Martín Rodríguez, Cecilia Cosero, Gerardo Begerez, Mirella Pascual, Rafael Soliwoda, Arturo Goetz, Carolina Alarcón, César Troncoso, Leonor Svarcas
PRODUCTORA Lavorágine Films
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Homosexualidad. LGBTIQ

SINOPSIS

Leo, un joven en pleno proceso de autoaceptación y definición sexual, se reencuentra con Caro, una ex compañera de escuela primaria que le gustaba cuando eran más pequeños, y que ahora vive su propia crisis personal. Ese reencuentro casual va a repercutir en los conflictos de cada uno, sin que ninguno de los dos sepa lo que realmente le pasa al otro.

CRÍTICAS

+ Una serie de aciertos en el tratamiento de un tópico que podría haberse desbarrancado desde el principio. Sin embargo, Buchichio elige el camino de la sencillez narrativa -algo que se dice fácil pero puede resultar lo más complicado de construir- para trazar este periplo intimista donde se entrecruzan otros destinos en un sensible entramado de emociones contenidas. [...] una caligrafía jerarquizada por la moderación que se aleja de cualquier estridencia o golpe bajo para redondear un quiebre existencial con digna sobriedad. (Gustavo Iribarne: LaRed21)

+ Buchichio tiene cosas que decir y las sabe decir muy bien, gracias a unos actores que le acompañan en este viaje intimista. (Manu Argüelles: El espectador imaginario)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,2

- Filmaffinity: 6,2

- IMDB: 6,7

* Media: 6,7

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LAS CHICAS DE LA SEXTA PLANTA (LAS CHICAS DE LA 6ª PLANTA)

El mejor adjetivo para definir esta cinta es entrañable. Una comedia suave y dulce fácilmente digerible. Quizás peca por exceso de azucares, y seguramente aprovecha demasiado los clichés, pero al final deja un sabor agradable y su contenido es sobradamente interesante.

En plena Francia, en un edificio de familias acomodadas, trabaja un grupo de mujeres españolas que han emigrado del país huyendo de la dictadura franquista y de los estragos de la guerra civil. Se encargan de servir a las familias que allí viven trabajando casi toda la jornada, todos los días de la semana, por bajos sueldos y viviendo en situaciones que pocos aguantarían.

El relato nos conduce a los 60, época dónde los inmigrantes eramos nosotros, algo que con el tiempo parece que muchos han olvidado, eso si, el tiempo es cíclico y hay cosas que vuelven, hoy por desgracia volvemos a estar en una situación, no igual, pero si parecida a la que vivieron algunos de nuestros abuelos y abuelas, que tuvieron que alejarse de sus casas y seres queridos para buscar "fortuna" en un país vecino. En ese sentido, el ejemplo histórico que nos da la película es una maravilla, y ayuda a entender lo que sintió esa gente en esa dura época. A su vez, es un gran relato sobre las diferencias culturales entre los países, un ejemplo etnológico muy acertado aunque sea en clave de comedia.

Su mejor pieza, sin duda alguna es su espectacular reparto, de hecho Carmen Maura logró llevarse el premio a mejor actriz secundaria en la pasada edición de los Cesar, los premios de la academia de cine francesa, aunque entre nosotros, no destaca especialmente sobre ninguna de sus compañeras de reparto, de hecho es su conjunto el que da fuerza y conforman entre todas la radiografía de una sociedad entera. Los franceses tampoco quedan atrás, en especial esa Sandrine Kiberlain que se encarga del papel de nueva rica.

El diseño de producción es impoluto, su ambientación única y simplemente imposible de superar, no han terminado los créditos de inicio del film que ya nos encontramos de lleno en la Francia de los 60, no hay lugar para la duda, y de igual modo nos atrapan los paisajes de la España de esa misma época, una España rural, con sus casas proletarias mimetizadas con los campos amarillos, todo ello predominado por una fotografía soleada muy castiza.

Si el edulcorante, aunque tampoco lo tiene en exceso, no es molestia para vosotros, y tampoco os molestan los clichés de siempre: ver españoles por el mundo cantando por buleria o riendo de un chiste de toros, esta es una película que disfrutaréis, si no es así, tampoco os va a decepcionar.

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TÍTULO ORIGINAL Les femmes du 6ème étage
AÑO 2010
DURACIÓN 106 min.
PAÍS Francia
IDIOMA Francés, Español
DIRECTOR Philippe Le Guay
GUIÓN Philippe Le Guay, Jérôme Tonnerre
MÚSICA Jorge Arriagada
FOTOGRAFÍA Jean-Claude Larrieu
REPARTO Fabrice Luchini, Sandrine Kiberlain, Natalia Verbeke, Carmen Maura, Lola Dueñas, Berta Ojea, Nuria Solé, Concha Galán, Muriel Solvay, Annie Mercier
PRODUCTORA Les Films de la Suane / France 2 Cinéma
GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Años 60. Inmigración

SINOPSIS

Narra en clave de comedia la historia de un grupo de españolas que en los años sesenta emigraron a Francia para trabajar como criadas en casas de familias acomodadas.

PREMIOS

2011: Premios Cesar: Mejor actriz secundaria (Carmen Maura). 3 nominaciones
2011: Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes (Fuera de competición)

CRÍTICAS

- "Nada brillante que destacar en 'Las mujeres de la sexta planta' (...) Está protagonizada por el tópico y el pasteleo, una combinación que la taquilla valora mucho." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Aunque no faltan clichés, la película va más allá. Una comedia algo endulzada pero también muy irónica (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

= "Hay tanto cliché en la representación de esas españolas (...) como en el retrato de las burguesas parisinas (...) Le Guay demuestra que entre Francia y España no están solo los Pirineos: también se extiende un infranqueable prejuicio cultural." (Jordi Costa: Diario El País)

- "Demasiados estereotipos y tópicos (...) Qué extrañamente condescendiente y altanera resulta la propuesta de este galo (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

+ "Ofrece suficientes alicientes para el espectador: para empezar, un casting compacto, cómplice; seguido de un humor naif (...), y un diseño de producción que te mete en el París de los años 60 de una manera inmediata, fácil. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Pere Vall: Fotogramas)

+ "Todo es sencillo y cercano, una historia bien contada, dos o tres brochazos de melaza sin empalagar y unos estupendos actores. (...) bastan pocos destellos de vida para justificar la visión de este cuento entrañable" (Toni Vall: Cinemanía)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,7

- Filmaffinity: 6,2

- IMDB: 7,1

* Media: 6,7

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ESPUI

La burbuja inmobiliaria no dejó rincón en nuestro país sin querer explotar, y la película que hoy comentamos ilustra a la perfección los resultados que ha dejado la expansión de semejante avaricia. Para ello nos conduce hasta Espui, un pequeño pueblo rural  en la comarca catalana del Pallars Jussà, en pleno Pirineo, un lugar dónde la sociedad y la naturaleza conviven en perfecta armonía.

Anna Soldevila debuta con este pequeño documental estrenado en televisión y visto en algunos festivales del país y del extranjero, un trabajo que ilustra muy bien no solo la situación en que nos ha dejado el boom del ladrillo, si no el modo de vida de algunas de las zonas más maravillosas de nuestro territorio (nunca va mal un poco de publicidad de mi tierra).

La cinta nos cuenta a través de la visión de los vecinos de Espui como es la vida en el pueblo, como los jóvenes han ido abandonado el territorio a causa de una falta de oportunidades con las que labrarse un futuro o por no querer seguir con la tradición ganadera o de cultivos que poco a poco va mermando su existencia. Con ello una empresa de construcción ofrece a los vecinos una oportunidad de abrir horizontes construyendo un complejo que conectará con las estaciones de esquí y que atraerá el turismo al territorio, consiguiendo así que no se pierda la población en el olvido. Después de años y años de obras, la empresa abandona el proyecto dejando el pueblo patas arriba y a los nuevos inquilinos del lugar con la sensación de haber sido engañados.

Indudablemente lo que nos cuenta está sobrado de interés, si bien la mezcla de tonos que usa Soldevila confunde la narración de la que se podrían haber sacado dos películas distintas. De entrada nos ofrece un documental que quiere ser intimo, narrando las experiencias desde un punto de misticismo de manos de su familia y vecinos de Espui, acercándose a producciones como El cielo gira, pero la mezcla con el reportaje puro y duro no termina de cuajar los dos conceptos, perdiendo fuerza y enmascarándose uno con el otro. Si la directora hubiese decidido centrarse por completo en narrar los hechos de la problemática abandonando la idea más intima el resultado hubiese sido doblemente interesante.

De todos modos, el resultado cuenta con el suficiente interés como para querer visionar la película, que no se posiciona hacia ningún lado, contándonos por un lado los aspectos positivos del proyecto de construcción, y mostrando por el otro los negativos y los pésimos resultados que ha dejado, a pesar de ello nuestro sentido común sabe ver semejante idea como una locura, a la vez que comprende y empatiza con los habitantes de la población viendo una salida de futuro en la idea.

Un trabajo interesante que a pesar de sus puntos flacos no defrauda en su visionado y que nos acerca a una realidad a veces desconocida.

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TÍTULO ORIGINAL Espui
AÑO 2010
DURACIÓN 71 min.
PAÍS España
IDIOMA Catalán
DIRECTOR Anna Soldevila
GUIÓN Anna Soldevila
MÚSICA Florenci Ferrer
FOTOGRAFÍA Anna Soldevila
PRODUCTORA Soona films / Televisió de Catalunya
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Vida rural. Crisis económica.

SINOPSIS

La vida transcurre tranquila en Espui hasta que un día llegan las excavadoras y las grúas. Se construirá una zona residencial con pista de esquí y campo de golf. Sus habitantes vivirán en primera persona la explosión de la burbuja inmobiliaria.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6

- Filmaffinity: (Sin puntuar)

- IMDB: (No catalogada)

* Media: 6

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ASÍ EN EL CIELO COMO EN LA TIERRA

Fallece ayer el actor gaditano Juan Luis Galiardo a sus 72 años de edad y a causa de un cáncer pulmonar, el actor es sobradamente conocido en España por haber participado en casi un centenar de películas, al igual que por su larga trayectoria teatral y una fuerte presencia en televisión, de hecho, su repentina muerte a pillado de imprevisto a la productora de la serie de Antena 3, Gran Hotel, en la que participaba con uno de los papeles principales. Su enfermedad ha sido tan rápida que hasta hace poco ha estado trabajando, pudimos verlo a finales de año en el último trabajo de Alex de la Iglesia, La Chispa de la vida. Por suerte, la magia del cine consigue que no le olvidemos, así que para rendirle un pequeño homenaje hemos buscado una de las muchas películas en las que ha trabajado eligiendo una comedia para que su muerte no quede en tristeza, que a pesar de no contar con uno de los papeles principales consigue hacer notar su presencia en la parte que le corresponde.

Así en el cielo como en la tierra es el film de José Luis Cuerda que cierra la estupenda trilogía surrealista que fue inaugurada en 1983 con el mediometraje para televisión Total, película que comentaremos más adelante; en el 88 llegaría la segunda parte, Amanece, que no es poco, una excelente cinta que ya ha pasado a la historia como uno de esos trabajos patrios que no hay que perderse; y por último el film de hoy, ya estrenado en 1995.

En esta última entrega Cuerda no abandona su universo surrealista, pero lo transporta al género fantástico perdiendo así parte de la astracanada que caracterizaba sus otras dos partes, a pesar de ello, el territorio dónde conduce la acción es tan original y atrevido que consigue salvar la papeleta. Y es que a pesar de estar rodada en los noventa, todavía hoy hay sectores que se echarán las manos a la cabeza al conocer su argumento.

Dios todo poderoso, no contento y sintiéndose culpable por el rumbo que ha tomado la humanidad, decide tener otro hijo para reconducirla. Como era de esperar, a su primogénito Jesucristo no le hace gracia la idea, por eso convence a su padre que la mejor solución es el Apocalipsis. Ya que en el cielo escasean las vírgenes y las que quedan no están muy por la labor de ser las nuevas madres de Diós, este decide hacer caso de la idea de Jesús a pesar de contar con un bajo presupuesto para realizarla.

Si la premisa no es original ya no sabría como definirla, sumando que el cielo ha sido concebido como una copia de un pequeño reducto rural español, y que sus personajes cuentan con unas características propias de la sátira, que arremete sutilmente no solo contra la religión, si no que también con la actual sociedad, que además son interpretados todos ellos con un reparto de excelentes resultados, nos topamos con una simpática cinta, llena de gags ingeniosos donde la carcajada esta asegurada. A pesar de ello, no sé si por la comparativa con sus hermanas, la película nos ofrece un resultado más flojo, que atrapa menos y que al adaptar algunos de aquellos momentos que recordamos con más fuerza, sé desmorona un poco en su conjunto. Pero no nos engañemos, el trabajo es lo suficientemente solido para sostenerse por si mismo, y nos ofrece multitud de momentos ingeniosos y divertidos que hacen que esta película sea tremendamente divertida.

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TÍTULO ORIGINAL Así en el cielo como en la tierra
AÑO 1995
DURACIÓN 90 min.
PAÍS España
IDIOMA Español
DIRECTOR José Luis Cuerda
GUIÓN José Luis Cuerda
MÚSICA Francisco Ibáñez Irribarría
FOTOGRAFÍA Javier Salmones
REPARTO Francisco Rabal, Fernando Fernán Gómez, Jesús Bonilla, Luis Ciges, Agustín González, Gabino Diego, Chus Lampreave, Enrique San Francisco, Mónica Molina, Juan Luis Galiardo, Mary Carmen Ramírez, Achero Mañas, Manuel Alexandre, Álex Angulo, Antonio Gamero, Saturnino García, Luis Hostalot, Isabel Serrano, Alicia Suárez, María Galiana, Javier Mnrique, Liberto Rabal, Fernando Vivanco
PRODUCTORA Atrium Productions
GÉNERO Comedia. Fantástico
TEMÁTICA Comedia absurda. Surrealismo. Religión. Parodia

SINOPSIS

Dios Padre decide enviar a otro hijo a la Tierra para salvar a la humanidad. Pero Jesucristo no está de acuerdo, pues entonces debería reescribirse la historia. Además hay un problema: no hay muchas mujeres vírgenes en el mundo y las que cumplen el requisito no se dejan convencer por el arcángel San Gabriel y se niegan a concebir a nadie. 

PREMIOS

1996: Goya: Mejor actor de reparto (Luis Ciges)

1996: Festival de Comedia de Peñíscola: Mejor guión

CRÍTICAS

+ "Un guión delirante y magníficos actores" (María Casanova: Cinemanía)

= "Delirante comedia que, a pesar de su reparto, no logra pasar del aprobado justito" (Fernando Morales: Diario El País)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,8

- Filmaffinity: 6,7

- IMDB: 6,3

* Media: 6,6

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LA CARAVANA DE MICKEY

Desde la conversión al blog que las películas de corta duración escasean por aquí, un formato que antes tenía más en cuenta, y es que en él podemos encontrar pequeñas grandes obras que es pecado perderse. Así que hoy volveremos a recuperar un poco la tradición con un cortometraje que me trae en mente los buenos tiempos de ese invento llamado Cinexin, horas me pasaba jugando con mi Super 8 Cinexín, y a pesar de tener varias películas, la que más veces proyecté a oscuras en la pared de mi habitación fue la fabulosa Mickey's Trailer.

Con el paso del tiempo, algunos de los cortometrajes de la Disney han perecido quedando anticuados, pero los hay que todavía hoy se conservan tan frescos e ingeniosos como el primer día, en La caravana de Mickey convergen todos los elementos necesarios para ser uno de estos ingeniosos e imperdibles trabajos.

La película nos narra el viaje accidental de Mickey, Donald y pluto en unas vacaciones con su caravana. Una serie de ingeniosos gags deudores del cine mudo, una original muestra de las capacidades artísticas ilimitadas de la animación, y una caravana con una capacidad de transformación única llegando a parecer incluso un personaje más con vida. Todo ello dan como resultado un estupendo trabajo de tal calibre que el conocido director y guionista Preston Sturges, fanático de la animación se basará en él para varias de las secuencias de su gran trabajo Los viajes de Sullivan, repitiendo situaciones, planificación, transiciones... y como ya es sabido, imitando el estilo del cartoon en sus obras.

El corto está dirigido por Ben Sharpsteen, que antes de este trabajo ya sorprendió con otros conocidos y estupendos trabajos como Limpiadores de relojes, La brigada de bomberos de Mickey o Broken Toys. Pero más tarde lograría el prestigio completo al encargarse de la realización de tres de los largometrajes Disney que conforman los pilares de la compañía: Pinocho (el segundo largo de la empresa de Walt), Fantasía (el gran experimento de la Disney, sin duda una obra de culto) y Dumbo (el clásico más económico y libremente artístico que jamás se ha realizado en la factoría, sin duda mi favorito). Con semejante currículo es casi imposible pensar que esta pequeña obra que hoy comentamos pueda defraudar a nadie.

Si todavía no la habéis disfrutado no dudéis más, un clásico de la animación nunca está de más y menos con unas referencias como estas.

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TÍTULO ORIGINAL Walt Disney's Mickey Mouse: Mickey's Trailer
AÑO 1938
DURACIÓN 7 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Ben Sharpsteen
GUIÓN Ben Sharpsteen
VOCES ORIGINALES Walt Disney, Clarence Nash, Pinto Colvig
PRODUCTORA Walt Disney Productions / RKO Radio Pictures
GÉNERO Animación. Comedia. Aventuras. Infantil
TEMÁTICA Cortometraje

SINOPSIS

Mickey Mouse coprotagoniza junto a Donald y Goofy este corto animado, en el que vemos cómo viven y viajan en una autocaravana.

CURIOSIDADES

- Llegó a sufrir la censura por una escena en la que Goofy se electrocutaba, si bien actualmente esa secuencia se incluye en la versión doméstica de la obra.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,7

- Filmaffinity: 7

- IMDB: 8

* Media: 7,6

CORTOMETRAJE EN ESPAÑOL

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MOONRISE KINGDOM

"Un pequeño metrónomo eléctrico marca el tiempo... primero el arpa... luego los violonchelos... flauta... y flautín... guitarra eléctrica... ukelele... guitarra clásica... banjo... las cajas chinas... una vez más, dos arpas... órgano P-3... xilófono... vibráfono... y piano..." y así hasta el triangulo sin olvidar dar las gracias por escuchar...

La maravillosa canción que acompaña a los créditos finales que despiden el último filme de Wes Anderson (o los de la escena inicial) son un buen resumen de su trabajo: una película ejecutada al milímetro, dónde cada movimiento, cada enfoque, transición o plano... tiene su razón de ser y no son fruto de la casualidad, algo con lo que ya tiene acostumbrados a los conocedores de su filmografía, donde además hay que sumarle ese imaginario donde los mayores son frustrados niños en cuerpos de adulto o en esta ocasión adultos atrapados en cuerpo de niño.

Moonrise Kingdom es un cuento, como ya lo fue su antecesora Fantástico Sr. Fox, solo que esta vez no se basa en material ajeno. Un cuento que nos relata la pequeña aventura de dos niños enamorados que huyen del desestructurado mundo que les rodea para crear el suyo propio.

Los variopintos personajes aunque sean pequeñas luces de una simple historia, relucen tan fuerte como los propios actores que les dan vida, unos seres que se definen con tan solo su presencia, solo hace falta ver el plano secuencia inicial para entender todos aquellos que aparecen sin dejar detalle de su personalidad o temores, sin que nos venga de nuevo, Wes Anderson demuestra ser un mago de la narrativa a través de las imágenes, reforzando todo lo que transmiten a través del atrezzo: un libro, un megáfono, un periódico, un bolígrafo... todo elegido con una razón de ser concreta, sin dejar nada al azar, complementándolo con ese delicioso vestuario por el que debería llevarse mil y un premios.

Las características de los protagonistas, así como el fabuloso estilo visual de todo el metraje nos dejan con la sensación que eso que estamos viendo es un film de animación, de nada sirve ver personas de carne y hueso, lo que nosotros percibimos son las situaciones de un cartoon clásico, a lo que hay que sumarle que contiene aquellas características del cine infantil y/o juvenil, como las que cita sobre la estructura Àngel Quintana en su pequeño comentario del filme (Caimán nº 6, Junio 2012, p.33): Fuga, búsqueda, resistencia a la autoridad, conspiración en pandilla y tormenta final; con ello Anderson quiere distanciarse un poco, pero sin soltar de la mano, al resto de su filmografía, es indudable que Mr. Fox a marcado una línea diferencial muy fina y que huye de la repetición en la que caen otros directores de cine.

No hace falta alabar las maravillas de su banda sonora, Alexandre Desplat es símbolo de calidad, y sus trabajos junto a Anderson no pueden ser mejorados, licencia eso si, para el uso acertado de Le temps de l'amour de Françoise Hardy, en un estupendo momento del filme que pasará al imaginario cinéfilo colectivo, aunque pensar que un solo momento de esta película sea la única que pase a formar parte importante de la memoria histórica del cine.

Divertida, ágil y distinta, la película del director tejano es una delicia de paladar fino para degustar placenteramente en cualquier momento, hoy no encontraréis nada mejor en cartel y dejar escapar la oportunidad de verla en pantalla grande es un error de los grandes, así que ya sabéis, dejaros llevar y disfrutar.

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TÍTULO ORIGINAL Moonrise Kingdom
AÑO 2012
DURACIÓN 94 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inlgés
DIRECTOR Wes Anderson
GUIÓN Roman Coppola, Wes Anderson
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Robert D. Yeoman
REPARTO Jared Gilman, Kata Hayward, Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman, Bob Balaban, Harvey Keitel
PRODUCTORA Focus Features / American Empirical Pictures / Indian Paintbrush
GÉNERO Comedia. Drama. Romance
TEMÁTICA Años 60. Cine independiente USA. Comedia dramática. Adolescencia

SINOPSIS

Años 60. La huida de dos jóvenes amantes de su pueblo natal lleva a sus familiares y amigos a salir en su búsqueda. Así, quedarán de manifiesto viejos rencores y ocultas relaciones románticas entre algunos de los personajes que participan en la búsqueda.

PREMIOS

2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes

CRÍTICAS

+ "Como en 'Fantástico Mr.Fox', Anderson es capaz de expresar una compatibilidad y una sincera conexión personal empleando un estilo altamente artificial" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "'Moonrise Kigndom' representa una especie de no-mágica Nunca Jamás - ese fugaz instante cuando el mundo puede ser tan pequeño y un ingenuo enamoramiento puede consumirlo todo" (Peter Debruge: Variety)

+ "La mejor película del director desde 'Academia Rushmore', carece de la autocomplacencia de 'Life Aquatic' o la vacua excentricidad de 'The Royal Tenembaums' (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "La emocionante e hilarante 'Moonrise Kingdom' es un placer constante. Al evocar las alegrías y los terrores de la infancia, nos recuerda cómo sentirnos vivos (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Wes Anderson regresa con 'Moonrise Kingdom', su diorama más estilizado hasta ahora (...) Los verdaderos Andersonitas seguramente flotarán en un estado de nirvana" (David Edelstein: New York Magazine)

- "Fatigoso surrealismo (...) No le encuentro la gracia (...) su tono satírico y alucinado resulta de una sosería alarmante." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Perfecta, de principio a fin. Tan inteligente como emotiva. Tan calculadamente cerebral como conmovedora. Tan real como soñada. Tan cautivadora como precisa." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Logra trascender la rigidez de su propuesta estilística para hablar de los misterios del primer amor derritiéndonos el corazón. (...) Es una película sobre la preadolescencia hecha desde una conmovedora intensidad emocional." (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Anderson no deja de expandirse. Aquí perfecciona aún más su talento para la puesta en escena (...) una sinfonía íntima y a la vez majestuosa (...) un ejercicio de libertad creativa total." (Nando Salvá: Diario El Periódico)

CURIOSIDADES

- Aprovechando el estreno del film, Wes Anderson encargó a Christian De Vita la realización de un cortometraje de animación que fue distribuído exclusivamente online y que cuenta algunas de las historias de los libros de su protagonista. No con tiene spoilers y puede verse en el siguiente enlace. 

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,7

- Filmaffinity: 7,6

- IMDB: 8,3

* Media: 7,7

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CINCO DÍAS SIN NORA (5 DÍAS SIN NORA)

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Sin duda alguna el estreno indiscutible para este fin de semana es Moonrise Kingdome, el último trabajo de Wes Anderson, pero si lo vuestro no son las aglomeraciones y queréis ir a ver cualquier otra película la tarea para elegir va a ser ardua, el fin de semana no se presenta muy positivo en el campo. De todos modos, y ya que seguramente la mayoría de blogs que se decidan a hacer alguna reseña de alguno de los filmes que se estrenan mañana en salas lo hará del filme de Anderson, vamos nosotros a desmarcarnos un poco y a hablar de otro de los pequeños títulos que seguramente se exhibirán mañana con las salas tirando a vacías.

Cinco días con Nora es una comedia negra que se atreve a reírse de un tema tan tabú como es la muerte, y ya de paso salpicar un poco a eso que llamamos religión. El problema del filme es que se encuentra a medio camino entre el humor oscuro y el drama de telenovela, y por desgracia la pendiente no lleva más para el lado melodramático que el de la carcajada sana. Pero no adelantemos, hablemos antes de que va la película.

El filme arranca de un modo notable, unos planos secuencia dónde vemos una mujer preparando la mesa, cocinando, guardando documentos, tomando anotaciones y espiando al vecino... Una vez terminada la corta presentación nos metemos de lleno en su argumento. Esa señora es Nora, una anciana que acaba de suicidarse, pero precavida como ninguna lo ha dejado todo apunto para que su vecino y exmarido José, se encargué de los preparativos de su funeral, unos preparativos, que ella ya habrá programado antes creando una serie de acontecimientos basados en el efecto dominó. Nora, como judía que es era, no podría haber elegido peor fecha, en pleno bullicio de celebración judía con sabbat en medio, a causa de ello José deberá permanecer encerrado en la casa de su exmujer, con ella de cuerpo presente, y aguardando hasta la fecha de su entierro, si no fuese suficiente con tener que aguantar a los variopintos personajes que se irán apareciendo, su protagonista encontrará un detalle que a Nora se le ha pasado por alto y que desequilibrará por completo su cerrado ecosistema emocional.

Lo que podría haber sido una historia gamberra y llena de humor no termina de soltarse, y las dosis de humor que ofrece son tan pequeñas y puntuales que saben a poco, además la narración en vez de ir en un crescendo que culmine en una astracanada donde sea inevitable no soltar unas lagrimas de la risa, termina cayendo en un cambio de registro que tiende a lo melodramático de un modo innecesario que además busca una moraleja en donde no la hay.

Ni tan siquiera el soberbio personaje principal consigue salvar ese declive, un hombre que no tiene pelos en la lengua y que no se calla ante lo que cree absurdo, una persona que es capaz de pasarse el respeto por otro lado si la situación lo requiere, pero al final sigue el mismo camino de declive que la narración y termina fundiéndose con ella, humanizándolo en exceso, como si de entrada ya no pudiésemos ver que tras su fachada de "cabroncete" se encuentra un hombre estupendo. Tampoco sus secundarios, que quizás por el miedo de parecerse a un personaje de cómic no terminan de ser lo suficientemente potentes, quedando sus apariciones sólo en una graciosa presentación que más tarde pierden su esencia por completo.

Pero chic@s, no perdamos la fe, no todo es una catástrofe en este primer trabajo en el largo para la mexicana Mariana Chenillo, que además se atreve a rodar su propio guión. Es innegable que su capacidad por atacar un tema como la religión tan abiertamente pero sin que llegue a ofender a nadie es abrumador, en ese sentido hay que reconocerle un buen trabajo, a ello si le sumamos que finalmente el resultado se deja ver sin caer en la catástrofe más absoluta, solo nos queda definir el filme como uno de esos que podemos ver sin que por ello sintamos el tiempo perdido, eso si, quizás el mejor sitio no sea una pantalla de cine (aunque el panorama no esté para muchas más opciones), y lo mejor sea esperar a que un día nos topemos con ella de repente en un canal de televisión, quizás así nos sorprenda un poco más gratamente y la sensación incluso pueda ser más agradable, al final hay otras alternativas al cine como por ejemplo el fabuloso Festival pirata de cine Asiático organizado por Lost Highway Blog, del que pronto comentaremos alguna de sus propuestas.

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TÍTULO ORIGINAL Cinco días sin Nora (5 días sin Nora)
AÑO 2008
DURACIÓN 93 min.
PAÍS México
IDIOMA Español
DIRECTOR Mariana Chenillo
GUIÓN Mariana Chenillo
MÚSICA Darío González
FOTOGRAFÍA Alberto Anaya Adalid
REPARTO Fernando Luján, Ari Brickman, Verónica Langer, Enrique Arreola, Max Kerlow, Cecilia Suárez, Juan Carlos Colombo, Angelina Peláez, Silvia Mariscal, Juan Pablo Medina, Rodrigo Cachero, Marina de Tavira
PRODUCTORA Cacerola Films / Foprocine
GÉNERO Comedia. Drama
TEMÁTICA Comedia negra. Familia. Religión

SINOPSIS

Antes de morir, Nora elabora un plan para que José, su ex marido, tenga que hacerse cargo del entierro. El único fallo del plan, una misteriosa foto olvidada debajo de la cama, provocará un inesperado desenlace.

PREMIOS

2009: Festival de Mar del Plata: Mejor película

CRÍTICAS

+ Un afortunado debut de Mariana Chenillo en la dirección de cine; esperemos que siga filmando con la misma mano firme en un futuro.(Perla Schwartz: Tucineportal)

+ Al ver Cinco días sin Nora, sabemos que estamos frente a un pequeño gran film. Pequeño por la cantidad de personajes y escenarios –y presupuesto lógicamente- con que fue realizado. Grande por la capacidad que tiene de desarrollar varios sub temas y abrir tantos interrogantes. Todo lo que se espera de una gran película. (Escribiendo cine)

- Abrir el féretro de la negritud para luego huir por el camino de rosas del melodrama, cuando en realidad lo que estaba pidiendo a gritos la película era incomodar, provoca que 5 días sin Nora se quede en terreno de nadie. (El país)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,2

- Filmaffinity: 6,4

- IMDB: 7,1

* Media: 6,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

SUR LA PLANCHE (ON THE EDGE)

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Ya ha dado comienzo la XX Mostra de Films de Dones de Barcelona, con una programación tan completa que de bien seguro encontraréis un hueco para ir a ver alguna de las propuestas de este año. No os despistéis, que su final es este fin de semana. Para los que desconozcáis el festival decir que el sentido de ser de la muestra no es la proyección de películas con la mujer como protagonista, si no difundir el cine dirigido por mujeres, ofreciendo más visibilidad a la cultura audiovisual femenina de todos los rincones del mundo. Si bien no sería tan necesario el énfasis en la figura femenina, si es interesante la parte en que nos ofrecen filmes que de otro modo raramente llegaríamos a conocer. Para los que no os podáis acercar a la ciudad condal, una vez más Filmin se suma a los festivales y ofrece una programación especial para que podáis disfrutar también desde casa por tan solo un bono de 5€, allí podéis ver películas tan dispares como Elisa K., Guerriller@s, Rompecabezas, El bosque de luto, Te doy mis ojos o Buda explotó por vergüenza.

Uno de los filmes que se han podido ver en el festival es Sur la Planche (On the Edge), cinta Marroquí con producción francesa y alemana que como su nombre señala muy bien, nos habla de una chica en los límites, en el mismo abismo de su existencia, todo a causa de su estancamiento. Badia sobrevive trabajando en una fabrica donde se pelan gambas, pero no pudiendo tirar adelante con ello se dedica en horas muertas a pequeños hurtos junto a su amiga y compañera Imane. En uno de sus pequeños movimientos nocturnos conocen a Asma y Nawal, dos chicas que se encuentran en una mejor posición social y con las que a partir de ahora formaran un equipo que poco a poco se verá envuelto en un espiral vicioso de intereses y desconfianza.

En realidad la historia es muy sencilla, su directora Leila Kilani no se aparta en ningún momento de esa sencillez, algo que por un lado aporta al film una veracidad absoluta y una fuerte carga emocional, pero que por el otro hace que la película pueda hacerse pesada en algún momento, por suerte, el interés de su historia logra evitar ese obstáculo con buena fortuna. A pesar de ser su primer trabajo en el campo de la ficción (ya que anteriormente ya ha trabajado en un par de documentales), su directora exhibe buenas manos en la realización, utilizando recursos en cuentagotas como si de una danza suave se tratara, y aunque pueda parecernos que abusa de la cámara en mano, la técnica no hace más que reforzar el carácter emocional del film y su uso es tan sutil como casi impredecible.

La colaboración de Eric Devin en la fotografía es imprescindible, el uso de tonos oscuros nos sumerge en ese mundo oculto a ojos de la mayoría de un modo delicioso, que además contrasta de un modo muy tajante con la claridad y los encuadres centrados en las escenas de la fabrica, transmitiendo así una sensación de encarcelamiento llena de una fuerza abrumadora.

La película también se lo debe todo a sus interpretes, y no solo de su estupenda protagonista Soufia Issami, si no de la totalidad de las chicas de las cuales desconozco por completo su carrera cinematográfica si es que la tienen. Su puesta en escena es tan real que la aproximación del filme al género documental sólo se ve quebrado por las pautas de un guión, ya que ellas se encargan de transmitirnos todos los mensajes fuera de texto a la perfección.

En definitiva, un film interesante, que puede contar una historia que en otras ocasiones podremos haber visto tras mascaras de artificio (tipo Slumdog Millionaire), siendo así más sincera y visceral en el terreno emocional, y que si logramos huir del agotamiento que nos puede causar en algunos momentos, llegaremos a su final visionado convencidos de no haber perdido el tiempo.

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TÍTULO ORIGINAL Sur la planche (On the Edge)
AÑO 2011
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Marruecos, Francia, Alemania
IDIOMA Francés, Arabe
DIRECTOR Leila Kilani
GUIÓN Leila Kilani
MÚSICA Wilfried Blanchard
FOTOGRAFÍA Eric Devin
REPARTO Soufia Issami, Mouna Bahmad, Nouzha Akel, Sara Bitioui, Mouhcine Hagouch, Abdehai Mtirka, Rafika Bouazza
PRODUCTORA Aurora Films
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Drama social

SINOPSIS

En el casco antiguo de Tánger viven dos jóvenes mujeres de Casablanca, Badia e Imane, entre un ejército de obreros que residen en la ciudad. Durante el día, trabajan pelando camarones en un almacén impecable y, de noche, trabajan la calle, al tiempo que se sacan algo de dinero extra trapicheando con aparatos que roban de sus clientes nocturnos. Fuera de Tánger se encuentra la llamada “Zona Franca”, un símbolo de la subcontratación del mundo globalizado, una especie de Europa en suelo marroquí: próxima, tangible y, sin embargo, únicamente accesible para aquéllos con permiso de trabajo. Una noche, Badia e Imane conocen a dos chicas, Asma y Nawal, que se encuentran en una mejor posición ya que trabajan en la Zona Franca, la cual Badia ve como un trampolín hacia un mundo más material.

PREMIOS

2011: Festival de cine independiente de Bruselas: Mejor actriz (Soufia Issami), premio especial del jurado. Nominada al gran premio.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6

- Filmaffinity: (Sin puntuar)

- IMDB: 5,4

* Media: 5,7

TRAILER

VER TAMBIÉN

EL MONSTRUO DE TIEMPOS REMOTOS

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El pasado miércoles conocíamos la noticia de la muerte de Ray Bradbury a sus 91 años de edad. Bradbury ha sido uno de los hitos de la literatura de ciencia-ficción con trabajos sobradamente conocidos, además él mismo trabajó como guionista de algunas producciones como la propia Moby Dick de John Huston. Como todo reputado autor, existen varias adaptaciones cinematográficas de su obra, destacando sin duda Fahrenheit 451, dirigida por Truffaut y tan interesante e imprescindible como la propia novela. Pero como hoy nos toca hablar de un film distinto y para cambiar un poco la línea de Truffaut vamos con un trabajo que forma parte de ese nuevo cine de los 50 dónde los monstruos empezaron a inundar la gran pantalla bajo la sutil premisa de la guerra fría.

El monstruo de tiempos remotos, adapta La Sirena (The Fog Horn), uno de los cuentos que podemos encontrar en el libro recopilatorio Las doradas manzanas del sol (The Golden Apples of the Sun), y nos cuenta como tras un experimento nuclear, una bestia del tiempo de los dinosaurios despierta de su letargo y ataca la costa este de Estados Unidos.

Como ya he comentado, el film sigue la línea de esos muchos y variopintos trabajos de los 50, obsesionados con el miedo de la guerra fría, dónde monstruos, alienigenas, insectos gigantes o animales de otra época se adueñaron de la gran pantalla en la mayoría de producciones de Serie B.

Poco cabe destacar de esta obra que no muestren otras de sus compañeras que la superan en interés y calidad, como La humanidad en peligro por citar alguna. Pero El monstruo de tiempos remotos esconde un par de ases en la manga para que debamos pararnos a su atención. De entrada no cabe duda que al tratarse de una película que adapta uno de los cuentos de Bradbury ya despierte nuestro interés, pero no sólo por eso debemos recordarla, el siempre fabuloso Ray Harryhausen, gran figura del stop-motion y los efectos especiales, hizo con esta su segundo trabajo en los efectos especiales, después de la estupenda El gran gorila, segunda adaptación de King Kong dónde mostró al mundo que era lo que sabía hacer llevándose además un Oscar por su trabajo. No suficiente con ello, las malas lenguas comentan que este film fue la semilla para la idea del primer Godzilla japonés, que se estrenó un par de años después. Aunque sea cierto que la historia nos pueda resultar familiar, y el monstruo cuenta con similitudes más que evidentes, esto no deja de ser pura rumorología, aunque la evidencia sea casi innegable. A todo ello debemos sumar que El monstruo de tiempos remotos fue la primera en utilizar la premisa de la experimentación nuclear, dejando tras ella una fuerte herencia fílmica.

Dirigida por Eugène Lourié, la película no deja de ser una entretenida cinta que hoy en día rebosa un espíritu entrañable, y su visionado nos invita a la desconexión disfrutando de una de aquellas pequeñas producciones que a pesar de su, a veces despectiva, etiqueta de serie B no han caído en el olvido si pensamos en el conjunto, aunque sí lo hayan hecho de manera individual. Dejarse llevar por ella es un deporte recomendable, aunque por ello debamos esperar mucho de sus resultados.

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TÍTULO ORIGINAL The Beast from 20,000 Fathoms
AÑO 1953
DURACIÓN 80 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés, Francés (algunas palabras)
DIRECTOR Eugène Lourié
GUIÓN Fred Freiberger, Eugène Lourié, Lou Morheim, Robert Smith (Historia: Ray Bradbury)
MÚSICA David Buttolph
FOTOGRAFÍA John L. Russell (B&N)
REPARTO Paul Hubschmid, Paula Raymond, Cecil Kellaway, Kenneth Tobey, Donald Woods, Lee Van Cleef, Steve Brodie, Ross Elliott, Jack Pennick
PRODUCTORA Jack Dietz Productions
GÉNERO Ciencia ficción. Terror
TEMÁTICA Dinosaurios. Serie B. Monstruos

SINOPSIS

Lejos, en el Círculo Polar Ártico, una prueba con bombas nucleares, llamada Operación Experimento, es llevada a cabo. Proféticamente, el físico Thomas Nesbitt dice: "Qué pasará con los efectos acumulativos de esas bombas atómicas, sólo el tiempo lo dirá". En ése momento, la explosión despierta a un dinosaurio carnívoro ficticio llamado Rhedosaurus, que ha estado hibernando en el hielo durante 100,000 años. La bestia causará el caos entre la población de Estados Unidos.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,2

- Filmaffinity: 6,1

- IMDB: 6,6

TRAILER

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