Hoy, día mundial de la animación, no podía dejar pasar la oportunidad de buscar alguna de aquellas películas del "género" que son pieza clave en la historia de este cine. Para ello, no hay mejor opción que trasladarse a la vieja Checoslovaquia, uno de los países europeos más prolíficos en el campo y con uno de los animadores más importantes de la parte oriental del viejo continente, Jirí Trnka.
Es curioso ver como figuras como Walt Disney (América) o Hayao Miyazaki (Asia), se han convertido en nombres totalmente conocidos para nosotros, pero en cambio otros más cercanos como el de Trnka son más desconocidos para el gran publico (y el problema no es la pronunciación del nombre). Si bien estamos hablando de un cine más temprano y de nula repercusión comercial (aunque en este caso el doblaje en manos de Boris Karloff convirtió el filme en un éxito), no lo es en absoluto en los aspectos artísticos como iremos viendo.
El segundo largometraje de Trnka nos cuenta, basándose en el cuento de Hans Christian Andersen, la historia del emperador de China y de como este descubre que la vida y la belleza están al otro lado del claustrofóbico universo de la corte.
Para situarnos, decir que no fue hasta 1945 (cuándo Praga fue liberada de la ocupación alemana) cuando los autores se liberaron de las ataduras políticas y decidieron aprovechar ese tiempo para experimentar, de este modo unos jóvenes artistas encabezados por Trnka crearon su primer estudio de animación siendo este el epicentro del cine de marionetas.
En El emperador y el ruiseñor encontramos tras un epílogo en imagen real, como Trnka, con ayuda de su colaborador Milos Makovec, nos ofrece una historia llena de belleza a través de sus títeres de madera, el autor de Praga dota a sus muñecos de una personalidad única, esquivando el problema de la fisonomía y la animación de la cara, que a pesar de contar con múltiples elementos para animar las partes gestuales, prefiere acercar su obra al estilo clásico del teatro fijando la rigidez en los rostros contenidos y consiguiendo las expresiones gracias a los encuadres y la iluminación que no por los gestos. Los personajes crean así grandes elementos psicológicos y nos transmiten su mímica gracias al dramatismo, llegando a hacernos creer en la vida propia del muñeco de madera, tan importante es eso como no atreverse a dotar de voces ajenas a sus criaturas, ya que sería como introducir una alma ajena a un cuerpo que ya tiene una propia. Es importante también ese afán de Trnka hacia la belleza de lo natural y las tradiciones, creando con El emperador y el ruiseñor un relato irónico a través de la ridiculización de lo ostentoso frente a la vida sencilla y la naturaleza, un relato que parte de lo onírico pero que no abandona el realismo desde sus propias y únicas normas cinematográficas.
El filme debe mucho a la banda sonora de Václav Trojan, acompañante fijo en la filmografía de Jirí Trnka, que no solo liga la narración con la música, sino también la acción y las emociones de sus personajes sumándoles veracidad y emociones.
Sin duda, El emperador y el ruiseñor, a pesar de no ser la obra cumbre del animador checo, es el mejor largometraje para introducirse en su mundo de títeres y descubrir un tipo de animación único e incomparable, una animación que ha dejado una fuerte tradición en la actual República Checa.
TÍTULO ORIGINAL Cisaruv slavík AÑO 1949 DURACIÓN 72 min. PAÍS Checoslovaquia DIRECTOR Jirí Trnka, Milos Makovec GUIÓN Vítezslav Nezval, Jirí Brdecka, Jirí Trnka (Cuento: Hans Christian Andersen) MÚSICA Václav Trojan FOTOGRAFÍA Ferdinand Pecenka REPARTO Helena Patockova, Jaromir Sobotoa VOCES ORIGINALES Detsky pevecky sbor Jana Kuhna (Boris Karloff: Narrador versión inglesa) PRODUCTORA Ceskoslovenský Státní Film GÉNERO Animación. Infantil TEMÁTICA Stop Motion. Marionetas
SINOPSIS
Un emperador chino, a causa de un bello ruiseñor de juguete, olvida el
canto de un ruiseñor de verdad que le consolaba cuando se sentía solo.
El 26 de diciembre de 2004, a las 7.58 h. (hora local) se produce un terremoto con epicentro en la costa oeste de Sumatra (Indonesia) a una profundidad de 30 kilómetros por debajo del novel del mar. Es el segundo terremoto más grande (9'15 en la escala de Richter) desde que existen mediciones y el más largo (de 8 a 10 minutos) registrado en toda la historia después del de 1960 en Valdivia, Chile. Hasta esa fecha, todos los terremotos superiores a 9 grados generaron tsunamis en el Océano Pacífico, pero ninguno provocó un número de muertos tan elevado como éste. El terremoto tuvo la potencia de más de 23.000 bombas atómicas y generó la ola más alta (30 metros) de las últimas cuatro décadas. Una investigación reciente realizada por Naciones Unidas estima en 299.866 el total de perdidas humanas, incluyendo 186.983 muertos y 42.883 personas desaparecidas. Los heridos fueron 510.000, y 2.000.000 personas perdieron su hogar en trece países diferentes. Según estos datos, el tsunami es el noveno desastre natural más mortal de la historia moderna.
A Juan Antonio Bayona todo eso le da igual.
El director de El orfanato vuelve a las pantallas para ofrecernos un blockbuster carísimo que seguramente recaudará en taquilla mucho más de lo que ha costado, una proeza para un filme con el sello España (aunque el rastro español nos cueste encontrarlo), si bien, hay que reconocer que llega a dar unas cuantas vueltas a los referentes cinematográficos que emula, ni que sea en el campo emocional.
Y así, el director catalán decide trasladarnos a una de las catástrofes humanas más terribles de los últimos años, pero más allá de mostrarnos el terror y las desgracias de semejantes echos se centra erróneamente en una familia que decide hacer un viaje de vacaciones navideñas coincidiendo justamente con la catástrofe, y contarnos las aventuras de esta (o de lo que queda de ella) para reencontrarse, naciendo así Lo imposible.
A través de un guión totalmente vacío, lleno de diálogos y momentos que hacen honor al título y llegan a rozar lo imposible, que nos conduce a través de idas y venidas sin ningún propósito concreto más que el de alargar la historia, crearnos malestar a través de situaciones propias de La pasión de Cristo, o emocionarnos con facilidad a través de momentos de lágrima fácil, Bayona nos ofrece, eso si, un trabajo técnico IMPRESIONANTE, y lo escribo con mayúsculas porqué realmente en ese aspecto poco podemos echarle nada en cara, nada más arrancar el filme su sonido ya nos ha metido en situación, nos ha impresionado, y nos ha dado un excelente adelanto de lo que nos va a ofrecer. ¿Pero compensa realmente ese prodigio sonoro-visual por encima del resto de cosas? PUES SÍ. Como filme de entretenimiento hay que reconocer que consigue el propósito de entretenernos y emocionarnos sin poder evitarlo, y eso no es moco de pavo en los tiempos que corren. Y todo ello además con un plantel de actores muy correcto, que dan todo lo que se puede esperar, pero que no pueden ir más allá con un material como este.
Eso sí, quedan tantas preguntas que nos gustarían lanzarle a Bayona... ¿Por qué unos personajes tan vacíos, cuándo podrían contarnos mil cosas?, ¿Por qué olvidarse de la cruel situación del país y centrarse en unos yuppies cualquiera con los que nos costará más sentir empatía?, centrarse en el dolor circunstancial en vez del dolor profundo ¿con que propósito? ¿por qué nada más dar arranque sabemos que todo va a culminar en un edulcorado Happy End?, ¿que narices lleva a desaprovechar una historia de esta envergadura de este modo?, ¿por qué películas así tienen tantas facilidades para contar con subvenciones del Estado tan astronómicas y las realmente interesantes, arriesgadas, para nada comerciales, (y que las necesitan) tienen tantos problemas para conseguir un mínimo de ayuda?...
Bayona demuestra así ser un realizador notable tirando a excelente, un autor de género aceptable, pero un director sin personalidad que por ahora sólo ha sabido ofrecernos dos filmes muy entretenidos, que copiando esquemas muy usados no tiene nada nuevo que ofrecer a nuestro cine.
¡Pero ojo! Lo imposible no es una película que no merezca la pena ver, ya que si queréis entretenimiento sano y de calidad, que además va un poco más allá de las típicas películas de su alcance al (por lo menos intentar) ofrecernos aspectos más humanos que logran arrancarnos más de una lágrima de emoción, es una cinta estupenda, muy recomendable y que no defrauda en absoluto. Pero poco más.
TÍTULO ORIGINAL The Impossible AÑO 2012 DURACIÓN 107 min. PAÍS España IDIOMA Inglés (principalmente) DIRECTOR Juan Antonio Bayona GUIÓN Sergio G. Sánchez MÚSICA Fernando Velázquez FOTOGRAFÍA Óscar Faura REPARTO Naomi Watts, Tom Holland, Ewan McGregor, Marta Etura, Geraldine Chaplin, Oaklee Pendergast, Samuel Joslin, Dominic Power, Sönke Möhring, Olivia Jackson, Natalie Lorence, Nicola Harrison, Bruce Blain, Johan Sundberg, Teo Quintavalle, Jan Roland Sundberg PRODUCTORA Apaches Entertainment / Telecinco Cinema / Mediaset España / Canal+ España / IVAC / ICAA GÉNERO Drama TEMÁTICA Catástrofes. Basado en hechos reales. Familia
SINOPSIS María (Naomi Watts), Henry (Ewan McGregor) y sus tres hijos pasan las
vacaciones de invierno en Tailandia. Una mañana, mientras se encuentran
en la piscina, un terrible rugido emerge del centro de la tierra. María
se queda paralizada por el miedo, al ver cómo un inmenso muro de agua
oscura avanza por los jardines del hotel hacia ella. Largometraje sobre
el tsunami que azotó el sudeste asiático en 2004.
PREMIOS
2012: Festival de San Sebastián: Sección oficial (fuera de concurso)
CRÍTICAS
+ "'The Impossible' es una de las películas de desastres más realistas a
nivel emocional que se han visto recientemente - y ciertamente, una de
las más aterradoras en su épica recreación del catastrófico tsunami del
2004" (Deborah Young: The Hollywood Reporter)
+ "La película de desastres más angustiosa en mucho tiempo, 'The
Impossible' une una enorme proeza de realización técnica con una emotiva
historia real de supervivencia familiar" (Justin Chang:
Variety)
= "La machacona utilización de la música subrayando los sentimientos es un
método tan antiguo como infame. (...) En Lo imposible conviven lo mejor
y lo peor. (...) asombroso arranque" (Carlos Boyero: Diario El
País)
= "Naturalmente que se le pueden poner "peros" a la película de Bayona
(...) Es un cóctel muy complicado de hacer, pero la película es
absolutamente impresionante" (E. Rodríguez Marchante: Diario
ABC)
- "Naturalmente que se le pueden poner "peros" a la película de Bayona
(...) Es un cóctel muy complicado de hacer, pero la película es
absolutamente impresionante" (E. Rodríguez Marchante: Diario
ABC)
+ "Bayona firma un melodrama contundente y emotivo sobre la pérdida
mostrada en distintas fases. Es una película partida en dos, pero ese
quiebro no es negativo: ambas mitades dialogan entre sí (...)
Puntuación: **** (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)
= "Bayona propone una experiencia brutal pero nos priva de la emoción.
(...) una experiencia intensa y desasosegante (...) 'Lo imposible' se
convencionaliza hasta estándares de drama familiar y se parte en dos,
literal y críticamente (...) Puntuación: **1/2 (sobre 5)"
(Manuel Piñón: Cinemanía)
+ "Bayona ha parido una película de ejecución perfecta y habilidad
milimétrica, una flecha teledirigida para hacer diana en el alma y
conmoverla (...) es un peliculón." (Toni Vall: Cinemanía)
- "Admitimos que el objetivo es hacer un buen film de acción, espectacular, caro u ostentoso, con pinceladas dramáticas provocadas por la empatía del caso concreto-real a favor de la identificación y empatía del espectador, que 'vive' el desarrollo de la acción. Pero precisamente ahí radica la mayor objeción a Lo imposible, que sin nvalidar su valor como ejercicio mimético si disminuye la famosa 'eficacia'." (José Enrique Monterde: Caimán cuadernos de cine)
CURIOSIDADES
- Con una recaudación de 8,6 millones de euros en su primer fin de semana,
el film consiguió el récord de mejor estreno de la historia de la
taquilla española (su presupuesto, de 30 millones de euros, es
íntegramente capital español). Además, también consiguió situarse en la séptima posición del ránking —a nivel mundial— con 13,4 millones de dólares.
- El rodaje, comenzó a principios de agosto de 2010 en la localidad
alicantina, para después trasladarse a Tailandia en octubre del mismo
año. Dicho proyecto comenzó cuatro años atrás, en términos de
preparación y, posteriormente, un rodaje de 25 semanas incluyendo
espectaculares efectos especiales, en el que han participado más de
8.000 extras. Para el equipo las grabaciones fueron realmente ¨duras¨,
ya que debían de incluir la utilización de dos sets de rodaje: uno
situado en la Ciudad de la Luz, Aguamarga (Alicante) y otro en Estados
Unidos. En Alicante, se utilizó un plató acuático exterior donde existe
un gigantesco tanque de agua, el mayor de Europa y el tercer más grande
del mundo, para la recreación del tsunami. Dentro del tanque, fueron
utilizadas hasta más de diez cámaras submarinas para poder filmar con
toda precisión los movimientos del agua y de los protagonistas. Parte
del film transcurre en la zona costera de Tailandia y el resto del
rodaje tuvo lugar en los estudios de Alicante, en Barcelona y en Madrid.
- Con motivo al estreno nacional de la película en taquilla española, en
octubre de 2012 se lanzó Lo imposible: el libro de la película, escrito
por la periodista y crítica de cine Desirée de Fez, donde explica la
experiencia que ha supuesto la creación de esta película para todo el
equipo y muestra los momentos clave de todo el proceso de creación, en
el que intervinieron más de 500 personas durante 25 semanas de rodaje.
En el libro se incluyen más de 200 fotografías que acompañan a las
entrevistas realizadas a los actores principales, a su director,
guionista o a la propia María Belón entre otros. Además de la muestra
del recorrido por los procesos que conforman una película: dirección,
producción, guion, vestuario, efectos especiales, vestuario y
maquillaje, fotografía y los actores que forman parte del reparto. Esta
publicado bajo Norma Editorial y consta de 238 páginas.
- Está basada en una historia real donde se recrea la experiencia de una familia española.
Vamos hoy con un doble comentario de la previamente exitosa a su estreno Blancanieves de Pablo Berger. Doble porqué ya que el filme fue concebido para proyectarse con música en directo (una de sus mejores armas) es interesante analizarla también desde esa perspectiva, yo al no tener la suerte de asistir a una de las múltiples (aunque pocas y caras) sesiones que se han echo en nuestro país con el filme orquestado en vivo comentaré la experiencia del filme desde una sala de cine, por otro lado, os dejo al final con el comentario de Anna Vélez, que asistió al pre-estreno en el Liceu de Barcelona, y nos ilustra la vivencia de haber disfrutado del filme tal y como fue ideado.
Blancanieves, como su nombre nos marca, es una adaptación libre del conocido (y últimamente muy explotado) cuento de los hermanos Grimm, pero Berger solo utiliza la idea de la historia para trasladarla a una España por todos conocida, por muchos amada y por tantos despreciada, una España de los años 20 dónde la radiografía cultural de un país no puede ser más certera, y ahí decide borrar todas las convenciones del cuento, mostrándonos de un modo sorprendente un imaginario único a pesar de todas las deudas y homenajes al cine mudo (o no) europeo.
La historia es clara, pero con una fuerza tan grande que prefiero no desvelar mucho de su linea argumental, las propias pistas del cuento ya son suficiente para quedarse con una idea argumental inicial del filme y dejarse sorprender por las acertadas variaciones de Berger. Porqué como ya he dicho Blancanieves no es una versión tradicional, ni una actualización como el resto de producciones sobre la historia que nos ha llegado de los Estados Unidos, ni un experimento para entendidos, Blanvanieves no necesita referencias en las que aguantarse, porqué ella misma se sustenta sola, y de que manera.
Pablo Berger se atreve a robar, en ocasiones sutilmente, en otras sin reparo alguno, trazos de aquí y de allá adaptándolas en su propio trabajo, creando un espectáculo visual que pone la piel de gallina. El expresionismo alemán, el montaje soviético, trazos de Hitchock, de Lang, Einstein, Dreyer o Stroheim, referencias a Freaks, El callejón de las almas perdidas, Juana de Arco, Rebeca o Secreto tras la puerta; pero la también implícita presencia de Currito de la Cruz, La revoltosa o Nobleza Baturra, convierten en este en un filme castizo de pies a cabeza, en una pieza esencial no solo del cine europeo, si no sobretodo de nuestro cine.
Es por ello que pensar en Blancanieves con diálogos, o sin su blanco y negro, es concebir un filme tan distinto como erróneo, sería como pensar en Cantando bajo la lluvia sin música, en El planeta salvaje sin sus colores o El gabinete del doctor Caligari sin sus decorados.
Melodrama, comedia e incluso terror, se entremezclan en un filme trágico, delicado, rabioso y sugerente, dónde una serie de representaciones crean un espectáculo de incredulidad, pero para nada paródico, de la cultura de un país cerca de los años 20, pero de la que todavía hoy no se ha perdido ápice. Sevillanas, toros, revistas del corazón y espectáculos de feria, todo un ejemplo de aquello referente a un territorio, aquello que muchos abanderan con orgullo y aquello a los que muchos dan la espalda, pero que sin dudar ha creado una identidad imborrable con el paso del tiempo, de lo cual sería un error olvidar.
Un reparto para levantarse de la butaca aplaudiendo que va desde una pequeña y natural Sofía Oria, pasando por una dulce y fabulosa Macarena García, una excéntrica Maribel Verdú que no se excede en su para nada exagerada actuación al igual que su compañero Pere Ponce, una emotiva Ángela Molina, un Daniel Giménez Cacho que llena la pantalla, unos esenciales Ramón Barea y Josep María Pou y por supuesto el plantel completo de esos enanos únicos e incomparables. Todos hacen un trabajo preciso y se convierten en unos engranajes que encajan a la perfección en ese todo que es el filme de Berger.
Engranaje que por supuesto hay que remarcar es el de la banda sonora, potentísimo trabajo de Alfonso de Villalonga que pone la piel de gallina, del que Anna os hablará desde una perspectiva más clara en su crítica.
Solo queda pues, dar un pequeño tirón de orejas en torno a la (si es merecida) polémica que se ha montado a raíz de las protestas proanimalistas que denuncian la muerte ilegal de tres astados durante el rodaje del filme, acusaciones que el propio director a desmentido haciendo hincapié en el cumplimiento de la normativa, en un tema tan delicado como este.
Dejando de lado ese asunto, nos quedamos con una película maravillosa, que va a representar a España de modo acertado a la competición de los Oscar (aunque El artista y la modelo también hubiese sido una buena elección), que nada tiene que temer a la sombra de The Artist, de la que más allá de la ausencia de diálogos y de su blanco y negro, poco tiene que ver con la cinta francesa a la que gana en poso.
Recomendable de principio a fin, no hay excusa para perderse un trabajo que es ya, una obra clave de nuestra filmografía y que como dice su autor son aptas tanto para el modernillo como para la señora con rebequita.
Ver Blancanieves en el Liceu fue una experiencia difícil de olvidar. Desde la web del Liceu animaban a llevar un vestuario acorde a los años 20 para homenajear la época, pequeño detalle que yo obvié y me pasé la noche pensando que la gente era una exagerada y se vestía demasiado por mucho que fuera el Liceu...y es que en estos saraos de gafapastas nunca se ver la fina línea que separa el disfraz de un outfit moderno.
Antes de que diera comienzo el espectáculo, el director de la película, Pablo Berger, nos presentó al siempre excéntrico Alfonso de Villalonga, compositor de la música, y subió acompañado al escenario por las actrices Ángela Molina y Marivel Verdú. Yo desconocía que vendrían los actores y partícipes del film así que mi sorpresa fue máxima; nos presentaron a la orquesta y su director, Roman Gottwald i a la cantante Silvia Pérez Cruz. Visualicé el espectáculo desde el primer palco, justo tras los protagonistas de la película, así que tuve la gran suerte de ver sus expresiones y reacciones. Descubrí a una risueña y emocionada Maribel Verdú, a un nervioso Pablo Berger y a una exultante y reflexiva Ángela Molina.
La película me pareció una original visión del popular cuento de los Hermanos Grimm desde un punto de vista muy castizo, lleno de melancolía y abrazando el melodrama triste y gótico con toques de un humor negro que le dan mágia.
La oportunidad de verla con música en directo es una oportunidad inconmensurable, la orquesta se ocupa de todos los efectos sonoros, desde la própia música hasta efectos como timbres, campanillas, pisadas y fuegos artificiales, conseguidos con la explosión de globos. El de los músicos me pareció un trabajo dificilísimo y de largas horas de ensayo y puesta a punto. Tengo que destacar a la cantante catalana Sílvia Pérez Cruz y al grupo de palmeros que nos pusieron a todos en pie y con los vellos de punta tras sus versiones flamencas. Nunca vi tan nítidamente lo unidos que van música y cine y lo mucho que aporta cuando notas ambas artes en directo, casi tangibles.
No se cual hubiera sido mi crítica de la película sin poder verla englobada en un espectaculo como el del Liceu, pero siempre la recordaré como una experiéncia inolvidable y un gran trabajo fílmico. No creo que tras el reciente éxito de The Artist, película bonita pero plana donde las haya, logren el Oscar, pero es una gran candidata.
Para mí la mejor película muda de este siglo lleno de ruidos.
TÍTULO ORIGINAL Blancanieves AÑO 2012 DURACIÓN 104 min. PAÍS España IDIOMA Muda con interludios en español DIRECTOR Pablo Berger GUIÓN Pablo Berger MÚSICA Alfonso de Vilallonga FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica (B&W) REPARTO Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, Ángela Molina, Pere Ponce, Josep María Pou, Inma Cuesta, Ramón Barea, Emilio Gavira, Sergio Donado, Oriol Vila PRODUCTORA Arcadia Motion Pictures GÉNERO Drama TEMÁTICA Cine mudo. Años 20. Melodrama. Toros
SINOPSIS Versión libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos
Grimm, que ha sido ambientada en España durante los años 20.
Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por
su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá
un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de
Enanos Toreros.
PREMIOS
2012: Festival de San Sebastián: Premio especial del Jurado, Mejor Actriz (Macarena García, ex-aequo)
2012: Preseleccionada por la academia de cine española como representante a los Oscar.
CRÍTICAS
+ "Una llamativa cinta española (...) Una película muda visualmente
impactante (...) una maravilla" (Roger Ebert: Chicago
Sun-Times)
+ "Un afectuoso homenaje al cine mudo europeo de los años veinte (...) una
original reinvención andaluza de Blancanieves" (David Rooney:
The Hollywood Reporter)
+ "Una película con estética poderosa (...) insólita en su planteamiento,
audaz, sentida y bonita" (Carlos Boyero: Diario El País)
+ "Pablo Berger firma una obra maestra con 'Blancanieves'. (...) Un milagro silencioso." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
+ "Blancanieves, ha causado, como era de esperar, un enorme golpe de amor y
admiración entre los presentes. (...) gran película." (E.
Rodríguez Marchante: Diario ABC)
+ "Una de las películas más sorprendentes de los últimos tiempos." (Gregorio Belinchón: Diario El País)
+ "Aparte de su fascinante poder visual, la película combina
maravillosamente el humor negro, la sátira social y un tono cercano al
gran cine expresionista alemán (...) Puntuación: **** (sobre 4)"
(Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)
+ "Era complicado que, nueve años después de 'Torremolinos 73', Pablo
Berger hiciera algo todavía más sorprendente, exquisito, deslumbrante.
La buenísima noticia es que lo ha conseguido (...) Puntuación: ****
(sobre 5)" (Pere Vall: Fotogramas)
+ "Muda, en blanco y negro… y obra maestra. (...) No, no es 'The Artist'. Es mejor" (Irene Crespo: Cinemanía)
CURIOSIDADES
- La película se lleva gestando siete años. Entre sus germenes creativos se encuentran las películas fundacionales como Avaricia y el libro de fotografías España oculta. Donde La cuadrilla de Cristina García Rodero (donde aparecía un grupo de enanos torero) fue la causante del click que Berger sintió viniéndole en mente el cuento de los hermanos Grimm y decidiendo crear una Blancanieves ibérica.
Antes de nada, y por si algún despistadillo todavía no lo sabe, recordaros que ya dado arranque la Fiesta del cine de este año. En resumidas cuentas nos ofrecen cine a buen precio con una mecánica bien sencilla: la semana del 15 al 21 de octubre hay que asistir a alguno de los cines adheridos a la promoción y comprar una entrada para la película que queráis ver, el taquillero/a os entregará un abono para que los días 22, 23 y 24 podáis ir al cine a ver las películas que queráis a un precio de 2€ cada una. Con el actual cartel es imposible resistirse a participar en la promoción y disfrutar así de buen cine, a buen precio. Dicho esto, vayamos con la propuesta de hoy.
Parece increíble que a estas alturas todavía nos lleguen filmes con un contenido como el de Illegal Love. En 2008, Julie Gali, directora de la película se dispone a realizar un viaje por los Estados Unidos para realizar un reportaje sobre la elección de Obama como presidente del país. En contraste, Gali se encuentra en las calles con una campaña totalmente opuesta y que la deja sorprendida. Varias organizaciones radicales defienden en California la Proposición 8, que anula el matrimonio homosexual.
Julie Gali decide documentar las dos partes más implicadas en el asunto, por un lado a los grupos mormones, causantes de la existencia de la propuesta, dejan su discurso retratándose a ellos mismos, sin trampa ni cartón. Por otro lado las múltiples manifestaciones en contra de la proposición, ya sea por grupos LGTB, por simpatizantes en los que se incluyen personalidades que detrás de sus facetas profesionales apoyan las mejoras en derechos civiles.
Gali utiliza un recurso simple, el reportaje directo, imágenes de aquello que sucede, añadiendo entrevistas, y mezclándolo todo con una estética algo pop, pero sin llegar a enmarañar sus imágenes, un prodigio técnico que ofrece una visión más dinámica a un estilo cinematográfico a menudo demasiado lineal. Recoge así los testimonios desde la lucha en contra y en pro de la proposición, para terminar con el escalofriante relato de la aprobación de dicha proposición. (El tribual que la aprobó tras el referéndum fue el mismo que más tarde la declaró anticonstitucional)
Se cuenta en Illegal Love un retrato sobre el odio, sobre el amor y sobre la lucha, que llega incluso a emocionar a pesar de su simpleza. Los peligros del fanatismo religioso y la importancia de la lucha constante en pro de los derechos, son los protagonistas de este recomendable filme.
TÍTULO ORIGINAL Illegal Love AÑO 2011 DURACIÓN 90 min. PAÍS Francia, España, Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECTOR Julie Gali GUIÓN Julie Gali MÚSICA Benjamin Molinaro, Gautier Vizioz, Nestor Cherif Hadria REPARTO Dustin Lance Black, Julian Bond, Dan Choi, Geoff Farrow, Lady Gaga, Geoff Farrow, Jim Garlow, Chad Griffin, Cleve Jones, Fred Karger, Mark Leno, Robin McGehee, Stuart Milk, David Mixner, Gavin Newsom, William Lucas Walker VOCES ORIGINALES Frédéric Anscombre, Dominique Besnehard, Guillaume Bourboulon, Antoine de Caunes, Alain Chamfort, François Cluzet, Émilie Dequenne, Axelle Laffont, Thierry Lhermitte, Clémence Massart-Weit, Claude Mc'Solaar, Isabelle Pasco, Jules Pélissier, Daphné Roulier, Milla Savarese, Clément Sibony, Nicolas Simon PRODUCTORA Le Protocole Gali / Petite Maison Production GÉNERO Documental TEMÁTICA Histórico. Homosexualidad. Cine Social. LGBTIQ
SINOPSIS
En 2008 el cineasta francés Julie Gali viajó a los EE.UU. para filmar la
elección de Barack Obama. A pesar de esta victoria para los derechos
civiles, pronto se hizo evidente que los derechos de otra minoría se
encuentraban bajo amenaza. En California la aprobación de la Proposición
8 fue el único momento en la historia de EE.UU. que un derecho civil
fue en realidad eliminado después de haber sido concedido. Al ver esto,
Gali decidió sumergirse en la creciente lucha popular de la comunidad
gay, que culminó en el 11 de octubre de 2009 marzo para la Igualdad en
Washington DC.
Damos el adiós a la última edición del Festival de Sitges con el maravilloso último trabajo de Tim Burton, una obra personal que nos devuelve de buena manera a sus orígenes, y nos deja más que satisfechos. De todos modos y para cerrar por completo con la muestra os dejo con un resumen de los galardonados en el festival de cine fantástico, pare verlo resumido os recomiendo el post en Blog de Cine.
Después de sus últimos trabajos, pocas esperanzas quedaban ya para volver a ver ese Tim Burton que nos enamoró con sus primeras películas, aunque es cierto que siempre ha tenido obras muy menores en su historial (como el olvidable remake El planeta de los simios) nunca habían sido una detrás de otra, y es que su Alicia en el país de las maravillas, a pesar de cosechar un notable éxito en taquilla y llevarse un par de Oscar, fue la piedra más gorda que dejó atrás un imaginario que el director había agrandado con el paso del tiempo y que deshinchó de repente. Pero ahora, con Frankenweenie, un trabajo muy personal nos deja ver que el Tim Burton que tanto nos gustaba sigue vivo, aunque de momento sólo sea con un pequeño rayo de luz.
Frankenweenie es un remake de uno de sus primeros y estupendos cortometrajes, corto de mismo nombre que nos contaba como un pequeño niño revivía a su recién fallecido amigo canino al puro estilo Frankenstein. Tim Burton recupera el excelente trabajo y decide convertirlo esta vez en un largometraje, siendo totalmente fiel al espíritu, estilo y argumento del original, cambiando eso sí, los personajes de carne y hueso por marionetas animadas, decisión bastante acertada.
Burton nos sigue contando como Víctor, el pequeño niño, revive gracias a la ciencia a su perro Sparky llevándole a consecuencias inesperadas, pero agranda la historia con nuevos personajes y acontecimientos que terminan de redondear el filme. De esto modo, el director gótico, hace un auto-homenaje a sus mejores trabajos, que dejan su huella a lo largo del filme ya sea por simples cameos o por la esencia en sus protagonistas, sus situaciones, la fabulosa banda sonora de Danny Elfman, la localización o la ambientación que cubre cada una de sus imágenes. A ello debemos sumar también homenajes al cine clásico de la Universal, al de la RKO, al cine de monstruos del país nipón o a los grandes clásicos del suspense que nos ha dado la historia del cine. En conclusión nos ofrece un trabajo nostálgico (pero actualizado) del que es imposible no caer rendido a sus encantos.
Burton se declina por un estupendo blanco y negro que no solo busca ser fiel a la original, si no que ayuda a ese homenaje por los clásicos, además vuelve al stop-motion para contarnos su historia y lo hace de un modo sorprendente, con una cuidada animación pero sin dar la espalda a los detalles imperfectos que da la técnica y que normalmente se borran con la ayuda de la informática, dotando así a su trabajo de un carisma único que nos trae en mente aquella pionera e hilarante Mad Monster Party?, donde también se rendía homenaje en clave de parodia y con marionetas a los monstruos clásicos.
Volviendo a la estupenda banda sonora de Elfman, inseparable compañero en la gran mayoría de trabajos de Burton, notamos un querer también volver a los inicios y es imposible no reconocer algunos acordes que ya conocimos en trabajos como Batman, a pesar de ese pequeño refrito, sigue siendo una excelente aportación del compostior al resultado final de la película.
Es encomiable que Burton echara mano de sus actores menos recurrentes, dejándonos con una Winona Ryder calco de aquella maravillosa Lydia Deetz de Beetlejuice o un fallecido Vincent Price (que dobla un también amigo Martin Landau conocido por destacar en la excelente Ed Wood) en forma de excéntrico profesor de ciencias, o las múltiples aportaciones de Catherine O'Hara de la que ya disfrutamos en Pesadilla antes de Navidad, Martin Short, que vimos en por ejemplo Mars Attacks!, o la divertida Conchata Ferrell vista antes en Eduardo Manostijeras, o personajes que nos recuerdan a aquellos de la divertida serie El chico mancha. De más concurrencia encontramos al famoso Christopher Lee que compartió con nosotros en Sleepy Hollow, La novia cadáver o Charlie y la fábrica de chocolate, (aunque hay que decir que sólo en forma de cameo a través del filme Drácula). A pesar de ello, hay que decir que se echa de menos una mayor profundidad en la mayoría de secundarios, que a pesar de todo se construyen bien y nos hacen sonreír.
Decididamente es una vuelta de Burton al buen camino, que a pesar de todo no nos deja las suficientes esperanzas para volver a recuperar aquel cineasta que tanto nos entusiasmó, pero habrá que esperar a ver que hará con sus próximos proyectos para ver si valdrá la pena seguir siéndole fiel. Por ahora, nos quedamos con el estupendo resultado de Frankenweenie, una película emotiva, divertida, tierna y que se disfruta de principio a fin.
TÍTULO ORIGINAL Frankenweenie AÑO 2012 DURACIÓN 87 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, japonés (alguna frase) DIRECTOR Tim Burton GUIÓN John August (Historia: Tim Burton, Leonard Ripps) MÚSICA Danny Elfman FOTOGRAFÍA Peter Sorg (B&W) VOCES ORIGINALES Charlie Tahan, Catherine O'Hara, Martin Short, Martin Landau, Winona Ryder, Atticus Shaffer, Robert Capron, Conchata Ferrell, James Hiroyuki Liao, Tom Kenny, Dee Bradley Baker, Jeff Bennett, Christopher Lee, Frank Welker PRODUCTORA Walt Disney Pictures / Tim Burton Animation Co. / Tim Burton Productions
GÉNERO Animación. Ciencia ficción. Comedia. Terror. Fantástico TEMÁTICA Comedia de terror. Stop Motion. Perros & lobos. Monstruos. Remake
SINOPSIS
El experimento científico que lleva a cabo el pequeño Victor para hacer
resucitar su adorado perro Sparky, lo obligará a afrontar terribles
situaciones cuyas consecuencias son imprevisibles.
CRÍTICAS
+ "La encantadora y divertida oda de Tim Burton al cine antiguo de terror
es una maravilla. (...) Lo mejor que se puede decir de una película de
monstruos animada con tanto corazón es esto: tiene vida."
(Connie Ogle: Miami Herald)
+ "Un dulce y espeluznante homenaje a los clásicos de cine de monstruos." (A. O. Scott: The New York Times)
+ "Sólo Tim Burton podía imaginar este cuento inspirado en Frankenstein, y
es una delicia, una oscura y deslumbrante historia que asusta con
sonrisas y sorprendente emoción (...) Puntuación:. *** 1/2 (sobre 4)"
(Peter Travers: Rolling Stone)
+ "El homenaje resultante a Frankenstein en particular y a las películas
de terror en general es exquisito, un caos macabro y una especie de
reanimación a su manera" (Lisa Schwarzbaum: Entertainment
Weekly)
= "No es uno de los mejores trabajos de Burton, pero tiene una energía
entusiasta (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Roger Ebert:
Chicago Sun-Times)
= "A Burton le ha salido una película elegante y triste (...) Faltan el
brillo, la locura, el arrebato y, muy especialmente, un tratamiento de
la animación que vaya más allá de lo funcional" (Jordi Costa:
Fotogramas)
+ "Precioso homenaje al niño que fuiste. (...) te introduce en ese
universo mediante imágenes muy hermosas y el corazón de un auténtico
poeta." (Carlos Boyero: Diario El País)
+ "Largo en stop motion y 3D decimonónico técnicamente primoroso (...) La
historia de Víctor y Sparky resulta conmovedora (...) Es una película
dolorosamente triste" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)
CURIOSIDADES
- Cuando Tim Burton concibió la idea de Frankenweenie, lo hizo pensando en un largometraje animado con la técnica fotograma a fotograma (stop-motion). Pero debido a restricciones en el presupuesto y el miedo al tema tratado por parte de la Disney, realizó un cortometraje de acción real, que se estrenó en 1984.
Dentro del género infantil el cine fantástico es el mejor aliado para llamar la atención de un público que desborda imaginación por los cuatro costados y en ocasiones nada fácil de contentar, por eso no es difícil encontrar películas que utilicen historias dónde la magia, las aventuras y los sueños sean parte fundamental de su relato, lo que ya es más complicado es encontrar obras que realmente sepan aprovecharlo y merezca la pena aquello que nos cuentan.
Kerity, la casa de los cuentos, es una hermosa cinta que demuestra una vez más de como la animación en Europa (especialmente en Francia) es tratada con mimo y respeto, dejándonos la mayor parte de las veces con unos estupendos trabajos dignos de admirar. Kerity es una película con un público claro y sabe aprovechar los mejores recursos para cautivar a cualquiera que la vea.
La historia se centra en Natanaël, un niño que a sus siete años de edad sigue sin aprender a leer. La reciente muerte de su tía Eléonore le deja como herencia una enorme biblioteca que guarda en su interior las primeras ediciones de los cuentos clásicos que todos conocemos. Natanaël sintiéndose triste al no saber valorar tan preciado tesoro decide ceder los libros a un caprichoso vendedor de antigüedades para así poder ayudar a sus padres a restaurar la vieja casa de su tía. La noche antes de perder los libros, descubre que los personajes de su interior pueden cobrar vida y que si antes del medio día del día siguiente no consigue leer una frase mágica que se esconde en la librería, todos desaparecerán para siempre. Natanaël deberá entonces recuperar los libros y aprender a leer a tiempo para conseguir recitar las palabras mágicas que salven a sus nuevos amigos.
La mano de la ilustradora de cuentos infantiles Rebeca Dautremer juega un papel indispensable en el filme, ya que es la encargada del diseño animado de esta, dejándonos con un trabajo digno de elogio y que se convierte sin duda en la mejor apuesta de la película. Si bien es cierto que en la historia no encontramos nada más allá del típico argumento de aventuras fantásticas que tantas veces hemos visto, dónde hay enemigos, retos que superar y mucho que aprender, el filme consigue ensimismarnos a través de otros recursos simplemente deliciosos.
Hay que hacer hincapié a su claro mensaje, que incita a los más pequeños, a no tener miedo a abordar algo tan maravilloso como es la lectura, mostrándoles lo placentero que puede llegar a ser, y lo logra gracias a un amor hacía la literatura que desprende en todo momento y del cual es imposible no quedar prendado.
No es de extrañar que en uno de los más prestigiosos galardones de la animación como son los Annecy franceses, estuviese nominada a mejor película, premio que se llevó la inmejorable Fántastico Sr. Fox, pero enamorando al jurado que decidió darle una distinción especial.
Sin duda es una propuesta más que acertada si tenéis algún renacuajo en casa, aunque hay que decir que ver Kerity, la casa de los cuentos desde los ojos adultos puede llevaros a un viaje delicioso a la propia infancia.
TÍTULO ORIGINAL Kerity, la maison des contes AÑO 2009 DURACIÓN 80 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECTOR Dominique Monfery GUIÓN Anik Leray, Alexandre Reverend MÚSICA Christophe Héral VOCES ORIGINALES Paul Bandey, Pascal Berger, Lorànt Deutsch, Joanne Farrell, Christine Flowers, David Gasman, Julie Gayet, Gonzales, Gursharan Mann, Jeanne Moreau, Denis Podalydès, Doug Rand, Pierre Richard, Liliane Rovère, Allan Wenger, Pete Willcox PRODUCTORA Gaumont-Alphanim / La Fabrique / Lanterna Magica / Canal+ / Cinéart / Haut et Court / Films Distribution / Studio Canal / TF1 / TPS Star GÉNERO Animación. Fantástico. Infantil TEMÁTICA Literatura
SINOPSIS A pesar de que Natanaël tiene casi siete años, aún no sabe leer. De ahí
el chasco que se lleva cuando su tía Eléonore le lega su biblioteca. Y,
sin embargo, cada relato contiene un maravilloso secreto: al anochecer,
los pequeños héroes, la encantadora Alice, el Hada malvada, el temible
Capitán Garfio salen de los libros para vivir su propia vida. Pero
cuando, de repente, se ven en peligro de desaparecer para siempre, no
tienen más remedio que pedir ayuda a Natanaël, que, deseoso de
salvarlos, acepta que el Hada lo reduzca a un tamaño tan minúsculo como
el de sus amigos, y se lanza a la aventura.
PREMIOS
2010: Festival de Annecy: Distinción especial
CRÍTICAS
= "A Kerity, la casa de los cuentos le falta carisma,
mucho, para ser una película de referencia, el hito continental que sin
duda aspira a ser; pero es a la vez una película que sabe ser diferente a
las demás definiendo un carácter visual, pero también narrativo,
enteramente propio. El experimento sale bien sólo a medias, pero lo
suficiente como para merecer una recomendación no demasiado entusiasta." (Roberto Piorno: Guía del ocio)
+ "El niño que protagoniza la trama, abocado contrarreloj al aprendizaje de
la lectura para salvar a las figuras icónicas de la mejor ficción
infantil de todos los tiempos, podrá ser una contrafigura del propio
Walt Disney que, a fin de cuentas, tuvo que inventar todo un lenguaje
–la animación clásica- para mantener viva esa llama. La película de
Monféry demuestra, no obstante, que ese no era el único lenguaje
posible: “Kérity” maneja otras claves para el mismo propósito, que no es
otro que el de reivindicar la liberadora fuerza de una imaginación
capaz de abolir las fronteras del espacio y el tiempo." (Jordi Costa: Fotogramas)
- "Su mayor pecado es su escaso alcance ya desde sus propios planteamientos
conceptuales: ya que habla de la emoción del descubrimiento y la
aventura del conocimiento y la maduración, ya que la película pretende
indisimuladamente transmitir la idea de la aventura del leer, se le
habría agradecido una mayor audacia, haber intentado encontrar nuevos
caminos expresivos, tener un, uno sólo, un miserable hallazgo narrativo." (Xavi Roldan: La casa de los horrores)
Para celebrar la reciente (45ª) edición del Festival de género más emblemático no solo de nuestras tierras si no de parte del extranjero, el Festival de cinema fantàstic de Catalunya, os ofrezco un año más una selección de filmes variados y pertenecientes al género que se explota en la muestra, de este modo los que no tenéis la oportunidad de acercaros a disfrutar de la extensa programación que nos ofrecen, podéis montaros vuestro propio ciclo en casa con las cintas polvorientas de vuestras estanterías o con la magia que os ofrece Internet. Así que durante los días que dure el festival os intentaré ir ofreciendo propuestas variopintas que contenten a todo el mundo, seáis fan del género o no.
Y para empezar de que mejor modo que con una película de culto, la pieza fundacional de la época dorada del scify, hablamos por supuesto de los años 50, cuando las múltiples propuestas de serie B inundaron las pantallas de las salas de todo el mundo a merced de Hollywood, que supo invertir poco dinero en clásicos instantáneos. Buen ejemplo de ello es la mítica El enigma de otro mundo, primera adaptación de la obra de John W. Campbell.
En una zona remota del ártico un grupo de investigadores de una estación de radar descubren una extraña señal, tras investigaciones descubren enterrado en el hielo un enorme platillo volador que desintegran tras los intentos de sacarlo del suelo, tras perder las esperanzas de analizar un objeto llegado del espacio descubren un extraño ser que sigue bajo el hielo y con vida, deciden sacarlo y llevarlo al laboratorio para realizar las pertinentes pruebas, la decisión desemboca en una pequeña guerra en la estación polar entre el monstruo y sus habitantes.
A pesar de estar dirigida por un desconocido Christian Nyby, se nota como la sombra de su productor Howard Hawks que domina la totalidad de la película, algo que se nota en sus protagonistas, sus aspiraciones y en unos inteligentes diálogos que fluyen muy ágilmente entre los personajes. A pesar de ello, hay que decir que esos fabulosos diálogos pierden veracidad al juntarlos con una trama que pide menos contraste en la narración, y que fácilmente podrían pertenecer a una película totalmente distinta dónde un ser de otro mundo no amenazase con terminar con la vida de todos ellos. El filme en si se basa (una vez el monstruo empieza a atacar), en la repetición de la acción, dónde a cada paso los personajes aprenden algo e intentan poner remedio, hasta por fin llegar a su meta. Es por eso, que lejos de su entrañable recuerdo de gran película de culto, el filme queda muy perdido en el tiempo, más si la comparamos inevitablemente con su estupenda mejora por parte de John Carpenter (más fiel además con el relato original).
Podemos decir que a pesar de ser la piedra fundacional, se han hecho mejores trabajos posteriores a expensas de ese miedo a los rusos por parte de la población americana, cómo La humanidad en peligro (Them!) o La invasión de los ladrones de cuerpos y que no son tan explícitamente claros en su mensaje. Pero le debemos no sólo asentar las bases de todo un género, si no ser la semilla del estupendo remake, clásico del terror.
El enigma de otro mundo es hoy en día una película entrañable que se ve con agrado a pesar de su perdida de fuerza con el tiempo, y que combinaría genial en una sesión doble o una maratón de cine scify de serie B siendo esta indispensable en la programación. Sólo queda deciros: Donde quiera que estéis: ¡Vigilad el cielo!
TÍTULO ORIGINAL The Thing from Another World AÑO 1951 DURACIÓN 87 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECTOR Christian Nyby GUIÓN Charles Lederer (Historia: John W. Campbell) MÚSICA Dimitri Tiomkin FOTOGRAFÍA Russell Harlan (B&W) REPARTO Kenneth Tobey, Margaret Sheridan, Robert Cornthwaite, Douglas Spencer, Dewey Martin, James Arness PRODUCTORA RKO Pictures. Productor: Howard Hawks GÉNERO Ciencia ficción. Fantástico. Intriga. Terror TEMÁTICA Extraterrestres. Película de culto. Serie B
SINOPSIS
En una zona del Polo Norte, a pocos kilómetros de una base en la que trabajan unos científicos, ha caído una misteriosa aeronave. Los científicos piden ayuda al ejército. El capitán Hendry llega con sus hombres y descubren que se trata de una nave espacial. Hallan el cuerpo congelado de su ocupante y lo llevan a la base de los científicos. Cuando a causa de una imprudencia el hielo se derrite, la criatura extraterrestre recobra la vida y agrede a los humanos. Las balas no pueden acabar con él. El doctor Carrington, jefe de los científicos, y el capitán Hendry chocan inmediatamente: el primero, en nombre de la ciencia, quiere mantener con vida a la cosa; el militar aniquilarla, dado su comportamiento beligerante.
CRÍTICAS
+ "El enigma de otro mundo es una de esas películas que nos seducían
y aterraban a un tiempo cuando las pasaban por televisión, un magnífico
ejemplo de cómo se puede hacer buen cine de ciencia-ficción con cuatro
duros y actores de segunda o tercera fila." (Antonio Quintana Carrandi: Sitio de Ciencia-Ficción)
= "Si algo le achaco al film es tal vez un final algo abrupto que además se
ve bañado por un mensaje claramente político, producto de aquellos años
en los que la sociedad americana miraba con recelo a la rusa. En
cualquier caso, estupenda película a la que John Carpenter le dio
literalmente la vuelta en uno de los pocos remakes que merecen la pena." (Alberto Abuín: Blog de cine)
CURIOSIDADES
- El maquillador Lee Greenaway estuvo 5 meses planificando su trabajo y
realizó 18 esculturas de La Cosa antes de decidirse por un diseño que
siempre ha dejado opiniones divididas.
- Howard Hawks deseaba recibir apoyo y documentación de las Fuerzas Aéreas
de los EE.UU., pero los militares rehusaron, ya que colaborar en una
película como esta podía comprometer la postura oficial del gobierno,
que decía que los OVNIs no existían.
- Uno de los dobles de James Arness tuvo el valor de ser el primero en ser
cubierto de combustible y quemado de cuerpo entero como un bonzo. Salió
bien y el hombre no sufrió daños, pero casi. Se llamaba Tom Steele, y
su protección consistía en una especie de escafandra formada por un
traje de amianto y un casco de fibra de vidrio. Debajo llevaba una
bombona de oxígeno para respirar. Pero ese oxígeno era 100% puro, muy
inflamable, y fue un milagro que no se le quemaran los pulmones. Pero no
pasó nada y el doble escocés siguió trabajando hasta 1986 (se retiró
con 77 provectos años).
FRASES
* Decidle al mundo entero. Donde quiera que estéis: ¡Vigilad el cielo!
* - ¿Seguro que sabe cómo usar el rifle? - Vi a Gary Cooper en Sargento York.
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