ATTACK THE BLOCK

  

A pesar de su exitoso paso por Sitges, Attack the Block no es más que una entretenida cinta de ciencia-ficción que adereza su historia con comedia y muchas, muchas dosis de acción.

En una barriada baja de Londres nos topamos con un grupo de pandilleros de baja edad que sin comerlo ni beberlo se ven en medio de una batalla con un grupo de alienígenas. Los chavales, aventurados como son, deciden poner fin a la invasión de un modo drástico y muy doloroso.

Normalmente cuando una pel·lícula lleva en su cartel el anuncio de los productores de, no es más que una estratagema de marketing para atraer al público hacía las salas, pero en esta ocasión los productores de Zombies Party o Arma Fatal, apuestan por una película que ofrece lo que ya nos trajeron sus anteriores producciones, humor y acción en una película gamberra, que seguramente gustará a los fans de este tipo de filmes.

Sin dudarlo lo más interesante de Attack the Block es elegir una localización tan curiosa para contarnos la historia de una invasión extraterrestre, a pesar de ello sus puntos cómicos son insuficientes y seguramente poco aptos para el público general, centrando todas sus miradas hacía los jóvenes que se puedan sentir identificados con los protas de la historias, dejándonos al resto como comodines que a pesar de disfrutar con la cinta no lo haremos de un modo completo. Lo peor de todo es su parte de acción, a la que se recurre en exceso y con un ritmo tan frenético que en ocasiones puede provocar que perdamos la cabeza, en cierto punto del film no sabía dónde se encontraba cada personaje, y eso que estamos hablando de una localización bastante reducida.

A su favor tiene una banda sonora que le va como anillo al dedo, tremendamente bien elegida y bien combinada con sus imágenes, por no mencionar el diseño de esos fabulosos seres venidos de no sabemos que parte del universo, una oscura mezcla entre Critters, Aliens, Gusiluz y hombres lobo que son tan originales como inimaginables por nadie.

Y poco más que añadir, una película bastante entretenida de la que poco más podremos sacar, y eso ya es suficiente.

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TÍTULO ORIGINAL Attack The Block
AÑO 2011
DURACIÓN 80 min.
PAÍS Reino Unido
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Joe Cornish
GUIÓN Joe Cornish
MÚSICA Steven Price
FOTOGRAFÍA Thomas Townend
REPARTO John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, Leeon Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Jumayn Hunter, Danielle Vitalis, Paige Meade, Sammy Williams, Michael Ajao, Nick Frost, Joey Ansah
PRODUCTORA Studio Canal / Film4 / UK Film Council
GÉNERO Ciencia ficción. Acción. Terror. Comedia
TEMÁTICA Comedia de terror. Extraterrestres

SINOPSIS

En pleno Londres, un grupo de chavales tendrá que enfrentarse a una invasión de alienígenas. Todo empieza cuando los adolescentes asaltan a una enfermera, a la que dejan en paz, cuando un extraño objeto aterriza sobre un coche. Al acercarse al vehículo, de su interior sale una extraña criatura... 

PREMIOS

2011: Festival de Sitges: Premio del público y Mejor BSO
2011: Premios BAFTA: Nominada al Mejor debut británico

CRÍTICAS

+ "El reparto es espléndido, el guión ingenioso y la acción satisfactoria. Si Steven Spielberg y J.J.Abrams hubieran convertido 'Super 8' en una película barata de serie B, podría haber sido algo como esto (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Elizabeth Weitzman: New York Daily News)

+ "Un entretenido thriller en la tradición de la serie B setentera, con un reparto desconocido, unos enérgicos efectos especiales y un montón de energía (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Una invasión extraterrestre infecciosamente divertida que respecta las convenciones del género y anima el brebaje con un distintivo sabor local" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Una serie hilarante y ruidosa de persecuciones y batallas que cruza 'Gremlins' con 'Asalto en el distrito 13' (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Energía, sentido del espectáculo, humor feroz y, lo más importante, sentido lúdico a pleno rendimiento." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Lo más admirable de la película es la velocidad con que se desarrolla el conflicto, el modo en que saca partido de la pobreza de medios, el sentido del humor con que caracteriza a los personajes secundarios (...) es cine popular del auténtico" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Avanza a base de golpes de genio y el resultado es una de las grandes películas del año (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

CURIOSIDADES

- Ha poco tiempo de su estreno ya se rumorea una secuela, un remake americano y hasta un spin-off televisivo.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,3

- Filmaffinity: 6,2

- IMDB: 6,7

* Media: 6,4

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CINCO METROS CUADRADOS

Cinco metros cuadrados, gran triunfadora en el festival de Málaga 2011, es una película de gran contenido, la especulación inmobiliaria, un tema que anteriormente ya se habían atrevido a tocar grandes cineastas de nuestro cine con El Verdugo o El pisito, pero que hasta ahora nadie había abordado de una perspectiva tan dramática y realista.

Álex y Victoria son una pareja llena de ilusiones, buscan un nuevo lugar donde vivir para así casarse y formar una familia. Ven una oportunidad al encontrarse con una nueva promoción de pisos que se están construyendo a las afueras de Madrid,  cansados de tirar el dinero en alquileres se aventuran a convertir-se por primera vez en propietarios de su hogar. Todo marcha a las mil maravillas hasta que ven que la obra no termina de avanzar y por si eso no fuera poco, el departamento de medio ambiente para el proyecto a causa de una serie de irregularidades. La pareja ve su vida convertida en un infierno, mal viviendo en pensiones y trabajando en jornadas maratonianas para poder seguir adelante. Su relación poco a poco se va deteriorando a la vez que la empresa promotora de su casa no les ofrece alternativas sintiéndose como tantas familias en similar situación: engañados.

El arranque del film es prometedor, pero a medida que la cinta avanza los sentimientos hacía ella son contradictorios, una historia de estas características es realmente de gran interés,  sobretodo porqué su director, Max Lemcke, se inclina hacia un relato realista y dramático con el que es fácil empatizar, o lo sería si no fuese por la falta de algo de chispa, de mala uva, y de garra, quedando la cinta en lo que podría haber sido y no es. A pesar de arremeter con fuerza contra "los malos" parece que se queda corta en ello, y de otra banda, no terminamos de ver como la situación de los protagonistas puede ser realmente dura, centrándose más en soluciones e idas y venidas que no terminan de llevarnos a ninguna parte y que no profundizan en el estado emocional de la pareja. A ello debemos sumar que la parte final del film da un giro de género que pasa de lo dramático hacía el thriller costumbrista de un modo poco acertado que estropea el trabajo hecho anteriormente.

A pesar de ello, es interesante ver el trabajo del dúo Tejero-Alterio, que dan una vuelta de registro a sus interpretaciones que hasta ahora se habían centrado siempre en el campo de la comedia, demostrando que son unos interpretes capaces de ofrecernos mucho más de lo que habíamos visto hasta ahora, en los que son sin duda sus mejores papeles. De igual modo es apreciable el trabajo de realización de Lemcke, que ya demostró en su Casual Day sus ansias por experimentar y que en esta ocasión no abandona a pesar de decantarse por un estilo más clásico. 

Es curioso observar también como de un modo extremadamente escalofriante, nos damos cuenta de que a pesar de la distancia enorme en el tiempo con films como El Verdugo de Berlanga, las cosas en vez de mejorar han empeorado hasta encontrarnos en la situación en la que estamos, haciéndonos ver como el cine español ha perdido bastante de sus orígenes pero que de vez en cuando aparecen obras que nos recuerdan aquellos años que bailaban entre el neorrealismo y la sátira que luchaba por franquear la censura, unos tiempos que por suerte o por desgracia estamos recuperando.

Sin lugar a dudas es una lástima que está película se haya quedado en ese limbo de quiero y no puedo, ya que en realidad todo el jugo que podríamos haberle sacado se ha quedado dentro. Lo esperanzador de todo es que realizadores como Lemcke, que se alejan de los circuitos habituales, son personas atrevidas y dispuestas a contarnos aquello que queremos escuchar y es evidente que hay que apostar por ellos.

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TÍTULO ORIGINAL Cinco metros cuadrados
AÑO 2011
DURACIÓN 86 min.
PAÍS España
IDIOMA Español
DIRECTOR Max Lemcke
GUIÓN Pablo Remón, Daniel Remón
MÚSICA Fernando Velázquez
FOTOGRAFÍA José David Montero
REPARTO Fernando Tejero, Malena Alterio, Emilio Gutiérrez Caba, Manuel Morón, Jorge Bosch, Secun de la Rosa
PRODUCTORA Aliwood Mediterráneo Producciones S.L.
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Drama social. Crisis económica

SINOPSIS

Álex y Virginia compran un piso, sobre plano, en las afueras de una gran ciudad porque no pueden permitirse grandes lujos. Con sus ahorros pagan la entrada y aceptan una hipoteca a 40 años. Cuando sólo faltan unos meses para la entrega de la vivienda, el edificio aún está sin terminar. Un día, inesperadamente, precintan la zona y paran las obras. Los compradores forman una plataforma de protesta y denuncian a la constructora. Así es como Álex conoce a Toño, otro afectado, que trabaja en la construcción, y que está convencido de que se trata de una maniobra para deshacerse de ellos. Un año después, los afectados han dejado de reunirse. Alex, cada vez más tenso y deprimido, empieza a descuidar el trabajo y a tener problemas con Virginia, pero se niega a rendirse y decide actuar para encontrar una solución.

PREMIOS

2011: Festival de Málaga: Mejor película, actor (Tejero), actor sec.(Bosch), guión y Premio de la Crítica
2012: Circulo de escritores: Nominada a mejor actor (Tejero)
2012: Premios Turia: Mejor actor (Tejero) (compartido con Coronado por No habrá paz para los malvados), actriz (Alterio), nuevo director (compartido con Mateo Gil por Blackthorn)

CRÍTICAS

+ "Notable película (...) Con convicción, humanidad, fuerza interpretativa y, lo más difícil, brillantes toques de humor negro con los que se pasa del amargo drama a una durísima sorna" (Javier Ocaña: Diario El País)

- "Pisa firme en el linóleo del costumbrismo hispánico, aunque le cuesta crear vínculos de empatía con sus protagonistas y no sabe muy bien qué hacer con un conflicto que resulta tan agotador y cansino para ellos como para el espectador" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

= "Una obra honesta y cívica a la que le falta algo de fuerza y arrojo, algo de mala leche (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Escalofriante arranque (...) la historia es una rotonda entre la avenida Kafka y el bulevar Fernán Gómez (...) Y Tejero y Alterio sencillamente perfectos (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Javier Cortijo: Diario ABC)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,4

- Filmaffinty: 5,9

- IMDB: 6

* Media: 6,1

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ANA Y LOS LOBOS

Carlos Saura, uno de nuestros reputados cineastas más internacionales, evoca su complejo mundo interior a través de su excelsa filmografía, una serie de radiografías personales-sociales que dan el pistoletazo de salida a partir de su tercer largometraje de ficción La Caza, en la que se valió de los simbolismos para contarnos un mensaje escondido entre las imágenes haciendo así una feroz critica social evitando el peso de la censura, a partir de él sus siguientes largometrajes parecen ser la continuación del anterior, haciendo así, como él ha comentado en varias ocasiones un cine que refleja el mundo que le envuelve y de alguna manera sus propias vivencias. Saura, aragonés nacido en el seno de una familia burguesa y habiendo vivido en plena Guerra Civil española, tiene mucho que contarnos en su cine, y para un ejemplo más, uno de los relatos más duros de su filmografía: Ana y los lobos.

En esta película nos topamos con la historia de Ana, una joven institutriz que es contratada por una familia con la intención de que se haga cargo de las niñas de la casa. La familia está compuesta por una madre dominante, y tres hermanos: José, un hombre autoritario que colecciona uniformes militares, Fernando, rodeado de un aura misticista y que busca el eterno contacto con Dios y Juan, casado con una mujer a la que le es infiel y con la que ha tenido tres hijas. Poco a poco los tres hermanos sentirán una enfermiza atracción sexual hacia la joven Ana.

La historia, se cuenta de un modo atrayente gracias a su intriga que atrapa fácilmente incluso al espectador menos experimentado de su cine, con el problema que al final del relato solo el más experimentado y conocedor de su obra identificará el verdadero interés de lo que Saura nos ha querido contar, necesitando un fuerte análisis ubicándonos en su contexto histórico y sabiendo identificar los puntos alegóricos que el autor ha presentado en la cinta...

Ahondando en ese análisis nos topamos ante una feroz y demoledora critica a la España franquista de su época. Ya desde la ubicación del caserón, solitario, apartado de todo, en un entorno hostil y arrasado que puede compararse con el país y dónde se respira el mismo ambiente de hostilidad. En la casa nos encontramos con la madre, una figura vieja y senil, pero atenta a todo, que pasea por su territorio siempre subida a su trono y transportada por sus criadas, una mujer que se aferra al pasado, que lucha por sobrevivir y aconseja a sus hijos para que resten unidos, haciendo frente a los tiempos venideros, su figura nos recuerda al mismo que por esos tiempos dictaba sus leyes en España, pero acercandose a su decadente realidad, recordando aquellos tiempos en que como el propio personaje de la mujer explica, los campos estaban llenos de fresones como puños, el encargado de guardar esos campos es José, hijo frío, autoritario y sin personalidad, reflejo de uno de los tres grandes estamentos: el militar, velador de una paz que ni tan siquiera podemos encontrar, obsesionado con los uniformes y las armas que no dudará en utilizar incluso para acabar con la vida de un pájaro que vuela en libertad (otro interesante símbolo), Francisco, reflejo del estamento religioso, el favorito de mamá, su conexión espiritual le lleva a una lucha interna intentando separarse del seno familiar, siempre mirando por el propio interés aunque finalmente se una a la propia lucha sintiéndose perturbado por el nuevo aire fresco que ha llegado al territorio. Juan, símbolo de la burguesía, y del estamento familiar tradicional, malcría a sus hijas y engaña a su inadvertida esposa la cual en un momento dado revela su invisibilidad en el seno familiar en un potente giro narrativo, la represión hace de Juan un hombre perturbado sexualmente que esconde una mascara oscura de las perversiones más intimas. Las hijas, representación de un país preocupado por su futuro, juegan con la inocencia con el miedo siempre presente, revelando siempre aquello que está por ocurrir, en especial a Ana, que representa las nuevas ideas, que se atreven a jugar con aires de superioridad con aquello existente, sin saber que poco a poco lo único que va a conseguir es meterse en la boca de los lobos que controlan la sociedad que les envuelve, llegando a un trágico final.

Es evidente que para lograr entender todo ese contenido necesitamos hacer un esfuerzo que en otros casos podemos ver con más claridad, haciendo del film de Saura un trabajo complicado a pesar de su enorme gran interés, necesitando una segunda revisión que nos ayuda a sumergirnos en el territorio que quiere realmente explorar, eso hace que la película decaiga para el público en general, siendo con lo cual una de las obras que menos se van a tener en cuenta del autor.

Si bien, el reparto de lujo nos regala unas actuaciones excelentes que cautivan a cualquiera, Saura también es conocido por su estupenda mano en la dirección de actores, así podemos ver una suprema Rafaela Aparicio en su máximo esplendor, un Fernando Fernán-Gómez único, un terrorífico Juan María Prada o a la musa del autor, Geralidine Chaplin que hace un trabajo como siempre estupendo. Más tarde, Saura continuaría la historia con Mamá cumple 100 años, en la que nos reencontramos con los personajes de Ana y los lobos, y en la que las actuaciones superan lo insuperable de su predecesora, y en la que destacan aquellos actores que en esta ocasión se presentaban más en segundo plano, pero de ello hablaremos en su debido momento cuando toque analizar el filme en cuestión.

De este modo nos encontramos con Ana y los lobos con una película muy interesante, que a pesar de su farragoso visionado, ofrece un contenido único y de gran importancia para entender nuestro cine. Una cinta de visionado obligado de la que tenemos mucho que aprender.

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TÍTULO ORIGINAL Ana y los lobos
AÑO 1972
DURACIÓN 102 min.
PAÍS España
IDIOMA Español, inglés
DIRECTOR Carlos Saura
GUIÓN Carlos Saura & Rafael Azcona
MÚSICA Luis de Pablo
FOTOGRAFÍA Luis Cuadrado
REPARTO Geraldine Chaplin, Fernando Fernán-Gómez, Juan María Prada, Juan Vivó, Rafaela Aparicio, Marisa Porcel, Anny Quintas, Charo Soriano
PRODUCTORA Elías Querejeta P.C.
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Familia. Años 70

SINOPSIS

José, autoritario, coleccionista de trajes militares, pobre de espíritu. Fernando, perseguidor incansable de la unión mística con Dios. Juan, escritor de cartas enloquecidamente eróticas. La madre hidrópica, nostálgica de antiguos esplendores. Las niñas que, entre juegos, encuentran muñecas enterradas y torturadas. Y en medio de esta atmósfera tan extraña e inquietante está Ana, la institutriz inglesa de 25 años.

PREMIOS

1973: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1974: Circulo de escritores: Mejor actor (Fernando Fernán-Gómez) y mejor actriz secundaria (Rafaela Aparicio)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,4

- Filmaffinity: 6,9

- IMDB: 7,1

* Media: 6,8

FRAGMENTO

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GOHST DOG, EL CAMINO DEL SAMURÁI

Adaptando el clásico de cine negro francés El silencio de un hombre, homenajeando lo mejor del cine de samuráis con Rashomon como referente, aprovechando los ecos del cine de Quentin Tarantino... El independiente Jim Jarmusch nos ofrece una película atípica que como bien cita uno de los personajes que aparecen en el film "Es poesía de la guerra".

Forest Whitaker, uno de los infravalorados actores del mundo Hollywoodense, interpreta diestramente a Ghost Dog, un asesino a sueldo de tranquila actitud que siguiendo la idiosincrasia samurái sirve con devoción al tipo que le salvó en su adolescencia, un mafioso italoamericano que sin quererlo verá como su vasallo será el blanco de sus compañeros que le darán caza. El protagonista, siguiendo siempre el recto camino del samurái ideará un plan para protegerse a si mismo con la prudencia y cautela que le caracterizan.

Una ristra de originales pueblan la historia que el propio Jarmusch ha escrito, empezando por el protagonista Ghost Dog, un negro grandullón, solitario, que vive con un grupo de palomas y que sigue el manual del samurái, su único amigo es un haitiano que solo sabe hablar francés y que se gana la vida con un pequeño furgón de helados, un grupo de mafiosos entrados en edad que ya no son los de antes, un perro de mirada fija y una niña devoradora de libros que no se separa de su pequeño maletín y que nos reservará alguna pequeña sorpresa. Si bien por las características de todos ellos podría parecernos que nos encontramos ante una hilarante comedia absurda, su autor reservará las risas en pequeñas dosis y nos ofrecerá una historia de dolor sorprendentemente adictiva y original.

Cuando Jarmusch realizó Ghost Dog poco necesitaba demostrar ya para que se le tuviera en cuenta como uno de los outsiders más representativos del panorama cinematográfico americano, su filmografía contaba ya con títulos de culto como Extraños en el paraíso, Down by law, Noche en la Tierra, Dead Man o los cortometrajes de Coffe & Cigarrettes (de los que más tarde sorprendería con el largo), a pesar de ello no bajó la guarda con esta nueva película ofreciendo lo mejor de si mismo y dando un estupendo resultado. Un ritmo atípico para este tipo de producciones, una banda sonora cuidadosamente seleccionada, unos recursos narrativos estupendos que no dejan espacio para la casualidad (como las sorprendentes anticipaciones a través de las pequeñas inserciones de los clásicos animados infantiles que la familia de mafiosos devora en sus televisores), un uso de la cámara digno de admirar, la lograda fotografía de su colaborador Roby Müller, un guión repleto de momentos ontológicos o unos personajes que como he comentado anteriormente son simplemente admirables. Todo se conjura en Ghost Dog de uno modo excelente, hilando poco a poco una historia que nos atrapa y no nos suelta ni pasados los créditos finales.

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TÍTULO ORIGINAL Ghost Dog: The Way of the Samurai
AÑO 1999
DURACIÓN 115 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés, Francés
DIRECTOR Jim Jarmusch
GUIÓN Jim Jarmusch
MÚSICA RZA
FOTOGRAFÍA Robby Müller
REPARTO Forest Whitaker, John Tormey, Cliff Gorman, Henry Silva, Isaach de Bankolé, Tricia Vessey, Victor Argo, Gene Ruffini, Richard Portnow, Camille Winbush, Jamie Hector
PRODUCTORA Plywood Productions
GÉNERO Drama. Comedia. Thriller
TEMÁTICA Cine independiente USA. Samuráis. Crimen. Mafia

SINOPSIS

Whitaker es un asesino a sueldo de Nueva York, un hombre de actitud tranquila en su vida diaria que se rige bajo el código de honor de los antiguos samuráis.

PREMIOS

1999: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
2000: César: Nominada a mejor película estrangera
2000: Independent Spirit Awards: Nominada a mejor producción

CRÍTICAS

+ "Una película seria y digna (...) la película que más me gusta de un cineasta que habitualmente me repele" (Carlos Boyero: Diario El Mundo) 

+ "Film formidable, irónico, tierno, trascendental y ligero a la vez. (...) Obra cumbre de un cineasta irrepetible" (M. Torreiro: Diario El País) 

+ "Derroche de ingenio, saber contar, humor, inteligencia, deliciosos detalles y mucha, mucha, sensibilidad" (María Casanova: Cinemanía) 

CURIOSIDADES

- El hermano menor de Forest Whitaker hace de Ghost Dog cuando era más joven y fue atacado por otros chicos.

- Gary Farmer repite con Jarmusch en este film y hace un pequeño cameo, además, también repite frase: "Jodido hombre blanco".

- Cuando Ghost Dog se encuentra a los cazadores dice que se llama "Bob Solo". Harrison Ford, en las películas que ha realizado bajo la dirección de George Lucas se llama: Bob Falfa (American Graffiti) y Hans Solo (Star Wars).

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,2

- Filmaffinity: 7,1

- IMDB: 7,5

* Media: 7,3

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GUN HILL ROAD

Enrique acaba de terminar su condena en prisión y regresa a su casa en el Bronx ansioso por volver a ver a su familia, una vez allí verá como su pequeño hijo a crecido y ha cambiado más de lo que uno podría esperar, él ya no quiere ser más él, quiere ser ella.

Muchas son las películas que han intentado hacer un buen retrato sobre la transexualidad, pero pocas veces nos han llegado a sorprender con trabajos realmente interesantes y con un mínimo de calidad, y lo más curioso es que los títulos que han conseguido algún tipo de éxito suelen ser piezas de cine independiente como la original y musicalmente deliciosa Hedwig and the Angry Inch, la divertida y tierna Transamerica o la potente y durisima Boys don't cry, demostrando así que en los grandes estudios todavía queda mucho por evolucionar. Gun Hill Road, es otra de esas cintas independientes que se hace hueco a través de los festivales para demostrar una vez más que se pueden hacer cosas distintas dando un nuevo enfoque a la historia.

Si lo común es encontrarnos con personajes protagonistas que tienen una lucha interior o con el entorno para llegar a la común aceptación, Gun Hill Road decide dejar en segundo plano la figura del personaje transgénero para dirigir su enfoque hacía el campo familiar de una barriada problemática de Nueva York, viendo así una lucha distinta poniéndose en la piel de alguien que cree en los valores tradicionales y como un hecho de estas características le afecta directamente dejándole evolucionar de un modo natural del que mucho deberían aprender otros guionistas. Además, si tenemos en cuenta de que la vida no es tan simple como para tener solo una preocupación, otros aspectos dramáticos rodean la figura del protagonista ex-convicto ganando en matices que terminan de hacer redondo al personaje. El primero su intento de integrarse en la sociedad sin volver a las andadas y terminar una vez más entre rejas, seguido de su esposa, la cual conoció otro hombre durante su estancia en presidio y a la que deberá volver a conquistar dejando atrás sucesos insanos que no ayudan a seguir adelante con su vida dirigiéndolo hacía un camino en el que poco a poco se irá distanciando de su familia.

Es evidente que el guión es la mejor herramienta con la que cuenta la película, dejando la realización en un nivel más simple consiguiendo así no dejar evolucionar la narración a algo con más fuerza y garra que termine de convencernos como espectadores, de todos modos las interpretaciones son lo suficientemente potentes para no desperdiciar todo lo bueno del film, decir que Esai Morales o Judy Reyes hacen un estupendo trabajo sería suficiente, pero descubrir que ese chico que se encuentra en plena transformación corre a cargo de Harmony Santana nos deja boquiabiertos, para los que desconozcáis el nombre, cosa muy lógica ya que no es una figura muy popular, deciros que Santana es una mujer transexual igual que Michael/Victoria, personaje al que interpreta, y solo con ver sus fotos en Google podéis llegar a la conclusión que su paso por la película deja el de Hilary Swank en Boys don't cry como un mero juego, que es decir mucho.

Por todos esos motivos cabe recomendar Gun Hill Road, que aunque su estilo baile entre el cine de autor y el telefilme el resultado final es lo suficientemente interesante como para echarle un vistazo.

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TÍTULO ORIGINAL Gun Hill Road
AÑO 2011
DURACIÓN 88 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés, Español
DIRECTOR Rashaad Ernesto Green
GUIÓN Rashaad Ernesto Green
MÚSICA Enrique 'Hank' C. Feldman
FOTOGRAFÍA Daniel Patterson
REPARTO Esai Morales, Harmony Santana, Judy Reyes, Isiah Whitlock Jr., Vincent Laresca, Franky G, Miriam Colon, Vanessa Aspillaga, Robert Prescott
PRODUCTORA SimonSays Entertainment / A Small Production Company
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Cine independiente USA. Transexualidad. Familia. LGBTIQ

SINOPSIS

Un ex convicto regrese a su casa en el Bronx, después de tres años en la prisión. Una vez en su hogar descubre que el comportamiento de su mujer y el de su hijo adolescente, que está sufriendo una transformación sexual, pondrá a prueba los frágiles lazos que le unen a su familia.

PREMIOS

2011: Premios Gotham: Nominada a Mejor actor/actriz (Harmony Santana)
2011: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor actriz secundaria (Harmony Santana)
2011: Sundance: Nominada al gran premio del jurado

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,5

- Filmaffinity: -

- IMDB: 6,8

* Media: 6,7

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CARMINA O REVIENTA

Es inevitable hablar de esta cinta y no comentar antes su iniciativa a nivel distribución, de la cual seguramente todos ya estaréis más que informados. Si bien la película no es pionera en el ámbito ya que otras producciones se han estrenado directamente en Internet a precio casi de saldo e incluso otras de modo gratuito o dejando al espectador que elija cual es la aportación que quiere dar, Carmina o revienta a marcado un fuerte antes y después en nuestro país no solo por decidir dar estreno a la cinta a través de las cuatro plataformas: salas de proyección, mercado domestico, alquiler y visionado por Internet, si no también por el éxito obtenido, o al menos el que nos dicen que ha conseguido. 

El espectador más clásico tiene la opción de acercarse a una sala de cine dónde proyecten la película y pagar el precio normal de una entrada, otros pueden optar por hacerse con una de las copias en DVD a un precio más económico que el de los cines, o como últimas dos opción poder verla en Internet a través de plataformas como Filmin o alquilándola en los casi extintos videoclubs pagando todavía menos. En los tiempos que corren saber adaptarse con iniciativas como esta dan un canto de esperanza al panorama desolador que planea por nuestras cabezas, pero aunque la academia del cine a apoyado la iniciativa del proyecto (no olvidemos que el propio presidente es socio fundador de Filmin), no ha tardado en lanzar algunas declaraciones menos alentadoras dejando claro que Carmina o revienta no es un ejemplo de éxito, primero por venir ya con la promoción hecha al estar dirigida por el mediático Paco León, lo que le ha dado una acogida segura hacía un publico que por otro lado seguramente no hubiese ni tan siquiera haber oído mentar el título de la película, sumamos también el pequeño empuje que supone haber tenido tan buena acogida en el Festival de Málaga, y por último por su presupuesto, que se convierte en el principal motivo que los cineastas utilizan para no terminar de dar el paso al nuevo modelo de distribución. Una película como esta no necesita grandes recaudaciones para recuperar el dinero invertido, un dinero bajo para las producciones de nuestro país. Podríamos tragar con esa equivocada idea si no fuese porque la propia Carmina o revienta también demuestra que no es necesario de un gran presupuesto para ofrecer calidad en una película, lo que nos lleva a plantear cual es el tipo de cine que se debería hacer en nuestro país y si lo que sobra es menos imitar a las grandes producciones y saber encontrar nuestro lugar en el panorama cinematográfico.

Esos motivos ya deberían ser suficientes para apoyar la cinta y visionarla a través de alguna de las plataformas que nos ofrecen, pero como lo importante en el cine no es eso vayamos a centrarnos más en la película en sí.

Carmina o revienta es una cinta rodada a través de la técnica del falso documental que nos cuenta como Carmina Barros tiene una idea para recuperar el dinero perdido tras los últimos robos a su pequeño negocio y poder así tirar adelante a su peculiar familia. En realidad si no fuese por el claro estilo en la realización que intenta imitar el del reportaje (que baila entre lo irregular y lo notable), la sensación que nos deja es de ser nosotros mismos en primera persona los que estamos con Carmina escuchando sus historias, algo que se consigue sobretodo gracias a la naturalidad de sus actuaciones, en la que la madre del director realiza una puesta en escena tan sincera y llena tanto la pantalla que sin duda ese premio que obtuvo en Málaga a mejor actriz es merecido, aunque solo sea por habernos convencido con esta cinta, esperar que consiguiera repetir tal magia en otra producción ya sería esperar demasiado. La mejor baza de las actuaciones son sin duda la naturalidad del reparto completo, una pena que los trabajos de los actores profesionales no terminen de cuadrar con la naturalidad del resto y desequilibren un poco el conjunto quedando en muchos momentos sobreactuados frente a la frescura del amateur.

En el ámbito del guión encontramos una historia sencilla pero que gana fuerza gracias a como Paco León decide contárnosla, más que por el estilo documental, por hacerlo a través de los relatos de la protagonista, que vienen y van ágilmente con unos diálogos que aunque recurran al humor más burdo son simplemente tronchantes, no sabiendo muy bien si catalogarlos de realismo o surrealismo.

El resultado final es una cinta fresca, divertida, amena, en la que no encontramos ni un resquicio de pretensión, y en la que se han sabido conjurar tantos elementos interesantes que no hay otra que aplaudir a su director y animarlo a que sus siguientes trabajos sigan el mismo camino. Por ello os recomiendo dejaros llevar por esta tan agradable película sin esperar mucho más.

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TÍTULO ORIGINAL Carmina o revienta
AÑO 2012
DURACIÓN 71 min.
PAÍS España
IDIOMA Español
DIRECTOR Paco León
GUIÓN Paco León
MÚSICA Pony Bravo
FOTOGRAFÍA Juan González Guerrero
REPARTO Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Ana Mª García
PRODUCTORA Andy Joke / Jaleo Films
GÉNERO Comedia. Drama
TEMÁTICA Falso documental. Robos & Atracos

SINOPSIS

Carmina es una señora de 58 años que regenta una venta en Sevilla donde se venden productos ibéricos. Tras sufrir varios robos y no encontrar el apoyo de la aseguradora, inventa una manera de recuperar el dinero para sacar a su familia adelante. Mientras espera el desenlace de su plan reflexiona en la cocina de su casa sobre su vida, obra y milagros.

PREMIOS

2012: Festival de Málaga: Premio especial del jurado, premio del público, mejor actriz

CRÍTICAS

+ "Una de las cintas más originales, brillantes y divertidas que se ha visto en el cine reciente. (...) una sutil, inteligente y muy real (por sucia) tesis sobre los propios límites de su propia realidad. Brillante." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Me he divertido moderadamente, me he reido con ganas en tres o cuatro ocasiones (...) tengo la grata sensación de que no he perdido el tiempo siendo testigo de las andanzas, discusiones, venturas y desventuras, verdades y mentiras de esta familia tan singular" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "El experimento de León consiste en desmantelar el divorcio entre el documental y la ficción de manera que todo lo que ocurre en la pantalla es real e inventado a la vez. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Un obra rupturista, imprevisible y entretenidísima. Ha nacido un autor: bienvenido. (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Frescura (ganas, desparpajo, orginalidad…) es lo que desprende el ¿falso? documental de Paco León, pero hay más. También inteligencia y un óptimo sentido de la oportunidad. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

FRASES

* ¿La diferencia entre realidad o ficción?

La ficción tiene mayor sentido. (Tom Clancy)

LA POLÉMICA

Carmina o revienta se estrena simultáneamente en cines (con  Jaleo Films como distribuidora), en DVD (Cameo) y en diversas plataformas web de vídeo a la carta (Filmin, iTunes, PS3 de Sony, Google Play, Boquo, Canal + Yomvi, PSN, Ono, Imagenio...). Algo que, sin ser estrictamente una novedad (Jaime Rosales ya probó, con Tiro en la cabeza, una fórmula más tímida), ha revuelto a media industria y ha indignado a los exhibidores: "Tal y como está organizada la cosa, algo falla... Porque no puede ser que, en el momento en el que estadísticamente más se consume audiovisual en España, las películas no funcionen. Y no solo es culpa de la piratería; creo que hay que inventarse nuevas fórmulas de difusión", explica el propio Paco León. Él mismo ha financiado al 100% su film y ahora, junto con Jaleo Films, se encarga de distribuirlo. "Yo me puedo permitir probar nuevos mecanismos porque no tengo subvención del ICAA y porque tengo una película muy barata con poco que perder y bastante que ganar. A cambio he recibido el boicot activo de la mayoría de los exhibidores, que se han encargado de que la presencia en salas de la película sea la mínima. Se han sentido muy atacados y, como las leyes los protegen, hacen lo que quieren, pero es una situación que no ayuda en nada a la industria", concluye el cineasta.

Por Jara Yáñez (Caiman Cuadernos de cine, nº7 (58), p. 36)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,5

- Filmaffinity: 6,3

- IMDB: 6,7

* Media: 6,8

TRAILER

VER TAMBIÉN

WE WERE HERE

Para despedir la XVII edición del FIRE! vamos con otra de las producciones que nos han invitado a visionar estos días en Barcelona, y lo hacemos con una de las propuestas más conmovedoras, el documental We Were Here.

A través del relato de una serie de testimonios la película nos cuenta los echos acontecidos en plena década de los 80, a raíz de esa nueva enfermedad conocida hoy como SIDA y que causó verdaderos estragos en la sociedad y en especial a la comunidad homosexual. En plena época de liberación sexual y en el inicio del proceso de reconocimiento de los derechos de igualdad, poco hacía de la muerte del conocido político activista Harvey Milk, el SIDA iba terminando con la vida de incontables personas de una manera drástica y escalofriante, el desconocimiento, la rumorología y el miedo de la población se extendía al no saber que era esa nueva epidemia que estaba afectando a la población.

A día de hoy, pocas personas que vivieron el inicio de la epidemia siguen con vida, y We Were Here (Estábamos aquí) recoge algunas de esa gente que nos cuentan como vivieron esos años, transmitiéndonos sus emociones a través de sus palabras, relatando una lucha en la que se nos hace imposible ponernos en la piel de unos acontecimientos terroríficos, llegándonos así a emocionar y nos acercan a una enfermedad que aunque en el presente la tengamos algo menos visible no debemos olvidar cual es su verdadera magnitud.

El film utiliza imágenes de archivo, fotografía fija o en movimiento, que nos pone en situación, pero el verdadero hilo conductor son las voces que cuentan la historia, una selección de personas variada en los que destacan: un activista que luchó por la investigación y el avance de la enfermedad, una enfermera que vio como su hospital se fue especializando en la nueva enfermedad y tuvo que sacar las fuerzas necesarias para ayudar a los que lo necesitaron, un solidario florista que tenia su negocio en pleno barrio del Castro de San Francisco y nos relata como las cosas fueron cambiando de curso en la sociedad y nacía un espíritu de lucha y ayuda nunca visto antes, un hombre que decidió dedicar su tiempo en la ayuda desinteresada hacía los que quedaron solos en plena crisis y un homosexual que vio como sus parejas y amigos iban falleciendo de un modo tan descontrolado que da un buen ejemplo del terror y la tristeza vivida a la vez que demuestra un espíritu luchador único. La selección de protagonistas no podría haber sido más acertada, las vivencias en primera persona son tan claras y sinceras que es inevitable no emocionarse con ellas y sentir una rápida conexión con la película.

Su estilo es clásico, un documental de testimonios que se acerca a la realización del reportaje, quizás lo menos llamativo en él, pero su fuerza y el interés de lo que nos cuentan es suficiente para que no necesitar ningún recurso narrativo especial ni tener que recurrir a ningún artificio para ello. La película sabe que nos quiere contar, nos lo cuenta, y consigue que entendamos muy bien el mensaje.

Más que necesaria We Were Here es una película que gracias a tratar un tema de un modo tan visceral y sincero se convierte en una obra interesante y de recomendable visionado, ya sea por su contenido histórico, como por su afán de lucha.

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TÍTULO ORIGINAL We Were Here
AÑO 2011
DURACIÓN 90 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR David Weissman, Bill Weber
MÚSICA Holcombe Waller
FOTOGRAFÍA Marsha Kahm
REPARTO Ed Wolf, Paul Boneberg, Daniel Goldstein, Guy Clark, Eileen Glutzer
GÉNERO Documental
TEMÁTICA SIDA. Enfermedad. Homosexualidad. Cine independiente USA. Histórico. LGBTIQ

SINOPSIS

San Francisco, años setenta: una explosión de activismo propicia un estilo de vida increíblemente libre en comparación con otras muchas ciudades norteamericanas, lo que permite, por ejemplo, que por primera vez se elija a alguien que se declara homosexual para un cargo público (Harvey Milk). Sin embargo, el idílico paisaje se desvanece a principios de los ochenta con la propagación feroz del sida, que provoca otra oleada de activismo para recordar a los desaparecidos y desbloquear urgentemente los fondos necesarios para la investigación científica.

PREMIOS

2012: Independent Spirit Awards: Nominado a mejor documental

2012: GLAAD Media Awards: Nominado a mejor documental independiente.

2012: Newport Beach Film Festival: Premio del jurado mejor documental (mención especial)

CRÍTICAS

+ "Una conmovedora mirada detrás de la cortina a una comunidad raramente explorada. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Eve Barlow: Empire)

+ David Weissman nos ofrece un testimonio extraordinario y estremecedor sobre los que "estuvieron aquí" y sobre los desamparados y atónitos familiares que contemplaron a cámara lenta cómo la aterradora pandemia engullía a sus seres queridos. Un trabajo esencial para una nueva generación que quizá ya no tiene tanta conciencia de la magnitud y la rapidez de la hecatombe, ni de la importancia de la comunidad para superar una tragedia. (FIRE!)

CURIOSIDADES

- El filme se ha podido ver en festivales de renombre como Sundance o la Berlinale.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,5

- Filmaffinity: 7,5

- IMDB: 7,7

* Media: 7,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

SPORK

Divertida, esa es la mejor palabra para definir esta producción tan gamberra como incorrecta. Deudora del estilo único de John Waters la película nos cuenta la historia de Spork, una chica hermafrodita que debe sufrir las mofas e insultos de sus compañeros de clase, una especie de Carrie acelerada, claro que sin terror, pero con mucho humor negro, y con un estilo que mezcla lo pop con lo naif dando un resultado  de lo más original.

La película abusa de todos los excesos posibles convirtiéndolos en su mejor arma para mantenernos enganchados en la butaca, excesos en la historia, en la realización, en el montaje, en las repeticiones, todos suman hacia un resultado que en otro tipo de películas acabarían por agotarnos, pero en este caso el efecto es todo el contrario, nos divierten y nos invitan a reírnos de todo sin excepción.

Su joven director, J.B. Ghuman Jr., más conocido por su faceta de actor en películas como Starcrossed o la serie Scrubs, en esta primera incursión en la dirección de largometrajes, en solitario y con guión propio, utiliza técnicas muy atrevidas que otros no usarían por miedo a romper los esquemas cinematográficos, notándose así su paso por el cortometraje, dónde normalmente si se es más experimental y atrevido. Un estilo colorista, dinámico, con puntos cercanos al dibujo animado, que sabe aprovechar todo lo que puede dar.

La ristra de personajes nos recuerdan a aquellos que ya vimos en Donnie Darko y que tanto nos fascinaron, esta vez creados a partir del tópico puro: el matón, el amanerado, la rarita, la popular, la amiga de color, el autista... todos los personajes asiduos de las comedias de instituto, sólo que esta vez va más allá elevándolos a la máxima potencia y remarcando todo aquello que hace que las otras producciones del subgénero nos parezcan tan estúpidas.

Su divertida banda sonora no iba a ser menos, y aprovecha algunas de las populares canciones pop además del funk aliñando así un conjunto juvenil, lleno de frescura y risas.

Estupendo detalle en la despedida de los créditos, tras hora y media de diversión, la película elige algunas de sus canciones más animadas para el listado de nombres de las personas que han trabajado en la película, los cuales, solo podremos leer correctamente con unas gafas 3D, pero las de cartón de toda la vida, con un celofán azul y otro rojo, una guinda entrañable para una película muy recomendable si lo que buscáis es pasar un muy buen rato.

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TÍTULO ORIGINAL Spork
AÑO 2010
DURACIÓN 86 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés, Mandarín
DIRECTOR J.B. Ghuman Jr.
GUIÓN J.B. Ghuman Jr.
MÚSICA Casey James and The Staypuft Kid, Timothy Kiefer, Lise Richardson, Rebekah Touma
FOTOGRAFÍA Bradley Stonesifer
REPARTO Savannah Stehlin, Sydney Park, Rachel G. Fox, Michael William Arnold, Oana Gregory, Halston Autumn McMurray
PRODUCTORA Last Bastion Entertainment / Archer Productions / 11:11 Entertainment Inc.
GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Colegios & Universidad. Comedia negra. Intersexualidad. Acoso escolar. Cine independiente USA. LGBTIQ

SINOPSIS
Una colorida y malhablada comedia musical. Una película sobre una rebelde de encrespado pelo, mejillas rosadas llamada Spork que está tratando de encontrar su camino a través de los anales de la secundaria. Un espectáculo de baile de la escuela proporciona una oportunidad para que Spork aparezca en una banda de chicas.

PREMIOS

2010: Cinekid: Mención especial

2010: Festival de Hamburgo: Premio de la audiencia

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,5

- Filmaffinity: Sin nota

- IMDB: 6,1

* Media: 6,8

TRAILER

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