AMOR

El cine de Michael Haneke siempre es bienvenido por estos lares, y su último trabajo (cinematográfico se entiende, ya que si no deberíamos detenernos en la dirección operística de Così fan tutte) ya tardaba en aparecer por aquí. Amor (Amour, 2012) es sin duda una de las mejores propuestas de su año, además de ser seguramente la obra más personal de director de Múnich. 

Anne y Georges son una pareja de profesores de música retirados que han alcanzado ya su vejez. Anne sufre un día un infarto y es operada con urgencia, tras pasar por quirófano la mujer queda dañada con una hemiplejia derecha, necesitando atenciones constantes por su marido.

Michael Haneke arranca su película contándonos el final, vemos como un grupo de bomberos encuentra el cuerpo de Anne en el salón de su hogar cubierto de flores, de este modo el director austriaco deja claras dos características del filme, por un lado que no habrá finales emotivos y felices, él nos va a relatar una vez más la realidad. Por otro lado nos ayuda a ver ya desde el inicio que no vamos a ver una película que construya un canto al romanticismo basándose en el amor de dos ancianos y el sacrificio de uno por el otro, no quiero decir con ello que la cinta esté carente de estos significados, no es así, pero Haneke no va a construir una película basándose en el lirismo de esos sentimientos.

De este modo podemos ver como no hay ningún tipo de embellecimiento de la acción, en ese sentido Haneke es tan parco como siempre, y aunque pueda retratar lo más duro del ser humano, lo hace esta vez desde el rigor y el respeto, algo muy visible al ver como trata con dulzura Jean-Louis Trintignant al personaje de Emmanuelle Riva, pero con dureza en los momentos de flaqueza del anciano.

Quizás pueda parecer que el director no es el mismo que conocíamos de películas tan violentas como Funny Games (Juegos divertidos) (Funny Games; 1997) o Caché (Escondido) (Caché; 2005), pero no hace falta fijarse mucho para ver como es el mismo en las formas y conceptos, el dolor sigue estando ahí, al igual que el retrato de la complejidad humana. Así qué, ¿es Amor una extraña avis en la filmografía de Haneke? ¿Dónde está el frío observador de la crueldad, debilidades y perversión? Después de La cinta blanca (Das weisse Band; 2009) es fácil tener la sensación de que ha desaparecido, pero la verdad es que sigue ahí, pero con una historia dónde la desesperación se vive, y se percibe, de otro modo.

Solo hace falta revisar su primer largometraje: El séptimo continente (Der siebente Kontinent; 1989), para darnos cuenta que en realidad lo que está haciendo es volver a sus inicios, cerrando sin darse cuenta un ciclo redondo, siempre volviendo a retarnos con largos planos de clímax de fuerza descomunal (esta vez en una danza de dureza, amor, compasión y brutalidad). Es tenebroso escuchar a Emmanuelle Riva comentar como tanto su primer filme –Hiroshima, mon amour (Alain Resnais; 1959)- como este último contienen la palabra Amour en su título, esperemos que ni ella, ni Haneke, estén cerrando de este modo su aportación al mundo cinematográfico.

Hablando de Riva, no puedo proseguir con el comentario de este filme sin antes alabar el estupendo trabajo interpretativo de la actriz francesa, merecedora de todos los premios habidos y por haber (¡demonios! ¡ese Oscar era suyo!), y mucho mejor la presencia de su partenere Jean-Louis Trintignant del que se ha hablado menos pero que realmente consigue un trabajo espectacular, sincero y sin concesión alguna.

Volviendo al filme, hay que decir que hay muchas películas sobre la muerte y la enfermedad, pero la mayoría de ellas se centran en acercarse al entorno familiar y lo social, el trato hospitalario, o el sufrimiento físico... Pero Haneke lanza su mirada a lo emocional, ¿cómo debe enfrentarse alguien a algo tan común como el sufrimiento, y especialmente alguien al que amamos? Solemos ver eso en otros filmes que intentan emocionarnos al presentarnos ante niños con enfermedades incurables, parejas jóvenes a las que la muerte les sorprende... pero Haneke se pregunta sobre algo tan natural e inevitable, aquello a lo que nos deberemos enfrentar todos de un modo u otro, al alcanzar los últimos años de nuestra vida, y es justo ahí dónde el director más nos asalta.

La música desempeña otro papel esencial, la pareja protagonista eran maestros de música, por lo tanto la importancia de esta en sus vidas es la misma que el aire que necesitan para respirar, y es por eso que a lo largo del filme encontramos varias composiciones diegéticas, y sólo hace falta fijarnos un poco en ellas para darnos cuenta como todas ellas son bruscamente interrumpidas antes de alcanzar su final. El mensaje es claro y no es casualidad que el título inicial del filme sea La musique s'arrête (La música acaba).

Amour es un relato poco violento en el sentido de la gratuidad, poco tiene que ver con la sangre de Tarantino o los filmes belicistas dónde se tortura a gente y que Haneke siempre ha despreciado. Esa oferta de violencia tan común en el cine comercial siempre ha merecido su desprecio, es por eso que él siempre la ha utilizado en un formato de denuncia, quería alejar al espectador de la pantalla, y todos sabemos que lo ha sabido hacer muy bien. Con Amour se torna más realista, y es por eso que consigue impresionar más, ya que el espectador siente el mensaje como valido, lejos de la artificialidad de la violencia como divertimiento, entendido este último como irreal y, por lo tanto, lejos de toda angustia.

Amour es sin duda una gran película, y no hay que dejarla escapar.

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TÍTULO ORIGINAL Amour AÑO 2012 DURACIÓN 127 min. PAÍS Austria, Francia, Alemania IDIOMA Francés, Inglés DIRECCIÓN Michael Haneke GUIÓN Michael Haneke MÚSICA Franz Schubert, Ludwig Van Beethoven, Johann Sebastian Bach FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanco, Alexandre Tharaud, Laurent Capelluto, Carole Franck, Dinara Drukarova PRODUCTORA Les Films du Losange / X-Filme Creative Pool / Wega Film / France 3 cinéma / ARD degeto / Bayerischer Rundfunk / Westdeutscher Rundfunk / Canal + / France télévisions

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Drama romántico. Vejez. Enfermedad. Discapacidad

SINOPSIS

Georges y Anne, dos ancianos de ochenta años, son profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija, que también se dedica a la música, vive en Londres con su marido. Cuando, un día, Anne sufre un infarto que le paraliza un costado, el amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.

PREMIOS

2012: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 5 Nominaciones, incluyendo película
2012: Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor película)
2012: 5 Premios César, incluyendo mejor película y director. 10 nominaciones
2012: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa
2012: Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, actor y actriz. 6 nominaciones
2012: Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones
2012: 2 Premios BAFTA: Mejor película extranjera y actriz (Riva). 4 nominaciones
2012: Independent Spirit Awards: Mejor película extranjera
2012: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2012: National Board of Review (NBR): Mejor película extranjera
2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película
2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor película extranjera y mejor actriz (Riva)
2012: Premios Guldbagge: Mejor película extranjera
2012: Premios David di Donatello: Mejor película europea
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera
2013: Premios Goya: Mejor película europea

CRÍTICA

+ "Magnífica en su simplicidad y en su implacable honestidad acerca de la vejez, la enfermedad y la muerte (...) No hay un paso en falso ni una sola escena superflua" (Deborah Young: The Hollywood Reporter)

+ "El film más íntimo de Haneke en casi un cuarto de siglo, (...) con unas interpretaciones conmovedoras, un mano a mano inusualmente tierno" (Peter Debruge: Variety)

+ "La nueva película de Michael Haneke, un estudio de los efectos de la demencia y el envejecimiento en un agraciado matrimonio, es cine inteligente de primer orden (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5) (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Obra maestra (...) Una tierna, desgarradora e impecablemente dirigida historia sobre el amor y la muerte" (Manohla Dargis: The New York Times)

+ "Paralizante y extraordinariamente emotiva, quizás la película más inolvidablemente honesta sobre la vejez que se haya hecho nunca" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

+ "Un tipo inesperado de obra maestra de Haneke (...) No te esperas una seriedad tan inquebrantable, tanta profundidad (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Duro y sobresaliente drama. (...) Michael Haneke ha hecho su película más sutil y tierna –hasta donde puede llegar Haneke en ternura, claro- con 'Amor'" (Gregorio Belinchón: Diario El País)

+ "Deslumbrante y lúcido paseo de Haneke por el dolor y la muerte. (...) pese a la aparente frialdad, cada segundo de metraje conmueve. Conmociona y arrasa." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una película que, ¡brrrroooom!, te convierte en cascotes todo tu edificio personal. (...) Es un trabajo tan bueno que parece un milagro que no caiga en un solo momento en ninguno de los muchos agujeros sentimentales que podría haber" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Atractiva película (...) Te deja abrumado, con el cuerpo y el espíritu revueltos, deseando que se acabe y volver a respirar en la calle. O sea, Haneke ha vuelto a lograr lo que se propone con su cine sombrío, retorcido y perverso." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "La historia de amor más auténtica del cine reciente (...) obra maestra absoluta" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "'Amor' es puro Haneke, pero, al mismo tiempo, es algo que el austriaco no había hecho nunca: una película humanísima, sin autoengaños, ni infecciones sentimentales. Una obra mayor y… problemática." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Haneke filma esta lección de humanismo con gran sencillez: serenidad expositiva, un tempo medidísimo, calidez en la textura de la imagen. Lo demás lo aportan los dos veteranos actores, soberbios y compenetradísimos. Un poder de emoción de verdadero cine recorre 'Amor' de proa a popa (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES

 

	8,5		7,6		7,8
NOTA MEDIA: 8,0

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TOM À LA FERME (TOM EN LA GRANJA)

Atlántida Film Fest cierra un año más dejándonos a todos con muchas películas pendientes a las que sacar el jugo, pocos días para poder disfrutar de todo su vibrante abanico de propuestas y esperando a que pase un año para volver a descubrir nuevas joyas de difícil acceso. Este año el documental costumbrista Se fa saber (Zoraida Roselló Espuny, 2013) a sido el elegido para llevarse el galardón a mejor película, por otro lado el jurado ha decidido otorgar el premio especial a Family Tour (Liliana Torres, 2013) una comedia dramática que, junto a la otra ganadora, representan muy bien el tipo de cine popular que está ganando terreno en todas las pantallas. Para despedir el festival he elegido a uno de mis directores contemporáneos por los que siento mayor atracción amor/odio: Xavier Dolan, el egocéntrico niño canadiense que presenta su cuarto trabajo cinematográfico: Teo Tom à la ferme.

Un joven publicista acude a una remota población rural con la premisa del funeral de su amante. Allí conocerá a la oscura familia de este, y entrará en un bucle de mentiras y pantomimas representado por un fallecido amor al que parece ser su familia no conocía realmente.

Con el paso del tiempo Dolan ha ido depurando su estilo película a película, ganando poco a poco una identidad bien definida, aunque siempre han estado a su sombra grandes influencias cinematográficas que nunca le han dejado ofrecernos del todo un trabajo realmente personal, sumando el palpable egocentrismo del director en cada uno de sus filmes que sin duda son las únicas flaquezas del realizador del Quebec. Con Laurence Anyways (2012) se despojó de algunas de esas debilidades, realizando su trabajo más maduro, aunque alejado de algunos de sus conceptos iniciáticos. Es curioso encontrarse ahora con un filme que podría ser la antítesis de Laurence Anyways, ya que Tom à la ferme vuelve a ingerir en los conceptos que Dolan exploraba al inicio de su obra, dónde los adolescentes recuperan el protagonismo y dónde las pasiones y el egocentrismo vuelven a ser bandera, de igual modo sorprende que, tras la fijación de un estilo más concreto, Dolan rompe los esquemas al ofrecernos una obra de estilo completamente distinto, descolocando por completo y yéndose por derroteros que parece no sabe controlar.

Lo mejor de este filme es la intrínsica intriga de su argumento y la fuerte carga de posmodernismo que se esconde tras unos personajes de lo más complejos, el problema es que parece que Dolan no sabe terminar de escarbar en todo ello, y le queda una cinta algo confusa y descafeinada que no lleva a ninguna parte, demostrando que sigue sin saber que camino tomar como director y dejando claro que en su caso es preferible apostar por actores foráneos, y a ser posible que no siga intentando convencernos con su narcisista interpretación.

Sabe bien, el director canadiense, como sacar partido de las bandas sonoras, sabe como planificar con la cámara, y sabe que fotografía es la mejor para sus trabajos. Así esos elementos son esenciales en la película de Tom, hasta el punto de que sin ellos la cinta se desmoronaría por completo. Aunque el resultado pueda llegar a rozar el desastre hay que reconocer una buena intención detrás, y no voy a negar que la atracción que desprende el filme es totalmente apabullante, engancha desde el primer momento gracias a sus oscuros caminos, pero al final todo quede en suspensión y la caída es tan precipitada que es imposible no caer en el desconcierto.

Dolan ya tiene a punto su quinta obra, con ella sabremos por fin si hasta ahora los resultados del autor han sido fruto de la casualidad sin saber muy bien que nos quiere contar, o en realidad este sólo ha sido un peaje de autoafirmación antes de terminar de explotar como un director totalmente virtuoso.

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TÍTULO ORIGINAL Tom à la ferme (Tom at the Farm) AÑO 2013 DURACIÓN 105 min. PAÍS Canadá, Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Xavier Dolan GUIÓN Xavier Dolan (Obra: Michel Marc Bouchard) MÚSICA Gabriel Yared FOTOGRAFÍA André Turpin REPARTO Xavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal, Lise Roy, Evelyne Brochu, Manuel Tadros, Jacques Lavallée, Anne Caron, Olivier Morin, Johanne Leveillée, Mathieu Roy PRODUCTORA MK2 Productions 

GÉNERO Drama. Thriller

TEMÁTICA Drama psicológico. Familia. Homosexualidad. Vida rural. LGBTIQ

SINOPSIS

Tom, un joven publicitario moderno y urbano, acude al funeral de su amante tras fallecer éste en un accidente de tráfico. Será en una aislada granja lechera donde se encuentre por primera vez con la madre de su amado fallecido. Ella no tiene idea de quién es ni menos aún, del amor que compartió junto a su hijo. Tom descubrirá la distinta realidad vivida por alguien que se ha ido: la de un hombre enamorado de una mujer llamada Sarah.

PREMIOS

2013: Festival de Venecia: Premio FIPRESCI. Nominada al León de oro.

CRÍTICA

+ "[Xavier Dolan] da un giro fuerte e incluso agradable en esta película (...) Y visualmente es su obra más extensa e impresionante (...) Sin duda es su mejor película." (Oliver Lyttelton: Indiewire)

+ "La excéntrica obra de cine negro marica de Xavier Dolan es su obra más lograda, entretenida y comercialmente viable hasta la fecha." (Guy Lodge: Variety)

- "'Tom à la ferme' es pesada, recargada y demasiado pretenciosa, con un auto-gravedad melancólica que a veces vira hacia lo petardo." (David Rooney: The Hollywood Reporter)

= "Un retrato pautado, contenido y turbio de, quizá, los deseos turbios. (...) Sorprendente, alocada y, sobre todo, furiosa. Por momentos, insufrible; a ratos, magnética." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

- "Si el lenguaje estético de Dolan es caótico, lo que describe es igual de absurdo. (...) Un disparate pretencioso." (Carlos Boyero: Diario El País)

PUNTUACIONES

 

	5,5		6,4		7,1
NOTA MEDIA: 6,3

TRAILER

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SLIMANE

   

El Festivalde Cine de Autor de Barcelona está ya a la vuelta de la esquina y pone a nuestro alcance un buen puñado de propuestas interesantes para nuestro gozo. Está cuarta edición se celebrará en las ubicaciones habituales (Aribau, CCCB, Filmoteca y SGAE) del 25 de abril al 4 de mayo, este año, además de las secciones oficiales (‘Direcciones’ y ‘Nuevos Talentos’), no puedo no fijarme en la retrospectiva a Denis Côté, un interesante cineasta canadiense del cual ya se han podido disfrutar de parte de su filmografía en pasadas ediciones del festival y que está vez podremos al completo teniendo la oportunidad de revisar cintas tan atrevidas como Curling o Bestiaire.  Pero sin duda lo mejor de este año (aunque es una apuesta que siempre ha tenido presente el festival) es la sección ‘Un impulso colectivo’, que recoge las obras más frescas del panorama cinematográfico español, una lista de títulos de autores jóvenes que apuestan por un cine que cuenta historias de un modo distinto, un cine que debe producirse reformulando conceptos y que no duda en apostar por las nuevas vías de distribución. Hoy, para ir adelantando un poco el festival, os traigo Slimane, cinta canaria que se pudo ver en la pasada edición del Festival de cine online Márgenes.

Moha y Slimane son dos jóvenes inmigrantes que acaban de salir de un centro de menores después de cumplir su mayoría de edad. Sin un futuro muy certero, los chicos pasan las horas relacionándose con su grupo de amigos y buscando pequeños trabajos con los que ganar algunas monedas sueltas. Un hecho inesperado hará tambalear la vida de los muchachos.

Si de algo puede hacer gala el filme de José Ángel Alayón es de dotar a su película de un carácter único que, a través de una premisa que podría fácilmente ser encasillada en cliché del cine social, revierte los conceptos para hacernos ver que poco tiene que ver con ese tipo de cine-denuncia. Pare ello se recurre al cine más hermético, igualándose a la metáfora que quiere contarnos: esa falta de comunicación con (de) la sociedad, que tan sólo a través del uso del sonido se deja entrever entre el relato de los jóvenes, dejando claro que lo que hay más allá es otra historia, y poco tiene que ver con estos chicos.

De repente nos encontramos ante una cinta de ficción pero que fácilmente se ve relacionada con el cine documental, una película que podríamos agrupar con las que bordean las fronteras habitualmente marcadas. Y no sólo por presentar unos personajes auto-interpretados por ellos mismos, si no por la propia representación narrativa. Una historia que nos parece que se filma a la vez que se forma su relato, dónde los personajes siempre van por delante de la cámara, y esta sólo puede perseguir sus acciones esperando que algo suceda.

Así, la pasividad narrativa recorre casi todo el metraje, algo que no hace más que anticiparnos la tragedia que se esconde en algún fotograma futuro, un giro en la vida de los jóvenes que nos invitará a la incertidumbre y nos hará cómplices de su dolor y soledad.

Es Slimane una de estas cintas que demuestran como el cine español siempre ha gozado de buenas películas, pequeñas joyas cinematográficas que se esconden detrás de los apabullantes productos de nuestra industria, y que tras el declive de esta, aparecen cada vez más como flores silvestres sorteando cualquier impedimento. El Festival de Cine de Autor de Barcelona de este año se va a encargar de recordárnoslo.

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TÍTULO ORIGINAL Slimane AÑO 2013 DURACIÓN 70 min. PAÍS España, Marruecos IDIOMA Lenguas bereberes, Español DIRECCIÓN José Ángel Alayón GUIÓN José Ángel Alayón, Samuel Martín FOTOGRAFÍA Mauro Herce REPARTO Slimane Larhroti, Moha Kezza PRODUCTURA El viaje

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Adolescencia. Inmigración

SINOPSIS

Slimane y Moha son dos jóvenes expulsados de centros de menores tras cumplir la mayoría de edad. En la calle, sin un lugar fijo al que acudir y en el que refugiarse, los días pasan sin mucho más que hacer que relacionarse con el grupo, buscar algo de dinero y trabajo, jugar al fútbol y huir de la policía. El tiempo tiene para ellos una manera de transcurrir diferente, infinita… Se va forjando entonces entre estos personajes una relación sólida, sin artificios ni expectativas creadas, que se tambalea cuando un hecho desafortunado pone a los jóvenes en una situación límite.

CRÍTICA

+ "Una obra tan interesante como necesaria en el panorama de un cine español independiente creciente y en busca de nuevas fronteras." (Cinemaldito: Ruben Collazos)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,6		-,-
NOTA MEDIA: 5,8

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ARRIETTY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS

Toshio Suzuki integrante del trío fundador de uno de los estudios de animación más admirados: Ghibli, se suma a Hayao Miyazaki en su despedida de la empresa. La figura de Suzuki es quizás la menos visible del trío en el estudio de animación japonés, pero su labor es de las más importantes. Suzuki ha sido hasta ahora el encargado de la producción de cada uno de los filmes de la empresa y sin él seguramente la compañía no sería tan conocida alrededor del mundo como lo es hoy. De este modo sólo queda presente Isao Takahata, que aunque no haya dado el adiós definitivo sería sorprendente que llegásemos a ver alguna otra obra suya después de la esperada The Tale of Princess Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari; 2013). Ghibli siempre ha sido un estudio especialmente conocido por ofrecer películas comerciales pero de autor, dónde el nombre del director siempre ha sido lo que más ha llamado el público, pero también es cierto que siempre han apostado por una política de nuevos talentos para suplir el vacío que podría quedar con la despedida de sus estrellas. Ya en 1993 pudimos ver esa primera película para televisión no dirigida por Miyazaki o Takahata llamada Puedo escuchar el mar (Umi ga kikoeru; Tomomichi Mochizuki, 1993), una cinta algo alejada de los márgenes típicos del estudio, para en 1995 descubrir la primera cinta comercial del estudio dentro de sus linias rutinarias, Susurros del corazón (Mimi wo sumaseba; Yoshifumi Kondo, 1995). A lo largo del tiempo varias son las obras que el estudio ha ido lanzando descubriéndonos a nuevos nombres para que a día de hoy nos quedemos con la esperanza de que Ghibli va a continuar siendo la factoría de cine de siempre. Encabeza el relevo Yoshiaki Nishimura responsable de producción que ya se ha encargado de cordinar el último trabajo de Takahata (que es la obra más costosa que el estudio ha realizado hasta la fecha), seguida por la dirección de Goro Miyazaki encargado hasta ahora del museo Ghibli y director de la menos notable Cuentos de terramar (Gedo Senki; 2006) y la exitosa La colina de las amapolas (Kokuriko-zaka kara; 2011), además de la incorporación de un interesante Hiromasa Yonebayashi que es precisamente el director de la película de la que hoy os hablo: Arrietty y el mundo de los diminutos (Karigurashi no Arietti; 2010); y que ya está preparando su segundo trabajo When Marnie Was There (Omoide no Marnie, 2014), eso por citar algunos nombres clave. Queda claro que Ghibli no volverá a ser el mismo estudio, de echo el hijo de Miyazaki está dirigiendo la que será la primera serie episódica del estudio, algo que nunca se había echo antes dada la mala experiencia de los fundadores con este formato, pero por el momento parece que la esencia de la compañía seguirá siendo la misma.

En una casa de campo vive una familia de diminutos seres compartiendo la vivienda con los humanos. Sólo tienen una norma, no dejarse ver jamás por el hombre. Arrietty, hija de la familia de los diminutos tendrá un inesperado encuentro cara a cara con el nuevo inquilino de la casa, un joven con problemas de salud. El contacto con el humano hará tambalear la estabilidad de la familia de los pequeños seres que decidirán buscar un nuevo hogar para evitar cualquier peligro ahún dejando atrás su confortable vida.

El filme adapta la famosa novela de Mary Norton, Los Borrowers (1952), conocida especialmente en nuestro país por su adaptación en el formato de serie animada infantil que vimos en los ochenta: Los diminutos (The Littles; Bernard Deyriès, 1983) y la película Los Borrowers (The Borrowers; Peter Hewitt, 1997), y que en esta ocasión estrena, como he dicho antes, a Yonebayashi en la dirección. Aunque los filmes de Ghibli siempre han gozado de un excelente éxito, las obras firmadas por Miyazaki o Takahata eran siempre las que partian la taquilla, dejando las de autorías menos reconocidas lejos de las recaudaciones de los hitos del estudio. Por primera vez la ecuación no se cumple y el filme de Arrietty no tardó en ser un éxito de taquilla, cosa que no es de extrañar, ya que nos encontramos ante un filme que destila calidad por los cuatro costados.

Nada más arrancar la película nos damos cuenta del mimo con el que se ha cuidado cada detalle de la animación, los colores y formas nos trasladan inmediatamente dentro de un mundo realista dónde no se oculta lo fantástico, en ese sentido el trabajo de dirección de Yonebayashi es simplemente maravilloso, sabe captar muy bien lo que quiere transmitir y eso tan solo con los decorados y el juego de luces y sombras que nos acompaña a lo largo de toda la película. Y si la animación es fantástica a la par está el sonido, un elemento que cobra un inmensa fuerza en el filme al ir a la par con el relato y el siempre latente discurso medio-ambiental de Ghibli, es increible como un elemento que comunmente es más utilizado en un cine más grandilocuénte, se presenta en una película más minimalista con una importancia esencial para el filme. Y todo esto dejando a parte la (como siempre) maravillosa banda sonora de tonos celtas.

La historia es sencilla y, aunque es cierto que queda lejos de los grandes relatos a los que nos tiene acostumbrados Ghibli, no por ello desmerece en ambsoluto, la simplicidad se nivela perfectamente a las emociones que transmite. Lo que no deja de ser curioso, y seguramente este sea el factor menos agraciado del filme, es el modo en el que se construye alguno de los personajes de la película, y eso que estamos hablando de un guión del propio Hayao Miyazaki. Aunque se pueda notar en varios de los personajes llama especialmente la atención en la disección del villano, que vuelve extrañamente a configurarse como un personaje algo más plano en comparación con lo que hasta ahora nos ha ofrecido el artista nipón, las aspiraciones y motivos que mueven a Haru, la principal antagonista, son algo desdibujadas, sin mucha motivación, y no logramos entender sus movimientos, si en guiones anteriores de Miyazaki podíamos comprender los motivos que llevaban a sus personajes a tomar decisiones, en esta ocasión se nos presenta con mayor simplicidad, algo que en conjunto hace desmerecer al tono general del filme, y especialmente la conexión con los otros protagonistas. Así que al final nos queda un filme menor, pero con unas aspiraciones inmensas, que le hacen convertirse en una esperanza para cualquier aficionado al cine de Ghibli.

Arriety y el mundo de los diminutos no es solo un filme entretenido y disfrutable, si no que además esconde pequeño momentos artísticamente impresionantes que la convierten en una pequeña joya llena de esperanza y con ganas de seguir disfrutando de las próximas obras que se nos presentarán en el seno del estudio.

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TÍTULO ORIGINAL Karigurashi no Arietti - Yukashita no kobito-tachi (The Borrowers) (The Secret World of Arrietty) AÑO 2010 DURACIÓN 94 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Hiromasa Yonebayashi GUIÓN Hayao Miyazaki (Novela: Mary Norton) MÚSICA Cécile Corbel VOCES ORIGINALES Mirai Shida, Ryūnosuke Kamiki, Shinobu Ōtake, Tomokazu Miura, Tatsuya Fujiwara, Keiko Takeshita, Kirin Kiki PRODUCTORA Studio Ghibli / Dentsu Inc. / Hakuhodo DY Media Partners / Mitsubishi Corporation / NTV / TOHO

GÉNERO Animación. Fantástico. Drama. Infantil

TEMÁTICA Familia. Naturaleza. Enfermedad

SINOPSIS

En una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre, vive una familia de seres diminutos, de apenas 10 cm. de altura, que tienen la norma de no dejarse ver nunca por los seres humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Al tiempo que entre ambos surge una gran amistad, la existencia de los diminutos seres se verá peligrosamente amenazada...

PREMIOS

2010: Premios de la Academia Japonesa: Mejor película de animación
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película de animación
2013: Asociación de Críticos Online: Nominada a mejor película de animación

CRÍTICA

+ "Una aventura íntima preciosamente elaborada y, considerando que está dibujada a mano en 2-D, una de las películas visualmente más arrebatadoras que verás este año. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Dan Jolin: Empire)

+ "Quizá lo más excepcional del guión de Hayao Miyazaki sea cómo es capaz de imaginar y crear tantas situaciones de suspense sin salir de una pacífica casa familiar." (Ben Sachs: Chicago Reader)

+ "No alcanza la excelencia de los maestros Miyazaki y Takahata, pero recoge ecos de algunos de los títulos mayores del estudio, como 'Mi vecino Totoro' y 'Ponyo en el acantilado' (...) lo mejor está en los detalles" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Maravillosa adaptación (...) El resultado, incluyendo una banda sonora inolvidable, es sencillamente emocionante" (Javier Cortijo: Diario ABC)

+ "Lo más impactante de esta aventura casi amorosa es su profunda y elegíaca melancolía. (...) una magnífica obra de arte visual (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)

+ "Yonebayashi no se atreve a apartarse ni un ápice del canon estético fundado por el padre Miyazaki, pero esto es mucho más que el trabajo de un alumno aplicado: su aliento onírico, potenciado por la música de Cécile Corbel, lo acerca al sobresaliente" (Noel Ceballos: Fotogramas)

+ "Miniatura de virtuosa animación y contemplativa belleza (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (David Bernal: Cinemanía)

+ "Excepcional." (Pablo González Taboada: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,4		7,2		7,7
NOTA MEDIA: 7,4

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AMÉN

Uno de los directores internacionales más reconocidos, el coreano Kim Ki-Duk, siempre se ha llevado el reconocimiento allá por dónde ha pasado hasta la llegada de su depresión, un debacle anímico que le llevó a realizar dos de sus películas más polémicas y criticadas, Arirang (2011) y Amén (Amen; 2011), dos cintas con un nexo en común: la renovación del planteamiento fílmico del director asiático.

Una joven llega a París en busca de una persona que no encuentra. La odisea la llevará a ir por varios lugares de Europa siendo perseguida y acosada por un extraño personaje con una máscara de gas.

No voy a comentar el filme pensando en la larga depresión que sufrió el director de Hierro 3 (Bin-jip; 2004), ya que muchos de los espectadores podemos desconocer ese dato y como afectó realmente a la producción de Amén, así que daré la visión de cualquiera que se adentre a ella sin más compromiso que el de disfrutar de una película, lo que sí es inevitable obviar es el modo en el que el director realizó el filme, que tras su paso por Cannes dónde fue premiado, el realizador decidió no volver a Asia sin rodar antes en Europa, y con tan solo el dinero de unos billetes de tren como presupuesto, este nuevo trabajo alejándose de los presupuestos y las necesidades del público. Kim Ki-Duk quería hacer una película sincera.

Así nos encontramos con un filme totalmente independiente, en el que de entrada sorprende el modo de realización, cercano a la obra doméstica. Rápidamente llama la atención la suciedad de un sonido dónde todo se filtra, descuidado y poco profesional, tampoco tardamos en darnos cuenta de la ausencia de guión, de la desaparición de cualquier diálogo que pueda conducirnos por una narración, detalles como la aparición de la sombra del director en los planos, personas mirando a cámara a lo lejos... Kim Ki-Duk deja claro así su motivación, olvidarse de los cánones preestablecidos, dejar de lado cualquier envoltorio que empañe un verdadero contenido, y sincerarse con él mismo.

Con todas estas destacables premisas, y aunque el filme en realidad es más una obra de pura espiritualidad, no puedo parar de pensar en su relación metafílmica. Nos encontramos en Amén la participación de tan solo dos personas en su realización: la actriz principal, Kim Hye-na -que por cierto hace un trabajo estupendo-, y la mano del propio director que conducirá la cámara y se esconderá tras la misteriosa máscara de gas para dar vida al segundo de los personajes del filme, la aparición de detalles poco cuidados y el propio uso de la cámara que se convierte inevitablemente en un elemento muy implícito en la película, y por tanto un tercer personaje, hacen que la reflexión sobre el cine sea totalmente palpable en la pantalla.

En un primer visionado es fácil quedar algo confuso con la película, cosa que no evita una fuerte atracción hacía ella, una lucha por intentar no perder detalle y comprender que es lo que se nos está contando, ¿hacía dónde va a llevarnos todo ello?. Más adelante, si nos atrevemos a verla de nuevo se nos hará fácil encontrar esa relación espiritual, tan palpable y religiosa hasta el punto de ver en ella la historia actualizada del martirio y la virgen, una odisea a través de ciudades europeas que más que un retiro espiritual se convierte en un vía crucis tormentoso.

Es inevitable que los enamorados del poético cine del director coreano queden algo chocados frente al cambio de registro de Amén, y eso haya hecho que el filme haya sido menospreciado allá por dónde ha pasado, pero en realidad el contenido de este trabajo llega incluso a superar el de los más famoso trabajos del autor, dónde la poesía sigue apareciendo pero abandonando cualquier corteza plástica.

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TÍTULO ORIGINAL Amen AÑO 2011 DURACIÓN 73 min. PAÍS Corea del Sur IDIOMA Sin diálogos. Coreano y Francés (algunas palabras) DIRECCIÓN Kim Ki-duk GUIÓN Kim Ki-duk FOTOGRAFÍA Kim Ki-duk REPARTO Kim Hye-na

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Cine experimental. Road Movie. Religión

SINOPSIS

Extraña e inquietante odisea de una joven coreana que llega a París en busca de una persona a la que tiene que seguir hasta Venecia y Avignon. Un misterioso personaje que se oculta tras una máscara antigas la sigue a todas partes y la acosa sin cesar...

PREMIOS

2011: Festival de San Sebastián: Sección oficial a concurso

CRÍTICA

- "Un delirio de cine guerrillero, sin guión y sin más intención que el delicado lirismo de la cotidianidad. (...) Gran y aburridísima decepción por culpa de una hipertrofia del ego ciertamente preocupante." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "No ceder al desaliento como única manera de salir del pozo, aunque los medios escaseen, aunque te sientas abandonado, humillado y despreciado. Filma, filma, filma… eso es Amén." (Manu Argüelles: Cine Divergente)

- "Aquí todo se trata de manera tan diferente, abstracta y absurda, que cuesta prestar atención a lo que se muestra." (Bea Clane: Worl Cinema 7)

PUNTUACIONES

 

	6,0		3,7		6,0
NOTA MEDIA: 5,2

TRAILER

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