martes, 25 de marzo de 2014

TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO


Dale al play al reproductor de la derecha y a leer.

“Nos veremos de nuevo en 25 años”, le dijo la fallecida Laura Palmer al agente Dale Cooper un 25 de marzo de hace justo… ¡25 años!



Es imposible no reconocer Twin Peaks como la serie de culto por excelencia, e igual de inevitable es coronarla como una de las más influyentes producciones de televisión, seguramente sin ella ahora no conoceríamos Expediente X, Doctor en Alaska, Lost, A dos metros bajo tierra o la reciente y exitosa True Detective, por citar algunas. El giro que el cineasta David Lynch de la mano de Mark Frost (cineasta más ligado a la pequeña pantalla) le dieron al mundo del tubo de rayos catódicos, logró sentar las bases del fenómeno de los seriales de hoy. La primera temporada mantuvo a la audiencia del mundo entero enganchada a la pantalla esperando descubrir quién mató a Laura Palmer, el éxito fue instantáneo. No me voy a extender a hablaros de la serie en sí, ya que en cualquier parte de Internet encontraréis mil y una referencias a ella, ¡aquí hemos venido a hablar de una película!, sólo destacar un par de puntos clave: la muerte abrupta que le dio la cadena y productora ABC al no saber gestionarla y achacarle un bajón de audiencia notable (aunque seguía siendo una audiencia superior a la media), con un final que aunque ataba los principales cabos sueltos, abría muchos más ante el estupor de sus seguidores, y el fenómeno de culto que con el paso del tiempo ha ido ganando la serie alrededor de todo el globo con hordas de fans, los cuales han estado esperando el paso de estos 25 años como si de una profecía se tratara, al final parece ser que lo único que vamos a poder ver es una nueva edición en Blu-ray con un extra que Lynch a rodado especialmente para su lanzamiento.

El director de El hombre elefante (The Elephant Man, 1980) no quiso desprenderse aún de sus personajes, así que tras su último éxito Corazón Salvaje (
Wild at Heart, 1990) con el que logró la palma de Oro en Cannes, decidió recuperar el universo de Twin Peaks en una especie de precuela/secuela que le valió el desprecio de los mismos que laurearon su anterior trabajo, pero el tiempo lo pone todo en su sitio y a día de hoy ya tiene el reconocimiento que merece, pues Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo es una gran película.

Nos situamos unos años antes de la muerte de Laura Palmer. Teresa Banks acaba de ser asesinada y el FBI manda a sus agentes Chester Desmond y Samuel Stanley a investigar el caso. Paralelamente nos trasladamos hasta el pueblo de Twin Peaks, allí conoceremos a fondo a Laura, justo antes de la llegada de su muerte y descubriendo los entresijos que la llevaron a su fallecimiento.

Podemos ver el filme habiendo devorado antes la serie, pero también podemos lanzarnos a su visionado sin adentrarnos previamente en el producto televisivo, esta segunda opción no la recomiendo especialmente ya que dada la complejidad de la obra puede ser complicada de digerir por muchos, si es cierto que vista de las dos maneras el filme va a conseguir varios significados y el espectador va a sacar conclusiones dispares dependiendo de cual de las opciones se trate, algo muy enriquecedor y revelador, pero si vamos preparados la sorpresa va a ser seguro más grata (y de paso nos ahorramos algún spoiler por si queremos ver la serie, merece la pena). De este modo intentaré no dejaros caer nada demasiado revelador, ya que ir descubriendo poco a poco los entresijos de este maravilloso universo es uno de los mayores placeres que un cinéfilo puede tener, y no voy a ser yo el que os prive de ello.


De entrada Lynch nos advierte ya al inicio de su película que lo que vamos a ver va a romper nuestros esquemas, la idea que teníamos del universo Twin Peaks va a desmoronarse por completo, y es por eso que la primera escena de Fire Walk With Me (FWWM, de ahora en adelante) es la simbólica destrucción de un aparato de televisión, olvidemos la serie, nos adentramos a un nuevo universo, el mensaje se capta rápido. A medida que la película avanza nos damos cuenta rápido de esa situación, la investigación de la muerte de Teresa Banks nos lleva hacia un pueblo muy parecido a Twin Peaks, los personajes que los protagonistas se van encontrando nos recuerdan a los de la serie, pero vemos en ellos un reflejo contrario a lo que conocíamos, algo que va ganando en complejidad cuando hemos visionado el filme varias ocasiones y empezamos a crear nuestros propios paralelismos creando un mundo Lynchiano propio. Ese aspecto de subversión no lo vemos solo en los secundarios, el propio protagonista Desmond es facilmente identificable como la antítesis del agente Cooper, y lo más perturbador de todo va a ser el similar destino que va a tener. En ese sentido FWWM llena de oscuridad lo que en la serie sería complacencia y/o simples artimañas de maldad propias del egoísmo del ser humano, el director nos enseña como Twin Peaks está mucho más podrido de lo que pensamos, y lo hace de un modo tan crudo y real que es imposible no sentir auténtico terror. La música se torna más oscura, comparte con la serie el tono pero lo que escuchamos parece salido directamente de las tinieblas, poco tiene ya que ver con la clásica banda sonora de Twin Peaks. Todo ello es difícil de captar en la película si no conocemos de antemano los entresijos del universo de Lynch/Frost, pero no por ello desmerece la película, de ese modo lo que lo que vamos a encontrar es una semilla que luego culminaría en esas crípticos últimos trabajos del director, relacionando FWWM con el resto de su obra.

Realmente podría abrir un análisis de lo más complejo de los entresijos de la película (¿Quién no podría entrar en ese juego?), pero hacerlo me llevaría a destripar el filme por completo, así que me centraré en los aspectos más cinematográficos de esta, y dejaremos las Lynchiadas para hablarlas en privado.

Lo más llamativo sin duda es como Lynch sabe jugar con la oscuridad para ofrecernos una película que, aunque no sea de género, cree un sentido del terror de lo más primario para el espectador, el uso que hace de los personajes y el juego de las ambivalencias más humanas, mezclado con el, ya conocido, estilo onírico del realizador da como resultado una obra asfixiante y atrayente, que aunque te maltrata no puedes dejar de ver. Refexiona Lynch, con menos escrúpulos que en televisión, sobre un tema tan escandalizador como el abuso sexual y el incesto, y a su vez se nos intenta mostrar como la pureza de corazón puede salvaguardarnos espiritualmente de todo mal. Unos temas bastante complejos que el director conduce estupendamente hasta la conclusión del filme.

Los protagonistas, que repiten de la serie (salvo la desastrosa substitución de alguno de ellos), dan en el filme lo mejor de ellos, y nos encontramos sin duda ante una Sheryl Lee de lo más impactante en su papel de Laura Palmer, superando las escenas más potentes que nos ofrecía en la serie (aunque fueron pocas, ya que empezó la serie ya muerta), no puedo imaginarme nadie superando lo que Lee consigue en FWWM, su actuación es impagable. Tampoco queda atrás Ray Wise, tan entregado visceralmente como ella en su papel, queda claro que no solo Lynch amaba el universo Twin Peaks.

No se me ocurre una mejor película para Twin Peaks, una precuela, a la vez que secuela, ya que justifica alguna de las situaciones finales de la serie adelantándose temporalemente a los hechos (el juego con el tiempo es uno de los elementos claves de la producción), que no solo satisface las expectativas de los seguidores de la filmografía de Lynch, si no que también lo hará con parte de los adeptos a la serie, aunque algunos puedan quedar decepcionados al esperar de FWWM la típica película que resuelve lo que en la serie no sé nos contó. Así que gente, si ya habéis visto la serie terminar el ciclo con el filme y celebrar su estupendo aniversario, a los que todavía no habéis visitado el pueblo de Twin Peaks... no sé que narices estáis esperando.
   
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TÍTULO ORIGINAL Twin Peaks: Fire Walk with Me AÑO 1992 PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN David Lynch GUIÓN David Lynch, Robert Engels (Personajes: Mark Frost, David Lynch) MÚSICA Angelo Badalamenti FOTOGRAFÍA Ron García REPARTO Sheryl Lee, Ray Wise, Moira Kelly, Chris Isaak, James Marshall, Dana Ashbrook, Kyle MacLachlan, Eric DaRe, Phoebe Augustine, Kiefer Sutherland, Frank Silva, Harry Dean Stanton, Michael J. Anderson, Al Strobel, Grace Zabriskie, David Lynch, David Bowie, Walter Olkewicz, Miguel Ferrer, Mädchen Amick, Heather Graham PRODUCTORA Twin Peaks Production

GÉNERO Intriga. Thriller. Drama. Terror. Fantástico
TEMÁTICA Thriller psicológico. Drogas. Prostitución. Asesinos en serie. Abusos sexuales. Crimen. Precuela. Secuela. Película de culto. Cine independiente USA

SINOPSIS
Precuela de la famosa serie televisiva "Twin Peaks" en la que recorremos los últimos siete días de Laura Palmer. Durante el día, Laura es una popular estudiante modelo en el instituto. Por la noche se asfixia entre drogas y sexo hasta la adicción. Su carrera hacia la autodestrucción viene provocada por los continuos abusos del malvado ente conocido como Bob, que habita los bosques de Twin Peaks desde tiempos inmemoriales. Pero en un ataque de lucidez, Laura se da cuenta de que está conduciendo a su única amiga Donna por el mismo trágico sendero...

PREMIOS
1992: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1993: Independent Spirit Awards: Mejor Banda Sonora. Nominada a mejor actriz principal (Sheryl Lee)
1993: Academia de Ciencia Ficción, Fantasía & Terror (USA): Mejor música. 4 Nominaciones.

CRÍTICA
+ "Una de las mejores obras de Lynch, a la par con sus obras maestras "Carretera Perdida" y "Mulholland Drive" y el puente hacia la etapa más original, emocionante y arriesgada de la carrera de este inclasificable artista nacido en Missoula." (Felipe Rodríguez Torres: La habitación nº 26)

+ "Contiene algunas de las escenas más aterradoras que ha dado Lynch como realizador y unos Ray Wise y Sheryl Lee inspiradísimos" (Transgresión Continua)


- "Una película paupérrima. Una parodia burda y grotesca de la serie. Su atmósfera, su encanto, parecen desterrados de la pantalla." (Adrián Massanet: Blog de cine)

PUNTUACIONES
 
8,0 6,7 7,2
NOTA MEDIA: 7,3


TRAILER


VER TAMBIÉN

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martes, 18 de marzo de 2014

7º ANIVERSARIO


descubrepelis.blogspot.comhttp://descubrelapeli.blogspot.com/
Pasa el tiempo y Descubrepelis se hace mayor, siete años ya de películas (1.273 en total) de todo tipo: del cine más clásico al más contemporáneo, del drama a la comedia, pasando por la animación o el documental, cine comercial, indi o experimental, el 3D, el color, el blanco y negro, el cine mudo…El motivo del blog sigue siendo el mismo de cuándo empecé en 2007 con Fotolog, ir poco a poco reseñando aquellas películas que por un motivo u otro creo que son interesantes de descubrir y debatir. 
Poco más puedo contaros que desconozcáis ya, pues tengo la suerte de tener un buen grupo de lectores, algunos con sus propios blogs (que nunca me canso de leer), y otros que os vais pasando y dejando vuestros comentarios (o no), deseando que os vayáis de aquí con ganas de ver las películas que os voy proponiendo. De igual modo espero que también lo paséis bien participando en el pequeño blog hermano, Descubrelapeli, jugando a adivinar los fotogramas, si todavía no habéis pasado por allí no podéis faltar ;)

Y para celebrar este aniversario nada mejor que un pequeño cambio de aires en el diseño del blog, unos retoques para ponernos más guapos pero sin perder la base estética que tenia marcada Descubrepelis. Un nuevo diseño creado en colaboración con Joaquim Sicart a quién le estoy muy agradecido por su ayuda, espero que os guste.

Por último, ya que hoy no hay reseña de película, aprovecho para hablaros del premio que hace unos días me concedía el estupendo blog No solo McGuffins. Un Liebster award, un premio que los blogueros se conceden entre sí reconociendo la labor de sus compañeros. La cosa consiste en responder las preguntas que el blog plantea y a su vez elegir otros blogs merecedores del premio planteando otra serie de preguntas, como no soy muy amigo de estas cadenas no voy a elegir otros blogs, ya que sois tantos a los que admiro que no podría sólo elegiros a cinco, estoy seguro que sabéis que me encanta lo que hacéis. Así que me centraré a responder las preguntas y a dar las gracias a No solo McGuffins (no dejéis de entrar en su blog) por este premio.


1.¿Porqué se llama así tu blog?

Reconozco que el blog no tiene un nombre muy original, pero en el momento de crearlo quise ser claro en el concepto (a parte que nunca fui muy bueno en dar nombres). Quería un espacio dónde mis amigos, pudieran descubrir películas que de otro modo desconocerían, ya que dónde nací no tenemos la suerte de contar con un cine que ofrezca películas más allá de lo comercial. Así que fui simple, descubrir películas: Descubrepelis.

2.¿Cuánto tiempo llevas en el mundo del blog?

Aunque con Descubrepelis sean ya siete años, antes de que existieran los blogs como hoy los entendemos ya había tenia un espacio (gestionado por Microsoft que bautizaron como Comunidades) que dediqué al manga y el anime, a día de hoy no se puede consultar ya que Microsoft eliminó todos los contenidos de esas webs. Después de un tiempo sin actividad creé un Fotolog y de ahí el salto a Blogger.

3.¿En qué te inspiras para crear tus post?

Simplemente me dedico a ver películas y las voy anotando en una lista para más tarde o más temprano comentarlas. Suelo seleccionar aquellas que tienen algún punto de interés para recomendarlas, no solo cualitativo ya que existen multitud de factores que pueden hacer una película interesante, en realidad dejo pocas fuera de esa lista.

4.¿Cuál es tu película preferida?

La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka; Isao Takahata, 1988), nunca me lo pienso dos veces. Dentro del cine me fascina la animación, y antes de ello me encantava lo que llegava de Japón, con esta película de Ghibli descubrí por primera vez el caracter adulto que podia presentar un género siempre más ligado al público infantil y/o juvenil, y eso me fascinó. No hace falta que además hable de las virtudes de la película, ya que estoy seguro que cualquiera que la haya visto se dará cuenta de ello. ¿Todavía no la has visto? Anda, hazlo ahora.

5.¿Qué tipo de blogs sigues?

Mayoritariamente de cine, aunque también sigo alguno de humor, novedades editoriales (principalmente cómic) o actualidad.

6.¿Quién es tu malo preferido del cine?

Esta es difícil… Creo que Peyton Flanders, de La mano que mece la cuna (The Hand That Rocks the Cradle, Curtis Hanson, 1992) que aunque sea un thriller al uso ya de joven me inquietó mucho, esa mujer me pareció siempre el mal en persona... Aunque claro, ese icónico muñeco asesino llamado Chuky también tiene un encanto especial para mí...

7.¿Qué prefieres películas dobladas o versión original?

SIEMPRE en versión original, los subtítulos no son perfectos, y también pueden deformar un poco el resultado final del filme, pero no es tan brusco e insultante como el cine doblado.

8.¿Con qué personaje de película te gustaría acabar en una isla desierta?

Doraemon, creo que tendríamos mucho ganado.

9.¿Cuál es tu libro preferido?

Pensando en novela El curioso incidente del perro a medianoche (The Curious Incident of the Dog in the Night-Time; Mark Haddon, 2003), lo he leído varias veces y siempre suelo regalarlo a los amigos que todavía no lo conocen, es una lectura sencilla e interesante para cualquiera.
Un libro sobre cine, me enganché muchísimo a Cine e imaginarios sociales de Gérard Imbert, dentro de la colección Signo e imagen de Cátedra. Una reflexión sobre el posmodernismo en el cine de lo más interesante.

10¿A qué actor te gustaría conocer?

Nunca he sido muy aficionado al star-system, así que no tengo especial interés en conocer a ningún actor, y si me gusta uno especialmente y luego lo conozco corremos el riesgo de que sea un antipático y caiga un mito, así que mejor no.

11.¿Qué escena de película te gustaría vivir?

Sé la que no… Funny Games (Michael Haneke, 1997)...


Y esto es todo. Sólo quiero daros una vez más las gracias a tod@s por compartir vuestras impresiones conmigo, por pasar a leer las entradas del blog, y por estar siempre por aquí.

Un abrazo.

jueves, 13 de marzo de 2014

NIÁGARA




Aunque Marilyn Monroe ya llevara un tiempo participando en películas -esencialmente bajo el techo de la 20th Century Fox-, a las órdenes de grandes nombres como Fritz Lang o  Howard Hawks, y en compañía de grandes estrellas de Hollywood, la actriz no logró convertirse en el icono que ha día de hoy representa hasta conseguir su segundo papel protagonista, dónde además comenzó a crearse el estilo que a todos nos viene en mente al pensar en ella. Esa película responde al nombre de Niágara (Niagara; Henry Hathaway, 1953) un melodrama convertido en thriller dónde Monroe se ciñó los ropajes y demostró que sabía hacer muy bien su trabajo.

Polly y Ray acaban de llegar a un motel situado junto a las cataratas del Niágara dispuestos a pasar una estupenda luna de miel, una vez allí conocen a su pareja de vecinos Rose y George, con lo que no tardarán en intimar. Rápidamente se dan cuenta de las desavenencias de sus nuevos amigos, y Polly descubre como Rose tiene una aventura con Patrick, el amante con el que pretende crear un oscuro plan para separarse de su marido.

A estas alturas es extraño encontrarse con Monroe en una película por primera vez, así que el posible factor de impresión que crea la actriz al verla luciéndose en pantalla es poco probable, eso no quita que su trabajo no sea lustroso, ni mucho menos, la actriz no solo ha pasado a la historia por su belleza, si no también por saber hacer bien su trabajo. Aunque es imposible no fijarse en ella en cualquiera de las películas en las que trabajó, es un error no analizar los filmes más allá de la implicación de la actriz, algo que por extraño que parezca, suele suceder en muchas ocasiones.

En Niágara nos topamos con un melodrama bastante potente que, más allá de una historia de celos y pasiones, se construye a través de unos personajes de lo más complejos, no existe entre los cuatro protagonistas del filme nada que pueda facilitarnos cualquier detracción hacía ella, son totalmente redondos y, cada uno a su manera, ofrecen una estructura a la película que la hacen de lo más interesante. De este modo es imposible no remarcar que a parte de la creación de estos, es esencial el trabajo de sus actores, dejando claro que no sólo la presencia de la actriz rubia es esencial en el filme, si no el conjunto actoral formado por Jean Peters, Joseph Cotten, Max Showalter e incluso Richard Allan en el papel de amante, es ejemplar.

Poco a poco el thriller va ganando terreno en el filme de Henry Hathaway, y la trama se complica ofreciendo una historia de lo más interesante que fácilmente atrapa al espectador, aunque el estilo del filme termine pareciéndose más y más al trabajo del gran maestro Alfred Hitchcock, un punto comparativo que no le hace ningún favor a la película, ya que parece que en ese aspecto el filme nos deja con la sensación de carecer de identidad propia. Si la presencia del maestro del suspense sólo la viéramos en el relato el trabajo se hubiera convertido en una obra más que notable, pero el error está en la estética (especialmente del tramo final), en la que de repente todo se convierte en una película de Hitchcock.

Si conseguimos dejar de lado ese resbalón, podremos ver en Niágara una excelente uso de la fotografía que sabe aprovechar muy bien los decorados y exteriores dónde se ha rodado, un gusto estético ideal que si sumamos al conjunto del filme, nos da como resultado una obra más que aceptable.
 
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TÍTULO ORIGINAL Niagara
AÑO 1953
DURACIÓN 89 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECCIÓN Henry Hathaway
GUIÓN Charles Brackett, Walter Reisch, Richard Breen
MÚSICA Sol Kaplan
FOTOGRAFÍA Joseph MacDonald
REARTO Marilyn Monroe, Joseph Cotten, Jean Peters, Denis O'Dea, Casey Adams, Don Wilson, Lurene Tuttle, Richard AllanPRODUCTORA 20th Century Fox.
PRODUCTOR Charles Brackett
GÉNERO Drama. Intriga
TEMÁTICA Melodrama. Celos

SINOPSIS
Aprovechando un viaje a las cataratas del Niágara, una mujer infiel (Monroe) proyecta matar a su marido (Cotten) con la complicidad de su amante.

CRÍTICAS
+ "Tórrido melodrama con una Marilyn esplendorosamente bella y provocativa" (FILMAFFINITY)

+ "Excepcionales paisajes, cautivadora fotografía y una dirección enérgica y de calidad son algunas de las bondades de esta espléndida cinta, que ha pasado por méritos propios a la gran historia del cine." (Fernando Morales: Diario El País)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,5
- Filmaffinity: 7
- IMDB: 7,1
 * Media: 6,9

TRAILER


VER TAMBIÉN

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viernes, 7 de marzo de 2014

RAFEA Y EL SOL (MAMAS SOLARES)



El 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer, un día que no podemos olvidar en el calendario como muy bien podemos leer en la página web de las Naciones Unidas:
El Día Internacional de la Mujer ha adquirido una nueva dimensión mundial para las mujeres de los países desarrollados y en desarrollo. El creciente movimiento internacional de la mujer, [...] ha contribuido a que la conmemoración sea un punto de convergencia de las actividades coordinadas en favor de los derechos de la mujer y su participación en la vida política y económica. El Día Internacional de la Mujer es cada vez más una ocasión para reflexionar sobre los avances conseguidos, exigir cambios y celebrar los actos de valor y decisión de mujeres comunes que han desempeñado una función extraordinaria en la historia de los derechos de la mujer.
De este modo, un año más, me uno a la reivindicación con un filme que demuestra que actos como este están todavía más que justificados.

El turno es para Rafea y el Sol (Mamas Solares) (Rafea: Solar Mama (Solar Mamas); Mona Eldaief, Jehane Noujaim, 2012) , una película producida dentro del grupo de documentales Why Poverty?, que buscan crear un debate alrededor de la pobreza. 8 largometrajes y 30 cortos encargados a prestigiosos cineastas de todo el mundo que pueden verse gratuitamente en su web, tanto en su versión inglesa como la subtitulada al español. Justamente la película Rafea y el Sol nos habla además del papel de la mujer dentro del mundo subdesarrollado, una perspectiva que en ocasiones nos puede parecer lejana y que con esta película tenemos oportunidad de ver de cerca.

El ministerio de medio ambiente de Jordania decide participar en un proyecto que consiste en enviar a mujeres de países con menos recursos a formarse en el campo de la energía sostenible, todas ellas mujeres que traspasan la edad media y que durante seis meses recibirán la formación adecuada - a pesar del analfabetismo de algunas - sobre el campo de la energía solar. De este modo, todas ellas serán técnicas oficiales que no solo podrán ganarse mejor la vida, si no que que además podrán hacer de su tierra natal un lugar más prospero donde vivir. Rafea, junto a una de sus vecinas, irá hasta la India para recibir la formación, enfrentándose con los problemas que supone ser mujer bajo un estilo de vida fuertemente tradicional.

El documental se realiza con sencillez, simplemente acompaña a sus protagonistas para irnos narrando lo que persigue. El mayor acierto reside en crear un papel protagonista sobre Rafea, que gracias a las problemáticas que despierta, convierte la película en algo más complejo que un simple reportaje sobre el proyecto de formación que busca recoger. El filme no sólo nos habla de los problemas de bajos recursos de los países subdesarrollados, si no también de las cargas culturales a los que están expuestos, especialmente el papel de la mujer en ellos.
De entrada, detalles como tener que pedir permiso al marido par poder hacer el curso, o el descubrir como las mujeres que viajan deben siempre ir acompañadas de un hombre, nos puede parecer insultante, pero al final podemos llegar a pensar que, a pesar de ello, la mujer cuenta con mayor libertad de la que podríamos imaginar. No tardamos en descubrir como aquella imagen de falsa liberación es solo la fachada de un sistema patriarcal mucho más duro. La explosión de la figura masculina sucede cuándo Rafea ya lleva un mes en sus estudios, y es entonces cuando la lucha se vuelve de lo más dura.

Lo mejor de la película es sin duda el ofrecernos tantas visiones apartándose de la mono-temática, no solo la pobreza o el papel de la mujer quedan retratados en el filme, si no también el afán de lucha y superación de las personas, el enriquecedor intercambio entre diferentes culturas, o la absurda imposición de las tradiciones entre otros muchos otros aspectos que siembran el filme de un modo totalmente espontáneo, y que dotan a la película de una veracidad mucho mayor que el de la mirada de sus protagonistas.

Ciertamente es un documental de lo más interesante que, aunque carezca del nivel técnico cinematográfico de otras propuestas, no puedo no admirar. Su contenido es tan sincero que se hace imposible no engancharse en su relato, una buena muestra, que como ya he dicho al principio, justifica días como el de hoy.

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TÍTULO ORIGINAL Rafea: Solar Mama (Solar mamas)
AÑO 2012
DURACIÓN 76 min.
PAÍS Estados Unidos, Dinamarca, Egipto, Reino Unido
IDIOMA Arabe, Inglés
DIRECCIÓN Mona Eldaief, Jehane Noujaim
MÚSICA Jonas Colstrup
FOTOGRAFÍA Mona Eldaief
REPARTO Rafea, Abu Badr, Umm Badr, Raouf Dabbas
PRODUCTORA Noujaim Films / Why Poverty?
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Mujer. Pobreza. Enseñanza


SINOPSIS
Rafea es una mujer beduina que vive con sus cuatro hijas en uno de los pueblos más pobres del desierto de Jordania, en la frontera con Irak. A Rafea se le ofrece la oportunidad de viajar a la India para asistir al programa del Barefoot College, donde mujeres analfabetas de todo el mundo se forman durante 6 meses para ser ingenieras solares. Si lo consigue, podrá electrificar su pueblo, formar a otros ingenieros y mantener a sus hijas.
Será un viaje difícil para Rafea, pero su mayor reto será el de romper con la mentalidad tradicional beduina, que mantiene que el lugar de una mujer está en casa para servir a su marido. El documental muestra el poder de la educación enfrentado a la fuerza de la tradición.

PREMIOS
2012: DOC NYC: Premio del público. Premio especial del jurado.
2012: IDFA: Premio Oxfam
2012: Festival de cine Wakefield: Mejor película
2012: Sheffield Doc/Fest: Sección oficial


CRÍTICAS
+ "Un documental de gran alcance para todo el público." (Mark Adams: Screen Daily)

+ "Un documental inspirador sobre el poder de las mujeres." (Alissa Simon: Variety)


PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7
- Filmaffinity: -
- IMDB: 7,8
* Media: 7,4

TRAILER


PELÍCULA COMPLETA

 

VER TAMBIÉN

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miércoles, 5 de marzo de 2014

12 AÑOS DE ESCLAVITUD


La entrada de hoy (aunque llegue tarde) podría estar dedicada a la triste desaparición de Alain Resnais, una perdida enorme para el mundo del cine al irse uno de los directores que introdujeron la Nouvelle Vague en nuestra historia fílmica, o siguiendo en la línea francesa podríamos hablar de los sorprendentes resultados de los premios de su academia que contra todo pronóstico ha dejado aparcado el éxito de La vida de Adèle (La vie d'Adèle - Chapitre 1 & 2; Abdellatif Kechiche, 2013) para dar el mayor galardón a la ópera prima Guillaume y los chicos, ¡a la mesa! (Les garçons et Guillaume, à table; Guillaume Gallienne, 2013), o premiar dentro de la categoría de filme extranjero a la estupenda Alabama Monroe (The Broken Circle Breakdown; Felix Van Groeningen, 2012) rompiendo la racha de premios de Paolo Sorrentino con su La gran belleza (La grande bellezza; 2013). También se podría hablar de los premios independientes de Hollywood, los Spirit Awards, y de como cada vez se parecen más en resultados a los Oscar, pero precisamente son estos últimos, con su nada sorprendente galardón a 12 años de esclavitud (12 Years a Slave; Steve McQueen, 2013), los que van a ocupar hoy el protagonismo del blog cerrando así la temporada de premios y festivales.

Antes de nada no puedo obviar que, aunque todavía no he visto el total de películas nominadas por la academia norte-americana, la película de McQueen se encontraba en la cola de la lista de mis favoritas, y aunque con ello no quiero decir que no me hubiese atraído ni un poco, la superioridad de la maravillosa Nebraska (Alexander Payne, 2013), el prodigio técnico que ofrece Gravity (Alfonso Cuarón, 2013), o el buen hacer de Spike Jonze con Her (2013) es innegable frente a la película de los esclavos.

Solomon Northup es un hombre de raza negra y clase acomodada que dedica su vida a sus dos pasiones: la música y su familia. Tras conocer a dos caballeros que le ofrecen trabajo se despierta encerrado en una habitación dándose cuenta que ha sido secuestrado para ser vendido como esclavo, siendo así privado de su libertad. El hombre intentará recuperar su derecho legítimo enfrentándose a los duros y violentos castigos de los que, cómo él, viven bajo el yugo de la esclavitud.

12 años de esclavitud adapta a la pantalla la autobiografía del propio Solomon Northup y se presenta por su director, McQueen, como la película definitiva sobre la esclavitud, la más veraz y realista que jamás se ha realizado, llenando el supuesto hueco histórico en la filmografía estadounidense. ¿Pero es esa etiqueta que el director no se ha cansado de defender la más descriptiva para su trabajo? De entrada podríamos achacarle al director británico que confunde conceptos; si quería veracidad y realismo ¿porqué nos muestra sólo aquello que quiere que veamos? Se sabe que las relaciones de los propios ‘niggas’, de aquellos que nacieron dentro del seno de la esclavitud, debieron ser mucho más complejas de lo que 12 años... nos muestra, la sumisión, la esperanza, la rebeldía, el conflicto y el racismo dentro del propio colectivo… Pero McQueen prefiere centrarse solo en la figura de Solomon, que aunque si es cierto que utiliza la profundidad de campo en algunas ocasiones para mostrarnos pequeños detalles que podríamos intuir quizás como miedo, o simple pasotismo, no se atreve a adentrarse abiertamente en la complejidad de los personajes que quiere retratar, enseñándonos solo aquello que le conviene, de este modo, el orgullo con el que McQueen alardea de su realismo es en realidad una muestra compleja similar a la de Steven Spilberg en su El Color púrpura (The Color Purple; 1985), pero eso sí, substituyendo lo edulcorado por las salpicaduras rojas de los latigazos, pleno estilo Mel Gibson en La pasión de Cristo (The Passion Of The Christ; 2004). 
La cosa se vuelve más curiosa al ver como finalmente los personajes más complejos de la trama no son precisamente esclavos, son en realidad blancos. Partiendo ya del primer dueño de Northup y su familia, aparentes almas cristianas que figuran ser buenos con los esclavos de su propiedad, pero que no tienen dificultad en echar a la llorona esclava que les irrita el corral, o por sacarse de encima al protagonista echándolo en manos de su duro capataz, otro personaje claramente trabajado y que, tras la sombra de su mujer, se convierte en claro ejemplo de personaje redondo y bien caracterizado.

Sin duda uno de los aspectos más positivos de la película es la parte actoral, y aunque la interpretación de Chiwetel Ejiofor bajo el papel de Solomon sea de lo más correcto e interesante, existen en 12 años de esclavitud interpretes que sorprenden más en sus papeles. No voy a hablar del descubrimiento de Lupita Nyong’o, que se fue con el premio de mejor actriz de reparto, ya que creo que destaca únicamente en los momentos creados para su lucidez, dónde ahí sí, desgarra con su interpretación, pero lo que es el resto del filme no ofrece demasiado enfoque. En cambio es imposible no fijarse en el papel de Michael Fassbender, el trabajo que hace para mostrar el hundimiento espiritual causado por la lucha de la lujuria y el odio es estupendo, reforzado por la más desapercibida interpretación de Sarah Paulson, que tanto ella como su personaje son claves para entender el carácter de Fassbender. Paulson, actriz más conocida recientemente por su estupendo trabajo en la saga American Horror Story, demuestra que con pocos gestos, fuertes miradas y palabras directas, se consigue una interpretación redonda.

De echo, lo más interesante en la realización de McQueen es la dirección de actores, el juego con la profundidad de campo consigue efectos muy descriptivos que no necesitan relato para ser entendidos, de ahí que la presencia fantasmal del papel de Sarah Paulson sea tan espectacular, ahí el director ha sabido hacer bien su trabajo. Pero es curioso, y a pesar de la nominación en los Oscar, que el montaje sea tan burdo en materia de tiempo, el enlace temporal de esos doce supuestos años queda totalmente desfigurado en pantalla, que inevitablemente nos descoloca en la narración y ayuda a que, a medida que avanza el filme, se pierda el hilo y con él parte del interés que ya de entrada tiene ganado la película.

Queda claro pues que McQueen nos ofreció mejores visiones del mundo en sus anteriores obras, y que este nuevo rumbo en su filmografía hace que parezca menos interesante de lo que era. Una decisión demasiado correcta que basa todos los esfuerzos en remover a un espectador que, mayoritariamente, a día de hoy ya está habituado a la violencia y el dolor a través de la pantalla sin que ello le impresione lo más mínimo. Es una pena, que 12 años de esclavitud, película que podría haber llegado a ser una compleja y gran obra técnica y narrativa, quede tan solo en una interesante película de esclavos, la enésima película de esclavos.

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TÍTULO ORIGINAL 12 Years a Slave (Twelve Years a Slave)
AÑO 2013
DURACIÓN 133 min.
PAÍS Estados Unidos, Reino Unido
IDIOMA Inglés
DIRECCIÓN Steve McQueen
GUIÓN John Ridley (Biografía: Solomon Northup)
MÚSICA Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA Sean Bobbitt
REPARTO Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Lupita Nyong’o, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Paul Giamatti, Sarah Paulson, Brad Pitt, Alfre Woodard, Michael K. Williams, Garret Dillahunt, Quvenzhané Wallis, Scoot McNairy, Taran Killam, Bryan Batt, Dwight Henry
PRODUCTORA Summit Entertainment / Plan B / River Road Entertainment / New Regency Pictures / Film4
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Basada en hechos reales. Biográfico. Esclavitud. Racismo. Siglo XIX. Histórico

SINOPSIS
Basada en un hecho real ocurrido en 1850, narra la historia de Solomon Northup, un culto músico negro -y hombre libre- que vivía con su familia en Nueva York. Tras compartir una copa con dos desconocidos, Solomon descubre que ha sido drogado y secuestrado para ser vendido como esclavo en el Sur en una plantación de Louisiana. Renunciando a abandonar la esperanza, Solomon contempla cómo todos a su alrededor sucumben a la violencia, al abuso emocional y a la desesperanza. Entonces decide correr riesgos increíbles y confiar en la gente menos aparente para intentar recuperar su libertad y reunirse con su familia.

PREMIOS
2013: 3 Premios Oscar: mejor película, guión y actriz secundaria. 9 nominaciones
2013: Globos de Oro: Mejor película dramática. 7 nominaciones
2013: Premios BAFTA: Mejor película y actor (Ejiofor). 10 nominaciones
2013: Critics Choice: Mejor película, guión adaptado y actriz sec. 13 nomin.
2013: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del público)
2013: National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas del año
2013: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año
2013: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director
2013: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz sec. (Nyong'o)
2013: Premios Gotham: 3 nominaciones, incluyendo Mejor película
2013: Independent Spirit Awards: 5 premios, incluyendo Mejor película
2013: Satellite Awards: 10 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2013: Premios Guldbagge: Nominada a Mejor película extranjera

CRÍTICAS
+ "Este relato épico sobre una alma inquebrantable hace que incluso las luchas de Escarlata O'Hara parezcan insignificantes a su lado (...) La composición, el diseño de sonido y la historia se unen de una manera muy bella" (Peter Debruge: Variety)

+ "No serás capaz de dejar este barril de pólvora en un rincón de tu mente y olvidarte de él. Lo que tenemos aquí es una película ardiente y brillante, que seguro que se convertirá en un clásico. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "La genialidad de '12 años de esclavitud' reside en su insistencia en la maldad banal, y en el terror, que se filtraba en las almas, ataba los cuerpos y cosechaba un duradero y terrible precio." (Manohla Dargis: The New York Times)

+ "'12 años de esclavitud' es un fascinante triunfo del arte y la polémica: McQueen convierte un tema lejano en la historia en una experiencia que (...) te hace sentir como si hubieras estado allí." (Eric Kohn: Indiewire)

+ "La importancia histórica y la impactante injusticia de los acontecimientos hacen que McQueen y compañía permanezcan completamente honestos en su enfoque. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "El filme es excepcional, durísimo y absolutamente relevante. (...) apabullante Michael Fassbender" (Toni García: Diario El País)

+ "Una intensa, desgarrada y buena película (...) Steve McQueen cuenta esta tragedia, esta historia de terror, sin ahorrarle sobresaltos a los espectadores" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "'12 años de esclavitud' es 'La Pasión de Cristo' menos el arameo (...) ni una sola interpretación, ni la más secundaria, chirría en una película controlada con mano de hierro (...) evita el melodrama. Emociona, pero sin lágrimas (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)


- "Es triste comprobar como una película que has visto hace cuatro días desaparezca de tu memoria relegándola al mayor de los olvidos." (C.Noodles: Ciudadano Noodles)

- "la película se empeña en mostrar, una y otra vez, las distintas vejaciones físicas, morales, intelectuales y emocionales a las que fue sometido un hombre que nació libre y que fue convertido en esclavo. Los maniqueísmos aparecen con facilidad[...]Los personajes no son más que estereotipos sacados directamente de 'La cabaña del Tío Tom' y, por paradójico que parezca, casi parecen más interesantes los carteles explicativos del final que la misma historia en sí. (César Bardés: Los ojos del lobo)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6
- Filmaffinity: 7,5
- IMDB: 8,3
* Media: 7,3

TRAILER


VER TAMBIÉN

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