TOTAL

Estamos de enhorabuena, pues en España empieza un nuevo rumbo en pro el cine patrio. A partir de mañana lunes 11 de mayo, arranca en la televisión pública del país, concretamente en el segundo canal nacional (La 2), un ciclo que durará un mínimo de dos años. Todas las semanas, de lunes a viernes y en prime time (las 10 de la noche) podremos ver una película española en televisión dentro del programa Historia de nuestro cine que presentará Elena S. Sánchez y dirigirá Francisco Quintanar. Este nuevo cambio en la programación y sumado a la continuidad del programa Versión Española presentado por Cayetana Guillén Cuervo y toda la actualidad en cines con el ya mítico Días de cine, es una apuesta valiente y necesaria que consolida La 2 como una estupenda referencia cultural que nos ayudará a apreciar y descubrir lo mejor de nuestro cine.

El programa se compondrá por una serie de bloques, dedicando cada día a unas décadas concretas, de manera que los lunes será el turno de las películas de la década de los 30 y 40; los martes de los 50 y 60; miércoles de los 70, jueves de los 80 y viernes de los 90. Aunque esta primera semana arrancará con un bloque especial dedicado a Cannes, dónde podremos ver ¡Bienvenido, Míster Marshall! (Luis García Berlanga, 1953), La niña de luto (Manuel Summers, 1964), Surcos (José Antonio Nieves Conde, 1951), Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) y Viridiana (Luis Buñuel, 1961).

Entre las películas que se irán viendo a los largo de estos meses en Historia de nuestro cine destacan títulos como Morena clara (Florián Rey, 1936), El crimen de la calle Bordadores (Edgar Neville, 1946), Embrujo (Carlos Serrano de Osma, 1947) o Nada (Edgar Neville, 1947), de los años 30 y 40; El cebo (Ladislao Vajda, 1958), Plácido (Luis García Berlanga, 1961), Historias de la radio (José Luis Sáenz de Heredia, 1955), El extraño viaje (Fernando Fernán-Gómez, 1964), Los ladrones somos gente honrada (Pedro Luis Ramírez, 1956) o La busca (Angelino Fons, 1966), de los 50 y 60; Las largas vacaciones del 36 (Jaime Camino, 1976), Un hombre llamado Flor de Otoño (Pedro Olea, 1978) o La escopeta nacional (Luis García Berlanga, 1978), de los 70; El crack (José Luis Garci, 1981), El sur (Víctor Erice, 1983), Las bicicletas son para el verano (Jaime Chávarri, 1984), Secretos del corazón (Montxo Armendáriz, 1997) y El viaje a ninguna parte (Fernando Fernán Gómez, 1986), de los 80; Familia (Fernando León de Aranoa, 1996), Bajarse al moro (Fernando Colomo, 1988), Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988), Vacas (Julio Medem, 1992), La niña de tus ojos (Fernando Trueba, 1998) o Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995), de los 90.

Para ir abriendo el apetito hoy traigo un mediometraje realizado para televisión que abría la ahora conocida como trilogía surrealista de Jose Luis Cuerda. Total es la primera entrega, seguida por la excelente e imprescindible Amanece que no es poco (1988), y cerrando el trío está la menor Así en el cielo como en la tierra (1995).

Nos encontramos en el año 2598 en Londres, un típico pequeño pueblo castellano dónde el fin del mundo hace unos días que se empieza a anunciar. Lorenzo el pastor nos irá contando las señales que le han llevado a descubrir este apocalipsis: las vacas acuden a la escuela, las paredes de los edificios se derrumban, Doña Paquita aparece sin previo aviso... Un relato sobre como fue aquello del gran final.

Total pertenece al grupo de aquellas películas que una valiente televisión pública se atrevío a producir ofreciendo altas dosis de calidad en sus pantallas. Películas como la de Cuerda o La Cabina (Antonio Mercero, 1972), abiertas a la experimentación y capaces de cosechar premios allá dónde fueran.

Este primer metraje es sin duda la semilla que más tarde explosionaría en Amanece que no es poco, encontrando las primeras jocosas y surrealistas ideas que más tarde Cuerda convertiría en un largometraje mucho más solido y completo. De todos modos no podemos menospreciar lo que en menos de una hora se nos muestra en Total, pues en pocos minutos es fácil quedar totalmente entregado a las historias de ese pequeño pueblo, cada cual más delirante. Todo gracias a un guión dónde no solo los diálogos están más que bien encontrados, si no todas las situaciones vividas y los enlaces entre ellas, creando un lugar dónde el surrealismo no es excusa para que logremos creernoslo. 

Una película deliciosamente impresionante, que con facilidad os da una muestra de la grandeza de las ideas de Jose Luis Cuerda, un aperitivo para los que todavía no hayáis descubierto su obra magna (Amanece...) que de bien seguro os dejará con las ganas de revisar la trilogía por completo.

Historia de nuestro cine - Promo

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TÍTULO ORIGINAL Total AÑO 1983 DURACIÓN 52 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN José Luis Cuerda GUIÓN José Luis Cuerda MÚSICA José Nieto FOTOGRAFÍA Juan Martín Benito REPARTO Miguel Rellán, Manuel Alexandre, Luis Ciges, María Luisa Ponte, Agustín González, José María Caffarell, Enriqueta Carballeira, María Luisa Ponte, Alicia Sánchez, Eusebio Lázaro, Chus Lampreave PRODUCCIÓN TVE

GÉNERO Comedia. Fantástico

TEMÁTICA Comedia absurda. Surrealismo. Mediometraje. Telefilm. Fin del mundo

SINOPSIS

Año 2598. Hace tres días que el mundo ha llegado a su fin en Londres, un pequeño y perdido pueblo de ambiente castellano. Lorenzo, pastor de ovejas, nos cuenta una serie de sucesos extraordinarios que han ido anunciando el fin del mundo: las vacas quieren ir a la escuela, las paredes se derrumban, o Doña Paquita se aparece en los lugares más insospechados...

PREMIOS

1983: Montecarlo: Premio Especial de la Crítica y Premio Especial del Jurado

CRÍTICA

+ "Una película muy divertida, desternillante por momentos, que dura lo que tiene que durar y anticipa las genialidades que se le ocurrirían a Cuerda para sus dos siguientes films" (Beatriz Maldivia: Blog de cine)

- "La originalidad del arranque de Total no encuentra después un desarrollo hacia arriba, no crece, no hace engordar los kilos del interés del espectador, y éste se va desinteresando poco a poco del tinglado. La correcta, simplemente correcta, realización e interpretación se queda de esta manera en una corrección sobre el vacío. Total, nada." (Ángel Fernández-Santos: El país)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,0		7,3
NOTA MEDIA: 7,1

PELÍCULA

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CODEBREAKER (ALAN TURING: CODEBREAKER)

Se acaba de estrenar en España The Imitation Game (Descifrando Enigma) (Morten Tyldum; 2014), un filme que ya ha empezado a cosechar premios y nominaciones como los Globos de Oro, los Satellite Awards o en el festival de Toronto dónde se llevó el premio del público como mejor película. El filme de Tyldum nos presenta la figura del genio matemático Alan Turing, cosa que me viene al dedo para hablaros de una de las películas que tuve oportunidad de disfrutar en el último FIRE! de Barcelona, Codebreaker, cinta documental creada para la televisión inglesa, que intenta ser un acercamiento a ese genio despreciado que fue Turing.

Alan Turing fue un genio matemático que logró descifrar los códigos secretos nazis determinando el devenir de la II Guerra Mundial, además de ser precursor de la computación. A pesar de sus logros, en vez de ser tratado como un héroe, lo fue como un criminal, todo debido a su homosexualidad.

La película creada por y para Channel 4, esta configurada como un documental dramatizado, dónde a través de unos actores se nos presenta al brillante matemático hablando con su amigo y terapeuta Franz Greenbaum, exponiéndole varios de los sucesos que condicionaron su vida. De este modo podemos olvidarnos de un relato que se acerque a los esquemas del reportaje clásico, en pro de una narrativa más cercana al ámbito cinematográfico y que convierten este documental biográfico en una cinta llena de interés, dónde el misterio crea una atmósfera de lo más acertada.

Gracias al enfoque del filme, que se centra en los dos protagonistas, podemos entender la presión física y mental a la que Turing fue sometido, creando un perfil psicológico redondo algo complicado de crear en una película totalmente documental que utilice imágenes del pasado y deba echar mano de materiales de archivo y recreaciones históricas. Por lo tanto, el espectador que no esté acostumbrado al género documental puede entrar perfectamente en las entrañas de esta película sin que el tedio le invada en ningún momento.

La película, más allá del biopic, nos invita a una reflexión histórica sobre el trato de la homosexualidad con el paso del tiempo. Turing fue un sueño, y es innegable que sin su aportación hoy en día los libros de historia hablarían de la II Guerra mundial de un modo distinto, por no hablar de su enorme contribución al campo informático. A pesar de ello es curioso como su orientación sexual eclipsó por completo cualquier bien realizado, y en vez de ser tratado como un héroe de guerra, o un erudito en su campo, fue automáticamente convertido en un criminal. El paso del tiempo ha sido lento para el ya fallecido Turig, y no ha sido hasta 2013 que, la Reina de Inglaterra, le concedió un "indulto" (el cual fue negado por el ministro de justicia de Reino Unido, solo un año antes) a uno de los mayores genios de su tierra.

Codebreaker es un buen aperitivo que nos abrirá la curiosidad a los que de entrada no tenían pensado acercarse a los cines a ver The Imitation Game, y que completará información sobre su figura a los que ya  han visto el filme de Tyldum. Una película interesante, amena y reivindicativa.

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TÍTULO ORIGINAL Britain's Greatest Codebreaker AÑO 2011 DURACIÓN 52 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Clare Beavan, Nic Stacey GUIÓN Craig Warner, Simon Berthon MÚSICA Edward White FOTOGRAFÍA Rob Goldie, Andy Jackson REPARTO Ed Stoppard, Henry Goodman, Paul McGann, Asa Briggs, Jean Valentine, David Leavitt, Rolf Noskwith, Dermot Turing, Christopher Morcom, Ian Stewart, Martin Davis, Matt Parker, Steve Wozniak, Alma Whitten, Tony Sale, Simon Schaffer, Jeffrey Weeks, Allan Pacey, Maria Summerscale, Barbara Maher, Andrea Sella PRODUCTORA Story Center Films / Furnace / Channel 4

GÉNERO Documental. Drama

TEMÁTICA Homosexualidad. Mediometraje. Telefilm. Biográfico. II Guerra Mundial. Años 40. Años 50. LGBTIQ

SINOPSIS

Documental sobre la vida de Alan Turing como brillante matemático y precursor de la computación, así como homosexual dentro de una sociedad que, en lugar de reconocer sus méritos, le aísla y criminaliza.

PREMIOS

2013: GLAAD: Nominado a mejor documental independiente

CRÍTICA

+ "Excelente y absorbente" (Rage Monthly)

PUNTUACIONES

 

	6,5		-,-		6,9
NOTA MEDIA: 6,7

TRAILER

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CAMINANTES

Toca ya abandonar la ficción que presenta el género fantástico y echarse sobre los brazos de la realidad con un documental. Fernando León de Aranoa siempre ha sido un realizador muy dado al cine de carácter social, es por eso que no sorprende en absoluto su introducción al género al cual nos es más fácil ligar las historias que muestran retratar una realidad injusta. Aranoa produce entre Barrio (1998) y Los lunes al sol (2002) la que es su única película documental (si obviamos su participación en el filme grupal Invisibles [Isabel Coixet, Wim Wenders, Fernando León de Aranoa, Mariano Barroso, Javier Corcuera, 2007]), Caminantes, una película rodada en México para acercarnos a la realidad indígena del país.

Un pueblo olvidado de México vive durante los primeros meses de 2001 un revuelo para recibir la marcha zapatista, y abrir con ellos un debate sobre el reconocimiento de los derechos de los pueblos indígenas. Durante la preparación del recibimiento iremos conociendo la dura realidad de un pueblo, y la falta de reconocimiento de sus gobernantes hacia ellos.

Caminantes es ante todo un trabajo en el que poder ver la esperanza y el trabajo de una comunidad por intentar cambiar las cosas. El trabajo de la profesora del colegio, la energía de la banda de músicos, el maestro que prepara el discurso de bienvenida, o el pregonero animando a la comunidad a participar en el evento, son algunos de los ejemplos de la emoción con la que las personas, a pesar de las dificultades, están dispuestas ha darlo todo para que sus palabras sean escuchadas.

A pesar de la simple realización por la que apuesta Aranoa, su trabajo es suficiente para que reconozcamos la belleza del lugar, el estilo de vida de unas personas olvidadas por la sociedad moderna, las dificultades a las que se tienen que someter mayores y niños, la represión de los sistemas capitalistas sobre los que considera innecesarios, y como todo ello origina algunos problemas como la emigración. Aranoa aprovecha también para entrevistar al subcomandante Marcos, una de las cabezas del movimiento que quiere llevar la voz de los pueblos indígenas asta la ciudad de México, y que sean así escuchados. Unas entrevistas llenas de parábolas y alegorías, que intentan hacer comprender los motivos que hacen mover al movimiento Zapatista.

Es admirable como en menos de una hora se consiguen sintetizar todas las ideas para hacernos comprender con facilidad como los políticos no solo se olvidan deliberadamente de parte de la sociedad, si no como además solo recurre a ellos para conseguir votos, pero sin ofrecerles nada a cambio. Así Caminantes se presta como un documental muy interesante del que recoger ideas, y con el que es fácil acercarse a realidades que en ocasiones puede parecernos que nos quedan lejos, pero que en realidad tenemos muy cerca, y con similitudes a muchos de nuestros problemas.

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TÍTULO ORIGINAL Caminantes AÑO 2001 DURACIÓN 60 min. PAÍS España IDIOMA Español, Purépecha DIRECCIÓN Fernando León de Aranoa GUIÓN Fernando León de Aranoa, Ángel Luis Lara MÚSICA Alfonso Arias FOTOGRAFÍA Jordi Abusada REPARTO Subcomandante Marcos, pueblo de P'urhépecha PRODUCTORA Plural Entertainment España S.L. / José Ibáñez-Martín Piran

GÉNERO Documental

TEMÁTICA Mediometraje. Cine social. Infancia. Vida Rural. Conflictos. Política

SINOPSIS

En 2001, un grupo de mexicanos zapatistas marcharon a México D.F. para protestar contra la opresión hacia la población indígena del México rural.

PREMIOS

2001: Festival de la Havana: Mejor documental no latino-americano.
2002: Festival Latino de los Angeles: Mejor documental (premio del jurado)
2003: LaCinemaFe: Premio especial del jurado (Documental)

CRÍTICA

+ "Un documental interesante en estos tiempos en los que parece que aquello que llamó Derrida "la crisis de los grandes relatos" ha derribado la idea de progreso en prácticamente todos los ámbitos de nuestras vidas excepto en el capitalismo." (Rubén Corral: La Butaca)

PUNTUACIONES

 

	6,0		6,8		7,4
NOTA MEDIA: 6,7

PELÍCULA COMPLETA

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BYE BYE BARCELONA

En lo que va de año ya son tres los documentales independientes que se han centrado en varios problemas que parece están afectando a la ciudad de Barcelona. Títulos como Ciutat morta (Ciudad muerta) (Xavier Artigas, Xapo Ortega, 2014), que se centra en la impunidad policial, legal y administrativa; MACBA: la dreta, l'esquerra i els rics (MACBA: la derecha, la izquierda y los ricos) (Societat U, 2014), que intenta comprender la ética de las políticas gentrificadoras de la ciudad; o la que hoy nos ocupa: Bye Bye Barcelona, que si habéis estado al tanto de la prensa durante este último mes, se centra en un problema que cada vez más preocupa a los ciudadanos de Barcelona, la masificación turistica.

Bye Bye Barcelona intenta comprender la problemática del turismo en la ciudad Condal a través de varias entrevistas a académicos del sector turístico, historiadores y vecinos de la provincia catalana, que explican su visión subjetiva de cómo está influenciando la llegada de tantos visitantes a la ciudad, siendo esta la tercera ciudad más visitada de toda Europa, por detrás de Venecia y París. Para ello se centra en las zonas que reciben más visitantes y se divide en siete capítulos: 1. La Rambla; 2. El auge del turismo; 3. El motocultivo turístico; 4. Plan de usos de Ciutat Vella; 5. Sagrada Familia; 6. Parc Güell; 7. Pisos turísticos.

¿Qué sucede en Barcelona? ¿Por qué un sector que se supone da riqueza a la ciudad, está siendo objeto de tantas protestas, como hemos visto estos últimos días en la prensa? Eduardo Chibás, residente de Barcelona, vecino de la Sagrada Familia, se pregunta que está pasando con la ciudad de la cual se enamoró y que por consiguiente eligió para vivir. En su documental intenta encontrar respuesta a sus preguntas, y para ello habla con personas que también echan de menos la ciudad que conocían.

Es cierto que la película tiene claro el enfoque que quiere dar dando voz a las personas para denunciar la masificación, el incivismo, la privatización, la degradación del nivel de vida, la perdida del comercio tradicional, y muchos otras problemáticas que genera el modelo turístico que está ganando la ciudad y como estos afectan a sus vecinos, pero también intenta recordar, que es precisamente ese sector el que más dinero aporta a sus ciudadanos y que es a la vez el que permite dar un buen nivel de vida, algo contradictorio, ya que es el mismo el que lo da y el que lo quita.

La película es en todo caso muy esclarecedora. Los datos son realmente escalofriantes al ver como el número de visitantes llega a doblar al número de residentes de la ciudad, encontrando lógico el miedo a la generación de una ciudad de cartón piedra para estos últimos, que a su vez denuncian como este mismo modelo no es bueno para los que vienen a conocer a la ciudad, ya que lo que se encuentran es decepcionante. Pero a la vez se echa en falta la visión de alguno de los que permiten que este tipo de turismo sea el imperante en la ciudad condal, para hacernos una idea de los motivos de esta permisividad a todo precio, y que den un contrapunto que dote de objetividad al filme, ya que a pesar de las explicaciones de algunos de los entrevistados que explican la riqueza que deja el modelo, no llega a conseguir que sintamos esa total visión objetiva.

Otro de los puntos que no explota la película, pero que planea directamente sobre ella, es la xenofobia que despierta una problemática de este tipo, y que puede generar también el visionado malentendido de un filme de estas características. Que el racismo está despertando en Europa no es ninguna novedad, evidentemente la crisis económica es la mayor fuerza ante esta nueva oleada, pero en Bye Bye Barcelona podemos darnos cuenta como otros aspectos de invasión pueden hacer renacer poco a poco esa chispa. Es evidente que alguien que ha asentado su hogar en una zona, y ve como su estilo de vida está siendo invadido por gente de fuera (aunque no sean estos los culpables directos de esta permitida invasión), vaya poco a poco creando un rechazo a lo foráneo.

De todos modos tenemos delante un documento muy interesante, cuya exploración puede llevarse a otros puntos de la geografía mundial, y que deja clara la falta de actuación por parte de gobernantes, y el malestar que puede generar un concepto mal conducido, a pesar que este parta de una idea amable de la industria.

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TÍTULO ORIGINAL Bye Bye Barcelona AÑO 2014 DURACIÓN 55 min. PAÍS España IDIOMA Catalán, Español DIRECCIÓN Eduardo Chibás Fernández GUIÓN Eduardo Chibás Fernández FOTOGRAFÍA Eduardo Chibás Fernández MÚSICA Sebastián Seifert, Kill. Minima, Chris Zabriskie, Dan-o, Kevin McLeod REPARTO Pepe Collado, Mario García Mas, Gabriel Picart, Conchi Roque, Enric Vila Delcòs, Juan Itxaso, Llum Ventura, Marc Javierre, María Martínez, Reme Gómez, María Mas, José María Perceval, Santiago Tejedor, Rodrigo Arroyo, Daniel Pardo, Tomás Durán, Alfredo Tarre, Fabiola González PRODUCTORA Eduardo Chibás

GÉNERO Documental

TEMÁTICA Mediometraje. Cine social. Corrupción. Crisis económica. Política

SINOPSIS

Bye Bye Barcelona es un documental acerca de una ciudad y su relación con el turismo, acerca de la difícil convivencia entre Barcelona y los barceloneses, y el turismo y los turistas. Es un documental que expone, de la mano de algunos de sus residentes, los graves efectos que tiene el turismo masivo en la ciudad condal. Es un documental que puedes ver entero, o por capítulos y a tu ritmo, y que no pretende otra cosa que servir de contrapunto a la tan repetida idea de que con el turismo ganamos todos. Este es un documental sobre lo que perdemos.

CRÍTICA

+ "La película se explica como un contrapunto dónde se comprueba que el ciudadano siente que va perdiendo espacios ante una invasión sin parangón del turismo low cost, del consumo rápido de la ciudad, en el que el urbanismo, las políticas públicas y los habitantes se entremezclan de manera perversa y, en ocasiones, implacable." (Lucía Lijtmaer: Eldiario.es)

PUNTUACIONES

 

	6,5		--		7,1
NOTA MEDIA: 6,8

TRAILER

 PELÍCULA COMPLETA

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FÉTICHE (LA MASCOTA)

Si Barcelona no os queda lejos, tenéis pensado visitarla pronto o simplemente vivís allí, no podéis dejar pasar la oportunidad de visitar una de las exposiciones que recoge hasta el 7 de setiembre el Centro de Cultura Contemporánea (CCCB), una oportunidad única de ver una recolección de la obra de tres grandes maestros de la animación y el arte de las marionetas, que se encuentran por primera vez conjuntamente en una sala. Jacinto Antón la describía así en su artículo para El País:

“Hay un lugar en el que viven nuestras fantasías más extrañas, las hadas y los monstruos, la belleza y lo grotesco, la perversión y la inocencia, la creueldad y la voluptuosidad, la magia y la insania, las estrellas y los insectos. Ese lugar, el Otro Lado, se encuentra normalmente en una habitación recóndita de nuestra alma y solo es accesible en sueños y pesadillas, o en vigilias enajenadas. Ahora ha abierto una puerta en el CCCB, que invita a revisar la palabra asombro."

Una exposición extraordinaria para cualquier amante de la animación, el surrealismo, el cine, o simplemente para disfrutar con el increible imaginario de Ladislas Starewitch, Jan Švankmajer  y los hermanos Stephen y Timothy Quay.

“El visitante de un gabinete de curiosidades tendría que salir de él metamorfoseado, renacido, porque se ha sometido a un ritual de iniciación. Al irse, el visitante del museo tendría que tener un conocimiento más amplio del mundo o más educación que al entrar.” Jan Švankmajer

Las palabras del artista surrealista checo sirven para hacernos una perfecta idea de lo que supone visitar una instalación como Metamorfosis, el cruce de las tres filmografías que a pesar de ser tan singulares presentan grandes rasgos en común, dónde la magia y la excentricidad, la pureza y la maldad, lucen como armas visuales perfectas para alcanzar los recovecos más escondidos de nuestras mentes, corazones y estómagos. La provocación de Švankmajer, los personajes en el limbo de los gemelos Quay y la fantástica imaginación de Starewitch se resisten a toda convención narrativa, e incorruptibles a todo ataque impuesto.

Para ilustrar la entrada de hoy, en relación con la exposición, he elegido a uno de mis favoritos: Starewitch, el maestro del stop-motion del que ya os hablé al presentar uno de sus mejores trabajos, El cuento del zorro (Le Roman de Renard; 1930) y del que hoy os hablaré a través de Fétiche (La mascota), primer trabajo dónde aparece una de sus más míticas marionetas: el perro Fétiche.

Starewitch es especialmente conocido por por sus relatos inspirados en fábulas y cuentos populares, pero sin duda también por ser capaz de crear los suyos propios, algo que le valió para que le reclamaran en Hollywood, especialmente gracias a las diferentes producciones dónde apareció el can protagonista de hoy. El artista dio la espalda a las propuestas americanas y siguió trabajando para él mismo, enfrascado en sus obras compuestas por una base de humor absurdo relacionado con Gogol, la poesía y sobretodo, la sátira política.

Nos encontramos en un taller de juguetes dónde viven una mujer y su enferma hija. La pequeña desea probar el sabor de una naranja, mientras su madre rompe en sollozos por no poder dar a su niña una vida mejor. La mujer ha enviado una nueva partida de juguetes cosidos por ella misma, pero durante el viaje estos cobran vida y escapan del repartidor. Uno de ellos es Fétiche, un pequeño perro que no puede olvidar los deseos de la niña, e intentará por todos los medios volver a casa y hacerla feliz.

Nos topamos con la primera aparición del perro en una de las películas de Starewitch, un mediometraje que presenta su personaje como un animal de peluche de gran corazón y que volveremos a ver en dos cortometrajes más: Fétiche prestidigitador (Fétiche prestidigitateur; 1934) y Fétiche de viaje de bodas (Fétiche en voyage de noces; 1936).

El filme entremezcla la aparición de actores de carne y hueso con la animación stop-motion marca de la casa, para construir uno de los mensajes de fuerte carga social y crítica política también sello del artista de origen polaco. El uso de muñecos junto a objetos cotidianos, convierte algunos de los pasajes de Fétiche en pura poesía onírica, dónde los impresionantes y cuidados detalles no dejan indiferente al espectador. La artesanía a la que somete Starewitch a su trabajo deja lejos algunas de las actuales propuestas de animación fotograma a fotograma, y no sólo eso, si no que deja una herencia tremendamente presente en obras hoy muy reivindicadas que echan uso de la técnica como Pesadilla antes de Navidad (The Nightmare Before Christmas; Henry Selick, 1993), James y el melocotón gigante (James and the Giant Peach; Henry Selick, 1996), Wallace & Gromit: La maldición de las verduras (Wallace & Gromit: the Curse of Were-Rabbit; Nick Park, Steve Box, 2005), La novia cadáver (Tim Burton's Corpse Bride; Tim Burton, Mike Johnson, 2005) o Fantástico Sr. Fox (Fantastic Mr. Fox; Wes Anderson, 2009), sin olvidar a otras que no utilizan el stop-motion tan importantes y premiadas como la propia Toy Story (John Lasseter, 1995) o El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi; Hayao Miyazaki, 2001), no es casualidad que Burton, Park, Lasseter o Anderson hayan elogiado el trabajo de Starewitch, y tampoco que Švankmajer lo haya bautizado como el "Méliès de la animación" y haya sido un maestro para los hermanos Quay, con los que hoy comparte exposición.

Si queréis ver con vuestros propios ojos las maravillosas imágenes de Fétiche os recomiendo visitar Metamorfosis sin dudar, tenéis tiempo hasta el 7 de setiembre, y si os queda mejor Madrid se trasladará a La Casa Encendida a partir de octubre. La experiencia es única.

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TÍTULO ORIGINAL Fétiche - Fétiche mascotte (The Mascot) (Stuffy's Errand of Mercy) AÑO 1933 DURACIÓN 39 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Wladyslaw Starewicz GUIÓN Wladyslaw Starewicz MÚSICA Edouard Flament FOTOGRAFÍA Wladyslaw Starewicz (B&W) PRODUCTORA Gelma-Films

GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras

TEMÁTICA Stop Motion. Mediometraje. Marionetas. Puppet Motion. Cine Social. Pobreza

SINOPSIS

Historia sobre juguetes que cobran vida propia, paralelamente al deseo de una niña por obtener una naranja.

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,6		7,9
NOTA MEDIA: 7,7

MEDIOMETRAJE COMPLETO

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EL HOMBRE QUE PLANTABA ÁRBOLES

La Navidad tiene esas cosas, en este día conviven emociones de alegría y tristeza en armonía, y hoy por desgracia nos toca la parte triste. Ayer sufríamos la perdida de uno de los animadores más emblemáticos del cine, Frédéric Back, galardonado por varias de sus obras con las que consiguió premios en los mayores festivales de animación como los Annie o los Annecy, además de su paso por Cannes y ser premiado con hasta dos Oscar de las cuatro candidaturas a las que fue llamado. Hoy es imposible no pensar un poco en él y fijarnos en la que es sin duda su mayor logro, El hombre que plantaba árboles, una cinta que no sólo está presente en cualquier lista de las mejores películas de animación de todos los tiempos si no que además está a la cabeza en la categoría de cortometraje.

Un joven lleva a cabo una excursión por la montaña en la Provenza francesa, muy cerca de los Alpes. El muchacho anda por áridos y abandonados paisajes montañosos quedándose sin agua que llevarse a la boca, por suerte conocerá un pastor que le ofrecerá beber de su cantimplora y que le enseñará su más intimo secreto, la dedicación de su solitaria vida a plantar árboles y restaurar así el paisaje montañoso.

La historia del filme se centra en el cuento homónimo de Jean Giono publicado en 1953, un relato del que toma toda su fuerza, del que toma sus lecciones para mellar hondura en nosotros. Un cuento anti-belicista que nos habla sobre la soledad y la relación del hombre con la naturaleza, mostrándonos la fragilidad de esta, a la vez de la tenacidad con la que puede recuperarse, además de la importante relación con el hombre, demostrando que dónde está más presente es dónde este consigue una mayor felicidad. Valores tan potentes como la sabiduría, la perseverancia, la experiencia o la solidaridad y el amor, se presentan en el filme de un modo totalmente poético que impregna todas sus imágenes.

Si la historia por si misma ya presenta los suficientes elementos para convertirse en una obra de gran poder la mano de Frédéric Back sobre ella no hace más que elevarla a obra de arte. El animador consigue unas hermosas pinturas que se mecen como si de viento se tratase y se transforman con el devenir de la historia. Lo que se presenta como una animación de líneas sencillas y tonos cálidos va evolucionando con la historia y nos impacta en los momentos de crudeza con los trazos gruesos y oscuros y las fuertes tonalidades rojas, y emocionandonos en los más alegres con la belleza de los colores vivos y alegres típicos de la naturaleza y de la propia vida.

La película nos muestra el poder de un sólo hombre que vive apartado de todo contacto con la sociedad, al que poco le interesan las guerras o los conflictos identitarios, y de como es capaz vivir su propia felicidad y de pasada crearla para los demás, en un acto totalmente altruista pero nada servil.

Es prácticamente imposible no dejarse encantar por sus imágenes y seguir la voz en off que nos conduce por el relato (contada en dos versiones por famosos actores: francés, a cargo de Philippe Noiret o en inglés por Christopher Plummer). Si todavía no habéis tenido oportunidad de descubrir esta gran obra del cine, y en especial del animado, es el momento de rendirle homenaje a su creador y echarle un vistazo, de bien seguro os enamora.

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TÍTULO ORIGINAL L'homme qui plantait des arbres (The Man Who Planted Trees)
AÑO 1987
DURACIÓN 30 min.
PAÍS Canadá
IDIOMA Francés / Inglés
DIRECCIÓN Frédéric Back
GUIÓN Jean Giono, ADAPTACIÓN Jean Roberts
MÚSICA Normand Roger
VOCES ORIGINALES Francés: Philippe Noiret / Inglés: Christopher Plummer
PRODUCTORA Canadian Broadcasting Corporation (CBC) / National Film Board of Canada (NFB) / Société Radio-Canada
GÉNERO Animación. Drama
TEMÁTICA Amistad. Naturaleza. Mediometraje. Cortometraje. Vida rural

SINOPSIS

Un humilde pastor de ovejas se dedica a recoger bellotas, para luego plantarlas en una tierra yerma, y convertir con el paso del tiempo un desolado valle en un hermoso bosque.

PREMIOS

1987: Oscar: Mejor cortometraje de animación
1987: Cannes: Nominado a la Palma de Oro

1987: Festival de Annecy: Gran Premio (mejor cortometraje)

CRÍTICAS

 + "La obra de Back te hipnotiza por las imágenes y por la cadencia de las frases de una historia fantástica. Un corto placer animado. ★★★★★" (Ginebra Bricollé: El Antepenúltimo Mohicano)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 8,3

- Filmaffinity: 7,8

- IMDB: 8,4

* Media: 8,2

PELÍCULA COMPLETA (Versión francesa)

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LA NAVIDAD DE CHARLIE BROWN

Cierto, es pronto para la Navidad (aunque El Corte Inglés se empeñe en decir lo contrario), pero da igual la época del año que sea para disfrutar de la primera aparición en pantalla de unos de los personajes más carismáticos no sólo del cómic americano, si no del mundo entero, hablo por supuesto de la adaptación de las tiras de Charles M. Schulz: Peanuts (Charlie Brown o Carlitos en nuestro país o también conocida por muchos como Snoopy), un pequeño regalo de la animación.

Aunque para ver a estos carismáticos personajes en formato de largometraje hubo que esperar hasta 1969, antes se rodaron para televisión una serie de especiales que a pesar de las reticencias de la cadena CBS causaron furor ante y el público y cosecharon merecidos premios, creando así una extensa y fabulosa franquicia. Para la primera aparición nos remontamos hasta 1965 con el metraje que os presento hoy, La Navidad de Charlie Brown.

En este mediometraje nuestro protagonista Charlie Brown está deprimido al ver la Navidad como algo carente de sentido, para animarlo Lucy le invita a ser el director de la obra que están preparando, como consecuencia de ello Charlie se irá convenciendo cada vez más de que la Navidad sólo es un invento consumista.

Adaptar una obra como la de Schulz es delicado, ya que puede perder el sentido de las tiras originales y convertirse fácilmente en un producto animado infantil, pero la dirección de Bill Meléndez, contando como colaborador en el guión del propio Schulz y la banda sonora jazzística de Vince Guaraldi, consiguen no sólo captar el espíritu de la obra original, si no dotarla de nuevos elementos que engrandecen su contenido.

Las tiras de Peanuts, que nacieron en 1950 y que siguieron hasta la muerte de su propio autor en el año 2000, son una de las obras más complejas, influyentes y relevantes de la cultura americana del siglo XX. En ellas se hace una radiografía social a través de la infancia dónde la frustración aparece de una forma temprana, reflejando así el modo de vida occidental en el que el máximo ideal es el triunfo mientras poco a poco se van acumulando ansiedades y bajas autoestimas. Así, la pandilla de Charlie Brown, representa en su microcosmos todos esos miedos de la sociedad moderna, siendo Charlie el factor exponencial. Todo ello sigue apareciendo en esta primera adaptación navideña añadiendo además algunos pequeños guiños.

El humor melancólico es el factor más latente en todo el metraje, que empaña cada momento del filme creando momentos inolvidables como las excelentes conversaciones en el muro, o los divertidos interludios de Snoopy. Un guión mordaz que sigue la frustración de nuestro pequeño protagonista y del que es imposible no sentir empatía en algún momento, ya sea a través de él o de alguno del resto de la pandilla.

Casi media hora de maestría se recoge en esta película que ya muchos habréis podido disfrutar en algún momento de vuestra infancia, y si no es así, ahora con la madurez encontraréis con ella muchos más factores que de bien seguro os encantarán.

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TÍTULO ORIGINAL A Charlie Brown Christmas
AÑO 1965
DURACIÓN 25 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Bill Melendez
GUIÓN Charles M. Schulz
MÚSICA Vince Guaraldi
VOCES ORIGINALES Peter Robbins, Bill Melendez, Ann Altieri, Chris Doran, Sally Dryer, Karen Mendelson, Geoffrey Ornstein, Christopher Shea, Kathy Steinberg, Tracy Stratford
PRODUCTOR Bill Melendez
PRODUCTORA Lee Mendelson Film Productions / Bill Melendez Productions / United Feature Syndicate (UFS)
GÉNERO Animación. Comedia
TEMÁTICA Navidad. Cómic. Mediometraje. Telefilm

SINOPSIS
Charlie Brown está deprimido porque piensa que la navidad carece de sentido, ve a Lucy y Snoopy obsesionados con regalos y decoraciones, Schroeder obsesionado con la obra de navidad, y todos los demás concentrados en las tarjetas y cartas a santa, todo esto lo hace cuestionarse el verdadero significado de la navidad. Charlie se disgusta por ver como la festividad se ha convertido en un comercialismo total. Cuando los chicos se comprometen a dar a Charlie la tarea de seleccionar un árbol de navidad para la obra, el escoge uno feo y solitario, pero Linus con un conmovedor discurso logra hacer que todos comprendan el verdadero significado de la navidad.

PREMIOS

1965: Emmy: Mejor programa infantil. 2 nominaciones.
1966: Peabody Awards: Ganadora.
1978: Grammy: Nominada a mejor banda sonora infantil.
2009: Satellite Awards: Nominada a mejor edición en DVD.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7

- Filmaffinity: 6,6

- IMDB: 8,3

* Media: 7,3

TRAILER

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