SELMA

A Selma le ha tocado el sambenito de ser la película contra el racismo de esta temporada de premios. Las comparaciones son casi inevitables, y con un precedente el año pasado como la sobrevalorada 12 años de esclavitud (12 Years a Slave; Steve McQueen, 2013), que ganó el mayor de los galardones, se hace más complicado defender su aparición entre las aspirantes a mejor película. Pero si lo miramos objetivamente, es imposible pensar en una repetición de esquemas, ya que de ese modo no se hubiese colado entre las ocho candidatas, así que en realidad es fácil pensar que Selma ofrece suficientes elementos para no compararla con el filme de Steve McQueen, aunque claro, luego nos encontremos en que es la única película nominada a la gran categoría sin sumar otras nominaciones (si no contamos la candidatura a mejor canción), decisión que pone ante sospecha a los académicos de Hollywood encargados de la selección.

La película se centra en el momento histórico en el cual el premio Nobel de la Paz Martin Luther King Jr. encabezó una marcha en Selma, Alabama, en favor del derecho a voto de las personas de raza negra. El domingo 7 de marzo, día en que partía la marcha pacífica que pretendía llegar a Montgomery en señal de protesta, las autoridades policiales causaron uno de los famosos domingos sangrientos mostrando alarde de su violencia autoritaria.

Si seguimos la actualidad de Estados Unidos, es fácil que nos demos cuenta de lo lentas que han ido avanzando las cosas en el país de la libertad, ya que muchas han sido las veces que este año hemos podido leer en la prensa las muertes en manos policiales que se han sucedido allí, siendo los fallecidos comúnmente de raza negra. De este modo es fácil adivinar los motivos por los que Selma se ha convertido en un reivindicado e imprescindible filme. La película echa mano de un hecho lejano para recordarnos los errores pasados, y alertarnos de la facilidad con la que nos podemos volver a desviar del camino correcto.

Contar el complejo entramado de una parte importante de la historia en un filme nunca ha sido una tarea demasiado sencilla, se corre el riesgo o bien de minimizar las cosas, de sacarlas de contexto o incluso de saturar al espectador con datos confusos. El guión de Paul Webb y Ava DuVernay, también directora de la película, resuelve muchas de esas pesquisas que pueden enturbiar la narración con facilidad y desaturan por completo cualquier elemento complejo para el espectador, que si sigue atento a los acontecimientos entenderá con facilidad el relato, y seguir atento a la absorbente historia que se nos cuenta en Selma es realmente fácil. Un crucial y a la vez crudo momento de la historia de la humanidad que se nos cuenta sin aspavientos ni trampas narrativas, con total sinceridad y un sentido fílmico grandioso.

DuVernay demuestra con su dirección la pasión con la que siente y vive su cine, y aunque nos topemos con una película medida, es fácil darse cuenta en muchos momentos como la directora de Los Ángeles siente verdadero amor por su relato mostrándonos como una cinta biográfica puede estar rodada también con entusiasmo y sin caer en los clasicismos. Sorprende que la academia no haya premiado a DuVernay con una merecida nominación y ha dejado que otros que han demostrado menor pasión han entrado de lleno en la quiniela, la sosa mano de Morten Tyldum con su The Imitation Game (2014) por citar alguno. De ahí que sea inevitable pensar que la mayoría de miembros de Hollywood son hombres blancos que superan los 60 años de edad, ¿casualidad?

Debo reconocer que sentí hastío y pocas ganas de adentrarme en la propuesta de DuVernay. Fui de los que pensó que no hacía falta un año más otro de esos filmes sobre el trato racial, y es que después de un año en que 12 años de esclavitud, El mayordomo ( Daniels' The Butler; Lee Daniels, 2013) o Mandela. Del mito al hombre (Mandela: Long Walk to Freedom; Justin Chadwick, 2013) sobrecargándonos las pantallas, era fácil sentir pereza de adentrarse una vez en el repetitivo (aunque esencial) mensaje. Pero debo reconocer que Selma no solo me ha sorprendido gratamente, si no que también me ha hecho sentir satisfecho. La película de DuVernay es una gran muestra de cine y de pasada un memorándum histórico esencial.

Por cierto, normal su nominación a mejor canción por Glory de Common y John Legend, una pequeña muestra de su estupenda banda sonora, que da un toque muy fresco gracias al tono contemporáneo a un filme de hechos históricos que no quiere ser encorsetado. Os dejo con ella:

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Selma AÑO 2014 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Ava DuVernay GUIÓN Ava DuVernay, Paul Webb MÚSICA Jason Moran, Morgan Rhodes FOTOGRAFÍA Bradford Young REPARTO David Oyelowo, Tom Wilkinson, Tim Roth, Giovanni Ribisi, Cuba Gooding Jr., Common, Carmen Ejogo, Lorraine Toussaint, André Holland, Alessandro Nivola, Oprah Winfrey, Dylan Baker, Tessa Thompson PRODUCTORA Cloud Eight Films / Celador Films / Harpo Films / Pathé / Plan B Entertainment

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Histórico. Basado en hechos reales. Racismo. Años 60. Política

SINOPSIS

Retrata la lucha del político y activista Martin Luther King Jr. en defensa de los derechos civiles y se centra en la marcha desde Selma a Montgomery, Alabama, en 1965, que llevó al presidente Johnson a firmar la ley sobre el derecho al voto.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 2 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Globos de Oro: Mejor canción original - John Legend, Common ("Glory")
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: National Board of Review (NBR): Premio a la libertad de expresión
2014: Críticos de Los Angeles: Premio Nueva Generación
2014: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Critics Choice Awards: Mejor canción
2014: Críticos de Chicago: Nominada a Mejor actor (David Oyelowo)

CRÍTICA

+ "Con un guión inteligente, una impresionante fotografía, un montaje conciso y unas elegantes interpretaciones, la película representa un raro ejemplo de artesanía para reflejar una pieza de la historia profundamente conmovedora." (Stephen Farber: The Hollywood Reporter)

+ "La mirada de DuVernay a la marcha de Martin Luther King de 1965 a favor del derecho al voto contra la injusticia racial resulta relevante aquí y ahora. La emocionante y conmovedora interpretación de Oyelowo como King es excepcional. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "El afilado retrato que DuVernay hace del movimiento por los Derechos Civiles (...) es políticamente astuto y psicológicamente agudo (...) Reforzado por el guión bien documentado de Paul Webb y una interpretación principal de David Oyelowo elegante y majestuosa." (Scott Foundas: Variety)

+ "El brillo de la creación de la leyenda supera a lo personal (...) la mayor fuerza de la película de Ava DuVernay es detallar lo estratégico que fue el liderazgo de King (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Steve Rose: The Guardian)

+ "David Oyelowo está electrizante como Martin Luther King en la furiosa, valiente y demasiado oportuna narración de Ava DuVernay sobre la lucha de la América negra por los derechos civiles (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Tim Robey: Telegraph)

+ "Pocas veces he visto una película histórica que resultara tan poblada y llena de vida, tan atenta a los bucles de la narrativa que éstos traspasan la pantalla." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "'Selma' es una de las mejores películas norteamericanas del año, de hecho tal vez la mejor." (James Rocchi: The Wrap)

+ "DuVernay ha dado un gran servicio con 'Selma'. No sólo ha hecho una de las películas más poderosas del año, nos ha regalado un necesario recordatorio de lo que King hizo por este país" (Chris Nashawaty: Entertainment Weekly)

+ "Las notables interpretaciones de su estelar reparto (...) pueden ser razón suficiente para ver esta película. Pero su foco intelectual sobre un tema de gran carga emocional (...) la convierte en obligatoria (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Joe Neumaier: New York Daily News)

PUNTUACIONES

 

	7,5		6,8		7,7
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

VER TAMBIÉN

LA TEORÍA DEL TODO

Después de que los Goya queden ya entregados en una larga, llena de censura y hastía gala, dónde La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) se alza con el premio al mejor filme español, un thriller estupendo pero que lejos queda de las cintas verdaderamente potentes que este año nos ha dado nuestro cine y que tan injustamente maltratadas han sido en la entrega de premios -hablo por supuesto de la absorbente Magical Girl (Carlos Vermut, 2004) y de la pequeña joya que es Loreak (Flores) (José Mari Goenaga, Jon Garaño, 2014)-, llega el momento de dar paso a los BAFTA, los premios ingleses del cine. A estas alturas no sorprende que Boyhood (Richard Linklater, 2014) sea la declarada mejor película del año por los académicos británicos, así que toca centrarse en la que ha sido premiada como mejor película inglesa, reconocimiento que ha sido entregado a La teoría del todo.

Stephen y Jane se conocen en una fiesta en la universidad de Cambridge, quedando perdidademente enamorados el uno del otro. Entonces la joven pareja no sabia lo que el futuro les deparaba. Stephen no solo se convertiría en el más celebre astrofísico de nuestro tiempo, si no que además una enfermedad degenerativa haría su vida de lo más complicada.

James Marsh, más conocido por sus obras documentales -especialmente por la maravillosa ganadora del Oscar Man on Wire (2008)-, se centra esta vez en contarnos otra historia biográfica pero esta vez desde las estrategias que ofrece el cine de ficción. Así adapta las memorias de Jane Hawking, dónde cuenta la relación que tuvo con Stephen Hawking y de las dificultades que ambos tuvieron al afrontar una enfermedad que le daba de entrada dos años de vida al joven científico.

Marsh dirige con mano correcta a su nueva hija, con el dinamismo y el suspense que le caracterizan, y aunque éste nos esté contando una historia de entrada ya conocida, nos lleva a sentirnos cautivados por ella y sentir curiosidad por los acontecimientos que en ella se desarrollan. Aunque como biopic podamos echar en falta una visión más amplia de los personajes que se plasman, Marsh decide apostarlo todo por el romance, y aunque eso de como resultado un filme poco atrevido, al final el envoltorio preciosista llega a conmovernos con facilidad.

Parece que el filme esté conjugado para que sus interpretes cosechen premios, especialmente Eddie Redmayne que da vida al científico achacado por la ELA (enfermedad de la cual el filme se aprovecha tras la popularidad del Ice Bucket Challenge de este verano), un papel muy agradecido para todo actor que se precie, aunque Redmayne tenga que poner de su parte para dar credibilidad a su trabajo, y eso lo consigue con creces, aunque no alcance la grandeza de Daniel Day-Lewis en aquella maravilla irlandesa llamada Mi pie izquierdo (My Left Foot; Jim Sheridan, 1989).

Al final lo que más me atrae del filme de Marsh es su banda sonora. El compositor islandés Jóhann Jóhannsson está sonando mucho últimamente por Hollywood, y es que su trabajo sabe sintetizar muy bien la verdadera esencia de las películas para las cuales compone. En La teoría del todo, su música nos endulza el trágico relato de amor de una pareja que lucha por superar las trabas, y Jóhannsson al final es el maestro que consigue hilar todo el conjunto narrativo del filme. Todo gracias a sus notas.

La teoría del todo no es ni de lejos una película que vaya a quedar grabada en nuestras retinas, pero si que es cierto que lo que ofrece es suficiente para una película de rasgos ya marcados, y el resultado es muy aceptable. Al final es fácil quedar encantado con ella.

Por cierto, os dejo en el lateral derecho del blog una lista de reproducción para que podáis escuchar un resumen de las melodías que han estado sonando en las entregas de premios y festivales que dedican alguna de sus secciones a ellas, os invito a ir escuchándolas mientras leéis los artículos del blog.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL The Theory of Everything AÑO 2014 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN James Marsh GUIÓN Anthony McCarten (Libro: Jane Hawking) MÚSICA Johann Johansson FOTOGRAFÍA Benoît Delhomme REPARTO Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, David Thewlis, Emily Watson, Simon McBurney, Charlotte Hope, Adam Godley, Harry Lloyd, Maxine Peake, Joelle Koissi, Zac Rashid, Hugh O'Brien, George Hewer, Georg Nikoloff, John W.G. Harley PRODUCTORA Working Title Films 

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Biográfico. Años 60. Enfermedad. Discapacidad. Drama romántico. Colegios/Universidad

SINOPSIS

Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking y su primera mujer, Jane, en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al famoso científico en una silla de ruedas.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: 2 Globos de Oro: Mejor actor - Drama (Redmayne) y Mejor BSO
2014: Premios BAFTA: Mejor film británico, actor (Redmayne) y guión adaptado
2014: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Eddie Redmayne)
2014: Critics Choice Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película

CRÍTICA

+ "Una estimulante y agridulce historia de amor, modulada con un sentido del humor de buen gusto." (Justin Chang: Variety)

+ "'La Teoría del todo' (...) es ciencia fascinante, provocación emocional y una singular historia de amor, todo encajado en una maravillosa película. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Es una historia real inusualmente convincente acerca de una pareja extraordinaria (...) Hasta el momento es mi película favorita del año (...) No te la pierdas (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Cautivadora, preciosa y triste." (Tim Grierson : Screendaily)

+ "'La teoría del todo' deja una huella profunda gracias a Redmayne. Su asombrosa interpretación hace justicia a la vida real de Hawking (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Rene Rodriguez: Miami Herald)

= "Sí, 'La Teoría del todo' hace hincapié en cosas diferentes. Pero al igual que tantas vidas cinematográficas de famosos, pierde el rastro al origen de la fama de su protagonista." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Marsh toma a un personaje complicado y revela su amplia gama de dimensiones. El resultado es un interesante biopic que a menudo resulta bastante conmovedor. Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Como si fuera la cosa más fácil del mundo, "La teoría del todo" hace malabares y profundiza en las tres áreas principales de la vida de Hawking -su trabajo, su enfermedad y su matrimonio (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

= "No importa cuánto muestre 'La Teoría del todo' del increíble proceso a través del cual Hawking mantiene una conexión con el resto del mundo, se queda corta a la hora de meterse dentro de su cabeza." (Eric Kohn: Indiewire)

= "Un 'biopic' atípico (...) una película desenfocada, de puro minimalista. Y luego está lo de Eddie Redmayne. Impresiona. No se trata tanto de una imitación como de una especie de metamorfosis." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "En ningún sentido es desdeñable este biopic. (...) es tan contenido como digno. Y son muy justas las nominaciones al Oscar de Eddie Redmayne y de Felicity Jones" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Tal vez, desde un punto de vista científico, la película no esté a la altura de su personaje, pero es evidente que el propósito apuntaba a otra zona de Hawking, mucho más íntima y conmovedora. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Felicity Jones (...) toma ella sola las riendas de una película, por lo demás, delicada, sensible y rodada con extrema elegancia. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Beatriz Martínez: Fotogramas)

+ "En el trabajo de Redmayne y el de Felicity Jones como Jane está en realidad la verdadera fuerza de esta historia de amor que trasciende el tiempo y el espacio (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Irene Crespo: Cinemanía)

- "'La teoría del todo' evade cuidadosamente todo tipo de polémica y busca con denuedo el consenso con estrategias cinematográficas que terminan aburriendo de tan convencionales." (Alejandro Lingenti: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,2		7,8
NOTA MEDIA: 7,2

TRAILER

VER TAMBIÉN

VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS

A pesar de contar con un par de propuestas algo más arriesgadas como eran el thriller El Niño (2014) del ya preseleccionado anteriormente Daniel Monzón con su Celda 211 (2009), o el drama romántico de calibre internacional -a pesar de ser producción más modesta- 10.000 KM. (Carlos Marqués-Marcet, 2014), este año la academia no sorprende al elegir una tragicomedia de aires sesenteros, dónde no faltan sus dosis de denuncia social, en un guión construido gracias a la historia real del profesor de inglés Juan Carrión Gañán, el cual instruía a sus alumnos a través de las canciones de The Beatles, y que tras una charla con John Lennon consiguió que el grupo inglés incluyera las letras de sus canciones en sus álbumes, algo que con el tiempo se ha convertido en práctica habitual para cualquier formación musical.

Antonio es un profesor de inglés que se toma un día libre para viajar a Almería dónde John Lenon está rodando una película y así poder hablar con él. Por el camino recoge a Belén, joven de 21 años que busca el modo de encarrilar su vida al sufrir un embarazo no deseado, y a Juanjo, un chico de 17 que escapa de su casa tas una discusión con su padre.

David Trueba construye una película suave y melancólica que nos habla sobre los caminos de la vida, sobre la amistad, y las buena emociones. Pero en su película, también se habla de temas de calibre más duro, de un carácter más social y didáctico, y por desgracia esa segunda parte no termina de encajar con la primera, y hace que nos topemos con una película de un calado emocional menor al que de entrada podría haber apostado.

Vivir es fácil con los ojos cerrados nos lleva a plena época franquista para crear un anacronismo premeditado, es decir, queriéndonos hablar del presente a través del pasado. Trueba nos muestra como la España franquista no ha desaparecido y sigue afectando a nuestros tiempos, por eso se atreve a aderezar su film con temas que hoy están a la orden del día en nuestro país: el aborto, la educación, el papel de la mujer en la sociedad, el abuso de poder... entre otros aspectos que se tratan con más sutileza en el filme. Todos ellos muy nobles, pero que no hacen más que emborronar la historia principal del filme, la que en realidad cuenta con la fuerza suficiente para aguantar el peso de una película por si sola, y es el viaje de ese profesor. Una lástima que Trueba haya apostado más por lo didáctico que por lo entrañable, sin duda hubiésemos gozado -salvando las distancias- con una versión española de Una historia verdadera (The Straight Story; David Lynch, 1999), y no con el popurrí que finalmente nos ha ofrecido, que aunque se ve con agrado y simpatía, es fácil darse cuenta de lo mal estructurado del filme.

Y no nos engañemos, parte de la gracia que salva el filme reside en ese protagonista que tan bien sabe Javier Cámara hacerse suyo, los entrañables momentos que vive el profesor, y los diálogos -que por suerte si son de nota- que Trueba escribe para él o el resto del plantel. Un plantel secundario que intenta sobresalir en la película, pero que parece que jamás alza el vuelo. No me atrevo a decir si es por unos personajes que mejor no se hubiesen escrito o por unos interpretes que no encajan en sus papeles.

En el filme se hace demasiado evidente la escasa dirección de actores, que por momentos no se esmeran ni en disimular su acento. Se nota en exceso el uso de clichés con el catalán agarrado, el andaluz tontorrón y de acento cerrado o el guardia civil con mala leche, por nombrar algunos. Y deja mucho que desear el uso que se le da al vestuario, que aunque esté bien escogido, se presenta en el filme como si este fuese un desfile de modelos. Poco importa si nuestros protagonistas cruzan el caluroso desierto, que los veremos bajar de su coche sin que ni una mota de polvo, ni una gota de sudor haya manchado sus planchados modelitos, sin que se hayan despeinado, o sin que tan siquiera se hayan ensuciado los bajos del automóvil. (Todavía más irrisorios son los cambios de ropa de la chica protagonista, con los cuales nos llegamos a preguntar como mete tanta ropa en esa pequeña maleta).

Es por eso que a pesar de que el filme nos deje al terminar con una agradable sensación nostálgica -y es eso sin duda lo que salva todo el metraje-, no tardemos en darnos cuenta rápidamente de todo aquello que la emborrona, y nos deja con el conocimiento de que Vivir con los ojos cerrados podría haber sido una mejor película.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Vivir es fácil con los ojos cerrados AÑO 2013 DURACIÓN 108 min. PAÍS España IDIOMA Español, algunas palabras en Inglés y Catalán DIRECCIÓN David Trueba GUIÓN David Trueba MÚSICA Pat Metheny FOTOGRAFÍA Daniel Vilar REPARTO Javier Cámara, Natalia de Molina, Francesc Colomer, Ramón Fontserè, Jorge Sanz, Ariadna Gil, Rogelio Fernández PRODUCTORA Canal+ España / Fernando Trueba Producciones Cinematográficas / Televisión Española (TVE)

GÉNERO Drama. Comedia

TEMÁTICA Comedia dramática. Años 60. Road Movie. Basado en hechos reales. Enseñanza. Música

SINOPSIS

Antonio (Javier Cámara) es un profesor que utiliza las canciones de The Beatles para enseñar inglés en la España de 1966. Cuando se entera de que su ídolo John Lennon está en Almería rodando una película, decide viajar hasta allí para conocerle. En su ruta recoge a Juanjo (Francesc Colomer), un chico de 16 años que se ha fugado de casa, y a Belén (Natalia de Molina), una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo.

PREMIOS

2013: 6 Premios Goya, incluyendo mejor película, director y actor (Cámara). 7 Nom.
2013: Festival de San Sebastián: Sección oficial de largometrajes a concurso
2014: Seleccionada para representar España en los Oscar

CRÍTICA

+ "Trueba, y ahí el mérito de la cinta, reconstruye sin el más mínimo pudor, sin coartadas académicas y, lo más importante, con total precisión, lo que queda cuando ya se ha olvidado todo." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Sobreviviendo con gracia a la caspa. (...) contada por David Trueba con arte, sutileza, emoción y gracia. (...) [Javier Cámara] hace un trabajo espléndido" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Reivindica David Trueba el derecho al relato de buen rollo y la evocación del pasado, si no idílica, sí bañada en risueña melancolía. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Ricardo Aldarondo: Fotogramas)

+ "Casi todo es creíble, auténtico, soñador, honesto y franco en este notable filme (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Javier Cortijo: Cinemanía)

+ "Película luminosa y cargada de carisma, excéntrica mezcla de road movie y western errante con chamán en el punto de destino, a la que no le hubiese venido mal algún contrapunto amargo" (Jordi Costa: Diario El País)

= "Lo más sorprendente de esta «road movie» es su energía positiva, que, por desgracia, se traduce en un tono didáctico y previsible (...) el resultado se queda a medias" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "El trabajo de Javier Cámara es homérico, trascendental y «contamina» todo lo demás (...) con qué lucidez y sentido del humor desenmascara David Trueba el empeño de reunir en una idea dos conceptos imposibles, memoria e historia (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

PUNTUACIONES

 

	6,0		6,5		7,0
NOTA MEDIA: 6,5

TRAILER

VER TAMBIÉN

AL ENCUENTRO DE MR. BANKS

Es más que obvio que a la Disney le ha dado por explotar sus productos propios volviéndolos a llevar a la gran pantalla a través de revisiones que se alejen de la zona más infantil y clásica de los estudios, pero no nos engañemos, es esa vertiente la que va a seguir interesándonos a todos, por encima de nuevas Alicias, Maleficas o Cenicientas. De entre los muchos proyectos a imagen real, se aleja un poco la revisión que se ha hecho de Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964), la única cinta que ha optado por convertirse en un biopic. Así nace Al encuentro de Mr. Banks, la historia de como se fraguó una de las cintas más queridas y recordadas de los estudios del tío Walt.

Tras varios intentos, Walt Disney consigue convencer a la escritora P.L Travers para que le ceda los derechos de su obra más conocida: Mary Poppins; antes de aceptar Banks pone como condición revisar ella misma la producción del filme.

El mayor fallo que puede tener un biopic es el de no ser totalmente fiel a la historia (dejando de lado las interesantes alternativas que puede ofrecer el medio cinematográfico), no crear un perfil de personajes realmente adaptado a la realidad y no elegir a los interpretes adecuados para ello. Pues bien, Al encuentro de Mr. Banks peca de todo ello (excepto en el apartado actoral), ya que la radiografía que hace de sus personajes queda totalmente lejos de cualquier fidelidad con la realidad, suaviza perfiles o no termina de adentrarse demasiado en cualquiera que no sea la señora Travers. Y ese es un error insalvable, que es el que principalmente hace desmerecer del todo la cinta.

Estaría bien poder decir que por lo menos destaca en la realización, pero no es así, ya que esta se presenta del todo clásica y plana, no ofrece mucho a favor de la narrativa, y peca de correcta.

¿Entonces que tiene Al encuentro de Mr. Banks para que nos fijemos en ella? No mucho en realidad, pero para los que sentimos adoración por esa maravilla musical que fue Mary Poppins, nos resultará por lo menos curioso conocer los entresijos que se escondieron detrás de la producción del filme de la niñera, al fin y al cabo resulta complicado resistirse a un filme meta-lingüístico, por clásico que sea. Eso sí, más que en la realización del metraje, el argumento se termina centrando más en el personaje de la escritora, con lo cual termina por ser más indicado para los lectores de las aventuras de la niñera del paraguas volador y el maletín sin fondo. Al fin y al cabo, Travers es una escritora de lo más compleja, y la historia que gira alrededor de ella no está carente de interés (a pesar de la edulcoración, y el falso final que le hubiese gustado a la propia Disney).

Fuera de la narración, dos elementos son los que adecentan la película, por un lado, y como ya he dicho, el apartado actoral no desmerece a sus personajes, ya sea a través de los protagonistas o secundarios, todos ellos logran convencernos. El otro es la banda sonora, que aunque pueda pecar de dulzona, es totalmente fiel a lo que se podría esperar del relato sobre un filme de la Disney de los años 60.

Definitivamente nos topamos con una película que se deja ver bien, pero de la que no podemos esperar demasiado, una cosa si deja clara, y es que sería interesante ver una película que se centre en el personaje de Travers de modo más fidedigno y complejo, fuera de toda edulcoración y corrección Disney, la escritora da para mucho, y Al encuentro de Mr. Banks nos deja con ganas de conocer más a fondo al personaje.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Saving Mr. Banks AÑO 2013 DURACIÓN 125 min. PAÍS Estados Unidos, Reino Unido, Australia IDIOMA Inglés DIRECCIÓN John Lee Hancock GUIÓN Sue Smith, Kelly Marcel MÚSICA Thomas Newman FOTOGRAFÍA John Schwartzman REPARTO Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrell, Paul Giamatti, Jason Schwartzman, Bradley Whitford, Ruth Wilson, B.J. Novak, Rachel Griffiths, Kathy Baker  PRODUCTORA Walt Disney Pictures / Ruby Films / Essential Media & Entertainment

GÉNERO Drama. Comedia

TEMÁTICA Cine dentro del cine. Literatura. Basada en hechos reales. Años 60. Infancia. Biográfico. Música

SINOPSIS

Durante catorce años, Walt Disney (Tom Hanks) intentó sin descanso que la escritora australiana P.L. Travers (Emma Thompson) le cediera los derechos cinematográficos de su primera y más popular novela, 'Mary Poppins', que finalmente fue llevada a la gran pantalla en 1964.

PREMIOS

2013: Oscar: Nominada a Mejor banda sonora
2013: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz (Thompson)
2013: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor film británico
2013: Critics Choice: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película
2013: National Board of Review (NBR): Top 10 y Mejor actriz (Thompson)
2013: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año
2013: Satellite Awards: 6 nominaciones, incluyendo Mejor película y actriz (Thompson)

CRÍTICA

+ "Un relato irresistible sobre la trastienda del cine (...) Muestra mucho afecto por Hollywood como 'fábrica de sueños', y es maliciosa en su descripción del proceso de realización de una película" (Scott Foundas: Variety)

+ "Tomada estrictamente en sus propios términos, 'Al encuentro de Mr. Banks' funciona sumamente bien como entretenimiento comercial." (Leslie Felperin: The Hollywood Reporter)

+ "Es Thompson interpretando a la heroica e indomable Travers quien hace un gran trabajo, su brillante interpretación domina la película de una manera efectiva. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (David Gritten: Telegraph)

+ "'Al encuentro de Mr. Banks' es un entretenimiento comercial ingenioso, bien diseñado y con un buen trabajo de su reparto de actores." (Indiewire)

= "'Al encuentro de Mr. Banks' es una película complaciente, demasiado larga, que está siempre a punto de convertirse en un desastre. Afortunadamente, el siempre eficiente Tom Hanks chasquea los dedos y (...) todo queda más o menos despejado de inmediato. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "La gente que creció con la 'Mary Poppins' de Disney, encontrará deliciosamente satisfactorio escuchar fragmentos de sus muy pegadizas canciones y observar su cautivante viaje creativo. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "El director Hancock sabe algunas cosas sobre dirigir películas cálidas que gustan al público, después de haber hecho 'The Blind Side'. Ésta no funcionaría sin Thompson. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "Las mejores partes de 'Al encuentro de Mr. Banks' ofrecen una visión del funcionamiento de la máquina de entretenimiento de Disney que resulta embellecida, ordenada, pero, no obstante, razonablemente auténtica." (A. O. Scott: The New York)

+ "El perfil de P. L. Travers no está menos suavizado que el del propio Disney, pero esta película tan elegante como aparentemente trivial acaba, de modo inesperado, diciendo cosas de peso" (Jordi Costa: Diario El País)

= "El relato tiene momentos emocionantes (...) se beneficia de unos actores difícilmente superables. (...) La narración se interrumpe en exceso con estas vueltas al pasado, con lo que le cuesta un mundo mantener el hilo (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

= "Todos los actores y actrices bordan sus papeles (...) De acuerdo, «Al encuentro...» cuenta seguramente lo que le da la gana y no la verdad de la buena, pero, entre esos tiras y aflojas para redactar el guión (hay un par de estupendos momentos musicales) (...) consiguen mantener la atención del respetable" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

- "Hay mucho psicoanálisis de parvulario en esta cinta bien empaquetada y mejor interpretada. (...) Puntuación: ★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "¿Un guilty pleasure facilón? Quizás, pero también tremendamente eficaz, rodado sin aspavientos a la manera más clásica y con un magnífico plantel de actores (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Álex Montoya: Fotogramas)

= "La parte de los flashbacks (...) entorpece la deliciosa trama (y consistente pulso interpretativo) entre una malhumorada pero chispeante Emma Thompson y el siempre encantador Tom Hanks (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

= "Emma Thompson está estupenda en todo momento. (...) Sin ella, y sin Tom Hanks, (...) 'Saving Mr. Banks' no sería ni tan entretenida ni emotiva." (Pablo O. Scholz: Diario Clarín)

PUNTUACIONES

 

	6,0		6,8		7,6
NOTA MEDIA: 6,8

TRAILER

VER TAMBIÉN

LAS CHICAS DE LA SEXTA PLANTA (LAS CHICAS DE LA 6ª PLANTA)

El mejor adjetivo para definir esta cinta es entrañable. Una comedia suave y dulce fácilmente digerible. Quizás peca por exceso de azucares, y seguramente aprovecha demasiado los clichés, pero al final deja un sabor agradable y su contenido es sobradamente interesante.

En plena Francia, en un edificio de familias acomodadas, trabaja un grupo de mujeres españolas que han emigrado del país huyendo de la dictadura franquista y de los estragos de la guerra civil. Se encargan de servir a las familias que allí viven trabajando casi toda la jornada, todos los días de la semana, por bajos sueldos y viviendo en situaciones que pocos aguantarían.

El relato nos conduce a los 60, época dónde los inmigrantes eramos nosotros, algo que con el tiempo parece que muchos han olvidado, eso si, el tiempo es cíclico y hay cosas que vuelven, hoy por desgracia volvemos a estar en una situación, no igual, pero si parecida a la que vivieron algunos de nuestros abuelos y abuelas, que tuvieron que alejarse de sus casas y seres queridos para buscar "fortuna" en un país vecino. En ese sentido, el ejemplo histórico que nos da la película es una maravilla, y ayuda a entender lo que sintió esa gente en esa dura época. A su vez, es un gran relato sobre las diferencias culturales entre los países, un ejemplo etnológico muy acertado aunque sea en clave de comedia.

Su mejor pieza, sin duda alguna es su espectacular reparto, de hecho Carmen Maura logró llevarse el premio a mejor actriz secundaria en la pasada edición de los Cesar, los premios de la academia de cine francesa, aunque entre nosotros, no destaca especialmente sobre ninguna de sus compañeras de reparto, de hecho es su conjunto el que da fuerza y conforman entre todas la radiografía de una sociedad entera. Los franceses tampoco quedan atrás, en especial esa Sandrine Kiberlain que se encarga del papel de nueva rica.

El diseño de producción es impoluto, su ambientación única y simplemente imposible de superar, no han terminado los créditos de inicio del film que ya nos encontramos de lleno en la Francia de los 60, no hay lugar para la duda, y de igual modo nos atrapan los paisajes de la España de esa misma época, una España rural, con sus casas proletarias mimetizadas con los campos amarillos, todo ello predominado por una fotografía soleada muy castiza.

Si el edulcorante, aunque tampoco lo tiene en exceso, no es molestia para vosotros, y tampoco os molestan los clichés de siempre: ver españoles por el mundo cantando por buleria o riendo de un chiste de toros, esta es una película que disfrutaréis, si no es así, tampoco os va a decepcionar.

=============================================================

TÍTULO ORIGINAL Les femmes du 6ème étage
AÑO 2010
DURACIÓN 106 min.
PAÍS Francia
IDIOMA Francés, Español
DIRECTOR Philippe Le Guay
GUIÓN Philippe Le Guay, Jérôme Tonnerre
MÚSICA Jorge Arriagada
FOTOGRAFÍA Jean-Claude Larrieu
REPARTO Fabrice Luchini, Sandrine Kiberlain, Natalia Verbeke, Carmen Maura, Lola Dueñas, Berta Ojea, Nuria Solé, Concha Galán, Muriel Solvay, Annie Mercier
PRODUCTORA Les Films de la Suane / France 2 Cinéma
GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Años 60. Inmigración

SINOPSIS

Narra en clave de comedia la historia de un grupo de españolas que en los años sesenta emigraron a Francia para trabajar como criadas en casas de familias acomodadas.

PREMIOS

2011: Premios Cesar: Mejor actriz secundaria (Carmen Maura). 3 nominaciones
2011: Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes (Fuera de competición)

CRÍTICAS

- "Nada brillante que destacar en 'Las mujeres de la sexta planta' (...) Está protagonizada por el tópico y el pasteleo, una combinación que la taquilla valora mucho." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Aunque no faltan clichés, la película va más allá. Una comedia algo endulzada pero también muy irónica (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

= "Hay tanto cliché en la representación de esas españolas (...) como en el retrato de las burguesas parisinas (...) Le Guay demuestra que entre Francia y España no están solo los Pirineos: también se extiende un infranqueable prejuicio cultural." (Jordi Costa: Diario El País)

- "Demasiados estereotipos y tópicos (...) Qué extrañamente condescendiente y altanera resulta la propuesta de este galo (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

+ "Ofrece suficientes alicientes para el espectador: para empezar, un casting compacto, cómplice; seguido de un humor naif (...), y un diseño de producción que te mete en el París de los años 60 de una manera inmediata, fácil. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Pere Vall: Fotogramas)

+ "Todo es sencillo y cercano, una historia bien contada, dos o tres brochazos de melaza sin empalagar y unos estupendos actores. (...) bastan pocos destellos de vida para justificar la visión de este cuento entrañable" (Toni Vall: Cinemanía)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,7

- Filmaffinity: 6,2

- IMDB: 7,1

* Media: 6,7

TRAILER

VER TAMBÍEN

MOONRISE KINGDOM

"Un pequeño metrónomo eléctrico marca el tiempo... primero el arpa... luego los violonchelos... flauta... y flautín... guitarra eléctrica... ukelele... guitarra clásica... banjo... las cajas chinas... una vez más, dos arpas... órgano P-3... xilófono... vibráfono... y piano..." y así hasta el triangulo sin olvidar dar las gracias por escuchar...

La maravillosa canción que acompaña a los créditos finales que despiden el último filme de Wes Anderson (o los de la escena inicial) son un buen resumen de su trabajo: una película ejecutada al milímetro, dónde cada movimiento, cada enfoque, transición o plano... tiene su razón de ser y no son fruto de la casualidad, algo con lo que ya tiene acostumbrados a los conocedores de su filmografía, donde además hay que sumarle ese imaginario donde los mayores son frustrados niños en cuerpos de adulto o en esta ocasión adultos atrapados en cuerpo de niño.

Moonrise Kingdom es un cuento, como ya lo fue su antecesora Fantástico Sr. Fox, solo que esta vez no se basa en material ajeno. Un cuento que nos relata la pequeña aventura de dos niños enamorados que huyen del desestructurado mundo que les rodea para crear el suyo propio.

Los variopintos personajes aunque sean pequeñas luces de una simple historia, relucen tan fuerte como los propios actores que les dan vida, unos seres que se definen con tan solo su presencia, solo hace falta ver el plano secuencia inicial para entender todos aquellos que aparecen sin dejar detalle de su personalidad o temores, sin que nos venga de nuevo, Wes Anderson demuestra ser un mago de la narrativa a través de las imágenes, reforzando todo lo que transmiten a través del atrezzo: un libro, un megáfono, un periódico, un bolígrafo... todo elegido con una razón de ser concreta, sin dejar nada al azar, complementándolo con ese delicioso vestuario por el que debería llevarse mil y un premios.

Las características de los protagonistas, así como el fabuloso estilo visual de todo el metraje nos dejan con la sensación que eso que estamos viendo es un film de animación, de nada sirve ver personas de carne y hueso, lo que nosotros percibimos son las situaciones de un cartoon clásico, a lo que hay que sumarle que contiene aquellas características del cine infantil y/o juvenil, como las que cita sobre la estructura Àngel Quintana en su pequeño comentario del filme (Caimán nº 6, Junio 2012, p.33): Fuga, búsqueda, resistencia a la autoridad, conspiración en pandilla y tormenta final; con ello Anderson quiere distanciarse un poco, pero sin soltar de la mano, al resto de su filmografía, es indudable que Mr. Fox a marcado una línea diferencial muy fina y que huye de la repetición en la que caen otros directores de cine.

No hace falta alabar las maravillas de su banda sonora, Alexandre Desplat es símbolo de calidad, y sus trabajos junto a Anderson no pueden ser mejorados, licencia eso si, para el uso acertado de Le temps de l'amour de Françoise Hardy, en un estupendo momento del filme que pasará al imaginario cinéfilo colectivo, aunque pensar que un solo momento de esta película sea la única que pase a formar parte importante de la memoria histórica del cine.

Divertida, ágil y distinta, la película del director tejano es una delicia de paladar fino para degustar placenteramente en cualquier momento, hoy no encontraréis nada mejor en cartel y dejar escapar la oportunidad de verla en pantalla grande es un error de los grandes, así que ya sabéis, dejaros llevar y disfrutar.

=================================================================

TÍTULO ORIGINAL Moonrise Kingdom
AÑO 2012
DURACIÓN 94 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inlgés
DIRECTOR Wes Anderson
GUIÓN Roman Coppola, Wes Anderson
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Robert D. Yeoman
REPARTO Jared Gilman, Kata Hayward, Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman, Bob Balaban, Harvey Keitel
PRODUCTORA Focus Features / American Empirical Pictures / Indian Paintbrush
GÉNERO Comedia. Drama. Romance
TEMÁTICA Años 60. Cine independiente USA. Comedia dramática. Adolescencia

SINOPSIS

Años 60. La huida de dos jóvenes amantes de su pueblo natal lleva a sus familiares y amigos a salir en su búsqueda. Así, quedarán de manifiesto viejos rencores y ocultas relaciones románticas entre algunos de los personajes que participan en la búsqueda.

PREMIOS

2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes

CRÍTICAS

+ "Como en 'Fantástico Mr.Fox', Anderson es capaz de expresar una compatibilidad y una sincera conexión personal empleando un estilo altamente artificial" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "'Moonrise Kigndom' representa una especie de no-mágica Nunca Jamás - ese fugaz instante cuando el mundo puede ser tan pequeño y un ingenuo enamoramiento puede consumirlo todo" (Peter Debruge: Variety)

+ "La mejor película del director desde 'Academia Rushmore', carece de la autocomplacencia de 'Life Aquatic' o la vacua excentricidad de 'The Royal Tenembaums' (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "La emocionante e hilarante 'Moonrise Kingdom' es un placer constante. Al evocar las alegrías y los terrores de la infancia, nos recuerda cómo sentirnos vivos (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Wes Anderson regresa con 'Moonrise Kingdom', su diorama más estilizado hasta ahora (...) Los verdaderos Andersonitas seguramente flotarán en un estado de nirvana" (David Edelstein: New York Magazine)

- "Fatigoso surrealismo (...) No le encuentro la gracia (...) su tono satírico y alucinado resulta de una sosería alarmante." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Perfecta, de principio a fin. Tan inteligente como emotiva. Tan calculadamente cerebral como conmovedora. Tan real como soñada. Tan cautivadora como precisa." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Logra trascender la rigidez de su propuesta estilística para hablar de los misterios del primer amor derritiéndonos el corazón. (...) Es una película sobre la preadolescencia hecha desde una conmovedora intensidad emocional." (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Anderson no deja de expandirse. Aquí perfecciona aún más su talento para la puesta en escena (...) una sinfonía íntima y a la vez majestuosa (...) un ejercicio de libertad creativa total." (Nando Salvá: Diario El Periódico)

CURIOSIDADES

- Aprovechando el estreno del film, Wes Anderson encargó a Christian De Vita la realización de un cortometraje de animación que fue distribuído exclusivamente online y que cuenta algunas de las historias de los libros de su protagonista. No con tiene spoilers y puede verse en el siguiente enlace. 

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,7

- Filmaffinity: 7,6

- IMDB: 8,3

* Media: 7,7

TRAILER

VER TAMBIÉN