CARMINA Y AMÉN.

Antes de nada avisaros que la celebración del aniversario sigue en Descubrelapeli, una oportunidad de oro de conseguir un montón de puntos y subir a la cabeza del ranking, todos estáis invitados a intentar adivinar los fotogramas, dicho esto, vamos al lio.

Después de obtener el éxito con su opera prima Carmina o revienta (2012), Paco León vuelve a la dirección dos años después con Carmina y Amén, intentando repetir el éxito de la primera, pero esta vez con una distribución menos arriesgada y, por lo tanto, tradicional.

Paco ha muerto. Carmina convence a su hija María que es mejor esperar un par de días antes de dar aviso de la defunción, de este modo podrán cobrar la paga extra que él tenía pendiente, un dinero con el que Carmina contaba para ayudar a María a abrir su peluquería. Durante esos días esconden el cuerpo mientras siguen su vida en la cotidianidad de su barrio.

Paco León evoluciona en su discurso, conservando ese humor casi macabro y escatológico que tan bien le sentó a la primera película dónde conocimos a Carmina Barrios. León depura su mano como realizador, y dota de seriedad su discurso jocoso asentándose en un humor muy valiente, a pesar de sostenerse en las bases de lo más absurdo, el director se crea un discurso propio y lo consigue, por eso asistimos a una maduración narrativa que deja lejos el discurso inicial del film de 2012.

El problema de todo ello, es que tanta maduración también hace que la frescura del original también se pierda por el camino, así nos topamos con un filme que a pesar de ser algo más brutal en las formas se pierde en un tono esencialmente más sencillo, especialmente en la zona satírica, que a pesar de su exponencialización, ésta se degrada por la seriedad con que se trata algo que en realidad merece el estatus de jocoso. Una mezcla algo extraña, que a pesar de su valentía no logra alcanzar el vuelo que cabría esperarse de esta secuela.

Aún así hay que decir que Carmina y amén es una de las mejores comedias que se han visto en nuestro país durante este año, que esquiva los recursos fáciles que suelen usarse en las cintas del género, y apuesta por un guión solido y singular, algo que realmente vale su peso en oro.

Otro de sus logros es, una vez más, la parte actoral, en la que a parte de la enorme Carmina destaca una resuelta Yolanda Ramos, en un papel muy agradecido para la actriz, que demuestra como, a pesar de mantenerse en el registro cómico, puede construir un personaje con una personalidad realmente única.

Lejos de su antecesora, Carmina y amén es divertida, una comedia que supera con creces el bajo nivel de cintas con mucha mayor recaudación comercial, y solo por eso (y su estupendo final) merece la pena.

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TÍTULO ORIGINAL Carmina y amén. AÑO 2014 DURACIÓN 100 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Paco León GUIÓN Paco León MÚSICA Pony Bravo, Espaldamaceta, Pájaro FOTOGRAFÍA Juan González Guerrero REPARTO Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Yolanda Ramos, Estefanía de los Santos, Manolo Solo, Mari Paz Sayago PRODUCTORA Andy Joke / Telecinco Cinema / Canal +

GÉNERO Comedia. Drama

TEMÁTICA Comedia negra. Comedia dramática. Secuela. Muerte / Duelo. Familia. Crisis económica

SINOPSIS
Tras la súbita muerte de su marido, Carmina convence a su hija María de no dar parte de la defunción hasta pasados dos días y así poder cobrar la paga extra que él tenía pendiente. Durante esos dos días esconden el cadáver y disimulan su duelo en la cotidianidad de un bloque de pisos de un barrio humilde de Sevilla.

PREMIOS

2014: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor comedia
2014: Premios Goya: Nominada a Mejor actriz revelación (Yolanda Ramos)
2014: Festival de Málaga: Mejor guion y actriz de reparto (Ramos)

2014: Feroz: Mejor comedia. 6 Nominaciones.

2014: Cinespaña (Toulouse): Premio del público

CRÍTICA

+ "Momentos graciosos y subversivos, algún diálogo hilarante, un planteamiento que te remite inevitablemente al mundo de Rafael Azcona (...) Tengo más que curiosidad ante las próximas películas de Paco León, de un director tan listo como raro" (Carlos Boyero: Diario El País)

= "Paco León enseña modales a su cine y convierte la revolucionaria extrañeza de su primera película en simple comedia. Brillante, pero simple." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "La mejor comedia española vista por este cronista desde hace muchos meses. (...) Lo mejor: el espectacular salto adelante de Paco León como cineasta. Lo peor: prácticamente nada. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (M. Torreiro: Fotogramas)

+ "Paco León y Carmina Barrios, segundo aviso: otras formas de hacer cine de comedia son posibles (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,8		6,8
NOTA MEDIA: 6,7

TRAILER

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8º ANIVERSARIO

Y son ya 8 años desde que empecé a reseñar películas por la red con el único propósito de ayudar al lector a encontrar aquella cinta que desconoce y necesita ver, o para abrir un poco la curiosidad del que había descartado su visionado. Solo espero que a lo largo de estas 1.353 películas que he ido reseñando os haya empujado al visionado de alguna película, aunque sea solo una, con eso ya me conformo.

Antes de nada quiero daros las gracias por pasar aunque sea eventualmente por aquí, dejar un comentario y compartir vuestras ideas con vosotros. Por animarme, ya sea por vuestros comentario o a través de vuestros blogs, a descubrir más y más cintas para ver yo mismo y de pasada reseñarlas por aquí. Sin vosotros amigos, compañeros, lectores, tú que acabas de entrar aquí por primera vez, este blog no tendría sentido, así que GRACIAS. Y gracias también a Joaquim Sicart por la estupenda ilustración que se ha marcado para celebrar estos ocho años, ME ENCANTA.

No quiero alargarme mucho hoy, solo espero que sigáis pasando por aquí siempre que queráis, y os invito a seguirme también por las redes sociales habituales: Facebook y Twitter.  

Y sobretodo, si os gusta el cine, y queréis pasar un rato divertido, pasar también por Descubrelapeli, os invito a todos/as a intentar adivinar a que películas pertenecen los fotogramas que voy proponiendo allí.

GRACIAS POR ESTOS 8 AÑOS.

LA MUJER DE NEGRO

En 2012 llegaba a nuestras pantallas la adaptación de una de las novelas más exitosas de Susan Hill, escritora destacada dentro del campo del terror gótico, una cinta que protagonizaba Daniel Radcliffe y que obtuvo una buena acogida general, La mujer de negro (The Woman in Black; James Watkins). El éxito de esa cinta ha hecho que hace poco llegara a los cines una segunda parte del filme: La mujer de negro: El ángel de la muerte (The Woman in Black 2: Angel Of Death; Tom Harper, 2015); esta vez bastante vilipendiado por público y crítica. Pero esta adaptación no ha sido la primera vez que se extrae del papel, pues en 1989 se estrenó la adaptación teatral, cuyo éxito se ha alargado hasta nuestros días, y a su vez, ese mismo año, veía la luz la cinta que hoy os traigo. La mujer de negro llegaba por primera vez a todos los hogares gracias a la televisión, causando terror a los que se atrevieron a verla en sus butacas.

Arthur es un abogado cuyo gabinete envía a un pequeño pueblo de la costa inglesa para gestionar la venta del inmueble de una recién fallecida clienta. Allí descubre como la mujer no tenía familia ni amigos, viviendo sola en un caserón apartado por un camino por el que solo se puede acceder cuándo la marea es baja. En el entierro de la misma, Arthur, se percata de la presencia de una mujer vestida de luto que asiste al sepelio sin acercarse demasiado. ¿Quién es esa extraña mujer? 

Contra todo pronostico hay que decir que la versión de 2012 es más fiel a la novela original, siendo esta un disgusto para la propia autora. De todos modos, en este telefilme que dirige Herbert Wise -director prolífico en trabajos televisivos-, la historia se gesta de un modo más duro y con mayor suspense, dejando algunos de los elementos del relato en un segundo plano, dónde el espectador puede intuirlos con facilidad gracias a la excelente puesta en escena. Un argumento que se desarrolla interesante hasta una resolución de lo más atractiva.

El problema de La mujer de negro es que pese al buen trabajo de diseño ambiental, el filme se configura como una cinta no muy agresiva con el espectador (algo que si sucede con la versión de Watkins), dejando solo un par de momentos en que podamos sentir verdadero miedo a lo que estamos viendo. Eso es algo que no percibimos hasta pasado el ecuador de la cinta, pues la excelente ambientación y las sorprendentes localizaciones ayudan a que sintamos atracción por eso tan misterioso que se nos está mostrando en pantalla. Pero a partir de ese punto el interés va menguando, pues el desarrollo se empieza a volver algo repetitivo e irregular, llegando a cansarnos en algunos momentos en los que deberíamos estar totalmente entregados.

Uno de sus puntos a favor es la presencia de Adrian Rawlins, actor inglés que (¿casualidad?) actualmente es conocido por su papel como James Potter, el padre del mismo Radcliffe en la saga del niño mago (¡!), y que en el filme encarna a Arthur, el protagonista. Rawlins es el punto que ofrece un desarrollo más claro y conciso de lo que estamos viendo, pues es el encargado de ir articulando todo el peso argumental que en él recae, consiguiendo levantar algunos confusos momentos de la película.

La mujer de negro es una cinta estupenda para ser vista como una rareza, o como un aperitivo para la superior versión de 2012, ya que esta última consigue crear una atmosfera mucho más tensa y desarrollarse de un modo mucho más claro y conciso, aunque ello implique menos espacio para que el espectador pueda hacer sus conjeturas. Al final se me ocurre que sería genial una versión en la que se adaptaran los esquemas narrativos de esta primera versión, pero que se hiciera con las buenas maneras del filme más contemporáneo, de bien seguro que tendríamos entre manos no solo un éxito asegurado y un filme que de verdadero pavor, si no una cinta realmente redonda.

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TÍTULO ORIGINAL The Woman in Black AÑO 1989 DURACIÓN 100 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Herbert Wise GUIÓN Nigel Kneale (Libro: Susan Hill) MÚSICA Rachel Portman FOTOGRAFÍA Michael Davis REPARTO Adrian Rawlins, Bernard Hepton, David Daker, Pauline Moran, David Ryall, Clare Holman, John Cater, John Franklyn-Robbins, Fiona Walker, William Simons, Robin Weaver, Steven Mackintosh, Andy Nyman, Robert Hamilton PRODUCTORA Central Films Limited / Granada Television

GÉNERO Terror. Intriga

TEMÁTICA Fantasmas. Sobrenatural. Casas encantadas. Telefilm. Vida rural

SINOPSIS

Arthur, un joven abogado, es enviado a un pueblo de la costa inglesa para preparar los tramites de la venta de una casa, cuya propietaria acaba de morir. Mientras asiste al entierro de la mujer, percibe la presencia de una misteriosa mujer vestida de negro que no deja de observarlo.

PREMIOS

1989: Premios BAFTA: 4 nominaciones

CRÍTICA

+ "Nigel Kneale ha hecho un muy buen trabajo adaptando la novela al cine." (Jorge Consiglio: Combogamer)

+ "Una cult movie gracias a su atmósfera sofocante, a su acumulación de detalles visuales perturbadores que sorprenden por el matiz realista de la puesta en escena, y por la excelente interpretación de Adrian Rawlins." (Imagenes)

+ "La película en su época causo furor y terror, pero ahora está un poco desfasada, cosa que para los nostálgicos de las películas de antes no es ningún impedimento, sino todo lo contrario. Aquí no se abusan de efectos especiales, ni de sustos, ni de un gran presupuesto, pero cuenta con una buena atmosfera, actuaciones convincentes y una historia intrigante." (The Dreamers)

PUNTUACIONES

 

	5,0		6,2		7,4
NOTA MEDIA: 6,2

ESCENA

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JENNIE

Jennie, conocida también como El retrato de Jennie, es una indiscutible obra maestra de la década de los cuarenta, a pesar de ello es de las menos conocidas, y es por eso que hoy me permito el lujo de reseñarla, no vaya a ser que tú, que lees estas lineas, seas uno de los que todavía no ha descubierto esta pequeña joya del cine.

Eben Adams es un pintor que malvive malvendiendo alguna de sus pinturas. Un buen día, en un paseo vespertino en Central Park, conoce a una joven muchacha de nombre Jennie de lo más excéntrica que llama poderosamente su atención. Tras un divertido rato con ella el hombre se inspira haciendo un boceto de la chiquilla que plasma muy bien lo mejor del artista. En un nuevo encuentro con ella decide proponerle que pose para él para hacer un retrato, pero algo ha cambiado en Jennie, parece más adulta, y la atracción hacía ella empieza a convertirse en amor. Eben no conoce en realidad el secreto de Jennie.

William Dieterle dirige esta maravillosa película de brillante y original guión elaborado por Paul Osborn y Peter Berneis, a su vez adaptando la novela homónima de Robert Nathan, que cuenta con una historia de lo más sorprendente en cuanto a argumento. Una obra de realismo mágico que bien podría desmoronarse en cualquier momento, pero que en el filme de Dieterle se conjuga como solida y llena de pasión. El entorno del filme se construye bajo las licencias del cine romántico, pero con dosis de fantástico que pueblan la película de un ambiente onírico absolutamente brillante y eficaz.

El filme nos habla de la obsesión de un artista por encontrar el verdadero camino para lograr expresarse plenamente a través de su arte, y de la magia de las musas, encarnadas en el filme en la figura de Jennie, una chica que juega un papel imprescindible en el filme y que se convierte en un ser medio real medio ficticio que se presta al papel inspirativo de un artista. La presentación de este personaje y de la romántica obsesión del protagonista por ella, se gesta en un relato absorbente y atractivo del que es difícil no quedar prendado. Es quizás el punto más edulcorado (aunque en algunos planteamientos sea una cinta muy adelantada a su tiempo) el que puede enturbiar un poco su desarrollo, pero hay que reconocer que sus estrategias de relato espiritual llevan la cinta por la mejor de las sendas.

Uno de los elementos más acertados, y que se convierte en una herramienta totalmente imprescindible para su éxito, es el uso de la fotografía. En su arranque, su director de fotografía Joseph H. August, apuesta por unas imágenes donde los tonos grises logran que las localizaciones del filme se conviertan en algo fantasmagórico y onírico, muy en sintonía con lo que estamos a punto de ver. Las texturas son granuladas, y se presentan en la pantalla unas imágenes que fácilmente nos recordarían a una pintura. Pero poco a poco, siguiendo el avance de su protagonista, el tono se hace cada vez más claro, y esas tonos turbulentos se quedan solo para anticiparnos la fantasmagórica presencia de esa extraña muchacha llamada Jennie. A medida que nos acercamos al punto más álgido del filme, poco nos esperamos la abrupta evolución que va a sufrir la imagen, pues August se atreve con los filtros más básicos para dar un color verde o rosado a algunas escenas finales, logrando un tono todavía más onírico y a la vez arrollador con el espectador, que explosiona como una tormenta que nos deja realmente enganchados en la butaca. No hay que olvidar que estamos hablando de un filme de los años 40, época en que el color y el blanco y negro compartían a partes iguales la cuotas en las salas de cine. En ese aspecto, Jennie, es una película de una experimentación sin limites, y con un final digno de elogio, pues a día de hoy todavía sorprende su trato y deja latente uno de los conceptos básicos del filme: la perdurabilidad del buen arte, que no se ve afectado por el paso del tiempo.

Maravillosa, así hay que definir esta película imprescindible. Así que tenéis una cita con Jennie, esa gran chica que llena el alma de nuestro protagonista.

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TÍTULO ORIGINAL Portrait of Jennie AÑO 1948 DURACIÓN 86 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN William Dieterle GUIÓN Paul Osborn, Peter Berneis (Novela: Robert Nathan) MÚSICA Dimitri Tiomkin FOTOGRAFÍA Joseph H. August (B&W) REPARTO Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne, Albert Sharpe, Henry Hull, Florence Bates, Felix Bressart, Clem Bevans, Maude Simmons PRODUCTORA Selznick International Pictures

GÉNERO Drama. Romance. Fantástico

TEMÁTICA Drama romántico. Pintura. Arte. Sobrenatural. Fantasmas. Realismo mágico

SINOPSIS

Un pintor arruinado y abatido por haber perdido la inspiración conoce, un frío día de invierno, a una chiquilla en Central Park vestida de un modo anticuado. A partir de ese momento se suceden otros encuentros, con la particularidad de que en breves intervalos de tiempo la chica se va convirtiendo en una bellísima joven, de la cual el pintor se enamora. Pero Jennie esconde un secreto…

PREMIOS

1948: Oscar: Mejores efectos especiales. 2 nominaciones
1949: Festival de Venecia: Mejor actor (Joseph Cotten)

CRÍTICA

+ "Cuando se tiene talento, hasta el argumento más inverosímil puede servir para rodar una pequeña obra maestra. Apoyándose en la solidez de unas interpretaciones increíblemente creíbles y en la magnificencia de una fotografía que combina magistralmente dos registros opuestos, Dieterle combina con sabiduría el registro realista con el fantástico, para ofrecer un peculiar cuento de hadas que cautiva por su lirismo, su fuerza y su romanticismo." (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)

+ "Cuento de hadas inteligente, extraño, inolvidable." (Antonia Méndez: Alohacriticón)

+ "Película extraña, misteriosa, evocadora, en donde se da esa única conjunción de magia y perfección artística que ocurre pocas veces en el cine." (Natalia Vías: Miradas de cine)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,8		7,8
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

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EL LIBRO DE LA VIDA

Hay que reconocer que 2014 ha sido un buen año para las apuestas animadas made in USA, y eso que Pixar ha estado ausente este año para reformar un poco su linea de estrenos, aunque evidentemente siempre hay en el mercado un hueco para lo mediocre. Las grandes y pequeñas productoras empiezan a mimar más y más lo que tienen entre manos, pues se han dado cuenta que su público potencial, el infantil y sus acompañantes, son un público que ya no se contenta con cualquier cosa, pues con las cintas para todos los públicos se pueden recaudar enormes sumas, pero el fracaso económico también puede llegar a derrumbar a más de un grande (si no que le pregunten a Dreamworks). Todavía tenia pendiente una de estas películas, una de las que más se ha escuchado su nombre este año: El libro de la vida.

Manolo y Joaquín son dos niños enamorados de María, y entre juegos se disputan su amor. Los tres juntos forman una amistad solida que solo se quebrará cuándo, tras un pequeño incidente, María es enviada a España, lejos de su pueblo para aprender a ser una señorita. El tiempo pasa y Joaquín se convierte en todo un héroe para su pueblo, por otro lado Manolo, se ve obligado a seguir la tradición de su familia como torero, pero él en realidad, lo que ama es la música. Con la vuelta de María las disputas amorosas vuelven a la carga, algo que no trascendería más allá del clásico romance si no fuera por la apuesta que La Catrina y Xibalba, dos deidades del inframundo, han echo. Su envite consiste en ver cuál de los dos muchachos terminará junto a María, el resultado puede alterar todo el mundo tal y como lo conocemos.

El libro de la vida es la ópera prima en largo de Jorge R. Gutiérrez, mexicano afincado en California, que gracias al apoyo de Guillermo del Toro ha podido dar vida a esta espiritual cinta animada. Gutiérrez parte de la idea de la celebración del Día de los muertos para crear su propio universo, una apuesta muy fresca para una cinta gestada en Hollywood.

La película es contada como un cuento, dónde un grupo de niños escuchan una historia de la que no habían oído hablar antes. Ahí, Gutiérrez se acerca muy sutilmente, casi de modo simpático, a uno de los problemas de la globalización, mostrándonos como la cultura es una de las sentenciadas a muerte con las políticas capitalistas. Los niños no saben de que va eso del Día de los muertos, ellos solo conocen Halloween, y evidentemente jamás habían oído hablar de La Catrina o Xibalba. Así, se crea un acercamiento a las raíces, e intenta llegar a ese público ya alejado, de la mejor de las maneras. Hay que decir, que las licencias son bastante libres, pues el filme toma prestadas las ideas de la mitología para realizar la suya propia, gestando inframundos que en realidad no son así originalmente y seres a los que les cambia roles, como La Catrina convertida en La Muerte, o Xibalba, que es una mezcla de varias deidades demoníacas (especialmente la de Hun-Can) y tomando nombre del mismo mundo subterráneo de la misma mitología maya. Gutiérrez nos enseña así como el progreso y la mezcla no tiene por que estar reñida con las raíces.

Pero no todo está permitido en El libro de la vida, pues ciertos hábitos culturales pueden ser parte de nuestra identidad, pero no por ello significar que sean correctos. Uno de los aspectos que me chocaban antes de ver el filme era uno de sus protagonistas: Manolo, un torero. Es de sobra conocido por todos que la tauromaquia es considerada por unos como un arte, pero no es difícil darse cuenta de su verdadera cara, más cercana a la barbarie que a cualquier arte. Incluir un personaje como Manolo en una película destinada mayoritariamente a un público infantil me pareció atrevido, incluso llegué a dudar de lo correcto del hecho, pero está claro que no se puede juzgar un libro por su portada, y después de ver el filme me siento muy satisfecho con el trato que se le ha dado.

Lo bueno de El libro de la vida es como consigue defender las raíces culturales reflexionando a su vez sobre ellas. Manolo es torero, pero no por convicción, sigue con la tradición por imposición paterna, él lo que en realidad ama es la música, y aborrece la muerte injustificada. La resolución a tal conflicto no puede estar mejor logrado, pues aunque reconoce las raíces, nos enseña como hay cosas que están por encima de toda creencia, y lo mejor de todo, es que nos lo muestra todo a través del perdón, y ello gracias a una maravillosa canción.

Canción que por supuesto se suma a todas las genialidades de la partitura de Gustavo Santaolalla. Unos ritmos latinos mezclados con el sonido más contemporáneo (incluso canciones pop) que añaden vida a un filme ya de por si rebosante de energía. Canciones maravillosas, sinceras y divertidas.

Pues si una cosa destaca en El libro de la vida es el explosivo diseño colorista que impregna de magia toda la pantalla. Decorados y personajes no solo están diseñados con el mayor de los ingenios, si no que además están echos a medida para la historia que se nos está contando. Su estilo animado es deslumbrante, y poco importa si este está creado por ordenador, al final su belleza es aplastante. Y aunque todo ese diseño se base en los tópicos más rimbombantes de la cultura mexicana, algo que argumentalmente también se siembra en el filme, es fácil ver que se hace sin ningún tipo de soberbia, si no de la más clara de las simpatías, toreando el cliché con buenas maneras.

Existe un gran pero en el filme de Gutiérrez, pues parece que el mexicano no termina de controlar muy bien los ritmos del metraje, así nos deja con la sensación de que la película no termina de arrancar, que se estanca en contarnos una historia de amor a la que le falta fuerza narrativa, y no por culpa de una mala historia, pues aunque sea simple, podría alzarse mucho más si el ritmo del filme estuviese mejor pautado.

Aún así hay que decir que los protagonistas están muy bien tratados y son de lo más redondos, pues el material emocional que presentan está muy bien hilado, además que sirve para ensalzar ese sentimiento de cambio sin perder la esencia de lo que somos. Si ya hablamos de Manolo y su afán por escribir su propia vida, nos queda hablar de María, una mujer que ya de niña no parece estar dispuesta a aceptar ningún rol de género que se le imponga, algo que se va desarrollando a lo largo del metraje de un modo muy directo y acertado, y de Joaquín, que parte de un claro egocentrismo para evolucionar hacía el verdadero sentido de la vida comunitaria, especialmente gracias a la amistad.

No quiero olvidarme de aplaudir el gran trabajo actoral que hay detrás de los personajes animados. En un filme dónde los protagonistas son hispanos, pero hablan inglés, algo de entrada muy chocante, se consigue librar bien el combate gracias a las voces de Diego Luna, Zoë Saldana, Ron Perlman o Channing Tatum. Enamorado de la pequeña aportación de Plácido Domingo. 

El libro de la vida es una película fresca, amena y divertida, todo un soplo de aire fresco para los recurrentes universos del cine de Hollywood. Una pequeña cinta, llena de vida que se disfruta de cabo a rabo.

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TÍTULO ORIGINAL The Book of Life AÑO 2014 DURACIÓN 95 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español DIRECCIÓN Jorge R. Gutiérrez GUIÓN Jorge R. Gutiérrez, Douglas Langdale MÚSICA Gustavo Santaolalla VOCES ORIGINALES Diego Luna, Zoe Saldana, Channing Tatum, Ron Perlman, Christina Applegate, Ice Cube, Kate del Castillo, Hector Elizondo, Danny Trejo, Carlos Alazraqui, Ana de la Reguera, Emil-Bastien Bouffard, Elias Garza, Genesis Ochoa, Plácido Domingo, Jorge R. Gutiérrez PRODUCTORA 20th Century Fox Animation / Reel FX Creative Studios / Chatrone PRODUCCIÓN Guillermo del Toro

GÉNERO Animación. Comedia. Fantástico. Musical. Romance

TEMÁTICA Sobrenatural. Toros. 3D. Muerte / Duelo. Mitología. Música

SINOPSIS

La película cuenta el viaje de Manolo, un joven torero que se debate entre cumplir con las expectativas de su familia o seguir su corazón y dedicarse a su verdadera pasión: la música. Antes de escoger el camino que seguirá, emprende una aventura recorriendo tres mundos fantásticos, donde tendrá que superar sus peores miedos.

PREMIOS

2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor filme de animación
2014: Premios Annie: Mejor diseño de personajes. 5 nominaciones
2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje animación
2014: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor largometraje de animación

CRÍTICA

+ "Un trabajo visualmente deslumbrante que disimula su tópica historia con una atmósfera hechizante" (Frank Scheck: The Hollywood Reporter)

+ "Una golosina visual (...) una alegre fábula animada que mezcla viejos mitos con metáforas actuales" (Geoff Berkshire: Variety)

+"Como el mexicano Día de los Muertos, la película mezcla con éxito y de manera muy disfrutable, lo macabro con lo festivo (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordan Hoffman: New York Daily News)

+ "Una alegre celebración del folklore mexicano con un sólido reparto, una sensibilidad irreverente y un maravilloso diseño visual" (Michael Ordona: San Francisco Chronicle)

= "Musical gloriosamente colorido, que casi compensa (pero no lo suficiente) su falta de diálogos concisos con sus imágenes (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Sara Stewart: New York Post)

= "Esta película a menudo hermosa y demasiado moribunda, y exhaustivamente frenética, tiende a ser menos enérgica que las personas muertas que bailan en ella." (Manohla Dargis: The New York Times)

= "Aunque no convenza del todo en cuestión de ritmo y de narrativa, más por falta de control que por tedio, acaba contagiando con su espíritu de cuento intemporal" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Es una delicia visual, abigarrada y colorista como una feria mexicana, y la aparente morbidez del tema de los muertos se resuelve, como en el imaginario burtoniano, con buenas dosis de inventiva y poesía (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

= "La historia no es particularmente estimulante, pero el diseño visual es magnífico (...) El amor incondicional de Jorge R. Gutiérrez por la cultura popular de su país es tan evidente como contagioso (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Cuando el relato se adentra en el inframundo de la Tierra de los Recordados, la avalancha de imaginería cálido-siniestra embelesa los sentidos, y nos hace pensar en un Tim Burton tocado por el ardor latino." (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

+ "Una película que ofrece un despliegue visual impactante y un menú de canciones no menos atractivo ." (Javier Porta Fouz: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,8		7,3
NOTA MEDIA: 7,0

TRAILER

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BABADOOK

Y hablando de directoras noveles este año es imposible no acordarse de una de las mujeres que ha dado el pelotazo en el campo cinematográfico. La australiana Jennifer Kent, empezó en el mundo audiovisual como actriz televisiva para pasar rápidamente a formar parte del equipo de Lars Von Trier en Dogville (2003) como ayudante. No tardó en realizar su primer cortometraje, Monster (2005), el cual le sirvió como semilla del largometraje que rodaría diez años después: Babadook.

Tras la muerte de su marido Amelia debe hacerse cargo sola de su recién nacido hijo. Con el paso del tiempo, cuándo el niño cumple los seis años de edad, empieza a convertirse en un muchacho problemático, todo a raíz del miedo por los monstruos que cree ver. Tras la aparición de un misterioso libro titulado Babadook, los problemas crecen y el miedo se apodera también de Amelia.

Monster, el cortometraje previo de la realizadora, ya presentaba unas ideas estupendas que creaban una atmósfera única para causar terror. Así, en su paso al largo, Kent no solo conserva esas ideas, si no que las trabaja y las modela para crear sin duda una de las cintas de terror más solidas del año. 

Las ideas siguen siendo las mismas, el terror infantil y la incapacidad por afrontar el echo de educar a un hijo. Pero esta vez los conceptos son llevados hasta limites más lejanos, dónde la locura siembra poco a poco la resolución narrativa de esta historia. Así nos encontramos ante Amelia, una mujer que no logra superar la perdida de su marido especialmente al encontrar en su hijo un recuerdo doloroso de su cónyuge. Samuel, a su vez, es un niño incapaz de comprometerse socialmente, pues el lastre que su madre deposita en él afecta directamente a su manera de percibir el mundo. Kent logra introducirse en unos temas tan complejos a través del fantástico, y materializa los miedos de sus protagonistas en un ser de carne y hueso. Un ejercicio ejemplar para que su filme no se encasille como un mero producto de género, ni tampoco como un profundo drama moral.

Kent conduce la película con una realización muy fresca, en la que no tiene miedo de saltarse algunos esquemas clásicos del montaje, aunque en alguna ocasión eso le cueste algún que otro desliz narrativo. Así las elipsis temporales son realizadas con un sentido muy estético y eficaz que resalta en la narrativa, pero el efecto no solo es estético, si no que se yuxtapone muy bien con la evolución psicológica de su protagonista Amelia.

Toda la primera parte del filme se conduce bajo un terror de atmósfera, en el que no sirven los esquemas clásicos para causar miedo, toda la apuesta está centrada en el devenir de la historia, ajustándose muy bien en ella la fotografía, el sonido, la escasa banda sonora y los decorados, estupendamente diseñados para reforzar un ambiente lúgubre y asfixiante. Todos los elementos son combinados con maestría y el resultado engancha muy bien.

Si el cortometraje ya presentaba elementos de homenaje al género de terror siliente, especialmente en el tono y fotografía, esta vez se lleva el concepto mucho más allá, mostrandolo más explícitamente en varias de sus acertadas secuencias televisivas, que no solo sirven para sumar la prgresiva demencia de sus personajes, si no para también acercarse a los orígenes del cine a través de la reproducción de algunos fragmentos en blanco y negro donde además se permite la licencia de introducir al terrorífico monstruo protagonista de la película.

Partiendo de la base que el filme se gesta a raíz de una historia corta, era de esperar que el momento climático sea quizás la baza menos fuerte de la película, pues es en ese segmento en el que la película toma una senda más cercana a los estándares básicos, y parece que tampoco los termina de resolver del todo bien, pues las ideas originales quedan algo disueltas en pro de un estiramiento narrativo algo poco en sintonía con el conjunto del metraje. Pero no por ello el filme llega a desmerecer, pues incluso en ese segmento el terror llega a apoderarse de nosotros.

La ambigua resolución nos deja satisfechos, pues en ella las lecturas son tan amplias que nos quedamos con la película un tiempo largo en nuestra mente. Los intentos de llegar a entender ese final, e incluso el mágico momento previo a los créditos de cierre son garantía de que Kent es capaz de crear una historia redonda creando uno de esos típicos finales de cinta de terror pero con nuevas herramientas no tan directas.

Otro de los elementos más reseñables es el cuidado diseño artístico del apartado más fantástico, no solo del monstruo, si no también de las pesadillas y como no, del famoso libro dónde nace Babadook. A pesar del miedo, ¿quién no querría tener ese valioso ejemplar de papel para ojearlo por si mismo?

No hay ninguna duda de que Babadook es otra de esas cintas de uno de los géneros más explotados que vuelven a demostrar el margen que todavía queda para crear buenas historias en su regazo, pues la película de Jennifer Kent entrará seguro en cualquier lista de los filmes de los mejores filmes de terror de esta década.

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TÍTULO ORIGINAL The Babadook AÑO 2014 DURACIÓN 95 min. PAÍS Australia IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Jennifer Kent GUIÓN Jennifer Kent MÚSICA Jed Kurzel FOTOGRAFÍA Radek Ladzcuk REPARTO Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel Henshall, Hayley McElhinney, Barbara West, Ben Winspear, Tiffany Lyndall-Knight, Tim Purcell, Benjamin Winspear, Cathy Adamek, Carmel Johnson, Adam Morgan, Craig Behenna, Michael Gilmour, Michelle Nightingale, Stephen Sheehan PRODUCTORA Entertainment One / Causeway Films / Smoking Gun Productions

GÉNERO Terror. Thriller. Drama

TEMÁTICA Sobrenatural. Monstruos. Cuentos. Thriller psicológico. Infancia. Muerte / Duelo

SINOPSIS

Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia (Essie Davis) no se ha recuperado todavía, pero tiene que educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Cuando un inquietante libro de cuentos llamado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel llega al convencimiento de que el Babadook es la criatura con la que ha estado soñando. Entonces sus alucinaciones se hacen incontrolables y su conducta, impredecible y violenta. Amelia, cada vez más asustada, se ve forzada a medicarle. Pero, de repente, empieza a sentir a su alrededor una presencia siniestra que la lleva a pensar que los temores de su hijo podrían ser reales.

PREMIOS

2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima
2014: Festival de Sitges: Premio del Jurado y Mejor actriz (Davis)
2014: Critics Choice Awards: 2 nom. incluyendo Película de ciencia-ficción/terror
2014: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor director novel

CRÍTICA

+ "The Babadook es la película más aterradora que he visto jamás." (William Friedkin: Director de El exorcista)

+ "Logra ofrecer verdaderos sustos y al mismo tiempo toca temas tan serios como la pérdida, el dolor y otros demonios que no pueden ser vencidos tan fácilmente." (Scott Foundas: Variety)

+ "Pasarás miedo. Y también, quizás lo que será más aterrador es que te llegará a conmover" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Este thriller psicológico de la talentosa realizadora debutante Jennifer Kent hará que te subas por las paredes simplemente ahondando en la violencia de la mente. Prepárate. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una de la películas de terror más inteligente y efectiva en años (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordan Hoffman: The Guardian)

+ "Impactante ópera prima (...) Proporciona un tipo de angustia que tiene menos que ver con las posesiones demoníacas y más con el traicionero poder de una imaginación salvaje" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Debería existir una ley requiriendo que todas las películas de terror fueran dirigidas por mujeres" (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "La actriz convertida en debutante directora, Jennifer Kent, tiene la habilidad narrativa de mostrarnos una historia de cuentos desplegables y luego hacer que nos retorzamos cuando los eventos predichos se hacen realidad. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Joshua Rothkopf: Time Out)

+ "Un muy buen debut (...) Una pequeña película que pegará extraordinariamente fuerte" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

+ "'Babadook' es como una pesadilla, de esas que no necesitan ser sangrientas para dejarte helado (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Un filme inteligente e insólito, explora el miedo en diferentes niveles (...) Posiblemente la veas más de una vez y sigas haciéndote un montón de preguntas. Imprescindible. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

+ "Es 'Babadook' una de las mejores y más ambiciosas películas de terror que ha dado el género en años. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

+ "Extraordinario film de terror que encajaría perfectamente en el canon de James Wan." (Pablo González Taboada: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,0		6,9
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

TODOS ESTÁN MUERTOS

Chantal Akerman -Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1976)-, Mia Hansen-Løve -El padre de mis hijos (Le père de mes enfants; 2009), Un amour de jeunesse (2011)-, Valérie Donzelli -Declaración de guerra (La guerre est déclarée; 2011), Main dans la main (2012)-, Ida Lupino -Not Wanted (1949)-, Haifaa Al-Mansour -La bicicleta verde (Wadjda, 2012)-, Lisa Cholodenko -Los chicos están bien (The Kids Are All Right; 2010)-, Ava DuVernay -Selma (2014)-, Susanne Bier -Después de la boda (Efter brylluppet; 2006), En un mundo mejor (Hævnen; 2010)-, Kathryn Bigelow -Los viajeros de la noche (Near Dark; 1987), En tierra hostil (The Hurt Locker; 2008)-, Deepa Mehta -Fuego (Fire; 1996), Agua (Water; 2005)-, Leni Riefenstahl -El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens; 1935), Olimpiada (Olympiad; 1938)-, Icíar Bollaín -Te doy mis ojos (2003), También la lluvia (2010)-, Lotte Reiniger -Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed; 1926)-, Lena Dunham -Tiny Furniture (2010), Girls (2012- ?)-, Sofia Coppola -Las vírgenes suicidas (The Virgin Suicides; 1999), Lost in Translation (2003)-, Kelly Reichardt -Wendy y Lucy (Wendy and Lucy; 2008), Meek's Cutoff (2010)-, Julia Loktev -Un planeta solitario (The Loneliest Planet; 2010)-, Miranda July -Tú, yo y todos los demás (Me and You and Everyone We Know, 2005)-, Angelina Jolie -En tierra de sangre y miel (In the Land of Blood and Honey; 2011), Invencible (Unbroken; 2014)-, Claire Denis -Trouble Every Day (2001), Una mujer en África (White Material, 2009)-, Lucrecia Martel (La ciénaga; 2001)-, Naomi Kawase -El bosque del luto (Mogari no mori; 2007)-, Samira Makhmalbaf -A las cinco de la tarde (Panj é asr; 2003)-, Jane Campion -El piano (The Piano; 1993)-, Agnès Varda -Cleo de 5 a 7 (Cléo de 5 à 7; 1961), Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la glaneuse; 2000)-, Mira Nair -La boda del monzón (Monsoon Wedding; 2001)-, Vera Chytilová -Las margaritas (Sedmikrásky, 1966)-, Antonia Bird -Priest (1994)-, Penny Marshall -Big (1988), Despertares (Awakenings, 1990)-, Barbra Streisand -Yentl (1983)-, Isabel Coixet -Mi vida sin mí (2003), Mapa de los sonidos de Tokio (Map of the Sounds of Tokyo; 2009)-, Ana Lily Amirpour -A Girl Walks Home Alone at Night (2014)-, Andrea Arnold -Fish Tank (2009)-, Pilar Miró -El crimen de Cuenca (1979)-, Jacqueline Audry -Gigi (1949)-, Agnieszka Holland -Europa, Europa (1990), In Darkness (W ciemnosci; 2011)-, Nora Ephron -Algo para recordar (Sleepless in Seattle; 1993)-, Margarethe von Trotta -El honor perdido de Katharina Blum (Die Verlorene Ehre der Katharina Blum oder: Wie Gewalt entstehen und wohin sie führen kann; 1975), Hannah Arendt (2012)-, Beatriz Flores Silva -En la puta vida (2001)-, Patricia Cardoso -Las mujeres de verdad tienen curvas (Real Women Have Curves; 2002)-, Guo Xiaolu -Ella, una joven china (She, a Chinese; 2009)-, Alice Guy -El hada de las coles (La fée aux choux; 1896), Falling Leaves (1912)-, Catherine Hardwicke -Crépusculo (Twilight; 2008)-, Mary Harron -American Psycho (2000)-, Xu Jinglei -Carta de una mujer desconocida (Yi ge mo sheng nu ren de lai xin; 2004)-, Claudia Llosa -La teta asustada (2009)-, María Novaro -Danzón (1991)-, Mabel Normand -Charlot en el cabaret (Caught in a Cabaret; 1914)-, Lone Scherfig -Italiano para principiantes (Italiensk for begyndere; 2000), An Education (2009)-, Cristina Comencini -El mejor día de mi vida (Il più bel giorno della mia vita; 2002)-...
Una lista que podría continuar durante horas y horas nombrando solo las cineastas más reconocidas e indispensables en nuestra historia fílmica. Ahora llega el turno de la pregunta. ¿A cuántas de ellas eres capaz de recordar? ¿Cuántas de sus películas has visto? ¿Y si te preguntara por nombres masculinos, recordarías más?
Queda claro que todavía queda mucho camino para reconocer a la mujer con total igualdad de derechos, y en el cine, reflejo social como ninguno, podemos encontrar una muestra de como sigue el papel de la mujer en la sociedad. Ejemplo de ello son las webs de cine de referencia como IMDB, Filmaffinity o Sensacine que siguen creando fichas con la categoría "Director", en vez de usar la palabra "Dirección", mostrando una vez más como, aunque sea por dejadez, la mujer no está muy bien representada. Es por eso que hoy día de la mujer trabajadora es el momento de recordar, una vez más, que la lucha sigue.

Para ilustrar el día no he elegido una cinta que hable sobre el papel de la mujer como eje narrativo, he preferido apostar por una pequeña muestra de el trabajo de una de ellas. La español Beatriz Sanchís se estrena en el largometraje con Todos están muertos, cinta que ha estado nominada este año a los premios Goya como mejor dirección novel y mejor actriz por Elena Anaya, además de una mención especial del jurado en el último Festival de Málaga junto a los premios de mejor música y mejor actriz (galardón que Anaya compartió con Natalia Tena por 10.000 km. [Carlos Marqués-Marcet, 2014]).

En los 80 Lupe fue una estrella de rock, que junto a su hermano ya fallecido, lideraban la banda Groenlandia. Hoy Lupe sufre de agorafobia y se pasa el día en casa vestida con una bata mientras duerme y hace tartas de manzana. Su madre, harta de ver la situación de su hija, decide hablar con una curandera y juntas logran invocar, durante el día de los muertos, el fantasma de su hermano Diego, para que éste intente sacar de la situación en la que vive a la muchacha, ayudándola a convertirse en una verdadera madre para su hijo Pancho.

Sánchis se estrena con un largometraje de lo más curioso. La idea del guión de la propia directora es de entrada de lo más original y trillada, dónde se mezclan los dramas íntimos con el género fantástico.

Pancho es un niño complicado, jamás ha podido contar con su madre como apoyo siendo para él una completa desconocida, y siendo su abuela la encargada de criarlo. Eso no ha evitado que en el niño se despierte también la misma pasión musical que su madre vivió en su época dorada, pero Pancho desconoce por completo cuales son los verdaderos motivos por los que su madre se comporta como tal, él solo es capaz de describirla como un ser egoísta, a pesar de ello, nunca pierde la esperanza de que algún día logren acercarse. A su vez, el muchacho no vive una situación social muy positiva, su única distracción es el grupo coral que ha montado con algunos de los amigos de su pandilla de boy scouts, siendo el hazme reír de algunos de los chicos del barrio. Pancho no lo tiene nada fácil.

Pancho es sin duda el protagonista de esta historia, y sirve de detonador para que el resto de personas que le rodean actúen de una vez por todas para cambiar el cauce de sus vidas. A su vez, el fantasma de Diego es (sin quererlo) el encargado de llevar a todos los personajes por el camino que los acerque a ese cambio a positivo, un camino que no sabemos si podrán alcanzar.

La directora dota de un tono melancólico a su cinta y la plaga de planos detalles que inducen al hermetismo de sus protagonistas. Un acertado tono que hace de Todos están muertos, una película sincera y agraciada que no solo brilla por su original premisa, si no por como se nos cuenta. A pesar de ello hay que reconocer que la complejidad del guión hace que se les vaya la historia un poco de las manos, poblando demasiado la película de elementos narrativos dispares. Lo que podría haber sido una íntima obra, queda en una película interesante, eso sí, lo suficiente para sorprendernos.

Una de las grandes bazas de la película es sin duda su banda sonora, plagada de melodías electro-pop que pertenecen al grupo Akrobats, a los que Sanchís ha echado mano también en sus cortometrajes. La mejor de las elecciones para dar vida al grupo ficticio que es Groenlandía, y al que Lupe y Diego daban vida en aquellos ya lejanos y psicodélicos 80.

Todos están muertos es una muestra de buen cine, y aunque le quede algo de camino para alcanzar la grandeza, Beatriz Sanchís demuestra que sabe lo que hace, y logra crear una película con una identidad muy marcada, y eso siempre gusta.

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TÍTULO ORIGINAL Todos están muertos AÑO 2014 DURACIÓN 88 min. PAÍS España, México, Alemania IDIOMA Español DIRECCIÓN Beatriz Sanchís GUIÓN Beatriz Sanchís MÚSICA Juan Manuel del Saso, Juan Pastor, Aaron Rux (Akrobats) FOTOGRAFÍA Álvaro Gutiérrez REPARTO Elena Anaya, Angélica Aragón, Nahuel Pérez Biscayart, Christian Bernal, Patrick Criado, Macarena García, Patricia Reyes Spíndola PRODUCTORA Avalon P.C. / Animal de Luz Films / Cacerola Films / Eurimages

GÉNERO Drama. Fantástico. Comedia

TEMÁTICA Fantasmas. Música. Homosexualidad. Muerte / Duelo. LGBTIQ

SINOPSIS

Lupe (Elena Anaya) vive encerrada en su casa, presa de una brutal agorafobia. Viéndola en bata y zapatillas, dependiendo para todo de su madre y con un hijo adolescente que la detesta, nadie diría que en los 80 fue una estrella de rock. Su madre, cansada de ver a su hija convertida en una persona egoísta y conflictiva, la Noche de los Muertos decide hablar con su hijo Diego. Este vuelve a la casa familiar con el aspecto de siempre: un chaval de veintipocos de mirada ausente; lo que hace la situación muy especial es que Diego está muerto...

PREMIOS

2014: Premios Goya: 2 nominaciones incluyendo Mejor actriz (Elena Anaya)
2014: Festival de Málaga: Premio especial del Jurado, Mejor actriz y Mejor música

CRÍTICA

+ "No es una película redonda, pero sí una opera prima arriesgada y cargada de identidad" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Sanchis propone un film curioso y absorbente, y del que la neodirectora sale bien parada (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (M. Torreiro: Fotogramas)

= "Hay ideas muy interesantes y atrevidas pero se desvanecen ante la fragilidad de la estructura que las soporta. Es una lástima, porque con menos nostalgia y respeto habría sido una feliz anomalía (...) Puntuación: ★★½ (sobre 5)" (Manuel Piñón: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,6		6,1
NOTA MEDIA: 6,1

TRAILER

VER TAMBIÉN