MY STUFF (TAVARATAIVAS)

Petri acaba de perder a su pareja, y se pregunta como puede encontrar la felicidad. El joven echa un vistazo a su hogar, observa sus objetos y se pregunta si tan solo con ellos una persona puede conseguir ser feliz. Para hacer la prueba decide hacer un experimento y documentarlo, y así nace My Stuff (Tavarataivas), una película sobre el peso de poseer cosas.

Finlandia es un país que cada vez más da muestras de su preocupación por el sistema en el que vivimos, así que no es de extrañar que nos vayan ofreciendo obras como Un año sin petróleo (Recipes for Disaster; John Webster, 2008) o la cinta que hoy nos ocupa, en las que se lleva al debate las consecuencias de la sociedad del consumo. Aunque My Stuff no sea un alegato directo contra la realidad de consumo masivo, si que es una reflexión indirecta sobre ella, y un experimento interesante que busca encontrar un equilibrio entre la posesión de objetos y la felicidad, es decir, un estado de bienestar real.

Para realizar el experimento, Petri Luukkainen se impone unas reglas básicas: Primero debe colocar todas (absolutamente todas) sus pertinencias en un almacén, y solo podrá sacar de él una cosa al día durante un año. No está permitido comprar nada durante este periodo. Así, Petri, empieza su andadura con un piso vacío, y como Dios le trajo al mundo, preguntándose cuales son realmente las cosas que necesita para ser feliz.

Lo bueno de My Stuff, es que se presenta como un experimento interesante y a la vez loco, que como resultado nos ofrece una película de la que podemos esperar algo y de paso nos hace sonreír en más de una ocasión, ya que no van a faltar las situaciones graciosas. A la vez nos invita a reflexionar sobre nuestras propias pertinencias así como pararse a meditar sobre algunas de las que pueden afectarnos más socialmente, como por ejemplo el teléfono móvil, del que parece ser, se ha convertido en una herramienta indispensable para socializar.

Hay que reconocer que no podemos esperar de My Stuff una síntesis sobre como afecta el estado de consumo sobre el hombre, pero si que es una buena reflexión sobre la importáncia de ciertos elementos no materiales para que podamos ser felices y vivir bien. Es por eso que los momentos familiares o con los amigos son indispensables en el filme. De un lado nos topamos con personajes como la abuela, que sin duda alguna nos ilustra con una sabiduría única y que al paso del filme será una de las causantes de varias reflexiones no solo en el protagonista, si no también en nosotros mismos. U otro de los momentos únicos, la conversación con el joven primo del pueblo, que se asombra del experimento, se preocupa por que su primo no pueda ver la televisión, no entienda un libro como objeto, y finalmente descubra antes que el propio protagonista que lo que más echaría de menos no es nada material, si no otra cosa. Por otro lado nos encontramos la mano de los amigos, que a parte de servir de hilo conductor para que veamos como funciona una sociedad cualquiera, también sirven de excusa para enseñarnos que hay alternativas más económicas y menos dañinas para el medio ambiente, que pueden solucionar problemas de averías u otras preocupaciones más emocionales cuando estas se precisan. Petri podría convertirse en todo un mesías en su círculo social, y no es difícil entrever como su decisión también afecta a los que le rodean.

Una película interesante, y aunque podamos echar de menos una carga más crítica contra el sistema impuesto, es sin duda un experimento interesante y entretenido para el espectador.

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TÍTULO ORIGINAL Tavarataivas (My Stuff) AÑO 2013 DURACIÓN 84 min. PAÍS Finlandia IDIOMA Finlandés DIRECCIÓN Petri Luukkainen GUIÓN Petri Luukkainen REPARTO Petri Luukkainen, Helena Saarinen, Juho Luukkainen, Eero Löyttyjärvi, Petri Purho, Marja-Riitta Männistö, Jesse Jokinen, Jesse Saarinen, Maija Lassila, Anne Tarvainen, Joona Tolvanen, Toni Mäkelä, Jakke Saarinen, Eija Saarinen, Riku Tähtinen, Kim Grandlund, Jukka Berghäll, Rauno Männistö

GÉNERO Documental. Comedia

TEMÁTICA Cine Social. Consumo

SINOPSIS

Petri Luukkainen es un producto de la industria del marketing, un consumidor ideal cuyo apartamento en Helsinki está lleno de todo tipo de cosas. Un día, su novia lo abandona. Petri se da cuenta que tiene que cargar con una hipoteca enorme, masacrado por su tarjeta de crédito y atormentado por multitud de cosas que no le dan la felicidad. En medio de una crisis existencial, Petri comienza la reconstrucción de su existencia cotidiana preguntándose: ¿Qué es lo que necesito realmente? Animado por su abuela, decide entonces llevar a cabo un atrevido experimento. La norma es muy simple: Petri decide guardar todas sus cosas (incluida la ropa) en un almacen, empezando totalmente desnudo, y cogiendo solamente un artículo por día. El resultado de su experimento es este documental.

PREMIOS

2013: Warsaw International Film Festival: Nominada a mejor documental

CRÍTICA

+ " La propuesta Petri Luukkainen  va más allá de un trabajo fílmico ya que en él se respira una buena dosis de compromiso social." (Terra.org)

+ "¿Es una manera de saber que nos hace felices? No lo sé, pero seguro que es una manera 'divertida' de intentarlo." (Jordi Rubio: Road to life)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,6		6,4
NOTA MEDIA: 6,2

TRAILER

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ZAZIE EN EL METRO

Solo el tiempo ha puesto en su sitio a Louis Malle, uno de esos directores que allá a finales de los años cincuenta revolucionaron el modo de hacer cine en Europa con el nacimiento de la Nouvelle Vague. Desgraciadamente, Malle, nunca ha sido uno de los nombres más sonantes cuándo nos ponemos a pensar en aquel cine de nueva oleada, y tampoco en su posterior andadura cinematográfica, pero sólo hace falta ojear un par de sus películas para darse cuenta del legado que el cineasta francés no ha dejado. Cuándo el nuevo modelo cinematográfico en Francia estaba recién estallado, y tras un par de aportaciones más clásicas al estilo del movimiento, Malle decide rodar Zazie en el metro, comedia alocada que evitó el encasillamiento del director, a pesar de tratar uno de los temas recurrentes de su obra: la infancia.

Zazie en el metro adapta la novela homónima de Raymond Queneau en la que se nos presenta a la pequeña protagonista. Mientras la madre de Zazie va a pasar un pletórico fin de semana con uno de sus amantes parisinos, la niña queda al cuidado de su tío Gabriel, un artista que baila flamenco en uno de los locales de moda de París. Zazie sólo sueña con una cosa en la gran ciudad, poder visitar el metro. Pero el drama no tarda en aparecer, los trabajadores subterráneos se encuentran en huelga, así la niña no podrá visitar el metro ya que se encuentra cerrado.

Malle construye en su filme un homenaje al slapstick, la comedia disparatada, el cine mudo, Tatí, a las tendencias pop y al cartoon más clásico a través de las disparatadas acciones que acontecen durante la hora y media del metraje. El ritmo vertiginoso, la aceleración de la imagen, los gags visuales, y los intencionados saltos de eje -que también podemos enmarcar como una pequeña sátira a la propia nouvelle vague- dotan al filme de una energía única, y que son los encargados de hacer de este tercer trabajo de Malle una película de lo más cómica.

Aunque la saturación de los elementos puede llegar a hacer que la película se vea un tanto repetitiva y algo aburrida, especialmente achacada por el tiempo, que no la ha tratado nada bien, hay que reconocer que algunos de los gags siguen teniendo una fuerza mágica, especialmente el de la primera persecución, dónde Zazie intenta robar unos tejanos a un caballero que acaba de conocer, y dónde Malle nos sorprende por primera vez con una de las surrealistas explosiones que pueblan la película; o en la secuencia de la Torre Eiffel, uno de los momentos más vertiginosos y con los diálogos más sagaces del filme.

A pesar de ese trato alocado, dónde la mirada de la niña es la única justificación, Malle no evita crear una radiografía de la sociedad parisina del momento, en la que los personajes más estrafalarios intentan desde el humor, imitar exageradamente todo aquello que es real, en una sociedad que (y una vez más denuncia el director) solo es capaz de pensar a través de la mirada adulta, sin tener en cuenta la del infante, pero que a la vez son estos adultos los que están más chiflados, no extraña pues que Zazie parezca la más sensata del grupo.

Zazie en el metro ha envejecido demasiado mal como para encandilar a cualquiera, pero tiene suficiente garra como para que nos quedemos enganchados en muchos de sus momentos. Explorarla por primera vez es abrir los ojos ante un cine que descoloca y sorprende a partes iguales, y eso al final siempre es agradecido para cualquier espectador.

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TÍTULO ORIGINAL Zazie dans le metro AÑO 1959 DURACIÓN 92 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Louis Malle GUIÓN Louis Malle & Jean-Paul Rappeneau (Novela: Raymond Queneau) MÚSICA Fiorenzo Carpi FOTOGRAFÍA Henri Raichi REPARTO Catherine Demongeot, Philippe Noiret, Hubert Deschamps, Jacques Dufilho, Carla Marlier, Vittorio Caprioli, Antoine Roblot, Annie Fratellini, Yvonne Clech PRODUCTORA Nouvelles Editions de Films

GÉNERO Comedia

TEMÁTICA Nouvelle vague. Infancia. Comedia absurda. Sátira. Surrealismo

SINOPSIS

Para poder estar con su amante, la madre de Zazie la manda a París, a casa de unos familiares. Pero la niña, que tiene doce años, se escapa para recorrer París y conocer lugares y gentes nuevas.

CRÍTICA

= 'Zazie es uno de los más deliciosos ejercicios de surrealismo jamás realizados. Algo así como lo que siete años más tarde Godard intentaría hacer con "Weekend" pero bien hecho y sin ser un batiburrillo pretencioso. [...] ha envejecido mal, el ritmo apabullante e irregular parece no encontrar ningún sentido, la estética, que en su tiempo fuera novedosa, ahora se antoja trasnochada y la crítica de la sociedad parisina, vista desde el punto de vista de Zazie, queda diluida entre unos gags sin gracia y una realización más preocupada en la provocación que en la transmisión de una idea.' (Tres Tristes Tigres)

+ 'Zazie en el metro es anárquica, refrescante, chillona, tierna, picante. Una amalgama inconexa e irracionalmente congruente que procede de la mirada pícara, subrayada por dos enormes paletos separados, de la pequeña Zazie.' (El crítico Abúlico)

+ 'En una época en la que los ineastas franceses exigían desde la más seria de las seriedades su propia independencia (argumental y técnica), que un director como Malle no participase activamente en ello e incluso se riese, tuvo que ser para el espectador coetáneo una gran vía de escape a tanta vanidad. [...] Si hoy es un film frenético, acostumbrada nuestra retina a efectos tan dispares como espectaculares, en la época tuvo que ser una bomba de relojería.' (Filmfilia)

PUNTUACIONES

 

	6,5		6,4		7,0
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

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3 BODAS DE MÁS

En estos últimos y difíciles tiempos que corren, el cine español se puede simplificar en dos grandes ramas. Por un lado las cintas pequeñas, que están demostrando una capacidad impresionante para realizar películas de altura a pesar de los escasos recursos que disponen, una capacidad que se resume en un interés por la calidad narrativa y la exploración cinematográfica, dándonos una serie de títulos que desbordan genialidad por todos lados. Por otra parte nos encontramos con las cintas que explotan todo su potencial comercial con premisas reutilizadas, especialmente en el campo de la comedia, y que se asemejan con cualquier producción americana de visionado poco enriquecedor. De este último grupo es difícil encontrar películas que puedan ofrecer por si solas algún elemento que las salve de cualquier quema, aunque eso poco suele importar a sus creadores, que bastante tienen con ver como sus arcas se llenan a expensas de un público que solo busca distracción bajo el extenso sonido del crujir de las palomitas del vecino de al lado. Por suerte, entre tanta coreada paja, nos encontramos con algún título, que a pesar de no sobresaltar en exceso, nos deja un poco de aliento a los que esperamos algo más de una película patria, este año, entre varios títulos con bodas como premisa, no puedo no fijarme en 3 bodas de más, comedia romántica al uso, pero con un toque gamberro que la hace especial (de algún modo).

Ruth es una chica que no triunfa en el amor, y para más inri recibe la invitación de tres de sus ex-parejas invitándole a su boda. Contra todo pronóstico la muchacha acudirá a los eventos, con la compañía del nuevo becario del laboratorio dónde trabaja. En una de ellas conoce a Jonás, un simpático y guapo muchacho que parece se ha fijado en ella. De repente Ruth pasa de estar sola a encontrarse en un extraño triangulo amoroso, que demuestra una vez más que eso del amor no está hecho para ella.

Es cierto que 3 bodas de más no ofrece nada nuevo al panorama cinematográfico, en realidad su premisa está realmente muy vista y nos remite a películas como El diario de Bridget Jones (Bridget Jones's Diary; Sharon Maguire, 2001), de la cual bebe totalmente, y dónde nos encontramos de nuevo con una chica que intenta destacar en su campo profesional -esta vez se sustituye el periodismo por la investigación científica-, y a la vez en encontrar un equilibro en el amor. Lo bueno de la película que dirige Javier Ruiz Caldera, es que a pesar de crear un personaje protagonista algo patoso, y dado a la carcajada, no se encasilla en su rol como mujer, algo que si ocurre en su hermana americana. Y por contra, retrata unas figuras masculinas, que en ningún momento se convierten en ejemplo de la perfección y la masculinidad, estupendo en ese sentido es el personaje de Quim Gutierrez, seguramente en uno de sus mejores actuaciones hasta la fecha. Los roles aquí se desmarcan por completo, y aunque al final recurra a los mismos clichés que utilizan los filmes más machistas, intenta siempre no crear el mismo abono.

El filme echa mano del humor más gamberro, formula que también repite, pero que ofrece un resultado de lo más ameno a la cinta. Un humor, que aunque venga de tierras americanas, sabe ofrecer su toque nacional, dotando de un sello propio a la cinta, camuflando bastante bien el claro intento de crear una cinta americana desde tierra española. Las gamberradas de la cinta llegas a alcanzar alturas extremas, y cuándo están a punto de traspasar la barrera de lo absurdo y desagradable, se serenan en la narración dejándonos con la carcajada perfecta para que nos sintamos satisfechos. Sólo en una ocasión llegan a traspasar esa barrera, cuándo se conoce de dónde viene el parálisis de la pareja de Jasón, y es precisamente ese momento el que de repetirse haría estallar la película hacía lo ridículo y la vergüenza.

En el filme nos encontramos con una Inma Cuesta en todo su esplendor, que se mimetiza estupendamente con su personaje y allana muy bien el escenario de la película. Sin ella difícilmente hubiese obtenido este resultado, y gracias a la aportación del resto del reparto, nos encontramos con una película a la que poco podemos menospreciar en el campo actoral.

Como ya he dicho en la introducción, nos encontramos ante una película que no va a ofrecernos nada más allá del humor palomitero, así que es evidente que no podemos tenerla como una gran referencia cinematográfica, y aunque tampoco lo vaya a ser dentro de su género, finalmente podemos disfrutarla si la cogemos sin ningún tipo de pretensión, pues 3 bodas de más, no va a intentar explorar los recovecos más profundos de sus sencillos protagonistas, pero es precisamente eso, lo que hace de ella una película con la que simplemente podamos pasar un rato divertido.

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TÍTULO ORIGINAL 3 bodas de más AÑO 2013 DURACIÓN 94 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Javier Ruiz Caldera GUIÓN Pablo Alén, Breixo Corral FOTOGRAFÍA Arnau Valls Colomer REPARTO Inma Cuesta, Quim Gutiérrez, Martiño Rivas, Paco León, Berto Romero, María Botto, Laura Sánchez, Sílvia Abril, Joaquín Reyes, Rossy de Palma, Bárbara Santa-Cruz, Bruno Sevilla PRODUCTORA Apaches Entertainment / Think Studio / Ciskul / Atresmedia Cine

GÉNERO Comedia. Romance

TEMÁTICA Comedia romántica. Bodas

SINOPSIS

Ruth (Inma Cuesta), una joven investigadora en una universidad, asiste a las sucesivas bodas de sus ex, de los que fueron sus "hombres de su vida", sin que ella consiga encontrar a su media naranja. ¿Hay algo peor que tu ex novio se case con otra y te invite a su boda? Sí, que te pase tres veces en un mes, no saber decir que no, y que el único al que consigas convencer para que te acompañe sea tu nuevo becario. Un alérgico al compromiso, un surfista pasado de rosca y un transexual convertido en pibón... Tres ex novios para tres bodas. Un cóctel explosivo para Ruth, que tendrá que enfrentarse a su pasado y decidir con quién quiere compartir su futuro.

PREMIOS

2013: Goya: 7 nominaciones
2013: Festival de Sevilla: Sección oficial a concurso
2014: Circulo de Críticos: 3 nominaciones
2014: Premios Feroz: Mejor película comedia, mejor poster.5 nominaciones
2014: Fotogramas de plata: Mejor actriz (Inma Cuesta). Nominada al premio del público.
2014: Gaudí: Nominada a mejor dirección artística.

CRÍTICA

= "De planteamiento estructural atractivo (...) tropieza en un último tramo que se revela anti-climático (...) Pequeños reparos a un conjunto que sigue confirmando a un talento notable" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Se toma la molestia de trabajar los gags sin olvidar la construcción de personajes, que, aunque muy básicos, funcionan como un reloj (...) el despertar a la independencia emocional de esta patosa científica (...) es tremendamente divertido" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "La película no solo se sostiene en un guión hilarante aderezado con cuatro o cinco golpes de genialidad, sino, sobre todo, en la excelsa actuación de Inma Cuesta (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Diario ABC)

+ "Javier Ruiz Caldera se consagra aquí como un orfebre de la rítmica y la comicidad (...) hilarante comedia de enredo (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

+ "Cruce Bridget Jones, Julia Roberts a la fuga y Hugh Grant sin luto (...) transita entre la comedia bestia de los Farrelly, el romanticismo y las decadentes camisas hawaianas de Alexander Payne (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,8		6,3
NOTA MEDIA: 5,9

TRAILER

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UZUMAKI

Da igual si celebramos la Castañada, Todos los Santos, El día de los muertos o Halloween, una cosa es segura, no hay mejores fechas para disfrutar de una buena cinta de terror, y por consiguiente, una maratón sin fin de las mejores sagas. Es por eso que es inevitable hacer referencia a alguna película del género a los lectores que estén buscando alternativas a los clásicos de siempre. Aprovechando que se celebra en Barcelona el XX Salón del Manga, no se me ocurre mejor manera que hacerlo con una de las cintas que adaptan la obra de uno de los autores de referencia en el campo del terror allá por tierras niponas. Hablo de Junji Ito, autor de un par de mangas que se acaban de presentar en nuestro país estos días como Black Paradox o Gyo (esta última también adaptada al cine, aunque la única en formato animado). Pero sin lugar a dudas su mejor obra responde al título de Uzumaki, una terrorífica novela gráfica con una premisa de lo más curiosa: las espirales.
Higuchinsky se atreve con su adaptación, y así nace la película homónima basada en el terrorífico, y más que recomendable manga, de Junji Ito.

Kirie es una muchacha que vive en el apacible pueblo de Kurouzu. A raíz de un incidente con el padre de su mejor amigo, Kirie se da cuenta que algo extraño está sucediendo en su pueblo, dónde la locura y la muerte sobrevuela sobre los habitantes del lugar. Parece que entre los diferentes sucesos existe un nexo en común, las espirales.

De entrada hay que reconocer la valentía de adaptar el universo de Junji Ito a la pantalla, un universo de lo más singular y lleno de matices, que hacen de la obra de Ito una particular sesión perturbadora para cualquiera que se atreva a disfrutar con ella. Uzumaki, a mi parecer su mejor obra, es a la vez un trabajo difícil de plasmar al cine, especialmente si tenemos en cuenta el retorcido (valga la redundancia) estilo del autor.

Si bien, los complicados elementos visuales no son para tirar cohetes en el filme de Higuchinsky, hay que reconocer que la fidelidad y el intento por plasmarlos son suficientes para que no nos sintamos avergonzados al verlos en pantalla, repito, a pesar de contar con una historia realmente interesante de ver en cine, es muy difícil intentar perseguir los mismos resultados que se consiguen con su hermana de papel.

Pero si la película tiene algo estupendo, es el saber reconocer sus limitaciones, y no intentar adaptar la obra al completo e intentando repetir sus resultados, si no simplemente cogiendo algunas de sus ideas, para transmitirlas a través del filme. Así pues, aunque los fans del manga podamos sentirnos algo desilusionados al darnos cuenta de que no se trata de una adaptación completa del cómic, en realidad no es difícil observar que esta ha sido la mejor decisión del filme.

Esa pequeña descomposición narrativa no empeora el resultado del conjunto de la película -aunque nos sintamos algo decepcionados por su abrupto final-, ya que al no saber muy bien que está sucediendo, la confusión se termine por apoderar de nosotros y nos transmita perfectamente una de las esencias de la obra, el desconcierto ante los hechos narrados. Si le sumamos a esa sensación el siniestro y perturbador clima presente durante todo el metraje, el resultado no puede ser mejorable para el espectador, que enseguida se verá atrapado por las garras de su espiral.

Uzumaki no es ni de lejos un filme que pueda encabezar ninguna lista de obras de terror lejendarias, e incluso tiene momentos que dejan bastante que desear, pero al final es imposible no reconocerle un buen trabajo al intentar adueñarse de un universo tan complejo, y que al hacerlo no caiga en el más absoluto de los fracasos. Así que debo reconocer que Uzumaki no decepciona, y aunque prefiera recomendaros la lectura del manga, no os diré que no os atreváis con la película, que aunque no logre llegar al mismo nivel, es sin duda una buena cinta de terror.

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TÍTULO ORIGINAL Uzumaki (Spiral / Vortex) AÑO 2000 DURACIÓN 90 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Higuchinsky GUIÓN Takao Nitta, Chika Yasuo (Cómic: Junji Ito) MÚSICA Tetsuro Kashibuchi, Keiichi Suzuki FOTOGRAFÍA Gen Kobayashi REPARTO Eriko Atsune, Fhi Fan, Hinako Saeki, Ren Osugi, Masami Horiuchi, Taro Suwa PRODUCTORA Omega Micott Inc. / Shogakukan / Space Shower TV / Star Max / Tokyo FM Broadcasting Co.

GÉNERO Terror. Fantástico 

TEMÁTICA Sobrenatural. Manga. J-horror

SINOPSIS

Kirie es una joven que vive en el supuestamente apacible pueblo de Kurouzu, pero algo extraño se esconde detrás de esa traquilidad, algo relacionado con las espirales. Cuando el padre del mejor amigo de Kirie empieza a obsesionarse con las espirales, ambos jóvenes empiezan a percatarse de que una extraña fuerza se está apoderando del pueblo, pronto comenzarán las muertes...

CRÍTICA

+ "Conociendo muchas de las historias de manera más larga no dejan de perder el mérito de ser representadas de manera mínima pero manteniendo una fuerza en conjunto con el resto de la obra que mantiene al espectador atento al increíble número de sucesos grotescos e inexplicables." (Samantha S. Acosta: Cineticamente)

+ "En resumidas cuentas, es un film muy interesante y que pese a tratarse de una adaptación parcial de la obra, consigue resultados bastante buenos." (Chacal: El blog crítico del Chacal)

- "Siempre que un cómic o un libro funcionan o parecen tener potencial aún por explotar, aparece algún cineasta dispuesto a llevarlos a la gran pantalla; y en esta conversión de un medio a otro, rara vez la versión cinematográfica sale beneficiada. Uzumaki tristemente no es una excepción. En el año 2000 se adaptó en una película faltada completamente de gancho, que no recomiendo en absoluto. Poco llega a transmitir de lo que es el manga." (Albert Font Roca: La espada en la tinta)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,1		6,3
NOTA MEDIA: 5,8

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FLORES EN EL ÁTICO

Tras la muerte del su marido, Corinne se ve obligada a volver a casa de sus padres y llevarse con ella a sus cuatro hijos. Una oscura historia se esconde en el pasado de Corinne, la cual huyó de joven de esa casa quedando desheredada por su padre. Para volverse a ganar la confianza de su progenitor, la abuela de sus hijos los esconderá en un ático para que el abuelo no conozca jamás la existencia de unos hijos, fruto de un matrimonio que no deseaban para su hija. Los niños descubrirán la maldad que se esconde tras su abuela, y los motivos por los que su madre abandonó ese infierno.

Flores en el ático es una película que adapta la novela homónima de V.C. Andrews, primera entrega de una saga literaria que responde al nombre de Dollanganger, novela que lanzó al éxito a su autora. Esta adaptación es un buen ejemplo de como coger una historia con muchas posibilidades y no saber muy bien que hacer con ella.

Desconozco por completo como será la obra original, pero lo que si es evidente es la brutalidad argumental que presenta. El maltrato hacía unos infantes es siempre un tema escabroso, y tal como se plasma en Flores en el ático eriza la piel a cualquiera. Es por eso que decepciona al final que la película no haya conseguido un resultado más apropiado para esta historia, dónde sin lugar a duda el mayor problema reside en la dirección. No quiero ni imaginar que hubiesen hecho con esta historia Tim Burton o Wes Craven -este último debía ser el director original, pero lo rechazaron y este se vengó dirigiendo una película similar titulada El sótano del miedo (The People Under the Stairs; 1991)-, directores que de haber realizado el trabajo nos hubiesen dejado más que satisfechos. Pero finalmente el filme fue encargado a Jeffrey Bloom, que aunque demostró buena mano con la cámara, no pudo aprovechar el potencial de lo que tenía entre manos.

La agonía de los personajes se ve totalmente disuelta al no profundizar demasiado en sus perfiles, y si sumamos a ello unas interpretaciones poco trabajadas, en la que solo se salva el buen hacer de la impactante Louise Fletcher, el resultado deja bastante que desear. No ayuda tampoco algún irrisorio detalle de atrezzo, como la peluca que usa una de las protagonistas tras un (potencialmente impactante) accidente. Ni tampoco ese final poco trabajado que termina por convertir el clímax en un chiste instantáneo, que no se arregla ni con una buena planificación (que tampoco tiene).

Pero dado lo que tenemos entre manos tiene un potencial escondido bastante impactante, debo recomendar el filme, una historia así no la encontramos todos los días, y solo por ella merece la pena descubrirla (yo estoy pensando en pegarle un ojo a las novelas). Además tiene algunos elementos como la fotografía, el diseño artístico o la banda sonora, que ayudan a salvar el resultado final de esta película que finalmente cayó en desgracia, pero que nos dejó finalmente, algo decepcionados.

Por lo pronto este año se ha podido ver un remake en forma de película para televisión, que además seguirá adaptando las otras cuatro novelas de la saga Dollanganger, y aunque ciertamente un remake es lo mejor que le puede pasar a esta historia, parece ser que el resultado de la tvmovie es todavía más decepcionante.

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TÍTULO ORIGINAL Flowers in the Attic AÑO 1987 DURACIÓN 93 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Jeffrey Bloom GUIÓN Jeffrey Bloom (Novela: V.C. Andrews) MÚSICA Christopher Young FOTOGRAFÍA Gil Hubbs REPARTO Louise Fletcher, Victoria Tennant, Kristy Swanson, Jeb Stuart Adams, Ben Ryan Ganger, Lindsay Parker, Marshall Colt, Nathan Davis, Brooke Fries, Alex Koba, Leonard Mann, Bruce Neckels, Gus Peters, Clare Peck PRODUCTORA Fries Entertainment Films

GÉNERO Intriga. Drama. Terror

TEMÁTICA Drama psicológico. Familia. Infancia

SINOPSIS

Bajo la perversa influencia de su abuela, cuatro muchachos malviven aislados en una de las habitaciones de una decrépita mansión. Todo comenzó cuando, tras la muerte de su marido, las dificultades económicas obligan a Corinne y a sus hijos a trasladarse a vivir al antiguo caserón gótico de sus padres. La relación familiar es tensa y tormentosa. En su juventud, Corinne se había enamorado de un hombre que no contaba con el beneplácito de sus acaudalados padres. A pesar de ello, no dudó en huir y casarse con él, siendo automáticamente desheredada. Tras sufrir numerosas humillaciones por parte de sus padres, llega a un acuerdo con ellos: los niños vivirán escondidos en una habitación de la casa porque no quieren saber nada de ellos. La madre los visita diariamente pero los chicos no sólo se sienten condenados a la soledad, sino a algo mucho más terrible: la lenta agonía a la que los somete su abuela.

PREMIOS

1988: Academia de Ciencia Ficción, Fantastico y Terror: Nominada a mejor actriz de reparto (Louise Fletcher)
1989: Premios a jovenes artístas: Mejor actriz en película e terror (Kristy Swanson)

CRÍTICA

+ "Es una de las historias más escalofriantes del cine.[...]un filme rodado con crudeza y buena voluntad, a pesar de sus carencias. Hay que acogerse al pilar que sostiene toda la película: un cuento enfermizo en cuyo fondo se arrastran toda suerte de bajezas: odio, sexo reprimido, crueldad sádica, infanticidio y... más de un fetiche sexual apenas alumbrado por una soslayada lumbre." Nota: ***/5 (Francesc Canals: Muchocine)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,6		5,5
NOTA MEDIA: 5,7

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UN PEZ LLAMADO WANDA

A pesar de que haya quién lo niegue, la comedia siempre ha sido un género complicado, y si existe un país que cuenta con tener fama de saber hacer cine de humor, este es Reino Unido. Aunque es cierto que el humor inglés no es agrado de todos, es innegable que la gran isla europea ha sido cuna de grandes maestros del género, y si no, quién no conoce a unos de los más famosos comediantes que jamás han existido: Los Monty Python? Tras su disolución, los miembros del grupo continuaron haciéndonos reír, y uno de los mejores ejemplos es Un pez llamado Wanda, un filme que a pesar de no ser de los grandes, ha pasado a la historia como una película de referencia para los fans del género. Una cinta que mezcló la alocada idiosincrasia de los Python, con la comedia de situación. El resultado, de carcajada asegurada.

Un grupo de atracadores acaba de hacerse con el botín de una joyería. Dos de ellos, Wanda y Otto, deciden dar esquinazo a sus compañeros quedándose con el botín, pero el jefe del grupo, George, se les adelanta escondiéndolo en un lugar que los demás no conocen. Cuándo Wanda y Otto denuncian a George ante la policía, descubren que este les ha engañado sobre el paradero de las joyas, así que necesitan un plan para encontrarlas y poder huir con ellas. Por eso Wanda decide seducir al abogado de George, un enlace que puede saber donde se esconde realmente el premio.

Tras una lectura de su sinopsis es fácil darse cuenta del estilo de cinta al que pertenece esta película dirigida por Charles Crichton. Pero los enredos clásicos no harían de Un pez llamado Wanda una cinta destacable si no fuera por la intrusión de los Python al esquema. Si tenemos una cinta sustentada por la comedia de situación, imaginaros que sería esta si además le añadimos unos toques del humor más inglés de algunos de los miembros del grupo cómico. Michael Palin, que interpreta al cuarto del grupo de atracadores, y John Cleese (el abogado), que además escribe el guión del filme, son los encargados de ofrecer su rocambolesco humor a este película que sin ellos, hubiese quedado e anecdótica. 

Su simple historia se teje de manera correcta, suficiente para hacer que el paso del tiempo no esté causando ningún daño sobre la frescura de una cinta repleta de momentos realmente jocosos. La mano de Cleese es clave para hacernos reír, y consigue en su guión momentos inolvidables para cualquiera que vea la película.

De este modo, Un pez llamado Wanda, se encuentra en un limbo mágico en el que los fans de los Python encontrarán el humor que les gusta, y los que realmente no sienten atracción por ellos también encontrarán cobijo al no estar el filme saturado de algunas de sus refinadas absurdidades. Un cóctel complicado de conseguir, pero que asombrosamente aprueba ante cualquier examen.

Divertida, algo gamberra, y con buen ritmo. Un pez llamado Wanda es una película que podemos disfrutar pasando un rato de lo más agradable y divertido.

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TÍTULO ORIGINAL A Fish Called Wanda AÑO 1988 DURACIÓN 108 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés, Italiano, Ruso DIRECCIÓN Charles Crichton GUIÓN John Cleese MÚSICA John Du Prez FOTOGRAFÍA Alan Hume REPARTO John Cleese, Kevin Kline, Jamie Lee Curtis, Michael Palin, Maria Aitken, Tom Georgeson, Patricia Hayes, Stephen Fry, Geoffrey Palmer PRODUCTORA 20th Century Fox

GÉNERO Comedia

TEMÁTICA Crimen. Robos & Atracos

SINOPSIS

Un cuarteto de atracadores ejecuta con éxito un gran golpe en la joyería Hatton Gardens de Londres. Lo malo es que sólo George, el jefe de la banda, sabe dónde están escondidas las joyas, pero ha sido encarcelado. Wanda, la única mujer del grupo, planea seducir a Archie, el abogado defensor de George, con la esperanza de sonsacarle el escondite del botín. Los otros miembros del grupo son: Otto, un siniestro psicópata admirador de Nietzsche, y Ken, un tartamudo aficionado a los peces exóticos.

PREMIOS

1988: Oscar: Mejor actor secundario (Kevin Kline). 3 nominaciones
1988: Globos de Oro: Nominada Comedia, Actor Comedia (Cleese), Actriz Comedia (Curtis)
1988: BAFTA: Mejor actor (John Cleese) y actor secundario (Michael Palin). 9 nominaciones
1988: Premios David di Donatello: Mejor guión extranjero

CRÍTICA

+ "El inesperado regreso de Charles Crichton -apartado del cine desde 1965- fue una delirante comedia que proponía un cruce entre la línea tradicional británica del género y la concepción más salvaje de un grupo como los "Monty ìPython". Sin llegar a la perfección, sus resultados deparan algunos de los momentos más brillantes de la comedia de los 80." (Fotogramas)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,0		7,6
NOTA MEDIA: 7,0

TRAILER

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LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS

De vez en cuando aparecen remakes de películas emblemáticas que consiguen no solo hacer un buen trabajo, si no que en ocasiones superan con creces a su antecesora. Un buen ejemplo de ello es La cosa (El enigma de otro mundo) (The thing; 1982), dirigida por John Carpenter, versión de la mítica obra de serie B El enigma de otro mundo (La cosa de otro mundo) (The Thing from Another World; Christian Nyby, 1951). Philip Kaufman no ha destacado por dirigir grandes películas, es por eso que La invasión de los ultracuerpos es sin duda su mejor trabajo, una estupenda película que también logra estar a la altura de su anterior versión, aunque esta vez tenía el listón realmente alto, ya que superar uno de los títulos mas emblemáticos del sci-fi como es La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers; Don Siegel, 1956), es harto complicado.

Elisabeth, empleada del departamento de sanidad de San Francisco, percibe que su marido empieza a comportarse de un modo completamente distinto al habitual, y preocupada le comenta a su compañero de trabajo Matthew lo que está sucediendo. Ambos terminan descubriendo que detrás se esconden unos seres de otro planeta, que han viajado a la tierra y están empezando a suplantar a los humanos.

La gran diferencia de las dos versiones reside en su momento histórico. Es sobradamente conocido como las películas de género de los 50-60 en Estados Unidos, se nutrían de la paranoia comunista, relacionando la acción de sus películas con el ataque de supuestas armas químicas, o como es el caso de La invasión de los ladrones de cuerpos, el miedo a que cualquiera de nuestros conocidos podría ser un espía al servicio del enemigo. A pesar de la total fidelidad -variaciones a parte-, esta nueva versión abandona por completo esas ideas para adentrarse de lleno en el cine de género, dónde el mensaje más claro que encontramos es el ataque a a individualidad del individuo dentro del sistema social.

Así, La invasión de los ultracuerpos, se entrega por completo a ofrecernos una terrorífica historia, dónde la paranoica atmósfera, logra introducirnos en grandes momentos de angustia. El enrarecido clima se respira durante toda la película. Después de unos títulos de crédito realmente estupendos, en los que se aprovecha, sin diálogo alguno, para contarnos el grueso del argumento del filme, para así no tener que devanarse en intentar explicarnos durante toda la película los motivos por los que sucede todo lo que vemos -algo que sin duda ayuda a que la película sea mucho más fresca, ya que no cae en la repetición argumental al repetirse en un nuevo filme-, nos topamos con una (demasiado) idílica estampa dónde las maestras llevan a sus alumnos de excursión al parque, los niños juegan, y los curas se balancean sonrientes en los columpios, una estampa que se ve alterada gracias a la climática banda sonora que compone Denny Zeitlin, y que nos acompaña durante todo el metraje, para propinarnos una buena dosis extra de nerviosismo, y advertirnos de la latente amenaza.

Si uno de los aciertos del filme de Kaufman son sus efectos especiales, impresionantes para su época, algo más denostados en la nuestra (aunque sigan siendo realmente fabulosos), es curioso como este no abusa de ellos, y los utiliza tan solo en los momentos cumbres del filme -la escena dónde vemos como las vainas engendran a los clones, eriza la piel a cualquiera-, para apostar por un trabajo más psicológico, que deja de lado la violencia o la abundante sangre, prefiriendo trabajar aquello que remite al miedo subconsciente, nacido a través de la desconfianza a lo desconocido. La impotencia y la inquietud de escenas rodadas al aire libre, fuera de todo elemento claustrofóbico, llega a ser de un nivel pocas veces logrado en localizaciones de este tipo, y ello es gracias a la realización y el ritmo que Kaufman elige para el filme, dando una gran lección de imaginación cinematográfica.

Entre los grandes momentos del filme, cabe destacar uno, que a pesar de ser esencialmente un simple homenaje, explota en nuestras narices en la primera parte del filme, y que juega a abrir el debate entre hasta que punto La invasión de los ultracuerpos es un remake o una secuela de La invasión de los ladrones de cuerpos. Un debate que podríamos incluso llevar más allá, al dotarlo de paralelismos sobre la repetición de los errores en los que la humanidad cae una y otra vez. El momento en cuestión es cuándo un hombre se arroja sobre el coche de los protagonistas, anunciando el desastre que está a punto de ocurrir, un momento que sirvió para dar el cierre de la versión de 1956 y que vuelve a interpretar su protagonista: Kevin McCarthy. Realmente el enlace da mucho juego para la especulación. (Otro de los cameos del filme es el de Don Siegel, director de la antecesora, que aparece interpretando a un sospechoso taxista).

Hablando de figuras en el filme, no podemos olvidarnos del plantel actoral. Nos encontramos con una serie de profesionales conocidos por su participación en películas que mucho tienen que ver con la de los ladrones de cuerpos, y que son caras sobradamente conocidas para todo fan del cine de género. Tenemos por ejemplo al dúo protagonista: el genial Donald Sutherland, que es la cara del filme y que su aportación ha conseguido que una de las secuencias más impresionantes de la película (su "silencioso" final), pase a los anales de la historia; y a Brooke Adams, que trabajó más tarde bajo las ordenes de Cronenberg en la "Stephenkinguiana" La zona muerta (The Dead Zone; 1983). Otras de las caras conocidas son Jeff Goldblum, muy conocido por varios papeles, pero que destaca por protagonizar otro filme de (¡coincidencia!) Cronenberg, La mosca (The Fly; 1986), o Verónica Cartwright, una de los 8 pasajeros que conocimos en Alien, el octavo pasajero (Alien; Ridley Scott, 1979). La puntilla la pone Leonard Nimoy, al cual le sobra toda presentación.

Kaufman logra sin lugar a dudas un trabajo de aplauso, con una inquietante cinta de terror y ciencia ficción, que logra sobrevivir al histórico fracaso que suelen vivir las nuevas versiones de trabajos de culto. Montarse con ambas un ciclo es realmente una gran idea, seguro que el impactante final de La invasión de los ultracuerpos, no os deja indiferentes.

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TÍTULO ORIGINAL Invasion of the Body Snatchers AÑO 1978 DURACIÓN 115 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Philip Kaufman GUIÓN W.D. Richter (Novela: Jack Finney) MÚSICA Denny Zeitlin FOTOGRAFÍA Michael Chapman REPARTO Donald Sutherland, Brooke Adams, Leonard Nimoy, Jeff Goldblum, Veronica Cartwright, Art Hindle, Lelia Goldoni, Kevin McCarthy, Don Siegel, Tom Luddy, Michael Chapman PRODUCTORA MGM

GÉNERO Ciencia ficción. Fantástico. Terror

TEMÁTICA Extraterrestres. Remake

SINOPSIS

Unos microorganismos de un lejano planeta han llegado a la Tierra. Matthew trabaja como funcionario en el departamento de sanidad de la ciudad de San Francisco. Una de sus mejores empleadas es Elizabeth, por la que siente algo más que admiración profesional. Cuando Elizabeth le comenta a Matthew que su marido ha cambiado, que toda su personalidad ha sufrido una transformación, el funcionario se lo toma a broma. Sin embargo, en el transcurso del día, Matthew observa que otras personas empiezan a sentir el mismo recelo hacia sus parejas o amigos. Versión, con ligeras variaciones, del clásico de ciencia-ficción de Don Siegel que narra la invasión de unos extraterrestres.

PREMIOS

1979: Academia de Ciencia ficción, Fantástico y Terror (USA): Mejor director. Mejor sonido. 6 Nominaciones.
1979: Sociedad de críticos Estadounidenses: Nominada a mejor guión.

CRÍTICA

+ "Título imprescindible para entender el cine de terror de los 70 [...] 'La invasión de los ultracuerpos' fue la prueba palpable de que se podía volver a contar una misma historia sin traicionar el espíritu del modelo original, enriqueciéndola con nuevos matices y mejorándola en muchos aspectos." (José Antonio Martín: El antepenúltimo Mohicano)

+ "Una espléndida película que no llega a la altura del original, pero que resulta enormemente convincente. Uno de los títulos de terror clave de los 70, y que igual que la versión de Siegel, influyó poderosamente en el cine posterior." (Alberto Abuín: Blogdecine)

+ "Una de las mejores producciones de género fantástico de la historia. Una película que como remake no se limita a calcar al título original, sino que aporta nuevos puntos de vista y, además, mejora los elementos que hicieron grande a la versión de Siegel. Imprescindible." (Alberto Vilar: Roy D. Mustang Blog)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,1		7,4
NOTA MEDIA: 7,2

TRAILER

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