domingo, 24 de enero de 2016

RAZA (EL ESPÍRITU DE UNA RAZA)

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Cuidado, no asustarse, de repente en blog no se ha vuelto un canal propagandístico a favor de los oscuros tiempos del fascismo en España. El filme de hoy viene precedido por toda una polémica esta semana nacida en las redes sociales a raíz de la proyección del filme Raza en el segundo canal público del estado, lo que (especialmente en Twitter) ha encendido la ira de los internautas al denunciar que la televisión pública no debería emitir una película famosa por ser el mayor instrumento propagandístico creado en el seno del fascismo español. La película dirigida por José Luís Sáenz de Heredia (primo de Primo de Rivera) y co-escrita por Antonio Román que a su vez echaron mano de la novela escrita bajo pseudónimo por el mismo General Francisco Franco, quiso emular las grandes obras propagandísticas de países de regímenes ultra, con la diferencia de no seguir ninguna línea de calidad y por no contar con un seguimiento popular como si lo hizo por ejemplo el nazismo.

La película nos presenta al marino Pedro Churruca, cuya muerte en la batalla de Cuba hará que su esposa deba tirar adelante sola a sus cuatro hijos. Cada uno de ellos tomará caminos distintos. Por un lado tenemos a José, que sigue los pasos de su padre tomando una carrera militar que le permite darlo todo por la patria, por contra, Pedro, toma una carrera política dentro del gobierno Republicano. El pequeño Jaime se retira a la espiritualidad sirviendo en un convento dónde cuidan a niños, e Isabel que contrae matrimonio con un militar. A causa del arranque de la Guerra Civil, la familia entrará en conflicto por sus ideales.

Coincidiendo totalmente con lo que comenta Gerard Alonso i Cassadó en un artículo de opinión en la web de la revista Fotogramas (os invito a leerlo, resulta interesante su reflexión), en el que se pregunta si realmente la proyección de la película en un ente público es un atentado a la democracia, él mismo se responde como que esa afirmación es:

“Una exagerada simplificación que niega el valor patrimonial y cultural de las películas por encima de su sustrato ideológico, aún cuando este es tan relevante como en el caso de 'Raza'.”
Y es que si enmarcamos la programación de Raza dentro del formato de emisión nos damos cuenta de que lejos de ser una proyección que busque adoctrinar, es una incursión histórica a nuestro cine, como bien anuncia el título de tan interesante programa diario Historia de nuestro cine. En una anterior entrada del blog ya os comenté de que se trataba este valiente programa que se emite de lunes a viernes en La 2 de Televisión Española, pero resumiendo el concepto, se trata de un programa que nos presenta un filme cada día, de diferentes épocas y que por norma general siguen una línea temática. Todas ellas son antecedidas por una corta presentación, y el viernes puestas a debate por varias personalidades del mundo histórico y del cine. En este caso la temática del programa ha sido la de la Guerra Civil Española, y se ha abierto con Raza presentada por el crítico e historiador Romà Gubern, una figura fuertemente relacionada con el PSUC, es decir, nada afín a las ideologías que procesa el filme de Saénz de Hereida. Teniendo en cuenta además el resto de películas que se emitieron durante la semana, la siguiente fue La Caza (1966) de Carlos Saura, todo un alegato a como el ataque franquista dejó la sociedad española, o las siguientes: Las largas vacaciones del 36 (Jaime Camino, 1976) película sobre esa guerra vista desde la mirada infantil; La guerra de los locos (Manolo Matji, 1986) exposición del radicalismo bélico; y El Mar (2000) de Agustí Villaronga, un filme más humano ambientado en aquella dura época con la homosexualidad como trasfondo.

Es fácil entrever pues como la intención del programa no es ni de lejos, la de aleccionar al público con ideologías que deberían ya estar marchitas, si no la de mostrarnos un capítulo de historia cinematográfica que muchos deberíamos aprender. El cine de propaganda no debe ser olvidado, al contrario, es importante para conocernos a nosotros mismos, para aprender que los actos pasados, y si hay un lugar dónde se pueda debatir sobre ello es en un lugar de propiedad pública. Censurar Raza es como decir que películas como Olimpiada (Parte 1 y 2) (Olympiad; Leni Riefenstahl, 1938) folletín del nazismo durante las Olimpiadas en Alemania;  El acorazado Potemkin (Bronenosets Potyomkin; Sergei M. Eisenstein, 1925) famoso alegato a la revolución Rusa; o la contra a Raza, el documental republicano para convencer a los americanos de su apoyo: Tierra España (The Spanish Earth; Joris Ivens, 1937); han de ser olvidadas, siendo estos estudiados alrededor de todo el mundo por no solo sus intenciones propagandísticas, si no por su importante nivel cinematográfico.

Ciertamente Raza queda lejos de ser un filme que pueda ser englobado dentro de los cánones artísticos de los filmes de Eisenstein, Riefenstahl o otras cintas de marcado carácter ideológico e igual importancia como el folletín de Hitler El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens; Leni Riefenstahl, 1935), pues la película con guión de Franco es de gran escasez en ese campo, siendo una cinta de manipulación poco atractiva y con un nivel de interés cinematográfico casi nulo. La evolución argumental y de personajes es manida y poco trabajada, la planificación burda y de estilo jocoso, y las interpretaciones por lo general poco atractivas, por el contrario sí cuenta con una buena mezcla de material ficcionado con otro documental y una caracterización nunca jamás vista en las películas de la época, especialmente del bando republicano llegando a reproducir con total fidelidad toda su iconografía. Así que es fácil afirmar que Raza es una película carente de todo interés en ese aspecto, pero decir que también lo es a nivel histórico es una gran barbaridad.

Raza es una película muy deficiente pero, dada su importancia histórica, de vital visionado a cualquiera que quiera conocer la historia cinematográfica de nuestro país o los intentos del fascismo por convencer a la población de su “valiosa lucha en nombre de Dios y de la Patria”, y sobretodo para cualquier aficionado al cine que se precie.

Por mi parte solo espero seguir disfrutando de las propuestas de un programa tan acertado como Historia de nuestro cine, pocos programas de carácter cultural se encuentran en prime time en televisión, y os invito a aprovechar los días que el filme todavía sigue colgado en la web del programa, ya que la versión que se emite es la original completa rescatada por la Filmoteca Española, mucho más difícil de encontrar que la versión digamos oficial, dado que en 1950 se decidió eliminar escenas críticas con Estados Unidos, referencias a la Falange, los saludos con el brazo extendido y un cambio de nombre por el de Espíritu de una raza, para tener un más fácil recorrido debido a los cambios políticos mundiales, así que eliminaron todas las copias de la original, y no siendo hasta el año 1995 que se encontró una versión integra en Berlín, para que en 2002 se editaran ambas versiones por la Filmoteca, la que hemos podido ver en la televisión pública es la original sin ningún tipo de recorte. (Para un buen análisis de ambas versiones recomiendo visitar el artículo de Raúl Angulo Díaz en El Catoblepas).

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Título original Raza (El espíritu de una raza) AÑO 1941 DURACIÓN 113 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN José Luis Sáenz de Heredia GUIÓN José Luis Sáenz de Heredia, Antonio Román (Novela: Francisco Franco) MÚSICA Manuel Parada FOTOGRAFÍA Heinrich Gärtner (B&W) REPARTO Alfredo Mayo, Ana Mariscal, José Nieto, Blanca de Silos, Rosina Mendía, Pilar Soler, Julio Rey de las Heras, Luis Arroyo, Raúl Cancio, Manuel Arbó PRODUCTORA Cancilleria del Consejo de la Hispanidad

GÉNERO Drama
TEMÁTICA Guerra Civil Española. Propaganda

SINOPSIS
El marino Pedro Churruca muere en Cuba durante la Guerra hispano-estadounidense (1898). Su viuda, Isabel Acuña, educa a sus hijos, que siguen caminos diferentes: Isabel se casa con un militar, Jaime entra en un convento, Pedro sigue la carrera política, y José, la militar. Pero la Guerra Civil (1936-1939) provocará la desintegración de la familia. Película representativa del fascismo español, basada en una novela homónima de Francisco Franco, que la firmó con el seudónimo de Jaime de Andrade.

PREMIOS
1942: Sindicato nacional del espectaculo: Mejor película
1942: Venecia: Mejor película extranjera (Premio Mussolini)

CRÍTICA
- "Película mala por un guión indigesto de la miseria cultural de nuestra derecha, una miseria rancia, de ingle mal limpiada durante años, de ingle sin higiene donde se concentran los malos humores que recorren el cuerpo de Norte a Sur." (Manuel Vázquez Montalbán: El País)

- "Basado en una infumable novela del general Franco (que utilizó el seudónimo "Jaime de Andrade"), este es el título más característico del cine patriótico de la postguerra. Propone una idealizada introspección, entre la autobiografía y la política, en la personalidad del caudillo, cuya lectura psicoanalítica no deja demasiado bien parado al patético personaje. Como es lógico, en aquella época nadie leía a Sigmund Freud, ni el general ni los responsables de un film mediocre pero esclarecedor." (Fotogramas)

PUNTUACIONES
 
2,0 3,4 2,8
NOTA MEDIA: 2,7


PRESENTACIÓN EN "HISTORIA DE NUESTRO CINE"

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martes, 19 de enero de 2016

HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN

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Más cosas pendientes en el blog. La semana pasada ya hablábamos de la muerte de David Bowie dedicándole la entrada de El Ansia (The Hunger; Tony Scoot, 1983), pues bien, unos días después nos dejaba también a los 69 años de edad y por la misma enfermedad que Bowie, el también inglés Alan Rickman, reputado actor que se hizo sumamente popular por su papel de profesor Severus Snape en los filmes de Harry Potter pero que ya antes contó con el beneplácito del sector siendo una figura conocida por su papeles de malvado, en especial el de Hans Gruber en Jungla de cristal (Die Hard; John McTiernan, 1988), papel con el que sé estreno en el largometraje. Ha trabajado con varios directores y premiado como destacado actor secundario en películas tan dispares como Robin Hood, príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince of Thieves; Kevin Reynolds, 1991), Sentido y sensibilidad (Sense and Sensibility; Ang Lee, 1995), Michael Collins (Neil Jordan, 1996), Dogma (Kevin Smith, 1999), Love Actually (Richard Curtis, 2003), Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street; Tim Burton, 2007), o El mayordomo (Lee Daniels' The Butler; Lee Daniels, 2013). Rickman no sólo se dedicó a la interpretación si no que también apostó por la dirección teniendo en su filmografía dos cintas: El invitado de invierno (The Winter Guest; 1997) y A Little Chaos (2014), una pasión que tubo que dejar aparcada por la enorme implicación profesional que fue su participación en la saga del mago creado por J.K. Rowling.
Hoy no podía faltar pues esta pequeña referencia en el blog, y para ello he elegido una de las películas de la odisea que ha servido para que el actor inglés se haya convertido en todo un icono para muchos, la tercera entrega de la colección: Harry Potter y el prisionero de Azkaban.

Llega el tercer curso para Harry Potter y sus amigos en la escuela de magia Howarts. Este año arranca con un temor, Sirius Black, uno de los cómplices de Lord Voldemort acaba de escapar de la prisión para magos de Azkaban. Toda la escuela andará en alerta, pero en especial nuestro ya no tan pequeño amigo Harry Potter, el cual debe de andar con ojo, ya que Sirius Black irá a por él.

Después de dos cintas de carácter marcadamente infantil a cargo del prolifero (y familiar) Chris Colubus, el mexicano Alfonso Cuarón coge el testigo como director y se encarga de ofrecer un giro completo a la saga. Aunque no deja de lado un poco el pequeño tono infantil y de divertimento, dos señas de identidad siempre presentes en toda hasta la fecha, Cuarón apuesta por pasar la pubertad fílmica y darle otro sentido a la película.


De entrada nos topamos con algo visto en pocas ocasiones, que es cuándo un filme comercial y de pura explotación se convierte a la vez en todo un deleite de autor. Es imposible no ver la autoría de Cuarón durante todo el metraje, en los que travelings y desplazamientos de cámara llenos de expresión el autor deja su firma y convierte una secuela comercial en una cinta totalmente integrada en el resto de su filmografía.

Además, como buen filme inglés, esta tercera entrega toma las riendas de una herencia muy británica de uno de sus géneros más famosos, el terror gótico. El tono se torna mucho más oscuro y de un estilo noctambulo acercándose mucho más a las profundidades del texto de Rowling. Cuarón pues dio pie para que la saga diera un giro y se transformara en un producto mucho más oscuro y menos infantil que, sin abandonar el tono humorístico, consigue atrapar al espectador al cual va dirigido el producto y lo acompañe en toda su adolescencia y madurez, paso a paso. Toda un mérito para el director mexicano que sin ser él un súbdito de Isabel II ha conseguido dotar el filme de un tono mucho más británico y por supuesto dar pie a que la saga continúe sin que se derrumbe por el camino.

Efectos especiales impresionantes y evolución argumental y de los personajes mucho más trabajada, El prisionero de Azkaban es sin duda todo un eje para lo que está por llegar, y sin Alfonso Cuarón quizás no hubiésemos llegado a los ocho episodios (y lo que está por venir).

Aunque Harry Potter no sea ni de lejos lo mejor de Rickman, si ha sido toda una pieza clave en su trayectora, y ahora que nos ha dejado es un buen momento para que, los que todavía no lo hayan hecho, revisen sus otros trabajos y descubran que detrás de ese Snape había todo un artista de la interpretación.

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TÍTULO ORIGINAL Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (Harry Potter 3) AÑO 2004 DURACIÓN 137 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés, Parsel DIRECCIÓN Alfonso Cuarón GUIÓN Steve Kloves (Novela: J.K. Rowling) MÚSICA John Williams FOTOGRAFÍA Michael Seresin REPARTO Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, David Thewlis, Michael Gambon, Robbie Coltrane, Alan Rickman, Gary Oldman, Tom Felton, Timothy Spall, Emma Thompson, Maggie Smith, Pam Ferris, Mark Williams, Richard Griffiths, Robert Hardy, Matthew Lewis, Lee Ingleby, Dawn French, Julie Christie, Fiona Shaw, Oliver Phelps, James Phelps, Devon Murray PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / Heyday Films / 1492 Pictures

GÉNERO Fantástico. Aventuras. Drama
TEMÁTICA Magia. Viajes en el tiempo. Hombres lobo. Secuela. Saga

SINOPSIS
Cuando Harry Potter y sus amigos vuelven a Hogwarts para cursar su tercer año de estudios, se ven involucrados en un misterio: de la prisión para magos de Azkaban se ha fugado Sirius Black, un peligroso mago que fue cómplice de Lord Voldemort y que intentará vengarse de Harry Potter. El joven aprendiz de mago contribuyó en gran medida a la condena de Sirius, por lo que hay razones para temer por su vida.

PREMIOS
2004: 2 nominaciones al Oscar: Mejores efectos visuales, bso
2004: 4 Nominaciones Premios BAFTA, incluyendo mejor película británica
2004: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2004: 3 nominaciones Critics' Choice Awards: Actor joven, actriz joven, película familiar

CRÍTICA
+ "No sólo es esta deslumbrante entrega de lejos la mejor y más emocionante de las tres películas de Harry Potter hasta la fecha, es también un film que puedes ver incluso si nunca has oído hablar de la autora J.K. Rowling y de su jóven héroe mago." (Peter Travers: Rolling Sonte)

+ "Al final, 'Harry Potter y el prisionero de Azkaban' ofrece lo que ninguna de sus predecesoras tenía: realmente magia." (Steven Rea: Philadelphia Inquirer)

+ "Disfruta los sabrosos brebajes de brujería que Cuarón ha cocinado en su marmita de Harry. (...) Realmente fantástica." (Richard Corliss: Time)

+ "He aquí, finalmente, una película de Harry Potter que desarrolla todo su potencial: esto es, sencillamente, llena de vida." (Rene Rodriguez: Miami Herald)

+ "Una adaptación más profunda, más oscura, visualmente llamativa y emocionalmente más satisfactoria del fenómeno literario JK Rowling" (Michael Rechtshaffen: The Hollywood Reporter)

+ "La más hermosa de las aventuras. (...) Así, en los 142 minutos que dura la peripecia -que se hacen verdaderamente cortos- sigue presente el sentido del humor, las travesuras dentro del colegio Hogwarts para magos, los personajes entrañables (y también los menos). Una mezcla entre innovación y tradición tan sabia como efectiva.. aunque tal vez en esta parte se queden por el camino los admiradores más pequeños de la saga del joven aspirante a hechicero." (M. Torreiro: El País)


= "Visualmente deslumbrante y considerablemente más oscura que las adaptaciones anteriores, la historia resulta un poco inconexa, lo que resultará menos accesible a los que no conozcan a fondo todos los rincones del mundo de la autora JK Rowling" (Brian Lowry: Variety)

= "Este film puede decepcionar a algunos viejos dogmáticos Hogwartsianos: algunos pocos puntos del argumento han sido sacrificados, y Mr. Cuarón parece que no se preocupa mucho por Quidditch. Pero estos lapsus se compensan de sobra con su fuerza emocional y su garbo visual." (A. O. Scott: The New York Times)

= "¿Es el prisionero de Azkaban tan buena como las dos primeras? No lo suficiente. (...) necesita explicar más de lo que debiera. Pero el mundo de Harry Potter permanece siendo encantador, entretenido y sofisticado." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

PUNTUACIONES
 
6,5 6,8 7,8
NOTA MEDIA: 7,0


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domingo, 17 de enero de 2016

DEL REVÉS (INSIDE OUT)

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1. Globos de Oro

Ésta vez si llega el turno de echar un ojo a los premios de la prensa extranjera en Hollywood, es decir, los Globos de Oro. Este año Alejandro González Iñárritu destaca sobre el resto, algo que no consiguió el año pasado con la si premiada en los Oscar Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia) (Birdman or [The Unexpected Virtue of Ignorance]; 2014), con El renacido (The Revenant; 2015) que se ha llevado no solo el premio a mejor película, si no también el de mejor dirección y el de mejor actor protagonista en rol masculino para Leonardo DiCaprio. El mejor filme en la categoría comedia/musical ha ido a parar a manos de Marte (The Martian; Ridley Scoot, 2015), siendo el propio director sorprendido por llevarse el premio por una película que no pertenece al género cómico y mucho menos tiene momento musical alguno, el filme de Scott se llevó también el premio de mejor actor protagonista por comedia/musical para Matt Damon. Muchos se han atrevido a afirmar, y hay que dar fe de ello, que éste ha sido un estupendo año para los papeles femeninos en Hollywood, Brie Larson por La habitación (Room; Lenny Abrahamson, 2015) y Jennifer Lawrence por Joy (David O. Russell, 2015) han sido las mujeres que se han alzado con el premio a mejor actriz en las categorías de drama y comedia/musical respectivamente, siendo una sorprendida Kate Winslet la que se llevó el de mejor actriz de reparto por Steve Jobs (Danny Boyle, 2015) filme galardonado también con el premio de mejor guión. El último de los premios actorales dentro de las categorías cinematográficas ha ido a manos de Sylvester Stallone por su papel en Creed (Ryan Coogler, 2015), un premio que ha sido entregado más por su carrera como Rocky que por su interpretación en este spin-off. Otros de los premios destacados han sido el del mítico compositor italiano Ennio Morricone por su trabajo en el último filme de Tarantino Los odiosos ocho (The Hateful Eight; 2015), el de Del revés (Inside Out) (Pete Docter, Ronnie Del Carmen, 2015) como mejor filme de animación y la húngara El hijo de Saúl (Saul fia; László Nemes, 2015) como mejor película de habla no inglesa.

Entre las categorías para televisión destacan Mr. Robot (Niels Arden Oplev, 2015) como mejor drama, Mozart in the Jungle (Roman Coppola, Adam Brooks, Daryl Wein, Paul Weitz, Bart Freundlich, 2014) como mejor comedia y Wolf Hall (Peter Kosminsky, 2015) en la categoría de miniserie o película para televisión. En el apartado actoral tenemos a Jon Hamm en drama, última vez que lo consigue por la ya conclusa Mad Men (Matthew Weiner, 2007-2015), Gael García Bernal en la categoría de comedia por la ya citada Mozart in the Jungle, Oscar Isaac en la categoría de miniserie/tvmovie por Show me a Hero (David Simon, Paul Haggis, 2015) y Christian Slater como secundario en Mr. Robot. En el apartado femenino encontramos a Taraji P. Henson por Empire (2015) en drama, Rachel Bloom por Crazy Ex-Girlfriend (Rachel Bloom, Aline McKenna, 2015) en comedia, Lady Gaga –incomprensible como ya comenté en la anterior entrada- por American Horror Story: Hotel (Ryan Murphy, Brad Falchuk, 2015) como principal en miniserie y Maura Tierney secundaria en The Affair (Hagai Levi, 2014-).

Como siempre sucede en nuestro país, pocos filmes clasificados en estos premios suelen llegarnos a tiempo a nuestras salas, pocos lo hacen incluso para la ceremonia de los Oscar, así que es complicado llegar a comentar alguna de las cintas de la categoría de mejor película justo a tiempo para los Globos. Es por eso que en esta ocasión me centro en la indiscutible ganadora en la categoría animada, la cinta de Pixar Del revés (Inside Out). Dada la larga extensión del comentario sobre los Globos de Oro intentaré no alargarme demasiado.


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2. Del revés (Inside Out)


Ridley es una chica que destaca por su alegría, pero su vida va a dar un cambio que hará que su emoción más característica se vea afectada. El traslado de ciudad a causa del nuevo trabajo de su padre le hará perder a sus amigos, salir de su zona de confort y a sentirse sola, es por eso que poco a poco la tristeza irá ganando terreno al carácter alegre de la niña. Dentro de su cabeza, sus emociones: Alegría, Tristeza, Miedo, Ira y Asco, harán todo lo posible por conseguir que Ridley vuelva a ser la misma de antes. Tras un accidente, Tristeza y Alegría se perderán en la memoria de la muchacha, por lo que mientras intentan volver al centro de control, el resto de emociones deberán tomar las riendas.


Una vez más, y tras varios altibajos, Pixar vuelve ha marcar territorio con un filme que se sitúa a la altura de algunas de sus grandes obras como Wall-e (Andrew Stanton, 2008), Up (Pete Docter, Bob Peterson, 2009) o Toy Story 3 (Lee Unkrich, 2010). Del revés se convierte en otra de esas películas que emocionan a pequeños y grandes.

Aunque en esencia el filme presenta una animación infantil y sus protagonistas, Alegría y Tristeza, viven las típicas aventuras dónde conocerán nuevos personajes, deben superar problemas y crean vínculos entre ellas, al final la película está tamizada por todo un velo tan complejo que se convierte rápidamente en una cinta mucho más apta para el público maduro que al de menor edad (aunque eso no sea del todo así, como comentaré más adelante).

Detrás de todas esas aventuras se esconde una cinta que nos habla de las dificultades de la vida, y nos cuenta como debemos llevar nuestras emociones, pero ojo, lejos de cualquier manual de autoayuda a lo Bucay, centrándose en los cambios de ese paso de la infancia a la madurez. El filme intenta contarnos como de importante es escuchar nuestras emociones, nos advierte que si uno se siente triste no tiene por qué sonreír, sentirnos así tiene su razón de ser. Esforzar-se a ser feliz a la fuerza es negar lo evidente, eso nos puede llegar a desgastar, y es un aviso para los padres, instándolos a comprender mejor los sentimientos de sus hijos, al fin y al cabo, si Ridley termina en un colapso es por no afrontar la realidad, dado que sus mayores le imponen que debe sonreír como una obligación ante la nueva etapa de su disconforme vida. Eso implica un inevitable desgaste emocional que nos advierte que no hay que aparcar lo que sentimos -la tristeza en el caso de Ridley-, si no escuchar nuestras propias necesidades.


En el filme los recuerdos alegres, con el paso del tiempo, se vuelven tristes, algo fácilmente identificable como melancolía. Echar de menos esos buenos momentos: los primeros juegos con los amigos, el apoyo de la familia, las bromas, etc.; y comparándolos con los actuales: abandono de los viejos amigos, la ausencia familiar, la soledad, etc.; hace que Ridley se sienta triste, y eso no es malo, al contrario, debería de ayudar a saber lo que uno quiere.

Contar todo esto en un filme de animación es harto complicado y Pete Docter, con la ayuda de Ronnie Del Carmen y el texto de Michael Arndt, consigue transmitir lo que de entrada podría ser tan complicado en una película de corte convencional y especialmente dirigida a un público infantil.

Ese público de menor edad puede encontrar en Del revés una cinta divertida, llena de aventuras que les hará pasar un rato de lo más alegre, pero a su vez se les lanza un mensaje en el que se les cuenta como pueden contar con el apoyo de la familia en los momentos más difíciles, y aunque ese mensaje sea positivo contaré más adelante porqué es a la vez el error más grande del filme.

Si la hermosa animación no fuese suficiente, especial atención al estilo puntillista de las emociones, Del revés está repleta de escenarios de lo más imaginativos que la convierten en una joya. Pero quiero hacer especial hincapié en la secuencia dónde las emociones perdidas cruzan el pensamiento abstracto para llegar a su destino de modo más rápido. Ese instante es de unos niveles artísticos de lo más elevados, y toparse con ello en pleno metraje no hace más que sorprendernos gratamente al darnos cuenta del nivel artístico que esconden los creadores de la película.

Además de contar con unos protagonistas de lo más entrañables -no hay emoción que no nos caiga bien-, cuenta también con un secundario de lujo, el imaginario amigo de Ridley, Bing Bong. Esa (como él se define) mezcla de gato, elefante, delfín y algodón de azúcar podría convertirse fácilmente en uno de esos personajes odiados por generaciones, pero lejos de ello se presenta como un toque divertidísimo para la trama y protagoniza uno de los momentos más intensos de la película, sin duda el más emotivo, y el que va dirigido directamente a esa perdida de la inocencia que fue parte central en Toy Story 3.

Pero como ya he adelantado, la película esconde algo un tanto oscuro que no puede pasar desapercibido. Pixar es una compañía que deberíamos considerar fresca e incluso progresista en el sentido más amplio, pues en Wall-e nos enseñó a luchar contra el capitalismo en una muestra de auto-crítica y en Up nos mostró que a veces las familias pueden ser todo lo contrarío a un apoyo o por contra estar compuestas por personas que acaban de llegar a nuestra vida. Por eso sorprende ver como en Del revés apuestan por una familia tan de carácter patriarcal que estremece. Y no es solo por toparnos con unos padres heteronormativos, si no por ver como toda la familia debe sacrificarse por el bien del progenitor, el encargado de mantenerlos, una mujer de la que desconocemos trabajo alguno a parte de estar pendiente del camión de la mudanza, y cuyos caracteres son tan tópicos que asustan (terrible escena la de la cena en la que nos introducimos por primera vez en sus mentes). A estas alturas, que alguien del nivel de Pixar haga algo así debería ser una ilusión, pero parece que a la filial de la Disney le queda mucho recorrido en ese campo para acercarse a la sinceridad de por ejemplo la joven productora animada Laika, que no tiene un solo filme en sus filas que luche contra esa imposición.

Por otro lado, en un filme que se supone ayuda a los infantes a encontrar el apoyo familiar para superar sus problemas, asusta que solo encuentre la solución en un esquema hogareño cada vez más obsoleto, pues para los que no cuenten con tal cuadro en sus hogares podrían incluso sentirse decepcionados en sus vidas. Un tema muy peliagudo que creo que no han sabido tratar muy bien dado los tiempos que corren.

Por lo demás decir que tenemos delante una película excelente y de lo más disfrutable. Una suerte que los estudios del flexo vuelvan a encarrilar su filmografía después de un par de descarrilamientos suicidas. 

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TÍTULO ORIGINAL Inside Out AÑO 2015 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Pete Docter, Ronnie Del Carmen GUIÓN Michael Arndt (Historia: Pete Docter) MÚSICA Michael Giacchino VOCES ORIGINALES Amy Poehler, Phyllis Smith, Richard Kind, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Kaitlyn Dias, Diane Lane, Kyle MacLachlan PRODUCTORA Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures 

GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia
TEMÁTICA  Infancia. Familia. Cine familiar. Pixar. 3D

SINOPSIS
Riley es una chica que disfruta o padece toda clase de sentimientos. Aunque su vida ha estado marcada por la Alegría, también se ve afectada por otro tipo de emociones. Lo que Riley no entiende muy bien es por qué motivo tiene que existir la Tristeza en su vida. Una serie de acontecimientos hacen que Alegría y Tristeza se mezclen en una peligrosa aventura que dará un vuelco al mundo de Riley.

PREMIOS
2015: Premios Oscar (Por entregar): Nominada a mejor film animado y guión original
2015: Premios BAFTA (Por entregar): Nominada a mejor film animado y guión original
2015: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2015: Globos de Oro: Mejor filme de animación
2015: Premios Annie: 14 nominaciones incluyendo Mejor película y dirección
2015: National Board of Review (NBR): Top 10, Mejor largometraje de animación
2015: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2015: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
2015: Críticos de Los Angeles: Nominada a Mejor largometraje de animación
2015: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo Mejor largometraje de animación
2015: Critics Choice Awards: 3 nominaciones incluyendo mejor película animada

CRÍTICA
+ "Un concepto asombrosamente original, que no sólo deleitará y entretendrá al inmenso público de Pixar, sino que promete también cambiar para siempre la manera en la que las personas piensan acerca de la manera en la que piensan otras personas" (Peter Debruge: Variety)

+ "Aunque no será una rival para sus mejores películas, es una obra de entretenimiento inteligente y visualmente innovadora (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "'Inside Out' es una absoluta delicia - divertida y encantadora, ágil y llena de sorpresas. También es una defensa de la tristeza, un argumento a favor de la necesidad de una melancolía vestida con los brillantes colores del entretenimiento." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "En el transcurso de todo este año, no habrá probablemente otra película americana tan preocupada por mirar al interior, y tan interesada por los elementos de una vida significativa, como 'Del revés'" (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

+ "Dirigida con una gran elegancia y un ritmo perfecto, llena de geniales efectos visuales, repleta de interpretaciones vocales de primera categoría, emocionantes aventuras y momentos inolvidables, 'Del revés' es un clásico instantáneo" (Richard Roeper: Chicago Sun-Times)

+ "Te reirás, y llorarás. Pixar está en la cima de su poder alcanzando el corazón con esta conmovedora y alegre historia sobre la adolescencia. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Otra preciosidad de Pixar. (...) En 'Del revés' todo posee el aroma del clasicismo. Su sentido visual deslumbra, su comicidad y su humor tendrían poder de contagio hasta con un iceberg, su ternura conmueve" (Carlos Boyero: El País)

+ "Prodigiosa obra maestra (...) la mejor película [de Pixar] hasta la fecha (...) una exhibición de imaginación, inteligencia y humor pocas veces contemplado" (Luis Martínez: El Mundo)

+ "Es original, sorprendente, apuesta por esa melancolía que ya exhalaba 'Toy Story', y aúna un guion inmenso con una gloriosa imaginería (...) ha sido recibida en Cannes con una enorme ovación" (Gregorio Belinchón: El País)

+ "Es una obra maestra absoluta (...) Es una película densa y conceptual de una ligereza que alegra el día. Es cine que existe para hacernos felices" (Sergi Sánchez: La Razón)

+ "La lluvia de ideas y de ingenio, de guiños y de gags que llaman a la reflexión sobre infinidad de temas es constante y apabullante, convirtiendo 'Del revés' en una obra imprescindible en el estante de manuales para tratar de conocernos mejor." (Philipp Engel: Fotogramas)

+ "Es tan divertida, lúcida, creativa, trascendente y emotiva como la mejor que haya hecho nunca esta maravillosa Compañía (...) Es casi imposible explicar con mayor lucidez lo que nos sustancia como personas, y de un modo tan sencillo" (E. Rodríguez Marchante: ABC)

+ "Es una película sobre la pérdida de la inocencia, sobre el final de la infancia, sobre la tristeza y felicidad que conlleva. Es una película que abraza la nostalgia. Es brillante" (Irene Crespo: Cinemanía)

+ "No todo son chistes y hallazgos visuales. En el fondo, 'Intensa-Mente' explora la complejidad del sentimiento humano, sobre todo en el trance por el que atraviesa Riley, quien está a punto de dejar de ser niña." (Leonardo García Tsao: La Jornada)

+ "Una gran fábula que nos indica que la farsa del mundo feliz es insostenible porque no puede haber felicidad si marginamos las otras emociones." (Àngel Quintana: Caimán Cuadernos de Cine)


- "Inside out es pues una lúdica, hermosa y contundente exaltación del orden establecido, y al que sin miedo alguno debemos poner los adjetivos patriarcal y capitalista. (...) Divertimento sí, brillante sin duda, pero con un tufillo que nos demuestra que para Pixar el tiempo parece seguir moviéndose de acuerdo con el reloj que un día diseñó, y no sabemos si congeló, Walt Disney. (Octavio Salazar: El Huffington Post)

PUNTUACIONES
 
8,5 7,9 8,3
NOTA MEDIA: 8,2


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martes, 12 de enero de 2016

EL ANSIA

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Hoy tocaría una reseña referente a la entrega de los Globos de Oro concedidos la pasada noche del domingo, pero por la repentina muerte de David Bowie merece la pena dejar los galardones para más adelante y dedicarle a él la entrada de hoy.

El polifacético artista de origen británico era sobradamente conocido por su música, pero también por su relación con el mundo del arte, la moda, la literatura y especialmente con el cine. Un todo que se conjugó en un mundo propio y que lo alzó convirtiéndolo en una figura de lo más icónica. Además de su participación musical en cintas de importante calado histórico, artístico, social y/o de culto como pueden ser C.R.A.Z.Y. (Jean-Marc Vallée, 2005), El beso de la pantera (Cat People; Paul Schrader, 1982), Dentro del laberinto (Labyrinth; Jim Henson, 1986), Cuándo el viento sopla (When the Wind Blows; Jimmy T. Murakami, 1986) o en varias de las obras de Leos Carax, Bowie también destacó como actor en alguna de ellas o en otras de igual calado como su primera interpretación en un largometraje para la cinta de culto El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth; Nicolas Roeg, 1976), Feliz Navidad, Mr. Lawrence (Senjo no Merry Christmas [Merry Christmas Mr. Lawrence]; Nagisa Oshima, 1983), La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ; Martin Scorsese, 1988), Twin Peaks: fuego camina conmigo (Twin Peaks: Fire Walk with Me; David Lynch, 1992), El truco final (El prestigio) (The Prestige; Christopher Nolan, 2006) o la ópera prima (y seguramente mejor filme) del difunto Tony Scoot: El ansia (The Hunger, 1983), cinta con la que hoy le rindo homenaje.

Miriam es una elegante vampiresa residente en Manhattan. En su lujosa casa vive con su pareja John, y ambos pasan la eternidad disfrutando de las cosas bellas que les ofrece la vida. De repente John envejece a gran velocidad y buscará la ayuda de una especialista llamada Sarah sin mucha esperanza. Inevitablemente Miriam y Sarah sentirán una fuerte atracción entre ellas conduciéndoles a las más profundas tinieblas del deseo.

Adaptación libre de la novela homónima de Whitley Strieber que se suma al cambio de carácter del cine vampírico, dándole un enfoque más contemporáneo siguiendo la estela de novelas también adaptadas a la gran pantalla como Soy leyenda de Richard Mathenson, El misterio de Salem's Lot de Stephen King o Entrevista con el vampiro de Anne Rice. De este modo, El ansia, se convierte en uno de los ejes más importantes para este cambio que no abandona el sabio estilo impulsado por el viejo conde Drácula, si no que lo actualiza.

Tony Scott, hijo del videoclip y la publicidad, dota de un tono esterilizado a su película, algo que le mereció abundantes críticas al marcar su obra como de una estética vacua, pero lejos de ello, es precisamente esa decisión la que convierte su película en una obra interesante, de merecido título de culto. Su arranque da fe de ello.


Bajo la tonada de Bela Lugosi's Dead de Bauhaus, Scott nos ataca con una secuencia inicial que nos pone en sintonía con lo que está por venir, y que con una coreografiada puesta en escena musical nos lo cuenta todo sobre nuestros vampiros protagonistas: Sus deseos, como es su vida, la relación entre ellos y nos adelanta algunos de sus secretos. Pero la música de Bauhaus no está sola, con ella aparece otra que es en esencia la que se encarga de definir a los personajes y su relación, ésta vez es Schubert con su Trio In E-Flat, Op. 100. Música melancólica, trágica en segmentos, como la propia vida de Miriam, y es por eso que son los temas más clásicos los que se encargan de irnos acompañando durante el metraje para añadir fuerza narrativa al guión del filme.

 

En definitiva, lo que Scott nos enseña es un arranque con un montaje de unos seis minutos brillante, que bajo el prisma de lo experimental y a la vez de lo comercial, nos sorprende y nos hechiza.

Lo mejor sin duda de El Ansia son sus personajes, principalmente Miriam. Interpretada por una siempre estupenda Catherine Deneuve, de corte gélido, belleza incomparable y porte distante. Toda un icono del vampirismo en si misma que incluso ha sido emulada en la quinta temporada de la serie American Horror Story: Hotel (Brad Falchuk, Ryan Murphy, 2011- Actualidad), serie cuyo eje central convierte el filme de Scott en una clara referencia, y a Lady Gaga en una emulación de esa suprema Catherine Deneuve, aunque lejos de alcanzar su grandeza interpretativa -por mucho (e incomprensible) Globo de Oro que quieran darle por esa actuación-. Todo un referente para el cine vampirico posterior, un ente que a pesar de su frío carácter se convierte en un ser polisexual lleno de erotismo, un erotismo siempre presente en la película, algo muy bien heredado del cine anterior. Quién tiene difícil sobresalir es David Bowie, pues lo que más destaca en su papel es el inmenso trabajo de caracterización al que es sometido, brillante, digno de el mayor de los presupuestos, merece realmente un aplauso, pues consigue que lleguemos a pensar que Bowie abandona el papel para cedérselo a un actor totalmente distinto, brillante. Un trío no estaría completo sin un tercero, y es Susan Sarandon la encargada de cerrarlo. Con un papel que no es ni de lejos el mejor de su carrera, Sarandon convence en el que sí es uno de los papeles más comentados, pues el trabajo sin tapujos que ofrece en las escenas más intensas junto a Deneuve es simplemente perfecto.

El transcurso de El Ansia se pasa bajo un ritmo algo irregular, pero que se sustenta con el desarrollo argumental del mismo. La gran apuesta del filme es hablarnos de esa ansiada juventud eterna, la frialdad que rodea a todo lo que puede relacionarse con esa idea y lo trágico de lo que podría llegar a comportar. Scott convierte el ansiado deseo de la inmortalidad en una verdadera maldición. Nos habla del amor prohibido, del imposible, del egoísmo y a última instancia ejerce de cañón sobre la libertad sexual, tan de moda en su década. 

El Ansia es en definitiva no solo un interesante ejercicio de estilo, si no también un filme de género que se atreve a traspasar a los temas más profundos, una cinta cuyo título de culto tiene bien merecido y que merece ser reivindicada.

Nada más, a disfrutarla y de paso dedicar un adiós de todo corazón al gran David Bowie.

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TÍTULO ORIGINAL The Hunger AÑO 1983 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos, Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Tony Scott  GUIÓN James Costigan, Ivan Davis, Michael Thomas MÚSICA Michael Rubini & Denny Jaeger FOTOGRAFÍA Stephen Goldblatt & Tom Mangravite REPARTO Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon, Cliff De Young, Willem Dafoe, Beth Ehlers, Dan Hedaya, Suzanne Bertish, Bessie Love, Bauhaus PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Peerford Ltd.


GÉNERO Terror. Drama. Romance
TEMÁTICA Vampiros. Homosexualidad. Película de culto. LGBTIA

SINOPSIS
Miriam Blaylock colecciona no sólo arte del Renacimiento y colgantes del Antiguo Egipto sino, sobre todo, amantes y almas. Moderna y elegante, Miriam es una vampiro intemporal residente en Manhattan, una mujer bendecida con la belleza y maldecida con su sed de sangre.

PREMIOS
1984: Saturn Awards: 2 nominaciones: Mejor vestuario, mejor maquilaje

CRÍTICA
- "Visionar una película como 'El ansia' ('The Hunger', Tony Scott, 1983) es como contemplar uno de esos aburridos cuadros en los que la perfección plástica ahoga el alma de la obra, sin que ésta llegue a transmitir absolutamente nada." (Alberto Abuín: Blog de cine)

+ "Por la fascinante perspectiva que aporta al mito. Por las brillantes actuaciones. Por la elegancia de la puesta en escena y una fotografía y montaje que aún ahora sorprenden. Por todo... hay que redescubrir este film y emplazarlo donde se merece: película de culto donde las haya." (Arantxa Acosta: El espectador Imaginario)

- "El film sirve como ejemplo de ese cine de los años ochenta, muy moderno en su día pero que ha envejecido bastante mal. Más allá de la estética y de su desaprovechado reparto de lujo, el film no tiene mayor interés." (Luis Cifer: Las críticas de Luis Cifer)


+ "Nos encontramos ante un título mítico del género, y también ante una de las películas más importantes y hermosas del género vampírico, una interesante vuelta de tuerca a la clásica historia de vampiros chupasangres y que sin duda marcó una época y una forma de concebir este tipo de cine, tanto por su aportación al mito (gracias a la obra de Strieber) como por algunas escenas antológicas que permanecen indelebles en la memoria del aficionado." (Luis Fernando Rodríguez Romero: El gabinete del Doctor Lynch)

PUNTUACIONES
 
7,0 6,3 6,6
NOTA MEDIA: 6,6


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