martes, 30 de junio de 2015

CHILDREN 404

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Quizás no me sorprende mucho ver como hoy hay gente que, al ver como se sigue celebrando el Día del Orgullo LGTBI, llegue a preguntarse a que viene tanto alboroto, pues los hay que incluso llegan a considerar que ya están lo suficientemente normalizados, entonces ¿para qué un día para ellos?, o mejor aún ¿qué tal un día del orgullo heterosexual? A la segunda pregunta la respuesta es tan obvia que quién se atreva a realizarla debería simplemente sentir vergüenza por ello, pero para la primera, a parte de googlear un poco, se pueden ver películas como Children 404 en el Atlántida Film Fest (AFF) de este año, para darse cuenta del mucho recorrido que nos queda para esa entendida normalización, pues si en nuestro país, aunque cada vez en menor medida, todavía existe gente que padece esa enfermedad llamada homofobia, en el resto del mundo podemos encontrar lugares dónde la homosexualidad es considerada no solo una enfermedad, si no un delito castigado con cárcel e incluso la muerte. No hace falta retroceder mucho en el tiempo para recordar la polémica de la nueva ley anti-gay que Putin dejó lista antes de celebrar los juegos olímpicos en Rusia, la cual condenaba cualquier forma de propaganda gay, dejando claro que era una norma que se aplicaba especialmente a favor de la protección de los niños. Algo que el documental de hoy pone en duda.

Yelena Klimova crea un grupo en la red social rusa Vkontakte llamado Children-404 para compartir os testimonios de jóvenes que acaban de descubrir su orientación sexual y sienten el rechazo de sus semejantes, un portal que busca dar ayuda a esos niños y niñas. El filme entrevista a cuarenta y cinco de esos jóvenes para descubrir como es su vida, especialmente después de la puesta en marcha de esa injusta ley.

Children 404 es una película, ya de entrada, arriesgada. Y no solo por el entorno en la que se ha gestado, si no por el uso del sonido y la imagen que se le decide dar. Ya que el filme se compone de entrevistas y reflexiones, la mayoría de ellas anónimas, Askold Kurov y Pavel Loparev, creadores del mismo, deciden abandonar el esquema de viejo reportaje de entrevistas, dotando a su película de un tono 2.0 que acerca muy bien a uno de los principales espectadores del filme: los jóvenes. El resto, aquel espectador preparado para un filme denuncia, no encontrará problema alguno para entrar en ese juego.

La película es una triste reflexión no solo de como las personas que no entran en los cánones heteronormativos son vejadas con total impunidad en un país desarrollado, si no que los que se atreven a maltratarlos están cubiertos por una legislación que les premia. De como los menores, a los cuales se presume proteger, ven su vida como un infierno, y deben tragar con el odio, esconderse en las sombras, huir de su país e incluso alguno preferir la muerte. Un relato en primera persona muy acertado para una película de clara y necesitada denuncia.

Que Filmin haya apostado por la Sección (anti)propaganda en el AFF de este año, y haya incluído una película de estas características es una decisión más que acertada, pues muchos de esos que todavía no logran entender los motivos de una celebración como el orgullo, encontrarán alguna que otra respuesta en un filme tan necesario como Children 404.

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TÍTULO ORIGINAL Deti 404 (Children 404) AÑO 2014 DURACIÓN 70 min. PAÍS Rusia IDIOMA Ruso DIRECCIÓN Askold Kurov, Pavel Loparev GUIÓN Askold Kurov, Pavel Loparev FOTOGRAFÍA Askold Kurov, Pavel Loparev REPARTO Elena Klimova, Anna Pozogina, Marina Razbezhkina, Ivan Lebedev, Vlad Ketkovich, Valentin Tkach, Yana Ziferblat, Igor Iasine, Andrey Borodin, Mikhail Grishin, Maxim Bondarenko, Irina Appolonova, Nicholas Klinovsky, Natalya Bodrova, Jan Wesenberg PRODUCTORA Cinema Politica

GÉNERO Documental
TEMÁTICA Homosexualidad. Cine social. LGBTIA

SINOPSIS
En 2013 el presidente ruso Vladimir Putin aprobó una ley que prohíbe la ‘publicidad entre los menores de relaciones sexuales no tradicionales’, según la cual, a los jóvenes de orientación LGTB se les considera enfermos, degenerados y personas anómalas. Los psicólogos, profesores e incluso padres que les presten su apoyo pueden ser objeto de sanciones y penas de cárcel. Cuarenta y cinco adolescentes y preadolescentes rusos comparten sus historias a través de entrevistas anónimas y videodiarios donde explican con detalle las vejaciones y discriminaciones que sufren. así como el coraje con el que se enfrentan a sus acosadores. Sus testimonios se han recogido a través de Internet en lo que se denomina Proyecto Niños-404, en referencia un mensaje de error frecuente en la web. El fundador de este grupo de apoyo lucha dentro del sistema por atraer la atención de la opinion pública y suscitar la empatía con las víctimas de este odio promovido desde el gobierno, mientras que el activista Pasha decide que tendrá que abandonar su país para ver cumplido su deseo de encontrar novio y llevar una vida normal. ¿Acaso ha entrado Rusia en una nueva Edad de Piedra?

PREMIOS
2014: Hanburgo: Premio politico.
2014: AFF: Sección (anti)propaganda.

CRÍTICA
+ "El debut de Kurov y Loparev expone las vivencias de cuarenta y cinco damnificados por la ley anti-propaganda y el cierre de “Children 404”. Esta temeraria ópera prima pone de manifiesto la realidad de decenas de nuevos proscritos que, ahora, deberán luchar solos sin la ayuda que les proporcionaba la desmantelada asociación clandestina." (Carlos Mosegui: Otros cines Europa)

+ "Una película impactante" (Jordan Adler: Toronto Film Scene)

PUNTUACIONES
 
6,5 -,- 7,3
NOTA MEDIA: 6,9


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miércoles, 24 de junio de 2015

THE BLUE HOUR

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Seguimos en el Atlántida Film Fest (AFF) con el filme tailandés The Blue Hour (Onthakan; Anucha Boonyawatana, 2015), curiosa película de temática homosexual, muy acorde a estos días, que sorprende en varios aspectos.

Tam es un chico incomprendido en su casa y víctima de abusos escolares por su condición, lo que le convierte en un muchacho solitario hasta que conoce por Internet a Phum, con quién tras un primer encuentro sexual, mantendrá una relación amorosa que llevará a nuestro protagonista a cometer el más atroz de los crímenes.

The Blue Hour se presenta velozmente como una película melancólica y triste sobre las dificultades de un muchacho que, debido a su condición sexual y a la situación familiar en la que vive, se ve abocado a la soledad. La película de partida, a pesar de no presentar nada novedoso fuera de su país de origen, se entona interesante y con un tono que la convierte en una pequeña y delicada cinta de romance y tristeza. Algo con lo que ya podríamos sentirnos satisfechos. Pero el filme de Boonyawatana no pretende ser tan solo eso, y a medida que avanza el metraje nos esperan varias sorpresas que van a descolocar por completo aquello que podríamos esperar de su cinta.

Siendo un filme Tailandés, no sorprendería de entrada la incursión mística puesto que es algo muy recurrente en la filmografía del país, pero tras los primeros fotogramas de The Blue Hour es imposible llegar a pensar que la cinta va a ir por esos caminos, muy a pesar de que se nos anticipe con una historia de fantasmas. Los giros con los que el director nos espera nos dejan totalmente sorprendidos y aunque hay que reconocer que esa es la mejor baza del filme por contra juega a que nos sintamos confusos, y podamos llegar a odiar la película por no comprender hacía dónde se dirige. Pues The Blue Hour apuesta por interiorizarse con su protagonista, y el giro que toma va muy acorde al estado anímico de un personaje complejo, del que es fácil ir distanciándose. Esa introspección logra agotar por completo al espectador, por eso se convierte en una arma de doble filo con la cual el filme me divide por completo, sintiendo atracción y animadversión a partes iguales. De todos modos, y aunque al final quede algo desconcertado y aburrido, se agradece una apuesta tan arriesgada, que rompa por completo los esquemas al uso de cualquier filme de esta índole.

Uno de los factores que más me han cautivado es sin duda la fotografía y puesta en escena del filme, pues en cada segmento se encarga de definir muy bien la situación en la que se encuentra su protagonista. De entrada nos topamos con unos tonos pastel, algo melancólicos, que acompañan muy bien la presentación de Tam, el ritmo y los encuadres están plenamente cuidados y el resultado es realmente perfecto. Sin darnos cuenta el giro dramático y de género va acompañado por un cambio en la imagen que se llena de ese tono nocturno que toma protagonismo en el título de filme, y sigue así evolucionando en los vaivenes narrativos. Un logro más que positivo dadas las circunstancias presupuestarias de la película.

Así, al final, The Blue Hour es un filme interesante, que aunque corre el peligro de ser incomprendido, no se siente en absoluto una perdida de tiempo. Pues a pesar de que al final podamos terminar extremadamente perdidos, el resultado es más que aceptable.

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TÍTULO ORIGINAL Onthakan (The Blue Hour) AÑO 2015 DURACIÓN 97 min. PAÍS Tailandia IDIOMA Tailandés (Thai) DIRECCIÓN Anucha Boonyawatana GUIÓN Anucha Boonyawatana, Waasuthep Ketpetch MÚSICA Chapavich Temnitikul FOTOGRAFÍA Chaiyapruek Chalermpornpanich, Kamolpan Ngiwtong REPARTO Atthaphan Poonsawas, Oabnithi Wiwattanawarang, Djuangjai Hirunsri, Panutchai Kittisatima, Nithiroj Simkamtom, Chaowalit Teangsap PRODUCTORA G Village / 185º Equator

GÉNERO Drama. Romance. Intriga
TEMÁTICA Adolescencia. Homosexualidad. Sobrenatural. Crimen. Acoso escolar. LGBTIA

SINOPSIS
Tam es un chico solitario que sufre bullying en su colegio. En casa, su padre, que trabaja en el ejército, siempre le pega. Su madre y su hermano no confían en él. Un día, Tam conoce por internet a Phum, un misterioso chico. Deciden quedar en una piscina abandonada. Se acuestan juntos y empiezan a salir, una relación que lleva a Tam a cometer el mayor crimen de su vida.

PREMIOS
2015: AFF: Sección Oficial a concurso

CRÍTICA
+ "Notable película con un inquietante ritmo cadencioso y con un tercio final muy sorprendente (aunque se vea venir). Dos personajes que parecen flotar en un mundo solitario." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

= "Buenas actuaciones y aspectos técnicos, pero en cuanto a trama la película es un vaivén de géneros que te acaban confundiendo. Aún así, merece la pena echarle un vistazo." (María José Díaz-Maroto: Pandora Magazine)

+ "Las atmósferas, perfectamente trabajadas, funcionan y consiguen atraparte, y zambullirte con los personajes hasta eses último final de liberación." (Miguel González: Revista Magnolia)


- "Una cinta que tiene un puñado de virtudes que acaban diluyéndose de la misma manera que se diluye la historia provocando que el espectador deje de comprender lo que está viendo y, por ello, acabe perdiendo el interés por ella." (Pinguirina: Los guiltys de Pinguirina)

PUNTUACIONES
 
6,0 5,8 6,4
NOTA MEDIA: 6,1


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martes, 23 de junio de 2015

LUNÁTICO

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Después de varios filmes fallidos parecía que la Sección Oficial del Atlántida Film Fest (AFF) contenía películas que, a pesar del alto nivel de experimentación fílmica, no alcanzaban a ser obras muy a tener en cuenta en cuanto a resultados finales. La programación de este año se estaba comenzando a convertir más en una tortura que no en un disfrute fílmico, una pena para un festival tan prometedor y de referencia como es el AFF. Pero por suerte no todo está perdido, por fin una luz ha alumbrado todo el festival, pues tras el visionado el primer filme como director de Eduard Sola, Lunático, la pereza de seguir con el festival ha desaparecido, pues si todavía quedan obras tan notables como ésta oda familiar, la muestra puede seguir prometiendo, y mucho.

Eduard Sola decide rodar un documental sobre sus abuelos Eduardo y Rosario acompañándolos en su día a día y entrevistándolos para saber como se conocieron. Un acercamiento especialmente a la figura de su abuelo, uno hombre de pueblo aficionado a los inventos con el cual Eduard descubrirá un gran secreto que esconde y que hará tambalear su situación familiar.

Sola no es nuevo en el mundo del cine catalán, pues ya ha destacado por sus buenos guiones en otras ocasiones y con películas que a pesar de presentar claros y diferenciados estilos, siempre han conservado una seña muy concreta de Sola, que apuesta por un relato algo melancólico y muy humano. Hablo de películas como la interesante y nada rutinaria Tots els camins de Déu (Gemma Ferraté, 2014) o la sobradamente conocida Barcelona, nit d’estiu (Dani de la Orden, 2013) o su secuela en producción Barcelona, nit d’hivern (Dani de la Orden, 2015). Pero es la primera vez que Sola se coloca a la cabeza de una película en vez de hacerlo con el texto y el resultado no podía ser mejor.

Lunático arranca como un filme documental en el que el propio director participa en pantalla. Una película que no tarda en conquistarnos gracias a sus dos personajes principales, Eduardo y Rosario, los entrañables y naturales abuelos del propio director. En la película rápidamente reconocemos un estilo cercano, y sus primeras intenciones se hacen claras. Nos encontramos ante un filme que busca un acercamiento a nuestros mayores, a reconocer nuestras propias raíces, una película sobre el amor a pesar de tiempo y el amor a pesar de la distancia generacional. Pero por si eso no fuese suficiente, Lunático da un giro para contarnos todo esto de un modo muy distinto, a través de unas ideas deslumbrantes dónde la colaboración de todos los implicados en pantalla se hace simplemente imprescindible.

El director echa mano de la mezcla ficción/realidad para hablarnos de ese amor que sus abuelos sienten, de ese respeto que él mismo siente por ellos, y del giro de tornas que suele presentarse cuándo los hijos pasan a ser los que están a cargo de sus padres, un momento en la vida en el que descubrimos como a veces se antepone la cordura y el miedo, ante la libertad, muy a pesar de que ello sea por el bien de los implicados, ya que no deja de ser una decisión triste.

No es de extrañar que con éstas formulas, la película nos mantenga atentos durante toda su duración, pues es imposible no sentirse atraído por su cercanía. El tono que Sola da a Lunático es muy propicio a ello, pues el director apuesta por las situaciones en las que, como la vida misma, hay sitio para el humor, la melancolía, el drama, la tristeza o la intriga. Un espiral emocional que da pie a que los espectadores nos emocionemos junto a sus protagonistas y quedemos prendados con lo que vemos en pantalla.

Sin lugar a duda Lunático se ha convertido en mi favorita para postularse con el premio a mejor filme de la Sección Oficial en los Blogos de Oro de otorgamos para AFF, aunque queda mucho por ver, y existe todavía algún que otro filme prometedor.

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TÍTULO ORIGINAL Lunático AÑO 2014 DURACIÓN 73 min. PAÍS España IDIOMA Español, Catalán DIRECCIÓN Eduard Sola GUIÓN Eduard Sola, Mireia Ubero MÚSICA Adri Mena, Gerard Pastor FOTOGRAFÍA Ricard Canyellas, Clara Civit REPARTO Eduardo Guerrero, Rosario Delgado, Carmen Flores, Adela Ayala, Eduard Sola PRODUCTORA ESCAC Films

GÉNERO Drama. Ciencia Ficción
TEMÁTICA Comedia dramática. Falso documental. Vejez. Familia. Cine dentro del cine. Vida rural

SINOPSIS
En un pueblo en el campo catalán viven los abuelos andaluces de Eduard Solà. "Lunático" documenta lo que podría ser una historia más de inmigración, amor mutuo y trabajo duro, sino fuera porque el abuelo de Solà es inventor. Es así como en sus ratos libres y a lo largo de toda su vida, el abuelo ha dado vida a toda clase de invenciones disparatadas y de utilidad dudosa: desde unas pinzas luminosas para tender por la noche, a una máquina de tocar el violín. Sólo que, pronto descubriremos, el abuelo tiene una invención que gana por goleada a todas las demás. Y que puede llevarle (y llevarnos) más allá de la estratosfera.

PREMIOS
2015: AFF: Película a concurso.

CRÍTICA
+ "Una de las más agradables sorpresas del Atlántida Film Fest, una pequeña joya que nos recuerda cómo las pequeñas cosas pueden dar grandes películas, cómo en los personajes más cotidianos y las historias más insignificantes podemos encontrar héroes y épicas hazañas. Una película realizada no sólo con un buen hacer técnico sino con mucho corazón, tanto que sabe trascender la pantalla. Recomendable." (Enoch: Raven Heart)

+ "Pequeñas realizaciones como ésta demuestran que lo difícil no es disponer de millones para relatar algo grande y vacío, si no tener talento para que algo humilde y cercano cale tan hondo como para remover algo en tu interior." (Javi: Cine de Patio)

+ "Lunático es un homenaje del director a sus abuelos, una muestra de que el verdadero amor existe, un canto a la persecución de los sueños y a vivir de ilusiones sin importar la edad, una muestra de amor incondicional, una película totalmente recomendable." (Azu Pereira: Criticas en 8 mm.)

PUNTUACIONES
 
8,5 6,7 -,-
NOTA MEDIA: 7,6


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miércoles, 17 de junio de 2015

BEYOND CLUELESS

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Siguiendo con AFF voy hoy con un documental: Beyond Clueless, cinta aclamada por la crítica teen. Revistas de moda y tendencias como Dazed & Confused o I-D, que aunque no se centren en el público más juvenil, se suscriben a un estilo de vida muy cercano al que se describe en el filme de hoy. Lo que hace que se entienda fácilmente esa entrega total a la película de Charlie Lyne.

Beyond Clueless es un recorrido fílmico a través de los filmes sobre adolescentes de estas dos últimas décadas. Un viaje de veinte años a través de doscientas películas americanas que han jugado durante mucho tiempo con los más fuertes tópicos de la generación High School.

Charlie Lyne crea un estudio muy exhaustivo (o no) de todo lo que el cine para adolescentes nos ha contado a las generaciones más jovenes (entiéndase hasta los 30 más o menos), y aunque se echen de menos algunos ya más lejanos filmes clave de los 80, en los que la juventud estudiantil también viene muy bien reflejada, en realidad a Lyne no le hace falta retroceder tanto para confeccionar una película que intente adentrarse en todos aquellos temas que se supone mueve al sector social más joven.

Así Lyne echa mano de los más sonados y repetidos tópicos para construir una película que intente entender como es la adolescencia según el cine yankee, intentando creer real aquello que se nos cuenta. Pasando por películas clave, aunque muchas de ellas (que no todas) nefastas, como Jóvenes y brujas (The Craft; Andrew Fleming, 1996), Sé lo que hicisteis el último verano (I Know What You Did Last Summer; Jim Gillespie, 1997), El caramelo asesino (Jawbreaker; Darren Stein, 1999), EuroTrip (Jeff Schaffer, 2004) o Donnie Darko (Richard Kelly, 2001). Lyne construye un mundo de temores y sueños de un relieve muy marcado, factores que hemos visto millones de veces en decenas de películas.

Es normal que la película llama la atención completa a la juventud, que o bien se verá reflejada en los distintos planteamientos del documental, o bien alejada, pero siempre cercana a los recurrentes planteamientos que se nos ofrecen. La otra banda del público que capta, es sin duda a los que hemos crecido o pasado la etapa de la pubertad junto a los cines y/o videoclubes, devorando más de una de las cintas que Lyne utiliza en su juego metalingüístico.

El elaborado y acertado montaje, así como la incorporación de una banda sonora muy al tono de lo narrado, y lo mejor de todo, la narración a cargo de la actriz Fairuza Balk (una de las protagonistas de la ya mencionada Jóvenes y brujas), una voz realmente cautivadora, hacen de Beyond Clueless una película bien ejecutada y de un material más que interesante, único y casi mágico. Y es eso precisamente lo que logra que la película sea una cinta a tener en cuenta, especialmente para la generación Tumblr.

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TÍTULO ORIGINAL Beyond Clueless AÑO 2014 DURACIÓN 89 min. PAÍS Reino Unido DIRECCIÓN Charlie Lyne GUIÓN Charlie Lyne MÚSICA Summer Camp REPARTO Fairuza Balk PRODUCTORA Charlie Lyne

GÉNERO Documental
TEMÁTICA Documental sobre cine. Adolescencia. Colegios/Universidad

SINOPSIS
Película collage  sobre el cine adolescente y juvenil de los ochenta y noventa, un viaje al mundo del cine 'teen' a través de 200 clásicos modernos. De "Jóvenes y Brujas" a "Chicas Malas" pasando por "Se lo que hicisteis el último verano", narrada por la estrella del teen Fairuza Balk.
 

"Beyond Clueless" es un vertiginoso viaje a la mente, cuerpo y alma de las películas adolescentes, revisitadas a través de 200 clásicos modernos que exploran el tema del "coming of age". El documental pone los institutos retratados por Hollywood en el punto de mira con la misión de entender las vicisitudes del género. ¿Es "Jóvenes y Brujas" la guía definitiva para sobrevivir en la adolescencia? ¿Puede "El Diablo metió la mano" ilustrar los horrores de la pubertad? ¿Y qué mensaje subyaciente esconde "Eurotrip"? Todas estas preguntas y muchas más serán reveladas mientras "Beyond Clueless" lleva a los espectadores por el engañoso mundo adolescente de Hollywood.

PREMIOS
2014: SXSW: Nominada la premio de la audiencia
2014: Hawaii International Film Fest: Nominada a mejor película europea.

CRÍTICA
+ "El análisis apasionado pero incierto de Lyne sobre el género 'teen' tiene el aire de un documental de naturaleza. (...) Su pasión por el género es evidente, y sus teorías son presentadas con un rigor que muestra el respeto que él siente que se las cintas se merecen. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Henry Barnes: The Guardian)

+ "Un producto documental interesante, a veces divertido, a veces realista, peroy muy americano, con grandes dosis de fantasía y maravillosamente narrado por Fairuza Balk." (María José Díaz-Maroto: Pandora Magazine)

+ "Beyond Clueless es un más que interesante documental y Charlie Lynne una voz a la que seguir por lo punzante e irónico de sus opiniones, todo un descubrimiento el que nos ha traído el Atlántida Film Fest." (Óscar: Todo desde mi sofá)

PUNTUACIONES
 
6,0 6,3 6,2
NOTA MEDIA: 6,2


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martes, 16 de junio de 2015

DÉMONTABLE

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Después de las reseñas de los apartados digamos "gordos" del Atlántida Film Fest (AFF): Dos disparos (Martín Rejtman, 2014) para la Sección Oficial, y Buzzard (Joel Potrykus, 2014) para la Sección Atlas; llega el turno de una de las nuevas propuestas que Filmin se ha aventurado a añadir para este año, la sección de cortometrajes. Démontable es el primero que he visto del grupo de diez cortos que la distribuidora Marvin & Wayne ha elegido para el festival.

Mientras una persona anónima toma un café y lee el periódico con normalidad, una guerra en miniatura aparece en la mesa atacando a todo aquello rutinario. Helicópteros, metralletas, cazas... La batalla no cesa.

El holandés Douwe Dijkstr construye a través de la experimentación cinematográfica una pieza de doce minutos en el que se sienta a reflexionar como aquellas guerras que nos parecen lejanas atacan directamente a nuestra cotidianidad. Principalmente el filme se centra a mostrarnos como la batalla se cuela en nuestro mundo supuestamente aislado a través de los medios de comunicación, aunque la reflexión nos invite a ir mucho más allá al ver como la impasibilidad del anónimo hombre del salón nos muestra como a pesar de poder conocer los echos, estos no nos afectan en absoluto, pudiendo seguir nosotros con nuestras propias vidas.

En esos doce minutos Dijkstr no se deja conducir por la simpleza, y en un ejercicio meta-cinematográfico nos insta también a reflexionar sobre lo absurdo de algo construido bajo unas bases nada solidas, en dónde no se corta a mostrar-nos los croma que utiliza para las yuxtaposiciones de sus imágenes, como construye las armas, o como él mismo se presta a representar cualquiera de los papeles según los intereses. Algo muy extrapolable a la realidad que demuestra como el autor es capaz de construir un filme interesante dentro del campo de la experimentación, y sin necesidad de un metraje demasiado largo.

Démontable es un buen filme, e incluso me atrevería a decir que es de lo mejor que he visto hasta la fecha en AFF. Seguiré con el maratón a la espera de nuevas sorpresas.

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TÍTULO ORIGINAL Démontable AÑO 2014 DURACIÓN 12 min. PAÍS Países Bajos (Holanda) IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Douwe Dijkstra GUIÓN Douwe Dijkstra MÚSICA Rob Peters FOTOGRAFÍA Douwe Dijkstra REPARTO Douwe Dijkstra PRODUCTORA Voor Film

GÉNERO Acción. Bélico. Animación
TEMÁTICA Cine experimental. Cortometraje

SINOPSIS
La guerra se libra en la mesa de la cocina mientras un hombre bebe café, helicópteros atacan su diario, un dron dispara a un brócoli: un juego sobre la absurda relación entre vida cotidiana y noticias globales. El mundo está en llamas. 

PREMIOS
2014: Festival Internacional de Cortos de Hamburgo: Nominado a mejor cortometraje.
2014: Rotterdam: Selección oficial

CRÍTICA
+ "Fácilmente, ¡una de las mejores películas experimentales del año!" (Tim Lukas Leinert: Filmfestival Oberursel)

+ "La mejor manera de describir la locura medíatica de la guerra que todos los días vivimos directamente en nuestra mesa de la cocina. 12 minutos cargados para provocar reflexión, sorprendernos y a la vez: un cine entretenido." (Sven Schwarz: Cineuropa)

+ "Tan absurdo como brillante.[...] Sencillamente sublime el ejercicio de Douwe Dijkstr, un cortometraje más que recomendable." (Maria José Maroto García: Pandora Magazine)

PUNTUACIONES
 
6,5 -,- 6,0
NOTA MEDIA: 6,3


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viernes, 12 de junio de 2015

DOS DISPAROS

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Lo que más me gusta del Atlántida Film Fest (AFF) es que en muchas ocasiones te acerca a filmografías desconocidas, a nombres a los que anteriormente no habías tenido acceso, incluso aunque estos mismos en su país ya sean harto conocidos. Un buen ejemplo es lo que me ha pasado con Dos disparos del cineasta argentino Martín Rejtman.

Mariano regresa a su casa después de andar toda la noche bailando en la discoteca, una vez allí se mete en la piscina a dar unas brazadas, para más tarde ponerse a cortar el césped. Cuándo la cortadora sufre una avería y Mariano busca las herramientas para arreglarla se encuentra con un viejo revolver. Con él sube a su habitación y se pega dos disparos, uno en la cabeza y otra en el estomago.

A pesar de la novedad que es para mi Rejtman, y aunque Dos disparos no sea un filme nada catalogable, no es difícil reconocer reconocer enseguida los conceptos que mueven su filmografía. La naturalidad y la calma son características que mueven a sus apáticos personajes, seres que conviven entre situaciones y espacios absurdos. Unos esquemas muy precisos los cuales no es de extrañar que sean motivo recurrente en las películas del argentino, pues conforman un modo de hacer cine muy característico, y muy distante del cine más clásico. 

Parte de esa seña tan marcada reside en su guión, un texto para nada centrado en los esquemas que podrías encontrar en un manual de escritura, pues Rejtman escribe lo que le apetece, no por hacerlo de mal modo, si no por hacérselos suyos propios, construyendo un microuniverso único y de difícil comparación. Así -a pesar de la pequeña sinopsis que os he dado-, no existe ningún protagonista, si no una serie de personajes que irán construyendo las ideas del director a través de sus situaciones vividas. Algo así como aquellos libros en que nos hacían elegir que queríamos que sucediese a medida que avanzaba el relato, creando siempre nuestra propia aventura.

Y todas esas situaciones podrían justificarse por varios motivos: uno, por la fuerza de la casualidad, la cual consigue interconectar todos esos seres que deambulan por la pantalla, unas casualidades que aunque sean las detonantes no están ahí solo para cumplir con la unión narrativa, si no que se quedan impresas en los momentos que posteriormente van a ir viviendo esas personas. Otro de los motivos, y muy ligado al anterior, es por el causa/efecto, aquel que una cosa lleva a la otra y te encuentras con que la evolución de tal o cual personaje es debido a una suma de acontecimientos. Por último, podríamos pensar en todos los personajes como pequeños engranajes, que hacen girar un sistema dónde, aunque ellos no lo sepan, cumplen una función específica para mover un sistema autoconstruido. O más que una construcción ligada a un propio universo, a una estampa, pues Rejtman no se esconde del retrato que hace de la clase media de su país, e incluso para que negarlo, del sistema social global.

Un sistema que el autor percibe con unos personajes que viven en el aburrimiento eterno, en un estado totalmente abulico, y como no, en la eterna soledad, de ahí que el arranque del filme, en el que vemos a Mariano bailando solo, más tarde en el bus sin hablar con nadie, al entrar en casa y encontrarla vacía... Una serie de situaciones que no precisan de la ausencia del resto para demostrar esa soledad, ya que en el resto del filme continuaremos viendo esa influencia aunque la pantalla esté plagada de personajes. Y aunque ellos compartan situaciones y en ocasiones parezca que rompan con ella, al final no tardaran en estar de nuevo como al principio, solos.

Ese estado hace que el plantel actoral necesite de una fuerza única para transmitir el estado suspendido constante de los personajes, algo muy difícil de tratar, que incluso de entrada podemos percibir como confuso y artificial, pero que poco a poco vamos asimilando con el paso de la cinta.

No nos vamos a engañar, Dos disparos es algo así como un canto al aburrimiento, y al principio del metraje nos puede parecer poco atractivo y sin mucho sentido, pero a medida que avanza, y en especial a partir de la mitad del metraje, la película va apoderándose de nosotros y el interés por esos personajes alcanza una cuota de empatía que es difícil no sentir aquello que en realidad no nos cuentan con palabras, y es ese estado apático que andaba comentando. A partir de esa mitad necesitamos seguir atentos a lo que va a ir pasando, pues nos preguntamos hacía dónde va a llevarnos este cruce de situaciones e historias, como va a terminar todo esto, a dónde van a ir sus caminos y los nuestros.

Aunque podamos catalogarla como una comedia, es difícil llegar a reírse con ella, pues sus puntos cómicos son de un absurdo no creado para nada, si no para reforzar esa vacuidad y ese nivel de incoherencia en el que vivimos constantemente. Buen ejemplo de ello son las dos escenas con el psicoanalista, cada cual más irrisoria.

Aunque no sea un filme redondo, y para que negarlo, de entrada algo pesado. Al final el visionado de Dos disparos es bastante agradecido, pues nos sentiremos satisfechos al poder ver una cinta que apunta unas maneras tan propias de hacer cine, un relato para nada recurrente y un estilo poco visto. Ya por eso Dos disparos es un buen filme.

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TÍTULO ORIGINAL Dos disparos AÑO 2014 DURACIÓN 105 min. PAÍS Argentina, Chile, Alemania, Holanda IDIOMA Español DIRECCIÓN Martín Rejtman GUIÓN Martín Rejtman MÚSICA Diego Vainer FOTOGRAFÍA Lucio Bonelli REPARTO Susana Pampín, Rafael Federman, Benjamín Coelho, Manuela Martelli, Walter Jakob, Camila Fabbri, María Inés Sancerni, Fabián Arenillas, Claudia Cantero, Daniela Pal, Laura Paredes, Mariel Fernández PRODUCTORA Ruda Cine / Jirafa Films / Pandora Films / Waterland / Fortuna Films

GÉNERO Comedia. Drama 
TEMÁTICA Historias cruzadas

SINOPSIS
Una madrugada, Mariano, un adolescente de 16 años, encuentra un revólver en su casa y, sin pensarlo, se dispara dos veces. Sobrevive. Dos disparos es la historia sobre cómo Mariano y su familia reaccionan a esta situación.

PREMIOS
2014: Festival de Locarno: Selección de largometrajes a concurso
2014: Festival de San Sebastián: Sección oficial (Horizontes latinos)

CRÍTICA
= "Una dramedia casi inclasificable (...) Rejtman no va realmente a ninguna parte con el concepto, pero hay suficiente habilidad y entretenimiento para captar la atención del público" (Jay Weissberg: Variety)

- "A veces, la contemplación implasible de lo mundano no es Jarmuschiana. A veces, es simplemente aburrida" (John DeFore: The Hollywood Reporter)

+ "Un melodrama asordinado, pero que luego va abandonando la tragedia y se va embebiendo de ese humor absurdo y agridulce tan particular que sólo admite un adjetivo calificativo: rejtmaniano." (Diego Batlle: Diario La Nación)

+ "Rejtman presenta personajes a una velocidad inusitada y su particular concepción del cine brilla como nunca." (Javier Porta Fouz: Diario La Nación)

+ "Rejtman no baja línea, no intenta marcar la cancha, sino todo lo contrario, la deja libre. Y ese es su desafío, nuestro desafío." (Horacio Bilbao: Diario Clarín)

PUNTUACIONES
 
6,5 6,1 6,4
NOTA MEDIA: 6,3


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miércoles, 10 de junio de 2015

BUZZARD

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Arrancamos con Atlántida Film Fest (AFF) con una propuesta que ya pudo verse antes en Barcelona de la mano de Americana Film Fest: Buzzard, cinta con la que Americana inauguraba su última edición, pase al cual, por desgracia, no pude acudir. Apareciendo en ambos festivales debía ser una propuesta interesante a la fuerza.

Marty se aburre en su monótono trabajo temporal y subsiste a través de pequeñas artimañas que encuentra en los vacíos legales de su banco, mintiendo en su empleo, o aprovechando cualquier oportunidad para sacar lo que sea. Su vida sigue a un ritmo lento, hasta que una de esas trampas le sale mal, y no solo puede que le cueste el empleo, si no que puede buscarse problemas mayores. Así Marty decide no aparecer por su casa y su trabajo durante un tiempo, escabulléndose ya sea en casa de un amigo o en hoteles y/o pensiones, dependiendo de su estado monetario.

Y aunque las referencias previas apuntaban a Buzzard -película independiente que cierra una trilogía creada por Joel Potrykus- hacía el estrellato, en realidad el filme queda lejos de alzarse como la propuesta más interesante de AFF. Vayamos por partes.

De entrada nos topamos con una propuesta que ya de entrada apunta maneras, no deja dudas en que busca romper esquemas, el filme no quiere parecerse a nada, necesita su propio sello, y a pesar de las inevitables las influencias (e incluso las referencias claras del filme), consigue asentarse como una cinta única dejando de lado esas influencias de cineastas como Michael Haneke en su agresividad -Funny Games (1997)- o Solondz con sus personajes desencantados y perdedores -Dark Horse (2011), por citar un par.

De este modo, Potrykus, crea una película que nos habla sin rodeos sobre la generación que nació en los 80/90, una generación que ha quedado anclada al pasado, necesitada de sus referentes juveniles, incapaz de madurar y adaptarse al sistema social que hemos creado. Una generación eclipsada por la alargada sombra de la sobreprotección de unos padres que han luchado por su bienestar, pero que han creado unas criaturas incapaces de subsistir por ellos mismos, ya sea por la actual situación socio-económica o por no haber estado lo suficientemente preparados para afrontar lo que la vida les depara.

Potrykus sabe lo que quiere presentarnos y sabe como hacerlo. Las múltiples referencias a mitos de los 80 como Freddy Krueger o la Nintendo NES se encargan de situar a nuestro protagonista y a alguno de los secundarios, la relación con la familia, el estado laboral y la soledad que rodea a Marty son realmente lo que da fuerza y credibilidad a una historia algo trillada, que se basa en el exceso y juega con un humor algo difícil, pero que se sustenta de todas todas.

El problema del filme aparece hacía la mitad del mismo, cuándo la película poco a poco va convirtiéndose en un Déjà vu constante, no consigue llegar a ninguna parte, y aunque esa sea seguramente una de sus intenciones, al final el resultado es hastiante y poco hueco. Algo nada agradecido para el espectador, pues a pesar de que una de los mejores momentos del filme sea cuando el protagonista pide un plato de pasta, pues define muy bien la situación del personaje y nos lo acerca a nosotros lo máximo posible, es realmente un punto dónde la película ya ha perdido toda su fuerza y se convierte en un producto que no para de perder interés, incluso muy a pesar de un final que intenta terminar de la mejor de las maneras, pero para entonces ya estamos deseando ver los títulos de crédito y despedirnos para siempre de Marty y sus chorradas.

Así que al final, y muy a pesar de las buenas ideas, el filme no cumple con las expectativas, y se convierte en tan solo un intento de reflejo social de formas muy distintas a las que el cine nos puede tener acostumbrados, una lástima, ya que en Buzzard podríamos haber encontrado una película mucho mejor.

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TÍTULO ORIGINAL Buzzard AÑO 2014 DURACIÓN 97 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español (Algunas palabras) DIRECCIÓN Joel Potrykus GUIÓN Joel Potrykus FOTOGRAFÍA Adam J. Minnick REPARTO Joel Potrykus, Joshua Burge, Jason Roth PRODUCTORA Sob Noisse Movies

GÉNERO Drama
TEMÁTICA Cine independiente USA. Comedia dramática. Trabajo/Empleo

SINOPSIS
Marty es un trabajador temporal que se aburre en su monótona oficina y que cree que se merece algo mejor en su vida. Por ello, poco a poco se ha ido convirtiendo en un estafador de poca monta. Cuando su último fraude le sale mal, entra en un estado de paranoia y decide esconderse. Primero en el sótano de su compañero de trabajo y luego en un barrio desolado de Detroit. Allí, dependiendo del dinero que pueda conseguir, se alojará en un hotel de lujo o en un sucio motel. Pronto su paranoia se transformará en un estado de nihilismo puro en el que se sentirá invencible.

PREMIOS
2014: Americana Film Fest: Premio del jurado joven.
2014: Little Rock: Nominada a mejor película.
2014: Locarno: Mención especial del jurado joven.

CRÍTICA
+ "Una gélida alegoría cuyo antihéroe es, al mismo tiempo, atractivo y repulsivo" (John DeFore: The Hollywood Reporter)

+ "La tercera entrega de la trilogía anijmal de Joel Potrykus se revela tan fascinante como desconcertante" (Ronnie Scheib: Variety)


= "Buzzard bebe de la vulgaridad y se siente orgullosa de ser una obra fea. Tan fea que o la aplaudes entre carcajadas o te pasas la película pendiente del móvil en busca de algo más interesante." (Guillem Casals: Dentro de la sala)

- "Buzzard se queda en un film de bajo presupuesto que, sabedor de ello, prefiere explotar esa condición a intentar cuidar un poco algunas de sus puestas en escena y encuadres o diálogos e interpretaciones (destacando, eso sí, la de los dos protagonistas, por cierto de ellos el propio director). Y claro, tanta cutrería, sin venir acompañada de un gancho, acaba convirtiéndola en aburrida, aunque su primera mitad sea bastante disfrutable." (Arantxa Acosta: Cine Divergente)

- "Buzzard ni bizarra ni punky ni nada por el estilo. Un intento de ser diferente que se queda a medio camino. Una lástima." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

PUNTUACIONES
 
5,0 6,1 6,4
NOTA MEDIA: 5,8


TRAILER


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