sábado, 31 de enero de 2015

THE IMITATION GAME (DESCIFRANDO ENIGMA)

Descubrepelis

Parece que una de las películas candidatas al Oscar, ha abierto una brecha olvidada para los ingleses. Benedict Cumberbatch, que da vida a Alan Turing en The Imitation Game (Descifrando Enigma), junto al actor Stephen Fry, han mandado una carta abierta al Gobierno inglés, así como a los Duques de Cambride, pidiendo que el país pida perdón a los 49.000 homosexuales que han sido condenados por su orientación sexual. La Reina Isabel II concedió el perdón a Turing en 2013, un gesto que no es suficiente para un país considerado democrático y donde la igualdad de derechos justo ahora empieza a alcanzarse. Sin lugar a dudas, la popularidad del filme y el gesto de los actores, hacen que sintamos más interés sobre la vida del matemático que ha cambiado nuestra forma de vida, y es por eso que esta película dirigida por Morten Tyldum y candidata a ocho premios Oscar, se hace hoy un hueco en el blog.

Alan Turing, un joven y brillante matemático, es puesto en cabeza de un equipo secreto destinado a descifrar los mensajes secretos que la máquina Enigma que los Nazis utilizan para pasar su información durante la II Guerra mundial. El trabajo de Turing y su equipo se convierte en clave para el giro de una guerra que los ingleses empezaban a dar por perdida. Pero lejos de ser convertido en un héroe, Turing termina siendo investigado por su condición de homosexual.

Ya hace unos días os hablé del documental Codebreaker (Britain's Greatest Codebreaker; Clare Beavan, Nic Stacey, 2011), el cual ya nos ofrecía todos los datos sobre la vida del importante matemático. En The Imitation Game se intentan construir algunos de los momentos claves de esa vida, centrándose sobretodo en la construcción de la máquina capaz de romper el código Enigma, para acercar al público la interesante figura de Turing.

Tyldum, el director, convierte este filme en uno de esos biopics que se pueden englobar en el grupo de esas películas que son buenas por el simple relato que nos cuentan. Eso no hace ningún favor a The imitation Game, ya que una película de ficción no puede sostenerse tan solo por sus ideas, si no que necesita de muchos otros elementos que la hagan grande. Alguno de ellos tiene, pero a modo global no consigue explotarlos hasta el punto de convertirse en una obra imprescindible, ni mucho menos.

Aunque el filme construya muy bien el personaje de Turing, que se refuerza por la interpretación de Cumberbatch, y los detalles importantes de su vida estén representados dentro del metraje, parece que lo único que se consigue es que simplemente sean eso: detalles, cuándo en realidad cosas importantes de su vida sean poco exploradas para terminar de construir una figura que despierte del todo el interés del espectador. En ese aspecto, parece un error centrarse especialmente en una sola etapa de su vida, dejando el resto menos exploradas, siendo otras las que quizás hubiesen sacado mayor provecho del personaje. Pero la decisión de la temporalidad da, por contra, motivos reivindicativos a la película ya sea por la figura del homosexual marginado o por la reivindicación feminista de la que se aprovecha el personaje interpretado por Keira Knightley. Unas reivindicaciones algo maniqueas, pero que al fin y al cabo nos acercan a la realidad de una época, en la que poco importaba la capacidad de una persona si esta era de un género considerado inferior o de una orientación sexual no aceptable.

Así nos encontramos más que con un biopic, con una película que relata un momento concreto de la vida del matemático, la cual se utiliza para contar un relato más sobre unas reivindicaciones que sobre la poco conocida figura de Turing.

Si al menos Tyldum nos hubiese obsequiado con una realización más atrevida, que se alejase de los clasicismos más aburridos ya fuese por el ritmo, las planificaciones o el montaje, el filme hubiese logrado asomar un poco más de originalidad y frescura en una historia que se presenta en un envoltorio demasiado soso y repetitivo.

Por suerte, ahí están los actores para dar un poco de vida al asunto, y es sobretodo el polifacético Benedict Cumberbatch el que se encarga de potenciar lo mejor de la película. Cumberbatch parece entender muy bien la psique de un personaje algo complejo, del cual no solo copia tics y maneras de ser, si no que se lo hace suyo y convence por completo con su interpretación. También está Desplat y su música, para dar algo de vida al conjunto del filme, componiendo unas canciones que se encargan de llevar todo el ritmo de la película, algo que el director no consigue hacer por si solo, y que necesita de las marcas sonoras para avanzar sin precipitarse.

En conclusión, The Imitation Game es una película algo simple, y que no alcanza el nivel deseado sobre el personaje tan interesante que nos plantea. Así que se convierte en una sencilla aunque amena cinta que promete más de lo que ofrece. De este modo, si lo queréis es pasar un rato de entretenimiento algo más complejo que el que pueden ofrecer un blockbuster palomitero, el filme de Tyldum es más que aceptable, si por contra lo que buscáis es una verdadera obra que nos sorprenda con la figura de Turing, os recomiendo mejor el documental producido por Channel 4 Codebreaker, que en menos tiempo ofrece mucho más material sobre su figura, y de más fácil asimilación.

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TÍTULO ORIGINAL The Imitation Game AÑO 2014 DURACIÓN 114 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Morten Tyldum GUIÓN Graham Moore (Libro: Andrew Hodges) MÚSICA Alexandre Desplat FOTOGRAFÍA Óscar Faura REPARTO Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Charles Dance, Matthew Goode, Matthew Beard, Allen Leech, Tuppence Middleton, Rory Kinnear, Tom Goodman-Hill, Hannah Flynn, Steven Waddington, Alex Lawther, Jack Bannon, James Northcote, Ancuta Breaban, Victoria Wicks PRODUCTORA The Weinstein Company / Black Bear Pictures / Ampersand Pictures

GÉNERO Drama. Thriller
TEMÁTICA Biográfico. II Guerra Mundial. Años 40. Años 50. Homosexualidad. Histórico

SINOPSIS
Biopic sobre el matemático británico Alan Turing, famoso por haber descifrado los códigos secretos nazis contenidos en la máquina Enigma, lo cual determinó el devenir de la II Guerra Mundial (1939-1945) en favor de los Aliados. Lejos de ser admirado como un héroe, Turing fue acusado y juzgado por su condición de homosexual en 1952.

PREMIOS
2014: Premios Oscar: 8 nominaciones incluyendo Mejor película y director
2014: Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película - Drama
2014: Premios BAFTA: 9 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del público)
2014: National Board of Review: Mejores 10 películas del año
2014: Satellite Awards: 8 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: Sindicato de Actores (SAG): 3 nominaciones, incluyendo Mejor reparto
2014: Critics Choice Awards: 6 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Críticos de Chicago: 3 nominaciones, incluyendo Mejor actor (Cumberbatch)

CRÍTICA
= "Un pretencioso biopic británico sobre el prodigioso matemático (...) Alan Turing, servido con un buen gusto tan infalible (...) que cada tragedia personal y cada triunfo profesional llega justo a tiempo y sin siquiera un pelo fuera de lugar." (Scott Foundas: Variety)

+ "La principal fuerza de la película es Cumberbatch, un gran actor cuyo talento brilla aquí en sus cotas más altas. Es una actuación explosiva, emocionalmente compleja. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una película apasionante y conmovedora que cuenta con una destacada interpretación de Benedict Cumberbatch, digna de Oscar (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)


= "Es demasiado reacia a sumergirse en el quid de la cuestión (...) Pero por encima de todo está Cumberbatch, cuyo carisma (...) y talento a la hora de mostrar una mente que nunca descansa (... ) ayuda a crear un retrato totalmente creíble del genio en el trabajo." (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Es una historia maravillosa sobre ciencia y humanidad, con una gran interpretación de Benedict Cumberbatch, además de ser cine de primer nivel" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

- "Turing sobrevivirá a su película con su enigma intacto, pero la película en sí misma es lo opuesto a lo enigmático y Cumberbatch merece más" (Anthony Lane: The New Yorker)

+ "Un thriller soberbio y un digno biopic de un héroe real (...) un impresionante debut del guionista Graham Moore y uno de los puntos álgidos de la carrera de Benedict Cumberbatch en la gran pantalla (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Dan Jolin: Empire)

+ "Es una triste y desgarradora historia que te mantiene clavado a la butaca durante sus 114 minutos de metraje (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Rex Reed: The New York Observer)

+ "Un thriller apasionante y conmovedor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Mark Kermode: The Guardian)

+ "'The Imitation Game' encuadra con eficiencia la vida de éxitos y tragedias del hombre considerado como padre de la informática moderna (...) un triunfo para Cumberbatch" (Lou Lumenick: New York Post)


= "Irregular, pero aún así en ocasiones relevante, la película, por supuesto, nos recuerda no sólo el daño a largo plazo de los secretos y las mentiras, sino también el doloroso sufrimiento personal de Alan Turing." (Rodrigo Perez: Indiewire)

= "Piel suntuosa y algunos tópicos. (...) No se puede decir que la película sea original ni tampoco todo lo contrario. Funciona." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "La película tiene poco de enigmática, pero forma un andamiaje dramático perfecto. Algo nada fácil de conseguir, pero tampoco brillante. Y Turing, siempre arriesgado, merecía más audacia y menos fórmula." (Javier Ocaña: Diario El País)

= "El principal problema es que tiene una historia demasiado amplia que contar. (...) esplendoroso segmento central (...) Mención extraordinaria para el trabajo de Cumberbatch (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

PUNTUACIONES
 
6,5 7,3 8,2
NOTA MEDIA: 7,3


TRAILER


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martes, 27 de enero de 2015

INTO THE WOODS


La Disney prosigue con su odisea de adaptar a la pantalla los cuentos de siempre pero bajo un tono más oscuro y adulto. A pesar de centrarse de lleno en las reinterpretaciones de sus propios clásicos, si buscaban un texto que ejemplifique ese espíritu, tarde o temprano tenían que llegar la obra de culto (aunque desconocida para muchos, a pesar de que en nuestro país hemos podido disfrutarla) Dentro del bosque. Una obra escrita por James Lapine bajo la música de Stephen Sondheim en 1986, que entrecruza en su relato a diferentes protagonistas de los cuentos para contarnos que sucede después del final feliz. Esta nueva propuesta de Disney la dirige Rob Marshall convirtiéndose ya en todo un recurrente del cine musical, adaptando el guión el propio Lapine, y la música el mismísimo Sondheim. El resultado de Into the Woods, bajo estas referencias, debería ser estupendo, ¿pero ha sido realmente así?

El panadero y su esposa, victimas del hechizo que lanzó a sus padres la malvada bruja vecina, no pueden tener hijos, y si quieren disolver el encantamiento deberán ir al bosque a por cuatro ingredientes que necesita la bruja par volver a alcanzar su aspecto original. Allí se cruzarán con Caperucita Roja, Cenicienta, Jack y Rapunzel, entre otros personajes de cuentos clásicos y juntos intentarán alcanzar su propio final feliz.

Lo indicado sería no llegar a comparar la obra cinematográfica con el libreto teatral original, pues ambas disciplinas tienen sus propios elementos claves para llegar al público, pero el filme de Disney, ha conseguido un resultado tan irregular, que se hace imposible no hacer esa comparación, para terminar de entender cuales son los fallos que han echo de esta prometedora cinta un desastre.

Al igual que la obra original, el filme se divide en dos segmentos. El primero nos cuenta las aventuras de sus protagonistas, los cuales intentarán por todos los medios conseguir sus objetivos, un relato divertido que se centra en entrecruzar argumentos para satisfacernos. En esta primera parte, poco parece que afecta el recorte de canciones y tramas, así como el modo descafeinado con el que la Disney censura las valientes ideas del texto original, pues las tramas sobre temas peliagudos, nada aptos para el público infantil, desaparecen por completo (pederastia, sexo, violencia, venganza...), intentando conseguir la preciada clasificación para todos los públicos que siempre necesita la productora del ratón Mickey. Pero olvidándonos de eso nos encontramos que la película de Marshall es entretenida, alegre, dicharachera... Hasta que llegamos a la segunda parte.

En esta otra mitad de la obra, es cuando la obra cobra el verdadero sentido, y nos ofrece una visión amarga (aunque siempre bajo el tono satírico de la comedia negra) de la realidad, contándonos que más allá del final feliz la vida sigue, y que ni los personajes de los cuentos se salvan de los momentos más amargos. La película de repente se transforma en un sinsentido, el argumento pierde fuelle y se convierte en una adaptación mal hecha, que omite cosas importantes (como la muerte de varios personajes) y se pierde narrativamente despistándonos a todos. Al final no sabemos que narices está pasando, los vacíos argumentales se hacen demasiado evidentes, y la película se deshincha hasta dejarnos realmente desinteresados.

Dos son los grandes problemas del filme. El más evidente es la difícil adaptación de una obra que se presta demasiado al gag visual y los juegos de palabras, a la más clásica puesta en escena y la teatralidad más pura para hacernos reír y disfrutar. Eso es algo que se pierde por completo al traspaso a la pantalla, y la divertida esencia de la obra desaparece. En ese aspecto seguramente hubiese sido más acertado un tono más satírico, como se hizo en la película de culto La princesa prometida (The Princess Bride; Rob Reiner, 1987), pero está claro que no es el tono más apropiado para un blockbuster. El segundo problema es la mala decisión de infantilizar una obra que precisamente triunfa al dinamitar cualquier intento de sueño infantil. El resultado es una película que se queda a medio camino, que el público menor aburrirá y no entenderá, y que el adulto aborrecerá por completo. Un aviso para que la Disney se ponga las pilas, y si quiere apostar por un cine más adulto, que no se quede a media hasta (el problema será que los números del boxoffice no les ayudarán a darse cuenta de ello).

Al final todo queda en una película demasiado blanda, que levita en un limbo entre varias fuerzas que no ha conseguido alcanzar, dónde ni la vitalidad del género musical salva del mayor de los desastres. Pocas son las cosas que llegan a salvar el filme, y adecentarlo de un modo, que al menos nos pueda parecer una película entretenida y amena.

El más evidente es el diseño artístico. Todo en Into the Woods ha sabido captar la esencia de la magia de esos cuentos clásicos, y nos ha sabido llevar a un sitio lleno de luz, pero sobretodo, de oscuridad. El otro son las interpretaciones. Una serie de actores que (salvando alguna excepción) demuestran una versatilidad interpretativa al dar vida a sus personajes y poner voces a las canciones (aunque sesgadas) de la mejor de las maneras. Aunque muchos se emperren en decir que Meryl Streep es lo mejor del conjunto, al final no es complicado darse cuenta que lo único que la hace destacar es la decisión por parte de los creadores de darle más importancia de la que tiene, eclipsando al resto del plantel que tiene mucho más que ofrecer. Así, Streep solo destaca por eso, ya que su interpretación de bruja queda lejos de cualquiera de sus grandes papeles, y en realidad lo único que nos ofrece en el filme son unas exageradas miradas y unos histriónicos movimientos constantes, y ni tan siquiera los intentos de darle momentos dramáticos de gran fuerza sirven, ya que el desinflado guión no se presta a ello. Así, es mejor fijarse en el resto del reparto para darse cuenta de lo bien que hacen su trabajo algunos de los actores (ya sean niños o adultos), así quizás disfrutaremos mucho más del filme.

En definitiva, si queréis una película para tener de fondo, de la cual no esperéis mucho esta es la elección indicada. Si en realidad lo que queréis es disfrutar, os recomiendo buscar la versión teatralizada para televisión que se hizo en 1991, dirigida por el propio James Lapine. Quedáis advertidos.

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TÍTULO ORIGINAL Into the Woods AÑO 2014 DURACIÓN 124 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Rob Marshall GUIÓN James Lapine (Musical: Stephen Sondheim, James Lapine) MÚSICA Stephen Sondheim FOTOGRAFÍA Dion Beebe REPARTO Meryl Streep, Emily Blunt, James Corden, Anna Kendrick, Chris Pine, Johnny Depp, Lucy Punch, Christine Baranski, Tammy Blanchard, Daniel Huttlestone, Tracey Ullman, Mackenzie Mauzy, Billy Magnussen, Lilla Crawford, Richard Glover, Simon Russell Beale, Joanna Riding, Annette Crosbie PRODUCTORA Walt Disney Pictures / Lucamar Productions

GÉNERO Musical. Fantástico. Comedia
TEMÁTICA Cuentos. Magia. Brujería

SINOPSIS
El musical entremezcla argumentos de distintos cuentos de los Hermanos Grimm (Cenicienta, Caperucita Roja, Rapunzel) intentando analizar las consecuencias de los actos y deseos de sus protagonistas.

PREMIOS
2014: Premios Oscar: 3 nominaciones incluyendo Mejor actriz de reparto (Streep)
2014: Globos de Oro: 3 nominaciones incluyendo Mejor película - Comedia o musical
2014: Premios BAFTA: 2 nominaciones incluyendo Mejor diseño de vestuario
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: Satellite Awards: 2 nominaciones incluyendo Mejor vestuario
2014: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor actriz de reparto (Streep)
2014: Critics Choice Awards: 5 nominaciones incluyendo Actriz secundaria (Streep)
2014: Críticos de Chicago: Nominada a Mejor dirección artística

CRÍTICA
+ "Esta retorcida mezcolanza de cuentos de hadas muestra aprecio por las virtudes de la narrativa a la antigua usanza, además de un bienvenido toque de ingenio subversivo" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Los lobos aúllan, los gigantes rugen y un reparto de estrellas de cuento de hadas busca la luz en esta sólida y satisfactoria versión cinematográfica del popular musical de Broadway" (Scott Foundas: Variety)

+ "La película es un torbellino de puro placer que no deja de girar (...) Un maravilloso entretenimiento invernal (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Sí, los decorados y el vestuario provocan desmayos, pero es la partitura sin igual de Sondheim la que, aunque truncada, hace de este bosque un destino excelente. (...) Puntuación: ★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)


= "Emily Blunt y Meryl Streep la hacen más o menos digna de verse (...) El resto de la película es tan similar a la versión teatral que casi puedes oler a los acomodadores (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Catherine Shoard: The Guardian)


+ "Con sus árboles retorcidos y amenazantes, y su mágica ambientación, 'Into the Woods' es un lugar que merece la pena explorar (...) La película ofrece un deslumbrante diseño de producción y un reparto encantador (...) Puntuación: ★★½ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "La película funciona mejor cuando Corden y Blunt, intérpretes de una vulnerabilidad de carácter dulce y de un atractivo casi ilimitado, retoman la historia, aunque Kendrick tampoco se queda corta. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "'Into the Woods' (...) infunde nueva vitalidad sobre el cansado concepto de entretenimiento para 'niños de todas las edades'." (Stephen Holden: The New York Times)


= "Se ha hecho con un montón de buen humor, pero de una manera muy agitada. Algunos momentos funcionan, otros no. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Geoffrey Macnab: The Independent)

+ "'Into the Woods' le hace justicia al extraordinario material original, y permite a su experimentado elenco (...) la oportunidad de profundizar en las memorables canciones y los inteligentes juegos de palabras." (Alonso Duralde: The Wrap)

+ "Demuestra hábilmente el poder de resistencia tras 28 años de las canciones de Sondheim y la resonancia mítica de la narración de Lapine." (Tim Grierson : Screendaily)


= "Se queda a medio camino entre la ironía y lo evidente, pero funciona. (...) El resultado es exactamente lo que pretende, quiere y puede llegar a ser." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "La obra original se ha aligerado (...) sólo el prólogo clava el tono que habría convertido esta adaptación notable en experiencia amplificada y sublime. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)


- "Conjunción de los cuentos de los hermanos Grimm en una difícil amalgama que cuesta digerir entre nota y nota (...) a veces resulta opulenta y desmesurada, pero visualmente muy atractiva (...) Puntuación: ★★ (sobre 5)" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

= "Arranca con un número colectivo y sigue en un aceptable crescendo dinámico hasta el final de la primera hora, (...) la segunda parte es casi letárgica y de interés decreciente (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

= "La adaptación peca de teatral (...) Menos mal que por ahí andan Emily Blunt y Anna Kendrick para desviar el foco hacía sus prodigiosos gorgoritos y La Más Grande: una Meryl Streep desgarradora y estremecedora (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (David Bernal: Cinemanía)

- "Esta versión moderna de los cuentos de los Hermanos Grimm no tiene ningún sentido o esencia cinematográfica al transformar una confusa trama hilvanada por canciones en una narración repleta de lagunas argumentales, formalizando esa espeluznante pesadilla y ‘creepypástica’ experiencia para los sufridos padres y sus más torturados retoños." (Maldito Bastardo: Historias [bastardas] extraordinarias)

PUNTUACIONES
 
5,5 5,7 6,5
NOTA MEDIA: 5,9


TRAILER


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lunes, 26 de enero de 2015

LA ISLA MÍNIMA


Tan solo llevan dos ediciones y los Premios Feroz ya empiezan a ser toda una referencia en nuestro país. La Asociación de Informadores Cinematográficos de España son los encargados de dar vida y premiar al mejor cine español del año, algo así como unos Globos de Oro de nuestro cine. Un pequeño adelanto a lo que sucederá en la entrega de los premios hispanos más gordos: los Goya. Así, en esta edición, La isla mínima a sido la que se ha llevado el mayor reconocimiento como mejor película, además de otros cuatro premios que la postulan como la favorita para los Goya, por encima de Magical Girl (Carlos Vermut, 2014), la cinta que causó furor en San Sebastián y que tampoco se ha ido de vacío, ganando un total de cuatro premios y prometiendo dar guerra en la batalla final.

Una pareja de policías son enviados al sur de España a investigar la extraña desaparición de dos muchachas. Allí descubrirán un pueblo anclado en el pasado, dónde los secretos no ayudan a encontrar ninguna pista sobre un brutal asesino.

No es de extrañar que la película de Alberto Rodríguez, que tras su exitosa Grupo 7 (2012) confirma sus dotes a la hora de construir estupendos thrillers policíacos, sea totalmente reconocida como una estupenda película, ya sea por el público o por la crítica. Lo curioso, es que gran parte del público ha quedado algo confuso con un final que ha dado mucho que hablar, y que en realidad no es tan complicado como aparenta ser. El problema está en que el guión peca de dejar demasiado margen al espectador, algo que por si solo no es tan malo (todo lo contrario), pero que si lo sumamos a una puesta escena algo confusa en el momento del clímax, dónde no terminamos de ver quién es quién en el juego resolutivo que presenta, despista demasiado al espectador y corre el peligro de no dejar que éste termine de atar cabos. Algo que por suerte puede solventarse con un segundo visionado.

Sin querer dar demasiados detalles sobre ese final, si puedo adelantar que es sencillo darse cuenta de como la ideología de los personajes principales es la pieza clave para no perderse en el entramado. El dúo, que combina a la perfección, nos va acercando poco a poco a través de pequeños detalles hasta un claro entendimiento del final del caso policial, no es cuestión de fijarse solo en los últimos momentos, si no en todo su conjunto, y es precisamente eso lo que hace de La isla mínima un thriller de altura.

Si he empezado la casa por el tejado, hablando directamente del final, es precisamente porque resulta curioso que aunque el espectador termine algo confuso, en ningún momento es capaz de despreciar la película, demostrando que este es capaz de conformarse disfrutando de otros elementos más jugosos y que van más allá de los aspectos narrativos del guión.

Por un lado tenemos las sublimes interpretaciones de Raúl Arévalo y Javier Guitiérrez. Quizás pueda parecer que no destacan en exceso, pero ambos actores saben adaptarse a las exigencias de sus personajes, cumpliendo con su tarea de un modo que roza lo perfecto. Tanto uno como el otro han sabido mostrarnos como de camaleónicos pueden ser, y eso justifica cualquier premio que les ha sido entregado.

Sin olvidar la estupenda y tan comentada fotografía que ha ensimismado a más de uno, al transformar los paisajes de las marismas del Guadalquivir en una localización enigmática y asfixiante, además de una banda sonora de igual altura, es fácil darse cuenta del cuidado de todos los detalles. Tanto la ambientación como los personajes secundarios (muy bien elegidos, y completamente entregados), que responden correctamente a la localización, algo que aunque pueda parecer básico para la credibilidad de una película, por desgracia no suele ser lo más común en muchas producciones.

El filme no solo habla de la historia de un crimen, si no también de una época y una idiosincrasia muy concreta, una combinación muy buena par una película que busca ir mucho más allá. Alejándose de tópicos (especialmente geográficos), entra de lleno en una radiografía del ser humano mucho más precisa, ahí aparece un filón a la serie de culto Twin Peaks (David Lynch, Mark Frost, 1990-1991) (algunos han querido relacionarla con True Detective [Nic Pizzolatto, Cary Joki Fukunaga, 2014], pero al final todo viene del mismo sitio), dónde se nos muestran -o más bien no- los secretos de la gente del lugar, aunque esta parezca de bien. 

Siguiendo con la relación sobre la serie de culto, dónde también nos encontrábamos ante un pueblo remoto y lleno de secretos convertido en escena de un crimen, nos topamos con más relaciones influyentes. El más claro, después del narrativo, son los momentos oníricos con los pájaros, algo que el en filme de Rodríguez va directamente relacionado con la construcción de los personajes, de los cuales no se nos cuenta directamente su pasado, si no que se van dejando pequeñas pistas a cuenta-gotas huyendo de la simpleza narrativa. Gracias a ello se consigue ahondar mucho más en su final argumental, que va mucho más allá de los aspectos clásicos del género, para plantearnos un reto filosófico sobre la herencia identitária (particularmente sobre nuestro país), muy proclive a invitarnos a la reflexión, y que deja con un buen sabor de boca al darnos cuenta del tiempo bien empleado en el filme.

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TÍTULO ORIGINAL La isla mínima AÑO 2014 DURACIÓN 105 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Alberto Rodríguez GUIÓN Alberto Rodríguez, Rafael Cobos MÚSICA Julio de la Rosa FOTOGRAFÍA Alex Catalán REPARTO Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesús Castro, Mercedes León, Manolo Solo, Jesús Carroza, Cecilia Villanueva, Salvador Reina, Juan Carlos Villanueva PRODUCTORA Atresmedia Cine / Atípica Films / Sacromonte Films

GÉNERO Thriller. Intriga. Cine negro
TEMÁTICA Policíaco. Años 80. Asesinos en serie. Secuestros / Desapariciones. Vida rural

SINOPSIS
España, a comienzos de los años 80. Dos policías, ideológicamente opuestos, son enviados desde Madrid a un remoto pueblo del sur, situado en las marismas del Guadalquivir, para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En una comunidad anclada en el pasado, tendrán que enfrentarse a un feroz asesino.

PREMIOS
2014: Premios Goya: 17 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Festival de San Sebastián: Mejor actor (Gutiérrez) y fotografía
2014: Feroz: Mejor película dramática, mejor dirección, mejor actor (Javier Guitiérrez), mejor música original, mejor tráiler. 5 Nominaciones
2014: Premios del Círculo de escritores cinematográficos: 8 Nominaciones. Incluyéndo mejor película.
2014: Fotogramas de plata: Mejor película española
2014: Gaudí: Nominada a mejor película europea
2014: Premios Forqué: Mejor película, mejor actor (Javier Gutiérrez). 1 Nominación.

CRÍTICA
+ "Este thriller, magníficamente realizado y con una rica textura, es una de las películas españolas más potentes del año. (...) cine negro que ofrece tensión a diferentes niveles" (Jonathan Holland: The Hollywood Reporter)

+ "Un drama policíaco asombrosamente elegante (...) magnífica dirección de arte (...) Rodríguez consigue una narrativa sólida" (Fionnuala Halligan: Screendaily)

+ "Alberto Rodríguez te engancha con los anzuelos más sólidos y menos tramposos." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Sin duda, la cinta española más reveladora del año." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Película triste, crepuscular, magníficamente filmada por fuera como por dentro, con un pulso que no deja ni un instante de latir (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Thriller de alto nivel, fibroso y apasionante, que revalida el talento para el género de Alberto Rodríguez (...) impecables Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Rodríguez coge carrerilla hacia la película perfecta. (...) mirada con denominación de origen que el director lleva cultivando desde el salto en bomba a la piscina de '7 vírgenes' (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

+  "Una gran, inmensa película. Pegada a la realidad pero al mismo tiempo, inteligente pasatiempo. Denunciatoria pero sutil, el director respeta a su espectador (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Mirito Torreiro: Fotogramas)

PUNTUACIONES
 
7,0 7,4 7,6
NOTA MEDIA: 7,3


TRAILER


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martes, 20 de enero de 2015

CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 2


Cómo entrenar a tu dragón 2, o como autosuperarse. Cuándo el nombre de Dreamworks suena nunca siento demasiadas esperanzas, especialmente si la película se trata de una secuala, otro intento más de sacar el máximo jugo a una película que en su día tuvo éxito. Los estudios fundados por Spilberg jamás me llegaron a convencer del todo salvando alguna producción decente como El príncipe de Egipto (The Prince of Egypt; Simon Wells, Steve Hickner, Brenda Chapman, 1998), una de sus primeras producciones o Shrek (Andrew Adamson, Vicky Jenson, 2001), con la cual tocaron las teclas acertadas -a pesar de que su animación ha envejecido a una velocidad alarmante, algo que no sucede con filmes de dibujo tradicional-; además de alguna otra pequeña cinta que se presta al entretenimiento más sano como Megamind (Tom McGrath, 2010), quizás una de sus más infravaloradas hijas. Pero no fue hasta Cómo entrenar a tu dragón (How to Train Your Dragon; Dean DeBlois, Chris Sanders, 2010), que no encontré una película de los estudios animados que me convenciese del todo. Entonces pensé, y tras posteriores películas me reafirmé a ello, que en Dreamworks simplemente habían tenido suerte, que les había quedado un filme redondo por pura casualidad, o más bien por la buena mano de su director Dean DeBlois. Y tras el anuncio de su secuela me eché las manos a la cabeza y dije: bien, consiguen hacer una película que realmente valga la pena y la cagan escurriéndola al máximo. En ese momento no sabia cuánto me equivocaba.

Ya han pasado cinco años desde que el joven Hipo conoció y se hizo amigo del legendario dragón furia nocturna al cual bautizó con el nombre de Desdentado. Ahora el joven sueña con conocer mundo y descubrir territorios volando a lomos de su fiel amigo. Todo parece apacible para Hipo y su aldea, hasta que una amenaza se presenta sin previo aviso. Una amenaza que pretende acabar con la existencia de los dragones.

Cómo entrenar a tu Dragón 2 presenta a unos personajes más maduros, y al igual que ellos el filme también ha madurado si lo comparamos con su antecesora. DeBlois, que sigue al mando del proyecto, dirigiendo y esta vez también al guión, se presta mucho más a afilar el lápiz y nos presenta una película que supera con creces todas las expectativas. DeBlois no se deja arrastrar por el éxito, él quiere seguir subiendo la calidad, y lo consigue espectacularmente.

No es solo que la animación sea mucho más afinada, la cual realmente sorprende en los movimientos de sus personajes o las texturas utilizadas, y los decorados sean impresionantes, un trabajo exquisito; Es que el director canadiense ha hecho una labor excelente a la hora de escribir una historia llena de aventuras, y de un nivel épico que ya quisiera Peter Jackson para sus Hobbit... Lo que empieza como una simple historia de maduración, de búsqueda de los sueños... cosas que se repiten una y otra vez en muchas de las producciones similares, enseguida va tomando tintes que van mucho más allá, y DeBlois crea argumentos paralelos con los que va enriqueciendo el hilo principal del filme. Así pasamos de un libreto más sencillo en la primera parte, en la que se centra en la amistad entre los dos protagonistas, y el cambio de rumbo en el modo de pensar de un pueblo anclado al pasado, a otro mucho más complejo, en el que se cruzan dramas familiares o procesos bélicos. Y al final todo se conjuga para crear una película cuyo argumento absorbe y atrapa de principio a fin. Una maduración, como decía, que me alegra de haber vivido.

En Cómo entrenar a tu dragón 2 se repiten los fabulosos esquemas musicales de la primera parte, en la que John Powell vuelve a atacar con las influencias celtas de viento y percusión. Una música que le viene que ni pintada a esta majestuosa cinta de vikingos. Y si esta vez no se ha incluido su trabajo en la competición por los Oscar, es sin duda por la dura competición con artistas como Hans Zimmer en Interstellar (Christopher Nolan, 2014), o el doblete del maravilloso Alexandre Desplat por The Imitation Game (Morten Tyldum, 2014) o El gran hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel; Wes Anderson, 2014). Para muestra un botón, así que os dejo con una playlist para que podáis escucharla mientras seguís por aquí.


Se ha anunciado ya una tercera parte de la saga, pero DeBlois ya adiverte, no va a dejar que la productora cree una cuarta. El director ya tiene toda una historia creada en su mente, y promete que con su tercera parte no nos va a defraudar. Esperemos sea cierto, y nos encontremos con una de las mejores trilogías animadas que existen (con perdón de Woody, Buzz y compañía. Hay cosas que no se superan.) Me quito el sombrero ante él.

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TÍTULO ORIGINAL How to Train Your Dragon 2 AÑO 2014 DURACIÓN 102 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Dean DeBlois GUIÓN Dean DeBlois (Libros: Cressida Cowell) MÚSICA John Powell FOTOGRAFÍA Roger Deakins VOCES ORIGINALES Jay Baruchel, Cate Blanchett, Gerard Butler, Craig Ferguson, America Ferrera, Jonah Hill, Christopher Mintz-Plasse, T.J. Miller, Kristen Wiig, Djimon Hounsou, Kit Harington, Kieron Elliott, Philip McGrade, Andrew Ableson, Gideon Emery PRODUCTORA DreamWorks Animation / DreamWorks SKG / Mad Hatter Entertainment

GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras 
TEMÁTICA Vikingos. Amistad. Dragones. 3D. Secuela. Cine épico

SINOPSIS
Han pasado cinco años desde que Hipo empezó a entrenar a su dragón, rompiendo la tradición vikinga de cazarlos. Astrid y el resto de la pandilla han conseguido difundir en la isla un nuevo deporte: las carreras de dragones. Mientras realizan una carrera, atraviesan los cielos llegando a territorios inhóspitos, donde nadie antes ha estado. Durante un viaje descubren una cueva cubierta de hielo que resulta ser el refugio de cientos de dragones salvajes, a los que cuida un misterioso guardián. Hipo y los suyos se unen al guardián para proteger a los dragones de las fuerzas malignas que quieren acabar con ellos.

PREMIOS
2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje animación
2014: Globos de Oro: Mejor filme de animación
2014: Premios Annie: 9 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje animación
2014: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2014: Festival de Annecy: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2014: National Board of Review (NBR): Mejor largometraje de animación
2014: Critics Choice Awards: Nominad a Mejor largometraje de animación
2014: Críticos de Chicago: Nominada a Mejor film de animación

CRÍTICA
+ "Más audaz que 'Brave', más divertida que 'Frozen' y emocionalmente más satisfactoria que muchas de sus compañeras (...) la madre de todas las secuelas de animación" (Peter Debruge: Variety)

+ "Técnicamente asombrosa y conmovedora en su percepción sobre las relaciones entre hombres y animales (...) puede ser demasiado para el público más joven" (Leslie Felperin: The Hollywood Reporter)

+ "Cuando la película vuela, crece. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Esta secuela tiene un ritmo inteligente, hace un gran trabajo con la continuación de la caracterización de los personajes principales, ampliando el mundo en el que habitan y añadiendo algunos momentos tiernos y emotivos." (Mark Adams: Screendaily)

+ "Ofrece algunas secuencias de impresionante belleza y una historia absorbente, aunque a veces bastante oscura (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "La mayoría de las secuelas se realizan por razones comerciales, independientemente de si el mundo las necesita o no. 'Cómo entrenar a tu dragón 2' es una película que el mundo necesita" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

+ "Dean De Blois (...) ha creado una fábula tan amable como significativa para los adultos como disfrutable por su público juvenil (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Colin Covert: Minneapolis Star Tribune)

+ "'Cómo entrenar a tu dragón 2', como 'El imperio contraataca' eleva a las secuelas a un nuevo nivel de imaginación e innovación. Es, en verdad, una maravilla de altos vuelos y cargada de profundidad (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Una de las películas de animación más bellas jamás rodadas (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Rene Rodriguez: Miami Herald)

+ "Casi tan exuberante como la original, 'Cómo entrenar a tu dragón 2' evita ágilmente la 'secuelitis' (...) Un sorprendente espectáculo visual (...) Rating: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Tomando apuntes tanto de 'Star Wars' como de 'Juego de Tronos', además de su propia narrativa, 'Cómo entrenar a tu dragón 2' insufla fuego en la secuela de la franquicia (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Peter Howell: Toronto Star)

+ "Una de esas películas que logran la proeza de sostener con inteligencia y convicción muy diversos niveles de lectura y elementos que resultan atractivos para niños, adolescentes y adultos." (Diego Batlle: Diario La Nación)

+ "Las batallas épicas y los momentos humorísticos están tan bien conjugados que la proyección pasa rasante como el vuelo de un dragón." (Pablo O. Scholz: Diario Clarín)

= "El apartado técnico es brillante (...) en el guión no han acertado a afilar del todo una de sus dos grandes apuestas (...) la trama pseudo-ecologista de protección de los dragones se despliega en su parte central entre los bostezos de los críos" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Ofrece mucho: emocionantes reencuentros, clases de naturalismo, unas gotas de humor y el dragón como metáfora de la vida salvaje y mito de la buena bestia. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

= "Deslumbrante en su técnica digital, derrocha energía y dinamismo (...) Pero su trama es endeble (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

= "Un juego de trono para púberes. (...) Lo mejor: el diseño siniestro, casi lovecraftiano, del dragón villano. Lo peor: cierta pereza argumental (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)


+ "Más grande, no mejor, igual de disfrutable. (...) La mejor de DreamWorks… a excepción de su predecesora (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Nando Salvá: Cinemanía)

PUNTUACIONES
 
7,5 7,1 8,0
NOTA MEDIA: 7,5


TRAILER


VER TAMBIÉN

http://descubrepelis.blogspot.com/2012/02/como-entrenar-tu-dragon.htmlhttp://descubrepelis.blogspot.com/2012/02/el-vuelo-de-los-dragones.htmlhttp://descubrepelis.blogspot.com/2012/02/el-senor-de-los-anillos-la-comunidad.html

lunes, 19 de enero de 2015

ALIEN: RESURRECCIÓN


Cierro la saga Alien -aunque Ridley Scott intente alargada con otra saga en forma de precuela (algo fuera de órbita) llamada Prometheus (2012)- con la película menos querida del grupo: Alien: Resurrección. La cuarta y última entrega dónde veremos las aventuras de nuestra amada Ripley (supuestamente muerta en la anterior entrega).

Un par de siglos más tarde de los hechos que dieron lugar a la muerte de Ripley, unos laboratorios que experimentan con la clonación dan vida de nuevo a nuestra heroína. El problema viene cuándo el ADN de una reina Xenoforme se cruza con el de Ripley y nace un híbrido que a pesar de parecer la propia teniente, cuenta con las peligrosas capacidades de los Aliens.

En perspectiva es normal que la cuarta entrega de la saga sea la menos apreciada por los seguidores, pues es sin duda la que más se separa del estilo denominador de las otras tres cintas. El motivo principal de estas diferencias es la mano que ejecuta la dirección de la película, el francés Jean-Pierre Jeunet. Director que antes de dar forma a Alien: Resurrección, logro dar vida junto a Marc Caro a trabajos como Delicatessen (1991) o La ciudad de los niños perdidos (La Cité des enfants perdus; 1995), aunque su mayor éxito, y filme más reconocido, corresponde a la posterior Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain; 2001), cinta con la que regaló una carrera internacional a Audrey Tautou.

Con estos datos tan reveladores no es de extrañar que el resultado de esta cuarta parte de Alien, un filme que de entrada poco tiene que ver con el imaginario de Jeunet, no sea del agrado de muchos. A pesar de que sus anteriores entregas también contaran con nombres relevantes del cine como Scott, James Cameron y un novato David Fincher, a estos podemos relacionarlos más con el cine de género al uso, en cambio al director francés se lo relaciona con un cine más autoral (a pesar del fondo comercial de sus películas), algo que confunde al relacionarlo con un blockbuster.

De todos modos, y a pesar de que muchos no lo han sabido ver, la esencia de la saga sigue intacta en la película de Jeunet, dónde lo que cambia son las formas, al llevarse el director toda la película hacía su terreno, impregnándolo de sus señas identitarias, y haciéndose suya la cinta (algo que en el fondo también hicieron los anteriores directores, lo distinto es la huella).

Así, en Alien: Resurrección, vemos un tono mucho más cercano al estilo comiquero que siempre nos ha regalado Jeunet en sus cintas, viéndose resaltado con un argumento que invita mucho más a la relación. La fotografía de su inseparable Darius Khondji (y que el director hereda para toda su obra incluso cuándo no cuenta con su colaboración) de tonos verdes y amarillos, ofrece un resalte de ese estilo, con el cual dota de una mayor fuerza estilística a la cint, acercándola algo más a la comedia, sin duda el elemento que más ha dinamitado la aceptación de los espectadores.

Jeunet cuenta también con sus habituales (y franceses) actores -Ron Perlman o Dominique Pinon, por citar un par- que junto a otros personajes dan un toque muy humorístico a la más bien sosa historia, la cual, deja claro el intento de estirar la franquicia para sacar todo el jugo posible. El resultado, una vez más, se separa por completo de sus tres hermanas.

Pero si somos capaces de aceptar que una película de Alien se convierta por completo en una cómica cinta de autor, algo que personalemente, y salvando las distancias, encuentro totalmente gracioso y permisible, podremos disfrutar de un entretenimiento que nos sorprenderá y que nos llegará en forma de un renovado viento fresco. Quizás el mejor modo de ello, es no relacionándola ni comparándola con sus antecesoras.

De todos modos, aunque sea la más cómica y/o irritante de las cuatro, hay que reconocerle que también es la más valiente. Su tono violento y sexual la hacen única, y responde por completo a las ideas que se pueden palpar dentro de la obra del ya fallecido H.R. Giger, que aunque no colaboró en esta última parte, parece que es la más cercana a sus trabajos, pues la fálica figura del Alien no es en esta película el único factor que se acerca a él. La relación de la nueva Ripley con la también nueva reina Alien, y el final el cual voy a omitir por motivos de no destripar nada argumentalmente, dan fe de ello, y nos ofrecen un éxtasis en su clímax tan distinto a cualquier otra cosa vista en cualquier filme de gran recaudación, que ya por eso merece la pena.

Lo dicho, si sois capaces de presentar un sentido crítico más libre frente a Alien: Resurrección, la película se disfruta y se convierte en una obra realmente desquiciante. De lo contrario os sumaréis fácilmente a la horda de detractores de una película que, a mi parecer, ha sido injustamente menospreciada (Winona Ryder incluida).

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TÍTULO ORIGINAL Alien Resurrection AÑO 1997 DURACIÓN 108 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inlgés DIRECCIÓN Jean-Pierre Jeunet GUIÓN Joss Whedon (Personajes: Dan O'Bannon & Ronald Shusett) MÚSICA John Frizzell FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Sigourney Weaver, Winona Ryder, Ron Perlman, Dan Hedaya, J.E. Freeman, Brad Dourif, Michael Wincott, Leland Orser, Raymond Cruz, Dominique Pinon, Gary Dourdan PRODUCTORA 20th Century Fox / Brandywine Productions

GÉNERO Ciencia ficción. Terror. Acción
TEMÁTICA Extraterrestres. Secuela. Saga

SINOPSIS
Más de doscientos años después de su muerte, Ripley (Sigourney Weaver) vuelve a la vida gracias al empleo de técnicas avanzadas de clonación. Pero, durante el proceso, el ADN de Ripley se ha mezclado con el de la Reina Alien, por lo que Ripley empieza a desarrollar ciertas características de la peligrosa alienígena.

PREMIOS
1998: Academia de Ciencia Ficción, Terror y Fantasía (USA): 6 nominaciones. Incluyendo mejor película de Ciencia Ficción
1998: Blockbuster Entertainment Awards: Mejor actriz de reparto- Sci-Fi (Winona Ryder). Nominada a mejor actriz principal - Sci-Fi (Sigourney Weaver)
1998: Satellite Awards: 1 Nominación

CRÍTICA
= "Sorprende por ser quizá la más sanguinaria, brutal, sórdida y agresiva, pero le falta fascinación" (Ángel Retamar: Cinemanía)

+ "Simpático delirio de genes y golpes de efecto (...) Interesante" (Luis Martínez: Diario El País)

+ "En “Alien: Resurrection” todo es tan “Over the Top” que dicen los anglos que uno se queda inmunizado al delirio y termina por comprarlo todo… porque todo vale." (A.M.M.: Ultramundo)


= "Alien resurrection está bien si consigues olvidar la idiotez del argumento y su delirante final. Por momentos funciona como película de acción y aventuras, si bien no entusiasma." (Luis Cifer: Las críticas de Luis Cifer)


- "No hay por donde cogerla." (Cinebso)

PUNTUACIONES
 
7,0 5,6 6,3
NOTA MEDIA: 6,3


TRAILER


VER TAMBIÉN

http://descubrepelis.blogspot.com/2012/02/alien-el-octavo-pasajero.htmlhttp://descubrepelis.blogspot.com/2014/05/aliens-el-regreso.htmlhttp://descubrepelis.blogspot.com/2014/07/alien-alien-3.html

domingo, 18 de enero de 2015

CIUTAT MORTA (CIUDAD MUERTA)


Habría que entender las televisiones públicas como algo plural, un lugar dónde se puedan escuchar las voces de todas las ideologías e idiosincrasias. Un lugar dónde la población pueda verse reflejada, dónde pueda participar. Ocurre que no suele ser así. Ciutat Morta (Ciudad muerta), es una película independiente de la productora Metromuster que se suma a esa ola que ya comenté en la entrada sobre Bye Bye Barcelona (Eduardo Chibás Fernández, 2014), donde se refleja el descontento de la población sobre el sistema bajo el que vivimos, utilizando la ciudad de Barcelona para ello, aunque sus historias sean perfectamente aplicables a una escala más global. Ciutat Morta puede estar orgullosa de haber recorrido varios festivales dónde ha recibido grandes aplausos y premios, como el de mejor documental en el Festival de Málaga, lo que la convierte en un filme imprescindible. De este modo es curioso que Televisió de Catalunya, la televisión pública de la zona dónde nació, decida esquivar cualquier intento de programarla en sus cadenas. Es una pena que sólo tras una fuerte campaña de presión, la cadena autonómica haya decidido por fin ofrecerse como una pantalla para poder disfrutarla, aunque sea con una baja campaña publicitaria, en la segunda cadena y con una (inútil) censura judicial de cinco minutos. Así, por fin, se ha podido ver (y se puede re-visionar a través del servicio online de la cadena) el documental dentro del estupendo programa de cine Sala33, con una posterior y pequeña charla con los directores.
Aunque el filme puede encontrarse en diferentes plataformas online, a partir del 4 de febrero podrá verse libremente en la misma web de la productora, una oportunidad que no hay que dejar pasar.

La noche del 4 de febrero de 2006 terminó en desgracia a causa de una carga policial en un teatro okupado de Barcelona dónde se celebraba una fiesta. El resultado, varios detenidos y un agente en coma. Ciutat Morta no es una película sobre la aplicación de la ley, es la terrorífica historia de una venganza.

Y digo terrorífica porque la película de Xavier Artigas y Xapo Ortega no es un documental al uso, es más bien un filme de terror capaz de dejar helado a cualquiera, mucho más que cualquier cinta de género. La película nos conduce hacía los hechos acontecidos aquella fatídica noche de febrero, recogiendo los argumentos silenciados de aquellos que se convirtieron en cabeza de turco de un entramado mucho más complejo del que a priori podríamos observar.

La película se centra en varios protagonistas. Por un lado tres españoles de origen sudamericano, que fueron automáticamente arrestados como supuestos culpables por el homicidio del agente (el cual recibió el golpe de una maceta en la cabeza). Tres jóvenes que automáticamente vieron como la noche se transformó en un infierno de torturas y vejaciones por parte los que se hacen llamar fuerzas de seguridad. Por otro lado tenemos a Patricia, una chica que tras sufrir la caída de su bicicleta, junto a Alfredo, es llevada al hospital más cercano para que le revisen las heridas. Allí, sin quererlo ni beberlo, un agente les convierte también en culpables de homicidio, tan solo por el modo de vestir. Ciutat morta tiene evidentemente más protagonistas, y juntos, se encargan de construir otra versión de los hechos, aquella que las fuerzas del orden, las de la justicia, las políticas, y los medios de comunicación, no quieren escuchar. Tras varios juicios, años de cárcel, dos agentes acusados de torturas con una pensión por incapacidad de entre 1600 y 1800 euros, el caso sigue cerrado sin que la justicia se interese por esclarecer todas las evidencias. Ni la muerte da Patricia ha sido suficiente motivo para sacar a relucir la verdad.

Como indicaba el principio, podemos incluir Ciutat Morta, dentro de ese grupo de documentales descontentos con el sistema, junto a Bye Bye Barcelona. A pesar de la relación entre ellas, en Ciutat Morta nos topamos con un relato mucho más escalofriante, aquí no solo se recogen las quejas de los que tienen que convivir en una ciudad cada vez menos pensada para habitarla, en ella descubriremos los más oscuros secretos a voces de un sistema quebrado y no quiere ser sanado. Y por ello, hay que dedicarle una especial atención. 

Puede que el filme sea señalado como una película falta de objetividad a pesar de los intentos de hablar con todas las partes implicadas en los sucesos del 4-F y  el resto de casos relacionados. Pero se puede decir que en realidad lo que hace es complementar aquello que se ha vendido como verdad, es decir, contrarrestar información. De ahí que intentar colgarle la etiqueta de subjetiva es un error de los más grandes, ya que lo que hace en realidad es denunciar y ofrecer otra versión, de unos hechos ya vendidos y sorprendentemente aceptados.

Por si el relato no fuera suficiente motivo para engullir sin pensárselo este filme documental, hay que añadirle un tratamiento cinematográfico digno del mejor realizador. La mayor parte de las veces, es fácil que un documental de denuncia, recurra a los esquemas más clásicos del reportaje, pero Ciutat Morta construye un relato fílmico único y valiente. De entrada es fácil adivinar un uso de la cámara totalmente excepto de miedos, los movimientos de encuadre durante las entrevistas o los planos recurso que en realidad no podríamos llamar recurso, ya que están impregnados de un sentido narrativo tan sensible como abrumador, consiguen demostrar que se puede llevar el cine de no ficción al terreno más artístico, aunque este esté cerca del reportaje. De este modo también sorprende el perfecto uso del montaje, que deja entrever detrás horas y horas de buen trabajo, para ofrecernos el mejor de los resultados. Un resultado que se combina a la perfección con una banda sonora digna del mejor cine de terror y/o suspense, que demuestra que a pesar de las denuncias, en Ciutat Morta no se olvida lo que es en realidad el cine.

Podéis encontrar mucha información sobre el caso del filme en Internet, con lo cual no voy a entrar mucho en los detalles que en él se exponen, pero no olvidéis que el mejor complemento para entender el entramado es disfrutar hacerlo con el visionado de la película. Un buen modo de conocer la desinformación que vivimos sobre casos que nos remiten a épocas dónde los derechos humanos apenas existían, donde las libertades de las personas eran algo secundario, y dónde los intereses de las altas estancias estaban por encima de la población. En definitiva, una muestra de aquello que se nos oculta, una muestra de la necesidad de exigir la recomposición de un sistema que parece, ha dejado de funcionar.

Recordar, a partir del 4 de febrero, la película queda liberada en la web de la productora, y podrá verse de modo gratuito bajo licencia Creative Commons.

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TÍTULO ORIGINAL Ciutat morta (Ciudad muerta) AÑO 2014 DURACIÓN 120 min. PAÍS España IDIOMA Catalán, Español DIRECCIÓN Xavier Artigas, Xapo Ortega GUIÓN Mariana Huidobro, Jesús Rodríguez, Xavier Artigas, Xapo Ortega MÚSICA Las CasiCasiotone FOTOGRAFÍA Xavier Artigas, Xapo Ortega REPARTO Elvira Prado, Sílvia Villullas, Rodrigo Lanza, Juan Pintos, Mariana Huidobro, Diana Junyent, Helen Torres, Jaume Asens, David Fernández, Virginia Álvarez, Jesús Rodriguez, Gregorio Morán, Francesc Co, Manuel Delgado, Gonzalo Boyé, Metello Alonge, Raffaello Manacorda PRODUCTORA Metromuster 

GÉNERO Documental
TEMÁTICA Cine social. Corrupción. Política. Drama judicial

SINOPSIS
Junio de 2013, un grupo de 800 personas entran en un cine abandonado del centro de Barcelona para proyectar un documental. Una vez dentro, cambian el nombre del edificio: el antiguo Palacio del Cine se llama a partir de ahora Cine Patricia Heras. ¿Quién fue Patricia? ¿Por qué decidió quitarse la vida? Y lo más importante ¿qué tiene que ver Barcelona con su muerte? Una acción de desobediencia, con fuerte contenido simbólico y un gran impacto mediático, que busca -a través de la historia de Patricia- dar a conocer la otra cara de Barcelona, la Ciudad Muerta.

PREMIOS
2014: Festival de Málaga: Mejor documental. Biznaga de Plata
2014: San Sebastián: Sección Made in Spain
2014: Festival Iberoamericano de Huelva: Mejor documental
2014: Muestra del Atlántico Alcances: Premio del público al mejor largometraje
2014: L'alternativa de Barcelona: Premio GAC al mejor guión.
2014: Festival de cine y derechos humanos de Barcelona: Premio Amnistia Internacional
2014: Festival Plataforma Nuevos Realizadores Madrid: Premio al mejor largometraje. Premio de la crítica. Premio del jurado joven.
2014: MiradasDoc: Mención Honorífica

CRÍTICA
+ "Debería ser de obligación que todo el mundo viera este documental valiente y atrevido que se atreve a gritar lo que durante años se ha tratado de silenciar. Una historia que ha marcado la vida de muchos inocentes, que seguirán luchando por poner las cosas en su sitio. De momento, cuentan con este maravilloso documental que pone los pelos de punta y demuestra que la realidad supera la ficción." (Ángela Ruiz: El Palomitrón)

+ "El documental 'Ciutat Morta' es extraordinario y sobrecogedor" (Diego Galán: El País)

+ "Ciutat Morta es uno de los documentales más rabiosamente combativos que se ha hecho en mucho tiempo." (Pablo García: Cine Maldito)

+ "Documentales como Ciutat Morta, que desbordan expectativas y consiguen el primer sold out del festival. Documentales que obtienen un aplauso de varios minutos y dejan al público con un nudo en la garganta. Documentales que nos recuerdan que la impotencia existe, sí. Pero que a veces, por suerte, es posible luchar contra ella." (Marla Jacarilla: Culturaca)

+ "Xavier Artigas y Xapo Ortega arrancan la venda de los ojos al usar el caso del 4F como paradigma perfecto de extrapolación para denunciar: la violencia que sufrieron los detenidos a manos de la policía y su papel como vehículo de control del pueblo; la quimera de la justicia, latente queda su inexistencia en el documental o su aplicación con desigual baremo; y los prejuicios sociales, una condena errónea fundamentada en el look antisistema de los detenidos." (Jose Cabello: Cine Divergente)

+ "El documental se convierte en un revulsivo del pensamiento, un filme destinado a resucitar nuestro espíritu crítico y combativo desde la realidad escondida que nos rodea." (El antepenúltimo Mohicano)

PUNTUACIONES
 
8,5 8,0 8,4
NOTA MEDIA: 8,3


TRAILER


VER TAMBIÉN
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