domingo, 26 de octubre de 2014

FLORES EN EL ÁTICO


Tras la muerte del su marido, Corinne se ve obligada a volver a casa de sus padres y llevarse con ella a sus cuatro hijos. Una oscura historia se esconde en el pasado de Corinne, la cual huyó de joven de esa casa quedando desheredada por su padre. Para volverse a ganar la confianza de su progenitor, la abuela de sus hijos los esconderá en un ático para que el abuelo no conozca jamás la existencia de unos hijos, fruto de un matrimonio que no deseaban para su hija. Los niños descubrirán la maldad que se esconde tras su abuela, y los motivos por los que su madre abandonó ese infierno.

Flores en el ático es una película que adapta la novela homónima de V.C. Andrews, primera entrega de una saga literaria que responde al nombre de Dollanganger, novela que lanzó al éxito a su autora. Esta adaptación es un buen ejemplo de como coger una historia con muchas posibilidades y no saber muy bien que hacer con ella.

Desconozco por completo como será la obra original, pero lo que si es evidente es la brutalidad argumental que presenta. El maltrato hacía unos infantes es siempre un tema escabroso, y tal como se plasma en Flores en el ático eriza la piel a cualquiera. Es por eso que decepciona al final que la película no haya conseguido un resultado más apropiado para esta historia, dónde sin lugar a duda el mayor problema reside en la dirección. No quiero ni imaginar que hubiesen hecho con esta historia Tim Burton o Wes Craven -este último debía ser el director original, pero lo rechazaron y este se vengó dirigiendo una película similar titulada El sótano del miedo (The People Under the Stairs; 1991)-, directores que de haber realizado el trabajo nos hubiesen dejado más que satisfechos. Pero finalmente el filme fue encargado a Jeffrey Bloom, que aunque demostró buena mano con la cámara, no pudo aprovechar el potencial de lo que tenía entre manos.

La agonía de los personajes se ve totalmente disuelta al no profundizar demasiado en sus perfiles, y si sumamos a ello unas interpretaciones poco trabajadas, en la que solo se salva el buen hacer de la impactante Louise Fletcher, el resultado deja bastante que desear. No ayuda tampoco algún irrisorio detalle de atrezzo, como la peluca que usa una de las protagonistas tras un (potencialmente impactante) accidente. Ni tampoco ese final poco trabajado que termina por convertir el clímax en un chiste instantáneo, que no se arregla ni con una buena planificación (que tampoco tiene).

Pero dado lo que tenemos entre manos tiene un potencial escondido bastante impactante, debo recomendar el filme, una historia así no la encontramos todos los días, y solo por ella merece la pena descubrirla (yo estoy pensando en pegarle un ojo a las novelas). Además tiene algunos elementos como la fotografía, el diseño artístico o la banda sonora, que ayudan a salvar el resultado final de esta película que finalmente cayó en desgracia, pero que nos dejó finalmente, algo decepcionados.

Por lo pronto este año se ha podido ver un remake en forma de película para televisión, que además seguirá adaptando las otras cuatro novelas de la saga Dollanganger, y aunque ciertamente un remake es lo mejor que le puede pasar a esta historia, parece ser que el resultado de la tvmovie es todavía más decepcionante.

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TÍTULO ORIGINAL Flowers in the Attic AÑO 1987 DURACIÓN 93 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Jeffrey Bloom GUIÓN Jeffrey Bloom (Novela: V.C. Andrews) MÚSICA Christopher Young FOTOGRAFÍA Gil Hubbs REPARTO Louise Fletcher, Victoria Tennant, Kristy Swanson, Jeb Stuart Adams, Ben Ryan Ganger, Lindsay Parker, Marshall Colt, Nathan Davis, Brooke Fries, Alex Koba, Leonard Mann, Bruce Neckels, Gus Peters, Clare Peck PRODUCTORA Fries Entertainment Films

GÉNERO Intriga. Drama. Terror
TEMÁTICA Drama psicológico. Familia. Infancia

SINOPSIS
Bajo la perversa influencia de su abuela, cuatro muchachos malviven aislados en una de las habitaciones de una decrépita mansión. Todo comenzó cuando, tras la muerte de su marido, las dificultades económicas obligan a Corinne y a sus hijos a trasladarse a vivir al antiguo caserón gótico de sus padres. La relación familiar es tensa y tormentosa. En su juventud, Corinne se había enamorado de un hombre que no contaba con el beneplácito de sus acaudalados padres. A pesar de ello, no dudó en huir y casarse con él, siendo automáticamente desheredada. Tras sufrir numerosas humillaciones por parte de sus padres, llega a un acuerdo con ellos: los niños vivirán escondidos en una habitación de la casa porque no quieren saber nada de ellos. La madre los visita diariamente pero los chicos no sólo se sienten condenados a la soledad, sino a algo mucho más terrible: la lenta agonía a la que los somete su abuela.

PREMIOS
1988: Academia de Ciencia Ficción, Fantastico y Terror: Nominada a mejor actriz de reparto (Louise Fletcher)
1989: Premios a jovenes artístas: Mejor actriz en película e terror (Kristy Swanson)

CRÍTICA
+ "Es una de las historias más escalofriantes del cine.[...]un filme rodado con crudeza y buena voluntad, a pesar de sus carencias. Hay que acogerse al pilar que sostiene toda la película: un cuento enfermizo en cuyo fondo se arrastran toda suerte de bajezas: odio, sexo reprimido, crueldad sádica, infanticidio y... más de un fetiche sexual apenas alumbrado por una soslayada lumbre." Nota: ***/5 (Francesc Canals: Muchocine)

PUNTUACIONES
 
6,0
5,6 5,5
NOTA MEDIA: 5,7


TRAILER


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sábado, 25 de octubre de 2014

UN PEZ LLAMADO WANDA


A pesar de que haya quién lo niegue, la comedia siempre ha sido un género complicado, y si existe un país que cuenta con tener fama de saber hacer cine de humor, este es Reino Unido. Aunque es cierto que el humor inglés no es agrado de todos, es innegable que la gran isla europea ha sido cuna de grandes maestros del género, y si no, quién no conoce a unos de los más famosos comediantes que jamás han existido: Los Monty Python? Tras su disolución, los miembros del grupo continuaron haciéndonos reír, y uno de los mejores ejemplos es Un pez llamado Wanda, un filme que a pesar de no ser de los grandes, ha pasado a la historia como una película de referencia para los fans del género. Una cinta que mezcló la alocada idiosincrasia de los Python, con la comedia de situación. El resultado, de carcajada asegurada.

Un grupo de atracadores acaba de hacerse con el botín de una joyería. Dos de ellos, Wanda y Otto, deciden dar esquinazo a sus compañeros quedándose con el botín, pero el jefe del grupo, George, se les adelanta escondiéndolo en un lugar que los demás no conocen. Cuándo Wanda y Otto denuncian a George ante la policía, descubren que este les ha engañado sobre el paradero de las joyas, así que necesitan un plan para encontrarlas y poder huir con ellas. Por eso Wanda decide seducir al abogado de George, un enlace que puede saber donde se esconde realmente el premio.

Tras una lectura de su sinopsis es fácil darse cuenta del estilo de cinta al que pertenece esta película dirigida por Charles Crichton. Pero los enredos clásicos no harían de Un pez llamado Wanda una cinta destacable si no fuera por la intrusión de los Python al esquema. Si tenemos una cinta sustentada por la comedia de situación, imaginaros que sería esta si además le añadimos unos toques del humor más inglés de algunos de los miembros del grupo cómico. Michael Palin, que interpreta al cuarto del grupo de atracadores, y John Cleese (el abogado), que además escribe el guión del filme, son los encargados de ofrecer su rocambolesco humor a este película que sin ellos, hubiese quedado e anecdótica. 

Su simple historia se teje de manera correcta, suficiente para hacer que el paso del tiempo no esté causando ningún daño sobre la frescura de una cinta repleta de momentos realmente jocosos. La mano de Cleese es clave para hacernos reír, y consigue en su guión momentos inolvidables para cualquiera que vea la película.

De este modo, Un pez llamado Wanda, se encuentra en un limbo mágico en el que los fans de los Python encontrarán el humor que les gusta, y los que realmente no sienten atracción por ellos también encontrarán cobijo al no estar el filme saturado de algunas de sus refinadas absurdidades. Un cóctel complicado de conseguir, pero que asombrosamente aprueba ante cualquier examen.

Divertida, algo gamberra, y con buen ritmo. Un pez llamado Wanda es una película que podemos disfrutar pasando un rato de lo más agradable y divertido.

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TÍTULO ORIGINAL A Fish Called Wanda AÑO 1988 DURACIÓN 108 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés, Italiano, Ruso DIRECCIÓN Charles Crichton GUIÓN John Cleese MÚSICA John Du Prez FOTOGRAFÍA Alan Hume REPARTO John Cleese, Kevin Kline, Jamie Lee Curtis, Michael Palin, Maria Aitken, Tom Georgeson, Patricia Hayes, Stephen Fry, Geoffrey Palmer PRODUCTORA 20th Century Fox

GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Crimen. Robos & Atracos

SINOPSIS
Un cuarteto de atracadores ejecuta con éxito un gran golpe en la joyería Hatton Gardens de Londres. Lo malo es que sólo George, el jefe de la banda, sabe dónde están escondidas las joyas, pero ha sido encarcelado. Wanda, la única mujer del grupo, planea seducir a Archie, el abogado defensor de George, con la esperanza de sonsacarle el escondite del botín. Los otros miembros del grupo son: Otto, un siniestro psicópata admirador de Nietzsche, y Ken, un tartamudo aficionado a los peces exóticos.

PREMIOS
1988: Oscar: Mejor actor secundario (Kevin Kline). 3 nominaciones
1988: Globos de Oro: Nominada Comedia, Actor Comedia (Cleese), Actriz Comedia (Curtis)
1988: BAFTA: Mejor actor (John Cleese) y actor secundario (Michael Palin). 9 nominaciones
1988: Premios David di Donatello: Mejor guión extranjero

CRÍTICA
+ "El inesperado regreso de Charles Crichton -apartado del cine desde 1965- fue una delirante comedia que proponía un cruce entre la línea tradicional británica del género y la concepción más salvaje de un grupo como los "Monty ìPython". Sin llegar a la perfección, sus resultados deparan algunos de los momentos más brillantes de la comedia de los 80." (Fotogramas)

PUNTUACIONES
 
6,5 7,0 7,6
NOTA MEDIA: 7,0


TRAILER


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miércoles, 22 de octubre de 2014

LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS


De vez en cuando aparecen remakes de películas emblemáticas que consiguen no solo hacer un buen trabajo, si no que en ocasiones superan con creces a su antecesora. Un buen ejemplo de ello es La cosa (El enigma de otro mundo) (The thing; 1982), dirigida por John Carpenter, versión de la mítica obra de serie B El enigma de otro mundo (La cosa de otro mundo) (The Thing from Another World; Christian Nyby, 1951). Philip Kaufman no ha destacado por dirigir grandes películas, es por eso que La invasión de los ultracuerpos es sin duda su mejor trabajo, una estupenda película que también logra estar a la altura de su anterior versión, aunque esta vez tenía el listón realmente alto, ya que superar uno de los títulos mas emblemáticos del sci-fi como es La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers; Don Siegel, 1956), es harto complicado.

Elisabeth, empleada del departamento de sanidad de San Francisco, percibe que su marido empieza a comportarse de un modo completamente distinto al habitual, y preocupada le comenta a su compañero de trabajo Matthew lo que está sucediendo. Ambos terminan descubriendo que detrás se esconden unos seres de otro planeta, que han viajado a la tierra y están empezando a suplantar a los humanos.

La gran diferencia de las dos versiones reside en su momento histórico. Es sobradamente conocido como las películas de género de los 50-60 en Estados Unidos, se nutrían de la paranoia comunista, relacionando la acción de sus películas con el ataque de supuestas armas químicas, o como es el caso de La invasión de los ladrones de cuerpos, el miedo a que cualquiera de nuestros conocidos podría ser un espía al servicio del enemigo. A pesar de la total fidelidad -variaciones a parte-, esta nueva versión abandona por completo esas ideas para adentrarse de lleno en el cine de género, dónde el mensaje más claro que encontramos es el ataque a a individualidad del individuo dentro del sistema social.

Así, La invasión de los ultracuerpos, se entrega por completo a ofrecernos una terrorífica historia, dónde la paranoica atmósfera, logra introducirnos en grandes momentos de angustia. El enrarecido clima se respira durante toda la película. Después de unos títulos de crédito realmente estupendos, en los que se aprovecha, sin diálogo alguno, para contarnos el grueso del argumento del filme, para así no tener que devanarse en intentar explicarnos durante toda la película los motivos por los que sucede todo lo que vemos -algo que sin duda ayuda a que la película sea mucho más fresca, ya que no cae en la repetición argumental al repetirse en un nuevo filme-, nos topamos con una (demasiado) idílica estampa dónde las maestras llevan a sus alumnos de excursión al parque, los niños juegan, y los curas se balancean sonrientes en los columpios, una estampa que se ve alterada gracias a la climática banda sonora que compone Denny Zeitlin, y que nos acompaña durante todo el metraje, para propinarnos una buena dosis extra de nerviosismo, y advertirnos de la latente amenaza.

Si uno de los aciertos del filme de Kaufman son sus efectos especiales, impresionantes para su época, algo más denostados en la nuestra (aunque sigan siendo realmente fabulosos), es curioso como este no abusa de ellos, y los utiliza tan solo en los momentos cumbres del filme -la escena dónde vemos como las vainas engendran a los clones, eriza la piel a cualquiera-, para apostar por un trabajo más psicológico, que deja de lado la violencia o la abundante sangre, prefiriendo trabajar aquello que remite al miedo subconsciente, nacido a través de la desconfianza a lo desconocido. La impotencia y la inquietud de escenas rodadas al aire libre, fuera de todo elemento claustrofóbico, llega a ser de un nivel pocas veces logrado en localizaciones de este tipo, y ello es gracias a la realización y el ritmo que Kaufman elige para el filme, dando una gran lección de imaginación cinematográfica.

Entre los grandes momentos del filme, cabe destacar uno, que a pesar de ser esencialmente un simple homenaje, explota en nuestras narices en la primera parte del filme, y que juega a abrir el debate entre hasta que punto La invasión de los ultracuerpos es un remake o una secuela de La invasión de los ladrones de cuerpos. Un debate que podríamos incluso llevar más allá, al dotarlo de paralelismos sobre la repetición de los errores en los que la humanidad cae una y otra vez. El momento en cuestión es cuándo un hombre se arroja sobre el coche de los protagonistas, anunciando el desastre que está a punto de ocurrir, un momento que sirvió para dar el cierre de la versión de 1956 y que vuelve a interpretar su protagonista: Kevin McCarthy. Realmente el enlace da mucho juego para la especulación. (Otro de los cameos del filme es el de Don Siegel, director de la antecesora, que aparece interpretando a un sospechoso taxista).

Hablando de figuras en el filme, no podemos olvidarnos del plantel actoral. Nos encontramos con una serie de profesionales conocidos por su participación en películas que mucho tienen que ver con la de los ladrones de cuerpos, y que son caras sobradamente conocidas para todo fan del cine de género. Tenemos por ejemplo al dúo protagonista: el genial Donald Sutherland, que es la cara del filme y que su aportación ha conseguido que una de las secuencias más impresionantes de la película (su "silencioso" final), pase a los anales de la historia; y a Brooke Adams, que trabajó más tarde bajo las ordenes de Cronenberg en la "Stephenkinguiana" La zona muerta (The Dead Zone; 1983). Otras de las caras conocidas son Jeff Goldblum, muy conocido por varios papeles, pero que destaca por protagonizar otro filme de (¡coincidencia!) Cronenberg, La mosca (The Fly; 1986), o Verónica Cartwright, una de los 8 pasajeros que conocimos en Alien, el octavo pasajero (Alien; Ridley Scott, 1979). La puntilla la pone Leonard Nimoy, al cual le sobra toda presentación.

Kaufman logra sin lugar a dudas un trabajo de aplauso, con una inquietante cinta de terror y ciencia ficción, que logra sobrevivir al histórico fracaso que suelen vivir las nuevas versiones de trabajos de culto. Montarse con ambas un ciclo es realmente una gran idea, seguro que el impactante final de La invasión de los ultracuerpos, no os deja indiferentes.

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TÍTULO ORIGINAL Invasion of the Body Snatchers AÑO 1978 DURACIÓN 115 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Philip Kaufman GUIÓN W.D. Richter (Novela: Jack Finney) MÚSICA Denny Zeitlin FOTOGRAFÍA Michael Chapman REPARTO Donald Sutherland, Brooke Adams, Leonard Nimoy, Jeff Goldblum, Veronica Cartwright, Art Hindle, Lelia Goldoni, Kevin McCarthy, Don Siegel, Tom Luddy, Michael Chapman PRODUCTORA MGM

GÉNERO Ciencia ficción. Fantástico. Terror
TEMÁTICA Extraterrestres. Remake

SINOPSIS
Unos microorganismos de un lejano planeta han llegado a la Tierra. Matthew trabaja como funcionario en el departamento de sanidad de la ciudad de San Francisco. Una de sus mejores empleadas es Elizabeth, por la que siente algo más que admiración profesional. Cuando Elizabeth le comenta a Matthew que su marido ha cambiado, que toda su personalidad ha sufrido una transformación, el funcionario se lo toma a broma. Sin embargo, en el transcurso del día, Matthew observa que otras personas empiezan a sentir el mismo recelo hacia sus parejas o amigos. Versión, con ligeras variaciones, del clásico de ciencia-ficción de Don Siegel que narra la invasión de unos extraterrestres.

PREMIOS
1979: Academia de Ciencia ficción, Fantástico y Terror (USA): Mejor director. Mejor sonido. 6 Nominaciones.
1979: Sociedad de críticos Estadounidenses: Nominada a mejor guión.

CRÍTICA
+ "Título imprescindible para entender el cine de terror de los 70 [...] 'La invasión de los ultracuerpos' fue la prueba palpable de que se podía volver a contar una misma historia sin traicionar el espíritu del modelo original, enriqueciéndola con nuevos matices y mejorándola en muchos aspectos." (José Antonio Martín: El antepenúltimo Mohicano)

+ "Una espléndida película que no llega a la altura del original, pero que resulta enormemente convincente. Uno de los títulos de terror clave de los 70, y que igual que la versión de Siegel, influyó poderosamente en el cine posterior." (Alberto Abuín: Blogdecine)

+ "Una de las mejores producciones de género fantástico de la historia. Una película que como remake no se limita a calcar al título original, sino que aporta nuevos puntos de vista y, además, mejora los elementos que hicieron grande a la versión de Siegel. Imprescindible." (Alberto Vilar: Roy D. Mustang Blog)

PUNTUACIONES
 
7,0 7,1 7,4
NOTA MEDIA: 7,2


TRAILER


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domingo, 12 de octubre de 2014

CAMINANTES


Toca ya abandonar la ficción que presenta el género fantástico y echarse sobre los brazos de la realidad con un documental. Fernando León de Aranoa siempre ha sido un realizador muy dado al cine de carácter social, es por eso que no sorprende en absoluto su introducción al género al cual nos es más fácil ligar las historias que muestran retratar una realidad injusta. Aranoa produce entre Barrio (1998) y Los lunes al sol (2002) la que es su única película documental (si obviamos su participación en el filme grupal Invisibles [Isabel Coixet, Wim Wenders, Fernando León de Aranoa, Mariano Barroso, Javier Corcuera, 2007]), Caminantes, una película rodada en México para acercarnos a la realidad indígena del país.

Un pueblo olvidado de México vive durante los primeros meses de 2001 un revuelo para recibir la marcha zapatista, y abrir con ellos un debate sobre el reconocimiento de los derechos de los pueblos indígenas. Durante la preparación del recibimiento iremos conociendo la dura realidad de un pueblo, y la falta de reconocimiento de sus gobernantes hacia ellos.

Caminantes es ante todo un trabajo en el que poder ver la esperanza y el trabajo de una comunidad por intentar cambiar las cosas. El trabajo de la profesora del colegio, la energía de la banda de músicos, el maestro que prepara el discurso de bienvenida, o el pregonero animando a la comunidad a participar en el evento, son algunos de los ejemplos de la emoción con la que las personas, a pesar de las dificultades, están dispuestas ha darlo todo para que sus palabras sean escuchadas.

A pesar de la simple realización por la que apuesta Aranoa, su trabajo es suficiente para que reconozcamos la belleza del lugar, el estilo de vida de unas personas olvidadas por la sociedad moderna, las dificultades a las que se tienen que someter mayores y niños, la represión de los sistemas capitalistas sobre los que considera innecesarios, y como todo ello origina algunos problemas como la emigración. Aranoa aprovecha también para entrevistar al subcomandante Marcos, una de las cabezas del movimiento que quiere llevar la voz de los pueblos indígenas asta la ciudad de México, y que sean así escuchados. Unas entrevistas llenas de parábolas y alegorías, que intentan hacer comprender los motivos que hacen mover al movimiento Zapatista.

Es admirable como en menos de una hora se consiguen sintetizar todas las ideas para hacernos comprender con facilidad como los políticos no solo se olvidan deliberadamente de parte de la sociedad, si no como además solo recurre a ellos para conseguir votos, pero sin ofrecerles nada a cambio. Así Caminantes se presta como un documental muy interesante del que recoger ideas, y con el que es fácil acercarse a realidades que en ocasiones puede parecernos que nos quedan lejos, pero que en realidad tenemos muy cerca, y con similitudes a muchos de nuestros problemas.

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TÍTULO ORIGINAL Caminantes AÑO 2001 DURACIÓN 60 min. PAÍS España IDIOMA Español, Purépecha DIRECCIÓN Fernando León de Aranoa GUIÓN Fernando León de Aranoa, Ángel Luis Lara MÚSICA Alfonso Arias FOTOGRAFÍA Jordi Abusada REPARTO Subcomandante Marcos, pueblo de P'urhépecha PRODUCTORA Plural Entertainment España S.L. / José Ibáñez-Martín Piran

GÉNERO Documental
TEMÁTICA Mediometraje. Cine social. Infancia. Vida Rural. Conflictos. Política

SINOPSIS
En 2001, un grupo de mexicanos zapatistas marcharon a México D.F. para protestar contra la opresión hacia la población indígena del México rural.

PREMIOS
2001: Festival de la Havana: Mejor documental no latino-americano.
2002: Festival Latino de los Angeles: Mejor documental (premio del jurado)
2003: LaCinemaFe: Premio especial del jurado (Documental)

CRÍTICA
+ "Un documental interesante en estos tiempos en los que parece que aquello que llamó Derrida "la crisis de los grandes relatos" ha derribado la idea de progreso en prácticamente todos los ámbitos de nuestras vidas excepto en el capitalismo." (Rubén Corral: La Butaca)

PUNTUACIONES
 
6,0 6,8 7,4
NOTA MEDIA: 6,7


PELÍCULA COMPLETA


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sábado, 11 de octubre de 2014

THE WORLD OF KANAKO (KAWAKI.)


Se acerca el cierre del Festival de Sitges y aquí no podemos despedirlo sin hablar por lo menos de alguno de los filmes que se han visto estos días por alguna de sus pantallas. Para ello tenemos entre manos una de las cintas que a pesar de no entrar en la categoría de lo fantástico se proyecta en el festival por otros motivos, ya sea su nacionalidad, su homenaje al cine de explotación o por contar con un nombre ya de referencia en el festival catalán de cine: Tetsuya Nakashima. Para los que nos cuesta que un nombre japonés se nos quede grabado en la mente seguramente os sonará mucho más si os digo que Nakashima no es otro que el director de la insuperable Confessions (Kokuhaku; 2010), y que acaba de triunfar en su país natal con el estreno de The Wold of Kanako, filme que ha participado en el palmarés de Sitges llevándose el galardón de mejor actor para Kôji Yakusho.

Cuando Kanako desaparece, su madre no tarda en acudir en la ayuda de su ex-marido (y ex-policía) para lograr encontrar a su queridísima hija. La desaparición es todo un misterio, Kanako siempre ha sido una buena hija, una alumna ejemplar y una mejor compañera. Aunque parece que no todo es tan bueno como parece en la vida de la muchacha.

Nakashima vuelve a construir una película entorno a los mismos temas que ya ha tocado en sus anteriores trabajos. Sus películas se presentan como thrillers dónde la criminalidad, el drama familiar o la adolescencia más problemática se articulan a través de un mensaje de violencia poco controlable. Si bien los temas son recurrentes en su obra, los modos no son del todo similares. Si es cierto que el tono de spot y videoclip es más o menos recurrente, pero el uso es distinto si lo comparamos con por ejemplo Confessions, película mucho más pausada a pesar de su excelente montaje, o dónde el gore no tiene tanta representación como en The World of Kanako. La idealizada magia de su anterior trabajo se convierte en esta ocasión en una explosión colorista y estridente, sobrecargada a más no poder, que se traduce en un claro homenaje al cine de explotación de los 70, de ahí que sea inevitable pensar en, por ejemplo, Quentin Tarantino o Park Chan-wook, la violencia pulp que sobresale de su pantalla deja buenos motivos para ello.

Y es esa explosión descontrolada, que sumada a un argumento de lo más trillado consigue por partes iguales que el publico quede totalmente rendido a sus pies o por contra, mareado ante tal arsenal avasallador y decida que esta película no es para él. De ambos modos, aunque el filme guste o no, una cosa la consigue con todo el mundo, y es dejarnos enganchados en nuestras butacas, algo que Nakashima siempre ha logrado con sus filmes.

La simpleza de sus imágenes (entiéndase simpleza desde una perspectiva en la que lo visual es tratado de un modo que fácilmente impresione al espectador, y no entendido como mal lograda, ya que claramente no es el caso) es la que fácilmente encandile al espectador que ansia este tipo de cine, pero por otro lado cuenta con otra buena baza, y es la profundidad oscura en su enturbiado argumento.

Este puede presentarse en la mayor parte del filme como algo realmente irracional, pero no es difícil darse cuenta que entre tanta locura que apuesta por la carcajada a lo excéntrico, se dejan entrever un par de perfiles realmente interesantes. El primero y más claro es el de su galardonado protagonista, un personaje único dónde los haya, difícil de entender dada su complicado perfil, con el cual es realmente imposible empatizar, pero si comprender cuales son sus locas motivaciones, y no juzgarle por ello. Por otro lado a la ausente Kanako, chica Lynch dónde las haya, una suerte de Laura Palmer en Fuego Camina Conmigo (1992), influenciada por las turbias relaciones con su padre, que se presenta como una misteriosa y oscura muchacha que nos hace inquietar constantemente a pesar de desconocer su paradero.

Punto a parte merece su banda sonora, una delicia que realmente puede llegar a superar a la película en si misma, una suerte de actualización de las canciones más populares del pop, el folk o la música clásica, llevadas a su terreno de una manera arrolladora. Una delicia.

Realmente The World of Kanako es una película bastante aguda, y aunque se pueda echar de menos mayor profundidad en su historia y un desenlace más acertado -que rompe completamente con el estilo que ha imperado durante todo el metraje-, gustará seguro a los fans del cine más explosivo, y aunque al resto les deje más desangelados no podrán decir que no han asistido ante un filme que les ha dejado indiferentes.

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TÍTULO ORIGINAL Kawaki. (The World of Kanako) AÑO 2014 DURACIÓN 118 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Tetsuya Nakashima GUIÓN Tetsuya Nakashima (Novela: Akio Fukamachi) FOTOGRAFÍA Shôichi Atô REPARTO Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto PRODUCTORA GAGA / GyaO / Licri

GÉNERO Thriller. Intriga. Drama
TEMÁTICA Crimen. Familia. Secuestros / Desapariciones. Gore. Venganza. Drogas. Colegios & Universidad. Neo-noir. Prostitución. Abusos sexuales

SINOPSIS
Cuando Kanako, hija pródiga y alumna intachable, desaparece, su madre no duda en llamar a su exmarido, un policía poco ortodoxo. A medida que la investigación avanza, la imagen idealizada de Kanako se va resquebrajando, dejando entrever que, bajo la excelencia, la chica esconde otra vida, más oscura y secreta.

PREMIOS
2014: Festival de Sitges: Mejor actor (Yakusho)
2014: Festival de Austin: Mejor guión

CRÍTICA
- "Un film de gran negrura y pesimismo, puesta en escena en claroscuro y luces de neón rojiazules, con un exceso de violencia repulsiva y sanguinaria, aires de film explotation sui generis, donde se mezcla el noir  y el policíaco con el film de institutos tan caro a cierto público nipón, en una narración desarticulada, sincopada que nos lleva al absurdo. [...] todo resulta demasiado operístico y desaforado y nos quedamos con el raciocinio inutilizado ante lo que hemos visto. [...] En todo este artefacto, no resulta dificultad menor, por parte del público occidental, dilucidar quién es la hija, quién la madre, quién una compañera, quién otra... en fin, también en los personajes femeninos hay una extrema complicación añadida dada la semejanza de rostros." (Ignasi Juliachs: Scifiworld)

+ "Uno de los mejores y más memorables títulos por los que seguro, recordaremos esta Sección Oficial de Sitges 2014. Tetsuya Nakashima sigue incurriendo en su particular universo desde su inconfundible registro. [...] 'El Mundo de Nananko' es una implacable delicia audiovisual que, comunicándose no tanto por los diálogos de sus personajes como a través de su frenético e hipervitaminado montaje, sorprendentemente abduce mucho más de lo que supuestamente epata." (Joan Sala: Filmin)

PUNTUACIONES
 
7,0 6,2 6,6
NOTA MEDIA: 6,6


TRAILER


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domingo, 5 de octubre de 2014

CYPHER


Varios años después de un aclamado éxito con Cube (1997), el cineasta Vincenzo Natali regresa con otro angustioso thriller dónde nada es lo que parece. Natali sigue la estela de su antecesora para construir un inteligente entramado que nos absorba por completo.

Morgan Sullivan sueña con una vida distinta, con una identidad que no es la suya, algo que logra al conseguir un trabajo como espía industrial. A partir de ese momento Sullivan se convierte en Jack Thursby, carismática identidad que siempre había deseado. Ya con una nueva personalidad, y bajo el mando de una empresa llamada Digicorp, Sullivan deberá asistir a distintas convenciones empresariales y transmitir esa información a sus jefes. En una de esas reuniones conoce a Rita, una enigmática mujer que le contará la verdad que se esconde tras la empresa en la cual trabaja.

Natali logra una vez más atraparnos con un inteligente guión lleno de inesperadas sorpresas y destellos de genialidad. El director sabe muy bien como jugar las cartas del suspense, y sabe crear una historia muy solida a pesar de su aparente complicación argumental. Si Cube nos introducía en ese mundo cubico sin respuestas, Cypher vuelve a ello pero intentando poner caras a los que mueven los hilos, es por eso que en el guión de esta segunda película, Natali logra convencernos mucho más con una historia más solida, con más nudos atados, que de entrada puede parecernos más simple, pero que salva con un entramado mucho más sofisticado.

El nivel de angustia que en ocasiones consigue transmitirnos Cypher es ya una seña característica de Natali, es innegable que este tipo de situaciones se le dan bien, por lo que es complicado no darnos cuenta de que el director tiene muy buena mano para este tipo de guiones, esta vez escrito por Brian King, autor con el que más tarde repetiría en Haunter (2013).

El filme juega con la perdida de identidad y la fácil manipulación a la que se puede someter una persona, bajo circunstancias que ni el propio individuo puede llegar a conocer. De este modo se nos presenta un personaje, de entrada carismático, que representa muy bien el prototipo de persona a la que fácilmente se podría manipular a conveniencia. Sin ninguna duda, Jeremy Northam hace un trabajo de aplauso para dar vida a ese desenamorado Morgan Sullivan, y consigue convencernos con su desarrollo psicológico, ofreciéndonos una interpretación capaz de pasar de lo blanco a lo negro en cuestión de segundos. Algo que quizás no podemos decir de su partenere: Lucy Liu; actriz bastante conocida por su poca gracia emocional, aunque para algunos papeles de el perfecto patrón.

Cypher es un filme claramente inscrito en el cine de género, y evidentemente es complicado (no imposible) crear una película de ciencia-ficción sin sus correspondientes dosis de efectos especiales, algo que en el filme se presenta de forma mínima sólo para lograr ese estilo que la encasilla dentro de su categoría. Pero a pesar del poco uso del mismo, resulta algo risible en algunos momentos, ya que -supongo que dado a su "bajo" presupuesto-, no da ni de lejos la talla sin que tengamos que compararla con ninguna otra cinta que los use de un modo más exponencial. El CGI no es el fuerte para Cypher, y ver según que cosas en momentos de gran dramatismo argumental, puede hacer que se pierda un poco el fuelle. Pero atención, aunque pueda sonar algo escandaloso, por suerte solo nos sucede en contadas ocasiones, no las suficientes para estropearnos un filme de lo más adictivo.

Realemente vale la pena pasar un rato ante la pantalla para ver este thriller psicológico, que aunque apueste por el más puro entretenimiento, su resultado es aceptable por encima de la media. Una delicia que engancha de principio a fin, y no decepciona.

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TÍTULO ORIGINAL Cypher AÑO 2002 DURACIÓN 95 min. PAÍS Canadá, Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Vincenzo Natali GIÓN Brian King MÚSICA Michael Andrews FOTOGRAFÍA Derek Rogers REPARTO Jeremy Northam, Lucy Liu, David Hewlett, Nigel Bennet, Timothy Webber PRODUCTORA Pandora Cinema/ Miramax Films/ Gaylord Films/ Headspace

GÉNERO Ciencia ficción. Fantástico. Thriller
TEMÁTICA Cyberpunk. Thriller futurista. Espionaje. Thriller psicológico

SINOPSIS
Morgan Sullivan, un contable sin trabajo y atrapado en un rutinario matrimonio sueña con dejar atrás su gris existencia y comenzar una nueva vida llena de libertad y emociones. Decide entonces incorporarse a la multinacional Digicorp y convertirse en un espía industrial. Con una nueva identidad, su trabajo consiste en asistir a distintas convenciones empresariales para recoger todo tipo de información y transmitírsela a Ed Finster, su desalmado jefe. Pero en el transcurso de su trabajo, Morgan conoce a la bella y escurridiza Rita, quien le revelará las verdaderas actividades de Digicorp.

PREMIOS
2002: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor actor (Jeremy Northam). Nominada a mejor película
2003: Festival de Cine Fántástico de Bruselas: Cuervo de oro
2003: Fantasporto: Mejor actor (Jeremy Northam), Mejores efectos especiales. Premio del jurado. Nominada a mejor película.

CRÍTICA
+ "Formalmente brillante y arteramente discursiva, Cypher es una de las propuestas más innovadoras e interesantes que haya brindado el cine independiente norteamericano de los últimos tiempos. (M. Torreiro: Diario El País)

= "El filme consigue desasosegar con una trama de mínima acción y un guión complejo y sin resquicios. (...) Lo mejor: la lógica con que está llevada una fantasía de ciencia ficción bastante verosímil. Lo peor: la falta de humor de un texto escrito por un guionista que se declara admirador de Hitchcock." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

PUNTUACIONES
 
7,0 6,6 6,9
NOTA MEDIA: 6,8


TRAILER


VER TAMBIÉN

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sábado, 4 de octubre de 2014

THE RING (EL CÍRCULO)


Del 3 al 12 de Octubre se celebra la 47a edición del Festival Internacional de cine fantástico de Sitges, una muestra a la que por descontado le sobra presentación. Para ponernos un poco en sintonía aquí va una de las películas que se ha alzado con el mayor galardón del festival en una de sus ediciones, The Ring (El círculo) -Ringu en su título original-, que consiguió el premio a mejor película en el año 1999.

Una periodista de sucesos extraños investiga una leyenda urbana que habla de una cinta que tras su visionado, hace que el espectador conozca la muerte al cabo de una semana. El fallecimiento de su sobrina parece tener relación con esa cinta, así que la mujer hará lo imposible para encontrarla y conocer la verdad que se oculta detrás. Una suerte que mejor nunca hubiese encontrado.

A estas alturas me sorprendería encontrar alguien que no conociera la existencia de la película de Hideo Nakata, ya sea tanto por propios méritos, como por el remake americano que supo aprovechar bien los mejores recursos de esta. Conocida es la nueva oleada de terror japonés que llegó después de que Ringu triunfara internacionalmente, ya sea con películas del propio Nakata: como la secuela de esta y de la versión gringa, u otro de sus éxitos: Dark Water (Honogurai mizu no sokokara; 2002); e incluso por otras cintas asiáticas de terror como: The Eye (Gin gwai [Jian gui]; Oxide Pang Chun, Danny Pang, 2002), La maldición (The Grudge) (Ju-on: The Grudge; Takashi Shimizu, 2002), Llamada perdida (Chakushin ari; Takashi Miike, 2003)... Una infinidad de títulos que lograron poner de moda el J-horror y que dio material de sobras para remakes de Hollywood, que sacaron el jugo de la moda hasta el cansancio, dejando pocas propuestas sin una versión americana de las mismas.

De este modo, ver Ringu hoy en día quizás no nos sorprenda y nos aterrorize tanto como si descubriésemos este tipo de películas sin tanto precedente que nos influya, lo que hace que desmerezca un poco en su resultado final, y de un modo algo injusto. Por que es cierto que la película de Nakata, a pesar de haberse vendido como alto totalmente novedoso, en realidad no lo fuera -incluso se hizo una serie de televisión antes que el filme, basándose en la misma novela-, pero es innegable la influencia que ha logrado a la hora de entender el cine de terror contemporáneo.

Aunque la cinta no impresione a los ya curtidos en el género, es fácil seguirse sintiendo inquieto con ella. La atmósfera turbadora que consigue, y la tensión que se respira entorno todo el metraje, sigue muy viva por muchas películas similares que hayamos devorado. Ringu sigue desconcertando a cualquiera que se atreva con ella. Y que una película de terror logre algo así hoy en día, es merito suficiente para no menospreciarla, es por eso que el filme cuente ya con el título de película de culto, ya sea por potencia filmica, como por influencia histórica. 

A estas alturas os puedo preguntar a los que ya habéis visto Ringu, ¿Os atreveríais a poner la turbadora cinta una noche estando solos, en plena oscuridad?


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TÍTULO ORIGINAL Ringu (The Ring) AÑO 1998 DURACIÓN 91 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Hideo Nakata GUIÓN Hiroshi Takahashi (Novela: Kôji Suzuki) MÚSICA Kenji Kawai FOTOGRAFÍA Junichirô Hayashi REPARTO Nanako Matsushima, Miki Nakatani, Hiroyuki Sanada, Yuko Takeuchi, Hitomi Sato, Yoichi Numata PRODUCTORA Kadokawa Shoten Publishing / Omega Project

GÉNERO Terror. Intriga
TEMÁTICA Sobrenatural. Fantasmas. Película de culto. J-Horror

SINOPSIS
En una pequeña y apacible localidad japonesa, entre los estudiantes circula una leyenda en torno a unos videos malditos cuya visión provoca la muerte. Tras la muerte de su sobrina, una periodista investigará el origen de dichos videos.

PREMIOS
1999: Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges: Premio Mejor Película, efectos especiales.
1999: Academia Japonesa: Premio del público. Nominada a mejor actriz (Nanako Matsushima)
1999: Festival Fantástico de Bruselas: Cuervo de oro
1999: Fant-Asia: Mejor película asiática
2001: NatFilm: Premo del público.

CRÍTICA
+ "El estallido que el cine oriental de terror ha vivido en los últimos años debe mucho a Hideo Nakata y aún más a esta obra, una de las más inquietantes de los últimos años. Un absorbente drama terrorífico (...) Sin apenas estridencias, bajo las gélidas imágenes de "The Ring" late el más profundo y vertiginoso horror." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

+ "Ringu es una película clásica que todos estamos obligados a ver, más allá de cómo sean nuestras críticas luego. Si bien no es la mejor del ciclo que inaugura, tiene una de las mejores historias trabajadas elocuentemente hasta el momento, y sin lugar a duda el personaje de Sadako resulta efectivamente superior a las imitaciones que luego llegarían. Por todo esto y más, Ringu es una de las mejores películas de terror de la historia." (Cine de Terror oriental)

+ "“The Ring” es una muy buena película, muy bien planteada, muy original e inspirada en un cine anterior del que toma muchos elementos. Buena combinación de rasgos orientales muy bien fusionados con elementos del cine americano. Es entretenida, poética, hace pensar, tiene mensaje y tiene momentos sin concesiones y realmente aterradores [...]  Es cine en estado puro. Una noche, unas palomitas y una buena compañía para una muy buena película. (Ultramundo: Jorge Jovino Fernandez)

PUNTUACIONES
 
6,5 6,8 7,3
NOTA MEDIA: 6,9


TRAILER


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