domingo, 24 de agosto de 2014

ANI*KURI15


Se cumplen hoy cuatro años de la triste muerte del gran Satoshi Kon, el cual nos ha dejado como legado un -aunque reducido- grupo de películas cada cual mejor, una excelente serie: Paranoia Agent (Môsô Dairinin; 2004), y una serie de mangas que podemos disfrutar en nuestro país en algún recopilatorio como Historias Cortas de Satoshi Kon (Planeta DeAgostini, 2012) o Seraphim (Planeta DeAgostini, 2014), obra póstuma inacabada con guión de Mamoru Oshi. Como todas las películas del director japonés ya han sido reseñadas con anterioridad, echo mano de Ani*Kuri15, una miniserie de televisión que en conjunto recoge 15 micrometrajes de 15 famosos animadores japoneses (exceptuando a Michael Arias, aunque también ha realizado trabajos en el país nippon), dónde Satoshi Kon destaca sobre el resto.

Ani*Kuri15 se emitió en tres temporadas de cinco cortometrajes cada una, los cuales fueron encargados a distintos directores de animación con la única premisa de que los trabajos debían durar un minuto exacto cada uno.

El conjunto no puede ser más irregular, y vistos del tirón dejan al espectador un poco desorientado, ya que todavía no hemos asimilado el inicio del primero, que el segundo ya está en marcha. Esa sensación se hace especialmente clara en la primera parte del metraje, ya que los cortos de ese segmento son realmente un delirio de velocidad, imposible de digerir. Por suerte poco a poco la cosa va mejorando, y en su tramo final se encuentran sin duda los mejores trabajos, siendo el de Kon el encargado de cerrar, y como no, el mejor de ellos.

Estos son los micrometrajes:

Attack of Higashimachi 2nd Borough (Shinji Kimura, 2007). Tres alienígenas llegan a una tierra de cartón para invadirla. 

El primero de los cortometrajes no puede ser más loco, lo que hace que el inicio de Aki*Kuri15 sea totalmente confuso, el listón parte bajo, y con él las esperanzas de que lo que venga después vaya a mejorar. Kimura elige la animación digital pero la trata como un cruce entre la tradicional y el cut-motion, aunque el resultado es algo tosco, el diseño es colorido y muy en el tono del corto.



From the Other Side of the Tears (Namida no Mukou; Akemi Hayashi, 2007). Una muchacha se recupera de una ruptura.

La segunda propuesta dirigida por Akemi Hayashi, se separa radicalmente del estilo de Attack of Higashimachi 2nd Borugh, no solo por su esilo, ya que este recurre directamente a la animación tradicional y los tonos pastel, si no también al eje argumental, que abandona la comedia loca y de ciencia ficción, para adentrarse en los porvenires del desamor. Lo mejor de From the Other Side of the Tears es que nos aclara que no todos los cortos son iguales, y que seguramente encontraremos alguno que nos convenza. Si el metraje de Hayashi no pareciese más un clip musical, y se centrara más en contarnos la historia, seguramente entenderíamos mejor su metraje, y el resultado hubiese sido mucho más satisfactorio.

Blaze Man (Hyotoko; Yasufumi Soejima, 2007). Un grupo de guerreros nativos atacan a un kami gigante con forma de oso. El kami toma uno de ellos y le prende el fuego espiritual.

El tercer trabajo nos vuelve a desilusionar. A pesar de centrarse en seres míticos japoneses (los kami), su argumento dista mucho de lo mágico de estos. El segmento de Soejima, diseñado totalmente en CGI, parece más el trailer de un videojuego que una historia en si misma, algo que refuerzan los excesivos efectos visuales de la película.



Sancha (The Aromatic Tea) (Osamu Kobayashi, 2007). El avaro dueño de una tienda de discos imagina el poder adquisitivo de sus clientes, según su aspecto y sus comentarios.

Kobayashi sorprende con su estilo animado, algo que llega como viento fresco tras ver los trabajos anteriores, aunque aquí el ritmo desmesurado sigue haciendo acto de presencia, esta vez es más acorde a las imágenes que se nos muestran. Lo malo de Sancha es que nos quedamos con la sensación de que hubiese salido una historia divertida de él, y al final sólo queda en un simple gag.



Invasion from Space - Hiroshi's Case (Uchujin Raikou Hiroshi no Baai; Shojiro Nishimi, 2007). Hiroshi intenta leer su manga, pero un pequeño robot está disparando bolitas para distraerlo y así poder escapar.

Muy en la línea del anterior, el trabajo de Nishimi parece que nos va a sorprender en cualquier momento, y a pesar de su entrañable humor, termina como Sancha (The Aromatic Tea), como un simple gag humoristico. Lo mejor de este Invasion from Space, no es solo la inventiva, si no que parece que el autor no necesita el ritmo desenfrenado para contarnos una historia en poco tiempo, algo muy de agradecer.

Project Mermaid (Mamoru Oshii, 2007). Un pez se convierte en una sirena que nada para escapar de una ciudad post apocapiltica.

El sobradamente conocido Mamoru Oshii por obras cumbre como la saga Ghost in the Shell (Kokaku kidotai; 1995) o Patlabor: La película (Kidô Keisatsu Patoreibâ: The Movie; 1989), nos ofrece el primer metraje realmente interesante, aunque irregular. A través de un cut-motion totalmente digital, Oshii nos muestra el viaje de este ser a través de este mundo post-apocalíptico digital, muy en la linea de sus anteriores trabajos. La metáfora de la evolución está servida, y Oshii intenta con su trabajo ofrecer algo más que un estimulo visual para el espectador.

Yurururu (Nichijou Hen) (Kazuto Nakazawa, 2007). Un animador pasa todo el día animando un clip de 1 segundo sobre un pez gigante en una ciudad.

Aunque Nakazawa siga con el gag visual, esta vez intenta reflexionar sobre el rutinario trabajo de un animador, y el esfuerzo por parte del director por ofrecer algo de interés en su trabajo queda perfectamente reflejado en el resultado final. Lo mejor de Yurururu es sin duda la mezcla de estilos que presenta, ya que lo que parte siendo un stop-motion fotografiado de una propia animación, se convierte en animación pura para hacernos arrancar una carcajada y finalmente volver al origen que nos presentó. El trabajo de Nakazawa aquí está a la altura. Es la propuesta más fresca hasta ahora.

Gyrosopter (Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, 2007). Una joven piloto girosóptica visita un espejo de agua y recuerda una batalla girosóptica y la muerte de un amigo en un planeta acuático.

El trabajo creado mano a mano entre Ranji Murata y Tatsuya Yabuta parece más una escena del videojuego Final Fantasy que un cortometraje en sí. El estilo digital, a pesar de preciosista, es burdo y cuadriculado, algo que desmerece en una propuesta que quiere ser una evocación de la nostalgia. Pero Gyrospoter tiene algo que lo salva del debacle absoluto y es la creación de un universo propio, que a pesar de que solo podamos verlo durante un minuto, nos deja con ganas de descubrir más sobre él. Un imaginario muy a la altura de los mundos de Miyazaki, en por ejemplo El castillo en el cielo (Laputa) (Tenkû no shiro Rapyuta; 1986), eso sí, mucho más futurista y lejos del Stempunk.

Wandaba Kiss (Atsushi Takeuchi, 2007). Un niño y su perro inventan una compleja máquina para robarle un beso a una chica.

La novena propuesta de Ani*Kuri15 se convierte en lo más Kawaai del conjunto de la obra. Con tonos pastel, y una animación que danza entre lo tradicional y el retoque digital, Takeuchi apuesta por una historia sencilla y agradable, dejando la espectacularidad solo para el diseño del invento de su pequeño protagonista. El corto es un trabajo sencillo y tierno, quizás nada del otro mundo, pero muy agradable y simpático (además de muy mono).


Colonel Sports (Supaatsu Taisa; obira Oda, Yasuyuki Shimizu, 2007). El coronel Sports va a las montañas huyendo de su enemigo Paul.

Es curioso que la propuesta más rompedora sea la que elija un estilo animado totalmente artesanal, y que juegue solo con la línea negra en un estilo de dibujo de lo más sencillo. De este modo se hace imposible no interesarse ni que sea un poco en la décima propuesta de Ani*Kuri15, aunque al final su argumento sea algo pobre.




A Gathering of Cats (Neko no Shûkai; Makoto Shinkai, 2008). Al gato de la familia le han pisado la cola tantas veces que sueña con la venganza.

Makoto Shinkai es un nombre que no podemos olvidar, poco a poco sus obras se están abriendo camino a nivel internacional y cosecha premios allá dónde pisa. Películas como 5 centímetros por segundo (Byôsoku go Senchimêtoru; 2007), Viaje a Agartha (Hoshi o Ou Kodomo; 2011) o la más reciente El jardín de las palabras (Kotonoha no Niwa; 2013) son un buen ejemplo de un cine con huella propia y que tiene mucho que ofrecer. Su aportación a Ani*Kuri15 no va a ser menos, y se presenta como la más destacada (sin contar la de Kon) del grupo. Sin dejar de lado el estilo de color que usa siempre el animador, A Gathering of Cats se presenta como una obra cómica, que se aparta un poco del estilo melancólico tan usual en el realizador. Shinkai sabe aprovechar sus sesenta segundos al máximo y lo hace ofreciéndonos una historia divertida, fresca, alegre y que gracias a su bigotudo protagonista, enamora.

Princess Onmitsu (Onmitsu Hime; Mahiro Maeda, 2008). Una niña mágica y su muñeco deben derrotar a una horda invasora de piratas aéreos.

Maeda es conocida básicamente por su aportación en Animatrix (The Animatrix; Andrew R. Jones, Shinichirô Watanabe, Mahiro Maeda, Yoshiaki Kawajiri, Takeshi Koike, Kôji Morimoto, Peter Chung, 2003) y también, aunque en menor medida por su Blue Submarine No. 6 (Ao no roku gô; Mahiro Maeda, Masahiro Ozawa, Toru Fukushi, 1998), trabajos que quedan lejos de la estética Magical Girl a la que echa mano en esta propuesta. Un micrometraje que podría ser de los que suscitan interés si no fuese por que al final simplemente nos deje con la sensación de haber visto la promo de una nueva serie estilo Sailoor Moon (Bishôjo Senshi Sêrâ Mûn; Junichi Sato, 1992-1997). Una vez más el ritmo alocado vuelve a reinar en este segmento y no nos deja apreciar si realmente esconde algo interesante.

Okkakekko (Michael Arias, 2008). Un grupo de niños corren por el campo y juegan con un robot gigante que no les da miedo.

A pesar de su nacionalidad americana, Arias es sobradamente conocido por su trabajo en Japón, por ejemplo es reconocible su adaptación del cómic de Taiyou Matsumoto Tekkon kinkreet (Tekkonkinkreet) (Tekon kinkurîto [Tekkonkinkreet]; Michael Arias, Himaki Ando, 2006). En su segmento podemos ver como el director vuelve una vez más adentrarse en el universo de la mente infantil para ofrecernos un trabajo de gran belleza plástica, que aunque a simple vista parezca simple y de poca profundidad, en realidad esconde un universo lleno de matices. Un minuto es poco para todo lo que Arias nos cuenta en su metraje, y por eso Okkakekko resulta algo fallida, aunque insisto, no exenta de interés. Un largometraje con esas ideas sería realmente una gozada.

Project Omega (Shoji Kawamori, 2008). Cuando una fuerza extraña se precipita hacia la sede de la NHK en Tokio, el edificio cobra vida como un Evangelion transformador para combatir al enemigo.

Project Omega vuelve una vez más al asunto de la invasión extraterrestre -ya es el tercer metraje inspirado en ellos-, pero esta vez el filme decide apostar por homenajear, y a la vez construir una sátira, al género de los mechas (Robots). Lo que de entrada parece que va a tomar un tono propio del cine de catástrofes, enseguida aparece la vena cómica aunque Kawamori logre ocultarla tras un aspecto más formal, lo que se funde en un híbrido realmente curioso. Más allá de la reacción de sus personajes y la inesperada transformación del robot, el filme no ofrece mucho más, un minuto es un minuto para Kawamori.

Good Morning (Ohayô; Satoshi Kon, 2008). Una joven se levanta de la cama y medio dormida trata de despertarse a sí misma.

Good Morning sería el último trabajo de Satoshi Kon en el campo cinematográfico de no ser por su desaparición, ya que todavía no se sabe que pasará con su inacabada The Dreaming Machine (Yume miru kikai), por lo pronto, su último trabajo en pantalla no podía ser mejor. El trabajo de Kon es sin lugar a dudas el mejor de los cortometrajes que se reúnen en esta obra, el director japonés no sólo ha sabido aprovechar los sesenta segundos de margen al máximo, si no que además ha logrado llevárselos a su terreno ofreciéndonos una pequeña joya muy en la tónica del resto de sus obras. Kon ha apostado por la sencillez, y aún así ha podido ahondar en sus ideas de lo onírico y el subconsciente, simplemente al seguir el despertar de una muchacha. El estilo animado es el mismo al que el artista nos tiene acostumbrados, dónde prima el detalle y el realismo. La aportación de Kon es sin duda el mejor sello para Aki*Kiri15.

Es común que en estos trabajos hechos a diferentes manos, nos topemos con obras algo irregulares que muestren lo difícil de conjugar las ideas de varios artistas en una sola, así Ani*Kiri15 no es una excepción, y la irregularidad de sus trabajos limita en ocasiones la apreciación de los unos y los otros, así que aunque podamos verlos del tirón, es bueno poder degustarlos uno a uno, para ver como individualmente gozan de mayor presencia.

Para despedir, si queréis una reseña que ahonde en profundidad sobre la lista de autores de estos microcortometrajes os remito al estupendo blog de Cineticamente, dónde encontraréis una estupenda entrada que realizó en 2012.

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TÍTULO ORIGINAL Ani*Kuri15 (Ani-Kuri 15) AÑO 2007 DURACIÓN 18 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon GUIÓN Shinji Kimura, Akemi Hayashi, Yasufumi Soejima, Osamu Kobayashi, Shojiro Nishimi, Mamoru Oshii, Kazuto Nakazawa, Ranji Murata, Tatsuya Yabuta, Atsushi Takeuchi, Tobira Oda, Yasuyuki Shimizu, Makoto Shinkai, Mahiro Maeda, Michael Arias, Shôji Kawamori, Satoshi Kon MÚSICA Tenmon, Varios VOCES ORIGINALES Takeshi Maeda, Akira Nakagawa, Shizuka Okohira, Yuka Terasaki PRODUCTORA Studio 4°C / Gainax / Gonzo / Madhouse / Production IG / NHK 

GÉNERO Animación. Fantástico. Ciencia ficción. Acción. Romance. Comedia
TEMÁTICA Miniserie de TV. Película de episodios. Cortometraje. Robots. Magia. Comedia absurda. Extraterrestres. Manga. Futuro postapocalíptico. Gatos.

SINOPSIS
Colección formada por quince cortos realizados por diferentes directores y creadores japoneses del campo de la animación, incluyendo a un estadounidense, Michael Arias, productor de "Animatrix" y director de "Tekkon Kinkreet". La duración de cada corto es de un minuto. Su emisión se dividió en tres temporadas de cinco cortos cada una, para su emisión en fechas determinadas.

Lista de cortos:
- Attack of Higashimachi 2nd Borough
- From the Other Side of the Tears
- Blaze Man
- Sancha (The Aromatic Tea) Blues
- Invasion from Space - Hiroshi's Case
- Project Mermaid
- Yurururu (Nichijou Hen)
- Gyrosopter
- Wandaba Kiss
- Supaatsu Taisa
- A Gathering of Cats
- Princess Onmitsu
- Okkakekko
- Project Omega
- Good Morning

CRÍTICA
+ "Además del interés del proyecto en sí otro de los puntos destacables es que se buscaran animadores que no necesariamente tuvieran su carrera centrada en la dirección, incluyendo representantes de varios otros departamentos desde los más creativos a los más técnicos, dándoles por primera vez la oportunidad de organizar toda una pieza con su propia visión. Y dado que son vistazos más que rápidos no deja de resultar en una revisión interesante.
Está claro que este tipo de conjuntos siempre resultarán algo irregular, por no hablar de que el tiempo tan limitado a veces podría no darle el mejor empuje a alguna propuesta en particular. Aunque al mismo tiempo eso permite que no nos aburramos en ningún momento y que si bien algunos cortos puedan ser menos interesantes o logrados que otros, sea difícil que resulten especialmente negativos. (S.: Cineticamente)

PUNTUACIONES
 
5,5 5,3 7,3
NOTA MEDIA: 6


TRAILER

Podéis ver 'Ani*Kuri15' completo subtitulado al español aquí.

VER TAMBIÉN

http://descubrepelis.blogspot.com/2012/02/fears-of-dark.htmlhttp://descubrepelis.blogspot.com/2012/02/5-centimetros-por-segundo.htmlhttp://descubrepelis.blogspot.com/2012/02/historias-de-amor-y-masacre.html

viernes, 22 de agosto de 2014

PAU I EL SEU GERMÀ (PAU Y SU HERMANO)


Si no sabéis en que aprovechar los días de este fin de semana os tengo una recomendación que como cinéfilos seguro os va a convencer. Des de ayer jueves 21 de agosto hasta el domingo 24, se celebra en el norte de Cataluña, concretamente en Tremp (Pallars Jussà), la tercera edición de la joven muestra de cine rural Mostrep. El festival, que se centra en acercarse al entorno rural a través del cine, inaugura este año con una selección de los mejores cortometrajes de este subgénero, que se han producido estos últimos años en el país vasco, conjunto de cintas elegidas por el cineasta, profesor de cine y director del festival Cortada de Vitoria-Gasteiz: Kepa Sojo. Hasta el domingo podrán verse varios de los cortometrajes finalistas, para el domingo conocer los ganadores de la muestra, ofreciendo durante el resto de la programación una gran variedad de propuestas que van desde conciertos de Jazz, talleres, humor, proyección de cortos locales, animación… y muchas otras propuestas que podéis consultar entrando en la programación. ¿Qué mejor manera que aprovechar un fin de semana visitando nuevos lugares, tan en contacto con la naturaleza, y de pasada complementarlo con festival de cine?
 

http://www.mostremp.cat/


Aprovechando el inicio del festival, comento hoy una cinta de Marc Recha, cineasta de nuestras fronteras que siempre ha sabido retratar muy bien el entorno rural en sus películas. El filme es Pau i el seu germà (Pau y su hermano), tercera película del cineasta, que gracias a su nominación a la Palma de Oro en Cannes, logró un mayor reconocimiento internacional.

Pau y su madre hace un año que no tienen noticias de su hermano Àlex, hasta que una llamada telefónica les notifica su muerte. Para conocer que ha sido de él durante todo este tiempo, deciden visitar el pueblo del Pirineo dónde les dicen que ha estado viviendo, acercándose así un poco más a un hermano y un hijo, al cual parece, ya no conocían.


Recha sigue intentando acercarse una vez más a la veracidad a través de las imágenes, como ya hizo con su anterior L'arbre de les cireres (El árbol de las cerezas) (1998). Esta vez el director catalán abandona el trípode para echar uso de la cámara en mano, un formato que como algunos movimientos cinematográficos han relacionado con la naturalidad y el acercamiento a una mirada objetiva, a pesar que, paradójicamente, también logra que el espectador se de cuenta de la presencia de la mirada exterior a través de la cámara, dando lugar al evidente ficcionado del filme.

Lo que no abandona es el estilo en que logra convertir un simple lugar, un paisaje, en un personaje más de su película. Es evidente que la localización rural es imprescindible para entender bien la filmografía de Recha, especialmente en este filme, dónde el viaje hasta una zona apartada de las grandes urbes, con un estilo de vida tan marcado, es la que se encarga de conducir a los personajes en el propio viaje interior.

Un doble viaje que emprenden Pau y su madre, por un lado físico, hasta el lugar dónde vivió su último año Àlex, por el otro el de evolución personal, que cada uno vive individualmente a lo largo del filme. Y esto se extrapola al resto de protagonistas de la película, cada uno de ellos afectado de un modo u otro por la muerte de Àlex que, vivida en ese entorno, logra un avance (o retroceso) sobre su carácter y sus acciones. Así el director aprovecha para reflexionar sobre la muerte, sobre la herencia emocional que deja la perdida de un ser querido, y sobre como la conexión social afecta de un modo muy claro a las personas. Queda claro con el avance del filme que esa evolución no se pierde al huir de ese entorno catalizador, es algo que crea poso, y sigue a los personajes aunque intenten refugiarse en la gran ciudad.

El director tiene muy claro que el cine debe ser evolutivo para lograr transmitir sus ideas, por eso a pesar de contar con un guión preestablecido, se deja guiar por las intuiciones del momento, y las emociones de sus actores, que se nota como logran interiorizar sus personajes, hasta el punto de convertirse en ellos mismos, y dejar así que la historia fluya por si misma. Si un actor, como podemos ver en el filme, sufre un accidente y se rompe un tobillo, no supone un problema para la película, ya que es el propio personaje el que ha sido victima del accidente, y por lo tanto, es integrado con naturalidad en el filme. Así, el viaje que sufren las cenizas del fallecido Àlex son un claro ejemplo en síntesis de esa idea, convertida en un ejemplo que además ayuda a dar más veracidad a la historia.

Existe algo en Pau i el seu germà que puede logran el no encuentro con el espectador. A pesar de una historia con su propia intriga -¿qué llevó a Àlex al suicidio?- en ningún momento el filme busca dar respuestas ni crear una historia clásica alrededor de la reconstrucción de unos echos, la película se centra más en la evolución personal y del entorno, por lo que no se configura un relato en si, y eso a la larga puede hacer (y lo logra) que el espectador deje de tener motivos para continuar con su visionado. Es por eso que la película de Recha hay que tomársela como un modo de experimentar con el cine como herramienta expresiva, ya que de este modo podemos convencernos que Pau i el seu germà es una película de lo más interesante.



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TÍTULO ORIGINAL Pau i el seu germà (Pau y su hermano) AÑO 2001 DURACIÓN 107 min. PAÍS España. Francia IDIOMAS Catalán. Francés. Español DIRECCIÓN Marc Recha GUIÓN Marc Recha, Joaquim Jordà MÚSICA Aitor Millán Fernández, Xavi Turull, Fred Vilmar, Toni Xuclà FOTOGRAFÍA Hélène Louvart REPARTO David Selvas, Nathalie Boutefeu, Marieta Orozco, Alicia Orozco, Luis Hostalot, Juan Márquez, David Recha PRODUCTORA Oberon Cinematografica / JBA Production

GÉNERO Drama
TEMÁTICA Vida rural. Muerte/Duelo. Naturaleza

SINOPSIS
Àlex es un joven que trabajaba en el puerto de Barcelona, pero un día, cansado de su vida rutinaria, decidió dejarlo todo e irse a vivir lejos de la ciudad, a un pequeño pueblo del Pirineo catalán. Pasó el tiempo y su familia comenzaba a preocuparse por la falta de noticias sobre él, hasta que les llega la noticia de que se ha suicidado. Su hermano Pau y su madre Mercè viajan al pueblo donde Àlex vivió los últimos meses para conocer los detalles y los motivos de su suicidio. Allí conocen a Sara, su novia que, sin saber que Àlex ha muerto, sigue esperando que vaya a buscarla para ir a vivir juntos a la ciudad; a su amigo y jefe, Emili, que hace años también decidió cambiar de vida y dejar a su familia para vivir solo en la montaña; y a Toni, que trabaja con Emili y está secretamente enamorado de Sara. Cada uno de ellos descubre un nuevo Àlex a través de los otros y su ausencia les ayudará a replantearse sus objetivos y carencias. Este mosaico de personajes se completa con la llegada de Marta, la hija de Emili, que tras muchos años sin ver a su padre, viene de Francia para buscarle. Todos buscan otra forma de vivir. Cuando se separen, ninguno de ellos será el mismo.

PREMIOS
2001: Cannes: Nominada a la Palma de Oro
2001: Ondas: Mejor director.
2001: Bogota: Nominada a mejor película
2001: Butaca: Nominada a mejor película catlana y mejor actor catalán de cine (David Selvas)

CRÍTICA
+ "Cuidadoso filme que habla del paso del tiempo, de la vida, de la incomunicación, del silencio y de la destrucción de la naturaleza. A pesar de algunos fallos de guion, un filme sumamente interesante y en el que destaca la espontaneidad de un buen reparto." (Fernando Morales: Diario El País)

- "Quizás, el principal problema de Pau y su hermano es que no logra transmitir de forma convincente los verdaderos motivos que mueven a cada uno de los personajes. Como espectador se tiene la sensación de que algo falla, de que hay piezas del puzzle que no logran encajar." (Alejandro del Pino: Cinestrenos)

PUNTUACIONES
 
5,5 5,4 6,4
NOTA MEDIA: 5,8


MAKING OF...


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domingo, 17 de agosto de 2014

HARRY POTTER Y LA CÁMARA SECRETA


Segunda y última aportación de Chris Columbus a la saga del mago con la frente marcada. Vamos con ella. Adaptación de la segunda y exitosa novela de J. K. Rowling, Harry Potter y la cámara secreta.

Harry Potter regresa –no sin las correspondientes trabas- a la escuela de magia Howards. Un nuevo curso está por empezar, y parece que alguien no está muy contento de volver a tener a Potter en la escuela. Por otro lado, misteriosos mensajes empiezan a aparecer en las paredes de la escuela, advirtiendo que la cámara de los secretos ha ido abierta y el heredero de Slytherin acabará con los que no sean de sangre pura. Harry y sus amigos intentarán encontrar la cámara para que no se cumplan las profecías.

Esta segunda parte de Harry Potter nos deja con una sensación tremenda de déjà vu, los conceptos que vimos en la primera entrega se repiten otra vez en la Cámara secreta. Toda la trama y en especial su desenlace son tan calcadas a la primera parte que nos dejan pensando si todas las entregas van a ser construidas con la misma simplicidad (por suerte no es así). Aunque si es cierto, que se evitan algunos de los errores que destacaban en la primera parte, y se dramatizan bastante mejor algunos de los conceptos, al final nos encontramos con una película que no nos aporta nada novedoso.

Tres son los puntos a favor del filme, por un lado la espectacularidad de su diseño de producción, que incluso mejora de su antecesora. Por otro, la incursión de nuevos personajes que se presentan a ofrecer tramas más interesantes en un futuro. Y por último, y más importante, que las aventuras del mago continúan siendo entretenidas y evasivas para todo aquel que busque la experiencia. Y poco más. Columbus da su adiós de un modo simple, y poco atractivo.

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TÍTULO ORIGINAL Harry Potter and the Chamber of Secrets (Harry Potter 2) AÑO 2002 DURACIÓN 154 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés, Pársel DIRECCIÓN Chris Columbus GUIÓN Steve Kloves (Novela: J.K. Rowling) MÚSICA John Williams FOTOGRAFÍA Roger Pratt REPARTO Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Kenneth Branagh, Richard Harris, Maggie Smith, Alan Rickman, Julie Walters, Mark Williams, Robbie Coltrane, Tom Felton, Bonnie Wright, Jason Isaacs, Shirley Henderson, Miriam Margolyes, Christian Coulson, Richard Griffiths, Fiona Shaw, David Bradley, Matthew Lewis, John Cleese, Robert Hardy, Warwick Davis, Gemma Jones, Harry Melling PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / Heyday Films / 1492 Pictures

GÉNERO Fantástico. Aventuras. Infantil
TEMÁTICA Magia. Brujería. Saga. Secuela

SINOPSIS
Terminado el verano, Harry (Radcliffe) no ve la hora de abandonar la casa de sus odiosos tíos, pero, inesperadamente se presenta en su dormitorio Dobby, un elfo doméstico, que le anuncia que correrá un gran peligro si vuelve a Hogwarts. A pesar de los esfuerzos del elfo por retenerlo, Harry es rescatado por Ron y sus hermanos, con la ayuda de un coche volador, y recibido con los brazos abiertos en el cálido hogar de los Weasley.

A pesar de que a Harry y a Ron les impiden entrar en el andén 9 ¾ y subir al Expreso de Hogwarts, ellos se las arreglan para llegar a tiempo de empezar el nuevo curso. Las hazañas de nuestro héroe ya se han extendido por todo el colegio, convirtiéndolo en el centro de una atención no deseada. Entre sus nuevos admiradores está Ginny (Bonnie Wright), la hermana pequeña de Ron; el aspirante a fotógrafo Colin Creevey (Hugh Mitchell) y Gilderoy Lockhart (Branagh), el nuevo y vanidoso profesor de defensa contra las artes oscuras.

Sin embargo, ni siquiera Lockhart puede ofrecer una explicación plausible ni una solución eficaz para combatir el terror que se está apoderando del colegio. En tal circunstancia, la atención se centra en Harry, pero todos empiezan a dudar de él. Todos, excepto Ron, Hermione y la pequeña y frágil Ginny, que vive volcada en su nuevo y misterioso diario. Pero Harry no decepcionará a sus amigos y se enfrentará a la oscura fuerza que acecha Hogwarts.

PREMIOS
2002: 3 Nominaciones Premios BAFTA: Sonido, efectos visuales y diseño de producción
2002: 2 Critics' Choice Awards: Mejor película familiar y compositor (John Williams)

CRÍTICA
+ "Y entre las cosas que esta 'Harry Potter' hace muy bien de hecho está profundizar la atmósfera más oscura y aterradora para las audiencias. Esto es como debería ser: la historia de Harry está supuesta para ser más oscura." (Entertainment Weekly)

+ "Chris Columbus, el director, hace un trabajo realmente maravilloso de ser fiel a la historia pero también llevándola a una era cinematográfica." (Richard Roeper: Chicago Sun-Times)


- "en vez de sentirse agitado puedes sentirte maltratado y gastado, pero, al final, también muy decepcionado." (A. O. Scott: The New York Times)

- "Una vez más, el director Chris Columbus, toma un enfoque humilde a Rowling que ahoga la creatividad y permite que la película se prolongue durante casi tres horas." (Peter Travers: Rolling Stone)

- "un cliché que es deja vu nuevamente, lo más probable es que todo lo que pensabas de la primera producción — pro o contra — lo pienses de ésta." (Kenneth Turan: Los Angelse Times)

PUNTUACIONES
 
5,9 6,4 7,3
NOTA MEDIA: 6,5


TRAILER


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sábado, 16 de agosto de 2014

15 AÑOS Y UN DÍA


Lo voy a confesar, aunque alguna de sus cintas me había llamado la atención, jamás vi nada de Gracia Querejeta, así que parto con la ventaja de descubrir una realizadora nueva, de la que desconocía todo estilo y rumbo, y aunque parta con la desventaja de no poder analizar el filme desde una perspectiva de avance, si lo hago desde la del descubrimiento de algo nuevo, y las ganas de saber más sobre el trabajo de la hija de una de las figuras que ya cuentan con un buen pedestal en nuestro cine, el productor Elías Querejeta.

Jon es un chaval de 14 años que no para de meterse en problemas, por lo que su madre decide enviarlo a vivir con su abuelo Max, a ver si este consigue encarrilarlo con su mano dura. La despreocupación de Jon y la franqueza de Max choca inevitablemente, conduciéndolos a ambos hacía un camino hasta ahora no transitado.

De entrada no debemos asustarnos con un cartel tan desafortunado como el de 15 años y un día, no solo insalvable por ese estilo juvenil que se le ha querido dar al pasarlo por el Paint y algunos filtros de Instagram, si no también por querer aprovechar la conocida figura de Maribel Verdú destacándola sobre las otras, cuándo en realidad el peso protagonista recae sobre el joven Arón Piper, y si mucho me apuras a Tito Valverde. Lo que se esconde detrás de un póster tan poco acertado es un filme mucho más elaborado.

Tras su arranque es fácil desesperar y pensar que estamos ante un filme que en realidad no querríamos estar viendo. Esa realización de tele-serie, y el tono de las situaciones que van sucediendo durante el primer tercio de la película prometen que va no van a llevar a nada realmente bueno, pero a medida que nos metemos en la relación entre Marga -la madre de Jon- y el chico, el desarrollo se va apoderando de nosotros.

Querejeta nos conduce con su filme por las relaciones familiares de un un grupo de personas que bien representan a una sociedad real que no ha sabido que hacer con la modernidad, que vive confusa y no sabe como establecer su vida. Unas personas que si no saben como sobrellevar su individualidad, mucho menos como sobrevivir a los lazos familiares y/o sociales que les envuelven. La directora nos presenta a unos personajes con unas ideas muy claras, pero que chocan con la realidad, y por ello no saben muy bien hacia dónde dirigirse.

Lo malo de 15 años y un día es el desgaste de un guión lleno de diálogos difíciles de tratar, que realmente cuestan de salvar incluso por los actores más veteranos. Y no es por su historia, la cual está bien llevada y cuyos arcos argumentales no interfieren en absoluto en la profundidad emocional que desprende el filme, si no en ese texto en ocasiones tan técnico y forzado que nos recuerda que lo que estamos viendo es simple representación teatral.

De todos modos la atmósfera de añoranza, confusión, y la perdida de rumbo, fruto de un pasado que ha forjado el carácter de sus protagonistas, se marca sin esfuerzo sobre las líneas de ese guión poco perfilado, y sobresale por encima de él, dándonos cuenta con facilidad de lo bueno que nos ofrece en realidad la película, y para ello sólo hace falta fijarnos en la mirada de cualquiera de los protagonistas.

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TÍTULO ORIGINAL 15 años y un día AÑO 2013 DURACIÓN 96 min. PAÍS España IDIOMA Español, Euskera (algunas palabras) DIRECCIÓN Gracia Querejeta GUIÓN Gracia Querejeta, Santos Mercero MÚSICA Pablo Salinas FOTOGRAFÍA Juan Carlos Gómez REPARTO Maribel Verdú, Fernando Valverde (Tito Valverde), Arón Piper, Belén López, Susi Sánchez, Boris Cucalón, Pau Poch, Sfía Mohamed PRODUCTORA Castafiore Films / Tornasol Films

GÉNERO Drama
TEMÁTICA Adolescencia. Familia. Crimen

SINOPSIS
Cuando a Jon, un adolescente conflictivo, lo expulsan del colegio, su madre lo manda a vivir con su abuelo Max, un militar retirado que estuvo en la guerra de Bosnia y que ahora vive en un pueblo de la Costa de la Luz. Pero a Jon le gusta vivir peligrosamente, y su abuelo se ha convertido en un hombre de costumbres tranquilas. Los dos tendrán que enfrentarse a sus limitaciones y a sus miedos.

PREMIOS
2013: 7 Nominaciones a los Premios Goya, incluyendo mejor película
2013: Festival de Málaga: 4 Premios, incluyendo mejor película y mejor guión
2013: Premios Ariel: Nominada a Mejor película iberoamericana
2013: Película elegida para representar España en los Oscar

CRÍTICA
+ "Una película empeñada en demostrar que una mirada, bien filmada, esconde un mundo. (...) relato veraz y limpio de un viaje alrededor del miedo" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Todo tibio, excepto Maribel Verdú. (...) Todo pretende ser tan parecido a la vida misma, que a veces me resulta forzado. (...) Cuando aparece ella, logro creerme casi todo, pero desgraciadamente eso ocurre de vez en cuando." (Carlos Boyero: Diario El País)

= "El principio apuntaba hacia una inquietante y sorprendente propuesta (...) le cuesta al filme emocionar con la deriva de un adolescente intratable (...) parece que el guión no daba más de sí, o que se quedaron mejores ideas fuera" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)


+ "Una historia con frecuentes contrapuntos de comedia irónica y que no banalizan la realidad. La parte final se ve lastrada por la trama criminal adicionada (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

= "La música de '15 años y un día' es la que tiene que ser, y también su aire, su atmósfera, su tristeza... (...) hay algo en ella que en ocasiones rechina, algún diálogo, algún giro sobreexpresado (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Bien narrada, mejor interpretada (...) Lo mejor: el equilibrio en la construcción de los personajes. Lo peor: algunos aspectos de un guión un tanto mecánico (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (M. Torreiro: Fotogramas)

+ "Gracia Querejeta ilumina su cine. Los seres queridos atacan de nuevo. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

PUNTUACIONES
 
6,5 5,3 5,7
NOTA MEDIA: 5,8


TRAILER


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jueves, 14 de agosto de 2014

ALATA (OUT IN THE DARK)


Creo que merece la pena que hoy nos acerquemos un poco al conflicto entre Israel y Palestina, especialmente para aquellos que ven pasar las noticias sin entender muy bien que está pasando allí. El cine siempre es una buena herramienta para acercarnos a la realidad del mundo, y referente a los problemas territoriales de Israel existe un buen grupo de películas que ayudan muy bien a acercarnos a la realidad. Antes de nada me gustaría resumir un poco en que consiste el conflicto, para ello os recomiendo leer este breve resumen de europa press que se entiende fácilmente por cualquiera que no esté familiarizado con el tema, por otro lado recomiendo echar un ojo al artículo que dedica Solosequenosenada al tema, un escrito que amplia las visiones históricas, aunque eso si, desde una mirada más subjetiva, no por ello más errónea.

Dicho esto debo añadir que no son pocas las películas que se atreven con este tema, y me gustaría recomendaros otros títulos que ayudan a entender muy bien que está pasando, ya sea el cine de Eytan Fox; algún documental como Promises (Justine Shapiro, B.Z. Goldberg, Carlos Bolado, 2001) o 5 cámaras rotas (5 Broken Cameras; Emad Burnat, Guy Davidi, 2011); o mi favorita, Los limoneros (Etz Limon/Les citronniers/Lemon Tree; Eran Riklis, 2008), película que de un modo algo más minimalista retrata los efectos de la invasión Israelí al pueblo Palestino, una gozada. La película de hoy Alata (Out in the Dark), es una cinta que se centra en la relación amorosa entre dos chicos de distinto territorio para contarnos de una forma honesta y objetiva, la relación entre un pueblo y el otro, la base de sus conflictos, y lo bueno y malo de cada uno de ellos.

Nimer es un estudiante palestino que ha conseguido un pase para asistir a unos seminarios en Israel, y con ellos poder lograrse un mejor futuro par ir al extranjero a seguir estudiando y ganarse una mejor vida. Allí conoce a un joven abogado israelí, Roy, con quién enseguida hace buenas migas y termina enamorándose. Ambos verán como ni la familia de Roy acepta la relación de este con un palestino, y por otro lado como Nimer no es aceptado como homosexual en su familia.

No os asustéis, a pesar de la sinopsis tan cercana al -tan explotado por el cine- clásico shakesperiano Romeo y Julieta, Alata no apuesta por convertirse en una cinta romántica dónde el amor de dos personas está por encima de toda realidad. El filme de Michael Mayer utiliza la premisa de la pareja simplemente para acercarse a la realidad fronteriza que se vive en Israel, y hablarnos de la realidad que se esconde a cada lado del país.

El mayor acierto del filme es intentar no posicionarse en el conflicto, e intentar mostrar la realidad de ambas partes, así podemos ver (o entender) como el hermano mayor de Nimer forma parte del grupo extremista y religioso Hamás, razón por la que el joven es repudiado por su familia al conocerse su orientación sexual y la relación que mantiene con un Israelí. Por otro lado vemos como la lucha de Roy por ayudar a Nimer se convierte en una quimera al toparse con el servicio de inteligencia de Israel poniendo trabas a sus acciones por ayudar a un palestino, que para más inri podría tener relación con el grupo terrorista. Así podemos ver las aberraciones que tanto el gobierno de Israel conduce desde las sombras, como los actos in-humanos que se viven bajo el yugo extremista en Palestina.

A pesar de ese no-posicionamiento en Alata, que apuesta más por lo humano, se hace realmente difícil no darse cuenta del abuso del pez grande hacía el chico en esta relación conflictiva vivida entre los dos pueblos. Es por eso que el filme ayuda muy bien a que cualquiera pueda entender un poco más que se cuece detrás de tanta masacre oculta bajo lo que el ejercito Israelí llama auto-defensa. E igual de bueno es poder conocer, aunque sea un poco, el estado en el que los palestinos viven, frente a los lujos de Tel Aviv.

Si nos centramos en el apartado más artístico-técnido del filme, nos encontramos con una cinta sencilla, que a pesar del bajo presupuesto y el rodaje en digital, consigue no caer en una historia "telefilmesca", ni por el guión, ni por el estilo de realización, que se salvan de ello a la perfección. Así, no es de extrañar que no podamos esperar mucha malabarismo cinematográfico en una cinta que se centra más en contarnos una historia que en ofrecer un ejercicio en celuloide de gran calibre. Por eso puede pasar que el filme sepa a poco, pero no por ello debemos olvidar que la simpleza forzada con la que cuenta es suficiente para que su historia nos enganche, al fin de cuentas, lo que presenta es de total interés, y sus noveles actores, están sobradamente a la altura de las circunstancias.

Alata es sin duda una película más que puedo añadir a la lista de imprescindibles para entender un poco que está pasando en el mundo, especialmente lo que se cuece en Israel, un filme claro, conciso, que sabe aprovechar su historia para mostrarnos la realidad, tan cruda como es.

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TÍTULO ORIGINAL Out in the Dark (Alata) AÑO 2012 DURACIÓN 96 min. PAÍS Israel, Estados Unidos IDIOMA Hebreo, Árabe DIRECCIÓN Michael Mayer GUIÓN Yael Shafrir, Michael Mayer MÚSICA Mark Holden, Michael Lopez FOTOGRAFÍA Ran Aviad REPARTO Nicholas Jacob, Michael Aloni, Jamil Khoury, Loai Nofi, Khawlah Hag-Debsy, Alon Pdut, Maysa Daw, Shimon Mimran, Alon Oleartchik, Chelli Goldenberg, Moris Cohen, Tal Elimelech, Majd Bitar, Huda Al Imam, Tony Haddad, Michael Teplitzky, Rami Kashy, Karam Dabas, Gidon Ucko, Salam Hassan, Didi Lubetzky, Alex Kipper, Yossi Algim, Yoav Goldwein, Monica Haim PRODUCTORA M7200 Productions / Channel 10 / Israel Film Fund

GÉNERO Drama. Romance
TEMÁTICA Homosexualidad. Terrorismo. Conflicto árabe-israelí. Drama social. Conflictos

SINOPSIS
Nimer es un estudiante palestino que sueña con una mejor vida en el extranjero. Una noche conoce a Roy un abogado Israelí del que se enamora profundamente. Mientras su relación se hace más y más profunda, Nimer se confronta a sí mismo con la realidad palestina que se rehúsa a aceptarlo por su identidad sexual, y a la sociedad israelí que lo rechaza por su nacionalidad palestina.

PREMIOS
2012: Toronto: Nominado al Discovery Award y al FIPRESCI.
2012: Haifa: Mejor película Israelí junto con 'Llenar el vacío'
2012: Chicago: Nomidana a mejor nuevo director

CRÍTICA
+ "El amor entre un adinerado abogado israelí gay y un estudiante palestino en apuros sirve para examinar las duras realidades de ambas comunidades en el matizado drama de Michael Mayer" (David Rooney: The Hollywood)

PUNTUACIONES
 
6,5 6,9 7,6
NOTA MEDIA: 7,0


TRAILER


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