miércoles, 30 de julio de 2014

EL MUNDO ES NUESTRO


Ahora que ya ha pasado el éxito desaforado de la película española Ocho apellidos vascos (Emilio Martínez-Lázaro, 2014), la cual hace poco ha salido a la venta en formato doméstico para la alegría de cualquier fan del DVD-Rip, es el momento de sentarse a reflexionar. Martínez-Lázaro se sustenta en los tópicos para construir su película, algo que no digo que sea desmerecedor, ni mucho menos insultante como muchos quieren hacernos creer, pero lo que si es reprochable es que el resultado del filme es de una calidad que deja que desear, no hace falta fijarse mucho para darse cuenta de la irregularidad argumental, los fallos de montaje, de raccord, o de la mala realización en un filme que a la mayoría le ha parecido descacharrante, gracias a un humor de sitcom muy propio de los productos que normalmente ofrece Tele 5 en sus cadenas de televisión, el mismo por el que ha apostado en este largometraje que perfectamente podría ser un capítulo alargado de cualquiera de sus series. Para reafirmarse en la teoría de que la publicidad y los medios consiguen que veamos aquello que queremos, solo hace falta fijarse en alguna propuesta de similares características, que a pesar de contar con una mayor calidad cinematográfica, ha pasado algo más desapercibida, no hace falta echar mucho la vista atrás, nos sirve la andaluza El mundo es nuestro.

El 'Cabesa' y el 'Culebra' deciden atracar un banco e irse con el botín a Brasil. En plena labor un hombre irrumpe cargado con explosivos en la sucursal bancaria y amenaza con inmolarse si no viene la televisión. El plan de irse con el dinero parece que no va a ser tan sencillo como creían al principio.

El mundo es nuestro no es una película tan anónima como presentaba al inicio, de echo, es una de las cintas pioneras en el campo del crowfunding español, echo que le mereció su pertinente publicidad, pero claro, una cosa no lleva a la otra, y a pesar de la publicidad no fueron muchas las salas que proyectaron la película, teniendo que asegurarse un sitio en las plataformas online y la posterior venta en DVD (a precio realmente bajo), algo así como se hizo con la distribución de la ópera prima de Paco León, Carmina o revienta (2012). De este modo queda mucho más evidente la comparación de éxito con Ocho apellidos vascos, dejando claro, una vez más, que si fuera por los distribuidores, y sin la ayuda de Internet, la mitad de las cosas que hoy logramos conocer, no verían la luz. Una pena.

La película, como ya he comentado, se sustenta de los tópicos andaluces, y de alguna tribu urbana, para construir una historia que se basa en el humor negro, gamberro y de lo más ácido. Los personajes caen simpáticos por el simple echo de ser ellos mismos, por ser reconocibles por cualquiera que los vea y participar por completo en las situaciones casi surrealistas que se presentan en el filme. Una sucesión de lo absurdo a cada momento mejor. Un guión completamente estupendo.

A pesar de su escaso presupuesto, El mundo es nuestro, no apuesta por una realización poco cuidada, al contrario, todo recurso fílmico que pueda apostillar el argumento es cuidado y bien ejecutado, la calidad no es discutible. Incluso, saben aprovecharse hasta de las situaciones improvistas, para dar margen a la espontanead, siempre sin un atisbo de merma den la calidad final. Claro ejemplo de ello es la situación de las luces de Navidad, cuya instalación el ayuntamiento de Sevilla prometió posponer hasta el puente de diciembre para que no aparecieran en el rodaje -cuyos echos suceden en plena semana santa-, pero que a la hora de la verdad instaló antes de tiempo, así que aparecen en el metraje, pero sus autores supieron salvar muy bien la situación.

Realmente nos encontramos con una película divertida y gamberra, que a pesar de ser un producto únicamente pensado para la distracción más llana, no tiene reparos en aprovechar la situación para arremeter un poco contra la situación social del país, motivo de más para no aprovechar y pasar un buen rato con su visionado.

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TÍTULO ORIGINAL El mundo es nuestro AÑO 2012 DURACIÓN 87 min. PAÍS España IDIOMA Español, Mandarín DIRECCIÓN Alfonso Sánchez GUIÓN Alfonso Sánchez MÚSICA Maravilla Gypsy Band FOTOGRAFÍA Daniel Mauri REPARTO Alfonso Sánchez, Alberto López, Olga Martínez, Daniel Morilla, Antonia Gómez, José Rodríguez, Estrella Corrientes, Miguel Ángel Sutilo, Pepa Díaz-Meco, María Cabrera Vasco, María Teresa Sandoval, Pepe Quero, Antonio Dechent PRODUCTORA Mundoficción / Jaleo Films / Canal Sur TV

GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Robos & Atracos. Secuestros / Desapariciones. Comedia negra. Cine social

SINOPSIS
El ‘Cabesa’ y el ‘Culebra’, siguiendo los pasos del Dioni, deciden dar un gran golpe: atracar una sucursal bancaria y huir a Brasil. Lo que parecía que iba a ser un trabajo sencillo, se complica debido a la irrupción repentina de Fermín, un empresario cincuentón cargado de explosivos, que amenaza con inmolarse y exige la presencia de la televisión para llamar la atención sobre su precaria situación económica. Así pues, un simple atraco, se convierte en un secuestro en toda regla con rehenes y explosivos de por medio... Adaptación al cine de una webserie de Internet protagonizada por los mismos personajes. Primer largometraje español financiado en parte a través del método crowdfunding.

PREMIOS
2012: Málaga: Biznaga de plata a Mejor actor (Alfonso Sánchez). Premio del público.
2013: Circulo de críticos de cine de España: Mejor director revelación.

CRÍTICA
+ "La película tiene energía, carisma cómico y voluntad de estilo (...) demuestra que el contingente de energía creativa que ha estado aguardando en la red puede dar el salto a la gran pantalla y caer de pie." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Una película de un humor a veces negro, y muchas veces salvaje, que consigue que el espectador suelte la carcajada. (...) Me parece que Azcona le habría guiñado el ojo a este novato. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

+ "Conserva el ritmo, el duende y la incorrección política de los diálogos de besugo protagonizados por el dúo cómico en internet (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Sergio F. Pinilla: Cinemanía)


PUNTUACIONES
 
6,5 6,8 6,7
NOTA MEDIA: 6,7


TRAILER


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martes, 29 de julio de 2014

MUJERES ENAMORADAS (OTHER MEN'S WOMEN)


Hollywood, 1931, el sonoro ya terminaba de asentar sus bases y la explotación del mismo a través del marco musical empezaba a hastiar a los espectadores. Para evitar la huida del público Mujeres enamoradas (Other Men's Women), que originalmente debía llamarse The Steel Highway, se olvidó casi por completo del uso de la música, para centrarse en una historia que un par de años más tarde, con la entrada del código Hays, hubiese sido imposible de llevar a las pantallas.

Bill es un vividor al que le encanta beber y tener un amor en cada puerto, después de que su casera se harte de soportarle, el hombre se verá en la calle de la noche a la mañana. Por suerte Jack, su buen amigo y compañero de trabajo, como él ingeniero de locomotoras, le acoge en su hogar, dónde convivirán además con Lily, la simpática mujer de Jack. La amistad de los dos se verá truncada cuando Bill empiece a sentir una fuerte atracción por Lily.

Alcohol, infidelidades y gamberradas diversas son la carta de presentación para este cómico drama, que como ya he dicho, se convierte en una de esas rarezas que el código Hays se encargó de volver invisibles. Mujeres enamoradas responde por completo a una situación histórica en la que la gran depresión hacía acto de presencia, por lo que se convierte en un documento gráfico inigualable para entender -aunque de un modo algo superficial- el modo de vida de una época. De ahí el acierto de situar la acción en plena estación de ferrocarril de Eats, dónde la camaradería y la dureza del trabajo (algo comúnmente presente en el cine de William A. Wellman) en manos de los empleados del lugar, son la herramienta perfecta para ello.

Esa misma camaradería sirve también de punto de partida, y de sustento, para la historia que escribe Maude Fulton, y que presenta unos personajes (esencialmente los protagonistas) de una fuerza y vitalidad abrumadoras, cada uno de ellos dentro de su estatus. Unos actores provenientes del cine mudo (Mary Astor, que se come literalmente la pantalla con su personaje, es la que más evidencia deja de ello) son los encargados de lograr expresar el abanico de emociones que se vive en el filme de Wellman, un abanico que se presenta desde una madurez casi desconocida en los filmes de los años treinta.

Lo más curioso del filme es sin duda la valentía y mano dura con la que se presenta la figura femenina, que aunque los roles no se distancien demasiado con los reales de la época, entiéndase la mujer que sólo sueña con un buen marido, la que se encarga de las tareas del hogar, y la que se preocupa del bienestar de su pareja, se presenta también como una guerrera de cuidado, algo no muy común en un filme de calado romántico.

Aunque Mujeres enamoradas no sea ni de lejos una película que haya permanecido fresca con el paso del tiempo, tiene la virtud de poder presentarse como un documento cinematográfico único, el cual es imposible no enmarcar históricamente en varias opciones, ya sea para entender la producción de una época concreta, como la frescura de su argumento, es por eso que merece un pequeño descubrimiento.

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TÍTULO ORIGINAL Other Men's Women AÑO 1931 DURACIÓN 70 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN William A. Wellman GUIÓN Maude Fulton FOTOGRAFÍA Barney McGill (B&W) REPARTO Grant Withers, Mary Astor, Regis Toomey, James Cagney, Fred Kohler, J. Farrell MacDonald, Joan Blondell, Lillian Worth, Walter Long PRODUCTORA Warner Bros. Pictures

GÉNERO Drama. Romance
TEMÁTICA Trenes/Metros. Amistad. Comedia romántica. Drama romántico. Alcoholismo. Trabajo/empleo. Gran depresión. Pre-Hays

SINOPSIS
La relación de Bill y Jack, dos ingenieros de locomotoras y grandes amigos, se verá afectada cuando Bill se sienta atraído por la mujer de Jack.

CRÍTICA
+ "Wellman sabe ser sensible, pero en ningún momento olvida su garra cinematográfica." (The cinema)

PUNTUACIONES
 
5,5 6,8 6,6
NOTA MEDIA: 6,3


TRAILER


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lunes, 28 de julio de 2014

HAWAII

 

El Fire!! llegó a su fin hace un par de semanas dejándonos, como siempre, esperando con ganas la próxima edición. Pocas veces tenemos la oportunidad de disfrutar de películas ya no sólo especializadas en temática homosexual, si no que queden fuera de los circuitos comerciales y difícilmente tengamos la oportunidad de encontrarlas o de tan siquiera saber de su existencia. Pasado el festival sólo queda ir comentando las películas que he tenido oportunidad de ir viendo durante los días de la muestra, todas ellas, y a pesar de su punto en común, muy diversas y con carácter propio. Aquí va una de ellas.

Hawaii nos presenta a Martín, un joven que vagabundea por el pueblo dónde pasó su infancia y al que años después ha vuelto para malvivir trabajando de pequeñas chapuzas que los vecinos le ofrecen. Allí se reencuentra con Eugenio, un viejo amigo que no solo le da trabajo, si no también un cobijo mientras dure el verano.

Marco Berger es ya un claro referente para el cine de temática homosexual proveniente de Argentina, otras de sus cintas como Plan B (2009) o Ausente (2011) ya recibieron la aceptación del público especializado, así como el reconocimiento en varios festivales no sólo de temática, si no también de autor. Hawaii vuelve otra vez a planear sobre las relaciones entre personas del mismo sexo y nos presenta una historia sencilla e intima, que se descubre como un veraz relato sobre las relaciones personales más allá de cualquier orientación, y hace un retrato que, desde la austeridad, sabe aprovechar muy bien.

Berger se centra en una fase del romance que aunque pueda estar presente en cualquier flirteo iniciático, independientemente de la orientación sexual de sus protagonistas, se hace más intenso en una historia en la que los protagonistas son del mismo sexo. La verdad con la que filma ese estado, en el que no solo se presentan la atracción física y emocional, si no también el miedo al rechazo por el otro, ya no sólo por no compartir esa atracción, si no por no estar seguro de que el otro sienta atracción por las personas de su mismo sexo, es absolutamente fantástica. A ello cabe sumar la aceptación a un compromiso, dejando una algarabía emocional que se presenta en el filme estupendamente. Marco Berger conoce muy bien como introducirse en sus personajes, y el espectador no solo lo capta con facilidad, si no que la empatía llega con fluidez.

Hawaii sería sin duda una película redonda si no fuera por un par de factores que es imposible no tener en cuenta. De entrada podemos achacarle a Berger que cuenta con un mismo patrón para todas sus películas, por lo que para los que estén familiarizados con su cine, posiblemente saben que van a encontrarse en esta última película, y aunque las historias puedan ir variando de unas a otras el esquema es siempre el mismo, y eso a la larga puede demostrar que el director argentino está estancado en un mismo formato, de todos modos no quita que el resultado no sea bueno, al contrario, el trabajo en su argumento es una maravilla, sólo que deja atrás cualquier posibilidad de sorprender a el espectador asiduo.

Por otro lado nos topamos con un elemento que se presenta en la película como un muro para cualquiera que quiera adentrarse en Hawaii, hablo de la música del filme. Si la película cuenta esencialmente con una banda sonora que se sustenta en los maravillosos sonidos ambientales que tanto bien le hacen a la narración, nos encontramos que en el primer tercio, se echa mano de la yuxtaposición de una música no diegética en formato midi que no solo es de lo peor que se puede escuchar, si no que realmente no aporta absolutamente nada al filme, al contrario, para una película como Hawaii, dónde el espectador necesita hacer un esfuerzo inicial para encontrar poco a poco el punto de conexión con lo que está viendo y poder adentrarse así en su historia, no le sienta nada bien contar con una música que llega a provocar dolor de cabeza y que exige todavía más atención al argumento. Por suerte, cuándo pensamos que la música jamás cesará se pierde entre las maravillosas imágenes, aunque cuándo por fin vayamos alcanzando el final del filme y parece que nos estamos olvidando de ella, vuelve inesperadamente para recordarnos que una vez existió y estropearnos el final. Imperdonable.

Y hablando del final, si bien es bastante correcto, no deja espacio para la confusión, y quizás por el formato contemplativo y argumentalmente intimo de Hawaii se hubiese agradecido algo más abierto, queda claro que tan solo con las miradas y los gestos que tan bien controlan sus actores, hubiésemos podido entender aquello que Berger nos muestra finalmente con imágenes.

A pesar de los apuntes negativos no puedo decir que Hawaii no sea una película recomendable, con el paso del tiempo debo reconocer que deja un poso y un recuerdo estupendos, y que las ganas de re-visualizarla aparecen sin cesar.

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TÍTULO ORIGINAL Hawaii AÑO 2013 DURACIÓN 106 min. PAÍS Argentina IDIOMA Español DIRECCIÓN Marco Berger GUIÓN Marco Berger MÚSICA Pedro Irusta FOTOGRAFÍA Tomás Pérez Silva REPARTO Manuel Vignau, Mateo Chiarino, Mercedes Quinteros, Luz Palazón, Manuel Martínez Sobrad PRODUCTORA Universidad del Cine / La Noria Cine

GÉNERO Drama. Romance
TEMÁTICA Homosexualidad. Amistad

SINOPSIS
Eugenio pasa el verano cuidando la casa de sus tíos, que alguna vez fue suya, mientras busca inspiración para un guion que está escribiendo. Martín no tiene ninguna ocupación y se ofrece a trabajar en esa casa haciendo todo tipo de arreglos. Se conocieron hace tiempo, siendo chicos, y no se volvieron a ver desde entonces. Pero la relación se restablece en base a engaños: Martín no tiene dónde dormir, pero le miente a Eugenio. Y Eugenio parece interesarse en Martín un poco más que como amigo. Poco a poco la relación entre los dos jóvenes se va construyendo sobre esa endeble estructura, que mezcla la camaradería con miradas furtivas, conversaciones sobre el pasado y el porvenir con abrazos emotivos.

CRÍTICA
= "El de Berger es un cine de miradas, gestos y detalles, de cuerpos y deseos. Por lo tanto, debe ser por definición austero y sutil. En muchos pasajes, y más allá de su excesiva gravedad, la apuesta es bastante exitosa, aunque la sensación de déja vu, de cierto agotamiento, resulta inevitable" (Diego Batlle: Otros cines)

= "Alejada de estereotipos románticos, la historia consigue adquirir un tono pasional repleto de matices a pesar del exiguo contacto físico entre cuerpos. Sin embargo, esquivando un tópico cae en otro con la elección de los actores. Ninguno de los dos es feo, ni bajo, ni gordo, ni siquiera se muestran despeinados en la mayoría de las escenas y, de hecho, parte de la empatía levantada tiene su gancho en la fisionomía de los actores. El dilema aparece únicamente si Hawaii no constituye el único acercamiento a la filmografía de este realizador argentino, pues las desigualdades entre esta última y la predecesora 'Plan B' (2009) se calibran entre alfileres inclinando a pensar que se compró billete para un déjà vù." (Jose Cabello: Cine Divergente)


+ "Marco Berger es un gran narrador de historias, pero más aún es un gran creador de tensión sexual." (Juan Pablo Russo: Escribiendo cine)

PUNTUACIONES
 
6,6 6,7 7,6
NOTA MEDIA: 7


TRAILER


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domingo, 6 de julio de 2014

HARRY POTTER Y LA PIEDRA FILOSOFAL


Las sagas cinematográficas no son nada nuevo, especialmente las basadas en novelas de éxito o de culto tal como se hizo en El señor de los anillos (The Lord of the Rings; Peter Jackson, 2001-2003), pero las hay de un tipo que en los últimos años han empezado a proliferar en los cines, aquellas destinadas a un público adolescente y que recurren a las novelas de género que se han convertido, antes de la adaptación a pantalla, en un top ventas en librerías de todo el mundo, de este modo los vampiros amorosos de Crepúsculo (Twilight; Catherine Hardwicke, 2008) y las batallas a muerte de Los juegos del hambre (The Hunger Games; Gary Ross, 2002) han acaparado todas las pantallas siguiendo el germen que dejó la saga del pequeño mago creado por J.K. Rowling y que arrancó con Harry Potter y la Piedra Filosofal, que no sólo hizo que niños y jóvenes empezaran a leer este tipo de novelas, si no también a ver sus aventuras en pantalla grande. Aunque inicialmente Harry Potter se acercaba más a las películas de aventuras para toda la familia como La historia interminable (Die unendliche Geschichte (The Neverending Story); Wolfgang Petersen, 1984) que entre los 80 y 90 ya explotó en formato saga la literatura mágica, con el tiempo (y por lógica, dado la maduración de los retoños) terminaría siendo otra de esas dinastías cinematográficas para pubertarios que hoy siguen poblando nuestros cines, y así, hasta que el formato se agote y las grandes productoras ataquen con otras cosas.

Al cumplir once años, Harry Potter, un chico huérfano que vive con unos tíos que no lo tratan muy bien, descubre que es hechicero y es citado a cursar sus cursos de magia a la prestigiosa escuela de magos Howards. Allí descubrirá que no es un joven común, ya que todos parecen conocer su pasado y que sucedió con sus verdaderos padres, una historia oscura que todavía planea sobre el mundo mágico al verse implicado aquel cuyo nombre no se debe pronunciar. De este modo, Harry se verá envuelto en peligrosas aventuras al tener que combatir contra esa misteriosa figura, que tanto temor despierta en Howards.

Chris Columbus se encarga de dirigir esta primera entrega del mago con la frente marcada, siendo así un filme dónde no falta la magia y las aventuras tan típicas del género fantástico familiar que tanto hemos visto en películas de los ochenta tan queridas como Dentro del laberinto (Labyrinth; Jim Henson, 1986), La princesa prometida (The Princess Bride; Rob Reiner, 1987) o Lady Halcón (Ladyhawke; Richard Donner, 1985). Y si existe un director capaz de conseguir cintas familiares que no queden en lo anecdótico, este es Columbus, no olvidemos que en su currículo tiene muchos de los títulos familiares más vistos por cualquiera, des de su primera Aventuras en la gran ciudad (Adventures in Babysitting; 1987), hasta la más futurista El hombre bicentenario (Bicentennial Man; 1999), pasando por inolvidables títulos como Señora Doubtfire, papá de por vida (Mrs. Doubtfire; 1993) o las dos primeras entregas de la divertida saga que lanzó a Macaulay Culkin al estrellato: Solo en casa (Home alone; 1990); y eso sin tener en cuenta que tras dos entregas de Harry Potter sigue con su usual estilo juvenil, no olvidemos que más tarde vendría otra adaptación de literatura mágica al dirigir Percy Jackson y el ladrón del rayo (Percy Jackson and the Olympians: The Lightning Thief; 2010). Así que la apuesta por Columbus es segura, ya que no hay otro director que haya conseguido hacer tantas películas para un público concreto, sin que estas no hayan sido un éxito de taquilla.


El problema de Columbus es principalmente un estancamiento creativo para un filme que quizás hubiese pedido más novedades por lo llamativo de la apuesta. Columbus no deja de ser muy clásico a la hora de dirigir sus películas y no hace falta decir que en sus inicios fue mucho más arriesgado a la hora de llevar a pantalla algunos guiones que lo que nos plantea en esta primera parte de Harry Potter, si bien, como filme independiente se deja ver estupendamente, se hace mucho más notable en la segunda parte, que cae en las repeticiones y nos ofrece lo mismo una vez más. Aunque probablemente el problema sea debido más al guión y si seguimos estirando del hilo, al propio libro de Rowling, pero en el espacio literario no me voy a meter, ya que soy de los que en su momento, no pudo digerir ni el primer volumen de la saga, siendo la película mucho más llevadera que la lectura.

Aunque la historia esté bien hilada, es inevitable no darse cuenta de algunos puntos narrativos algo forzados, y un ritmo de relato algo desigual en algunos puntos, por lo que es imposible no achacar los mayores problemas del filme a un guión algo pobre, que simplemente no ha sabido muy bien como adaptar todas las páginas del libro en las casi tres horas de metraje.

De todos modos, repito, Harry Potter y la piedra filosofal es una película que entretiene, que se disfruta, y que nos ayuda a pasar un estupendo rato, sin olvidar que nos descubre a unos pequeños actores los cuales convencen en sus papeles, y que incluso alguno de ellos es hoy en día un actor a tener en cuenta.

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TÍTULO ORIGINAL Harry Potter and the Sorcerer's Stone (Harry Potter and the Philosopher's Stone) AÑO 2001 DURACIÓN 152 min. PAÍS Reino Unido, Estados Unidos IDIOMA Inglés, Pársel DIRECCIÓN Chris Columbus GUIÓN Steve Kloves (Novela: J.K. Rowling) MÚSICA John Williams FOTOGRAFÍA John Seale REPARTO Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Robbie Coltrane, Richard Harris, Maggie Smith, Alan Rickman, Richard Griffiths, Tom Felton, Ian Hart, John Hurt, Harry Melling, John Cleese, Matthew Lewis, Warwick Davis, David Bradley, Fiona Shaw, Sean Biggerstaff, Devon Murray, Alfie Enoch, Zoë Wanamaker, James Phelps, Oliver Phelps, Julie Walters PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / Heyday Films / 1492 Films / Duncan Henderson

GÉNERO Fantástico. Aventuras. Infantil
TEMÁTICA Magia. Brujería. Saga

SINOPSIS
El día en que cumple once años, Harry Potter se entera de que es hijo de dos destacados hechiceros, de los que ha heredado poderes mágicos. En la escuela Hogwarts de Magia y Hechicería, donde se educa con otros niños que también tienen poderes especiales, aprenderá todo lo necesario para ser mago.

PREMIOS
2001: 3 Nominaciones al Oscar: Mejor vestuario, bso, dirección artística
2001: 7 Nominaciones BAFTA, incluyendo mejor film británico y efectos visuales
2001: Critics' Choice Awards: Mejor película familiar. 3 nominaciones

CRÍTICA
= "Las aventuras del joven aprendiz de mago es una simpática historia llena de recursos pero que, aparte de sus espectaculares decorados y efectos especiales, poco aporta a un género de "comedia fantástica llena de aventuras" dirigida para niños. Revestida de una excelente factura, y reconociendo que encandila a los más pequeños, queda lejos de ofrecer la "magia" cinematográfica de esos títulos infantiles que no sólo no aburren a los mayores sino que los convierten en niños durante dos horas, y cuyo mejor exponente, quizá, sea el famoso extraterrestre de Steven Spielberg. En cualquier caso, dado el cine actual, supone una aventura con cierto encanto." (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

+ "'Harry Potter and the Sorcerer's Stone' es una película de aventuras de sangre caliente, empapada de atmósfera, llena de cosas horripilantes y sublimes y sorprendentemente fiel a la novela (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Una sólida y bonita película. No está hueca, no es flor de de un día, una estrella amortizada y fugaz. Todo resulta fluido, armónico, inteligente en el guión del magnífico Steve Kloves. No es sorprendente. Este tipo posee uno de los cerebros más inquietantes y autónomos del cine actual. (...) El director Chris Columbus explota con autoridad, responsabilidad y talento el sabroso y carísimo material que han depositado en sus manos. En su trabajo existe algo más que la profesionalidad de un mercenario de lujo. Hay creatividad, imaginación, estilo. Harry Potter es un éxito digno. Su encanto no sólo enganchará a los niños. Acompañarlos supondrá un placer." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)


PUNTUACIONES
 
6,5 6,6 7,4
NOTA MEDIA: 6,8


TRAILER


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jueves, 3 de julio de 2014

ALIEN³ (ALIEN 3)


Una de las partes más positivas de la saga Alien es la capacidad que tuvo de adaptación al encontrar en cada entrega un enfoque distinto a sus hermanas, un enfoque que le vino dado gracias a la mano de sus directores que dotaron de pequeñas dosis de autoria a cada uno de los proyectos, ofreciendo lo mejor de si mismos. En la tercera entrega de los xenoformos, Alien 3, debuta en el largo de ficción un entonces desconocido David Fincher.

Tras escapar junto a Newt, Bishop y Dwayne del planeta dónde tuvieron que enfrentarse a una enorme orda de Alien, la teniente Ripley es rescatada en el planeta Fury 161, una cárcel dónde el ataque de un nuevo ser hará los horrores del recinto.

Sin duda alguna Alien 3 es la peor entrega de la saga, algo que es debido principalmente a un guión pobre y sin rumbo en el que los personajes carecen de profundidad alguna y ni la propia Ripley, interpretada por una aburrida Weaver, se salva del desgarro. Ya de entrada se rompe la continuidad argumental que se dejó con Aliens: el regreso (Aliens; James Cameron, 1986), que aunque si recoja el testimonio desde el punto en el que se dejó la historia, hace estallar cualquier referencia en el minuto uno del filme dónde ni los personajes saldrán indemnes del despellejo -exceptuando a Ripley, claro-. A partir de ese momento se nos conduce por unos caminos algo repetitivos y de poca fuerza narrativa, la historia nos presenta un sin fin de acciones que se hacen y se deshacen sin rumbo alguno, y en ningún momento hay espacio para la reflexión o un intento de acercamiento psicológico con el espectador.

Pero no todo es tan catastrófico, la historia, a pesar de repetitiva y hueca, se deja ver de un modo bastante potable, y aunque Fincher por entonces no tenia el reconocible sello que podemos ver hoy en todos sus filmes, se escabulle como puede de las garras controladoras de la Fox y nos regala algunos de los momentos más reconocibles de la saga (como la espeluznante escena del póster del filme que encabeza la entrada), o los locos travellings subjetivos en los tuneles de la carcel, una semilla de las inquietudes técnicas que se despertaban en el realizador de Colorado. A pesar de ello, Fincher poco pinchó y cortó en el filme, hasta tal punto que en la edición lanzada al mercado doméstico -casi la única que podemos encontrar hoy en día-, se cambiaron algunos aspectos del filme sin su consentimiento -algo que nunca pasó con las otras tres entregas de la película, de las que Scott, Cameron y Junet pudieron hacer su versión extendida- (para darse cuenta de que versión es la que estamos viendo la mejor pista está en el primer cuarto de la cinta, si el animal que aparece muerto es un perro, es el filme original, si es una vaca, nos encontramos con el montaje de la productora).

Por otra parte, cabe destacar el salto cualitativo de los efectos especiales, un salto que nos obsequia con el primer Alien creado por CGI, un ser que gana fuerza al verse más orgánico y vivo, un ser más terrorífico, y que no gana en terror no sólo por su formato digital, ya que la renovación del aspecto de los trajes -que vuelve bastante a la idea de la primera entrega, Giger echa una mano en este aspecto- causa autentico pavor en pantalla.

Es imposible no disfrutar de la saga al completo sin pasar por esta tercera entrega, y aunque se diga que con las dos primeras uno queda altamente satisfecho, yo creo que ver lo que Junet nos reservaba con su mirada en la última parte, encargada de cerrar la tetralogía, es una gozada. Pero para ello hay que pasar antes por la versión de Fincher, y aunque comparándola con sus hermanas quede a la altura del betún, al menos podremos decir que hemos visto una película minimamente entretenida y con una espectacular intro sonora por parte de la 20th Century Fox que promete más de lo que finalmente ofrece.

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TÍTULO ORIGINAL Alien 3 (Alien³) AÑO 1992 DURACIÓN 115 min., 145 min. versión extendida PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN David Fincher GUIÓN Walter Hill, David Giler (Argumento: Vincent Ward) MÚSICA Elliot Goldenthal FOTOGRAFÍA Alex Thomson REPARTO Sigourney Weaver, Charles S. Dutton, Charles Dance, Paul McGann, Brian Glover, Lance Henriksen, Ralph Brown, Danny Webb, Pete Postlethwaite PRODUCTORA 20th Century Fox / Brandywine Productions

GÉNERO Ciencia ficción. Terror
TEMÁTICA Aventura espacial. Extraterrestres. Drama carcelario. Secuela. Saga

SINOPSIS
Tras conseguir escapar con Newt y Bishop de un planeta alienígena, la teniente Ellen Ripley (Sigourney Weaver) recala accidentalmente en Fiorna 161, una cárcel galáctica cuyos peligrosos reclusos están absolutamente abandonados a su suerte.

PREMIOS
1992: Nominada al Oscar: Mejores efectos visuales
1992: Nominada Premios BAFTA: Mejores efectos visuales especiales

CRÍTICA
= "Entretenida continuación de la saga. Fincher debuta con esta fábula futurista, bien ambientada, aunque con un guión bastante discretito. Como siempre, el entretenimiento está asegurado" (Fernando Morales: Diario El País)

= "Los guionistas son del todo incapaces de ofrecer un solo personaje con entidad, con carisma…con algo.[...] A los quince minutos, está claro que la historia no va a ofrecer nada interesante, pero obtenemos una formulación plástica, unos encuadres y un sentido de lo cinemático muy por encima de la media. (Adrian Massanet: Blog de cine)

= "Alien 3 no es perfecta y dista muchísimo de serlo pero los años, una renovadora versión extendida y la absurda “Alien Resurrection” o las abominables “Alien vs. Predator” han ido situándola como una película especial, fallida sí, pero una valiente y original ópera prima de un realizador con mucho talento que supo salir al paso de una trampa mortal en forma de rodaje que es esta inclasificable cinta." (Javier Serván: El antepenultimo mohicano)


- "Este desinterés por continuar con una narrativa que ya se había empezado fue finalmente lo que dejó una producción cojeando y un guión inservible para Fincher, que llegó a hacer lo que pudo con un proyecto que nunca se dejaría de sentir a medio cocer." (Rodrigo Rothschild: Letras Libres)

PUNTUACIONES
 
5 5,9 6,4
NOTA MEDIA: 5,8


TRAILER


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miércoles, 2 de julio de 2014

TOTS ELS CAMINS DE DÉU (TODOS LOS CAMINOS DE DIOS)


Ya vuelve un año más el FIRE!! (Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià) celebrando la que es ya su 19ª edición. Esta vez se llevará a cabo del 2 al 13 de julio repitiendo las sedes de pasadas temporadas (CCCB y Raval para las sesiones a la fresca, FNAC Triangle para el programa educativo, Filmin, dónde podrá verse on-line una selección de filmes de pasadas ediciones y el Instituto Francés, lugar dónde se proyecta el grueso de la muestra), añadiendo este año una sesión previa en el ya no tan nuevo ZumZeig cine-bistrot, dónde se pudo ver el pasado domingo Tots els camins de Déu, y que sirvió no sólo para adelantarse un poco al Fire!!, si no para presentar una propuesta de lo más interesante que organizan cine y festival conjuntamente y dónde, a partir de Octubre, se proyectará una película al mes de temática LGTB con un posterior coloquio bajo el nombre de Ciclo Open.

Basándose en el momento bíblico de Judas una vez traicionó a Jesucristo, se nos relata a través de una actualización contemporánea y de aires posmodernos, la penitencia de un hombre a través de un solitario bosque. Allí se topará con un muchacho que se unirá a en su camino hacia el perdón.

El filme de Gemma Ferraté se presenta como una película intima dónde, a través de la cámara en mano y un formato tan cerrado como la angustia que vive el protagonista, se nos narra el calvario de un hombre, el cual evidencia una fuerte culpabilidad sobre si mismo, y el dolor le corroe hasta limites de lo más extremos. El guión que Ferraté co-escribe con Eduard Sola es sin duda un arma que explota estupendamente un cúmulo de ideas que, aunque la mayoría de ellas pueden quedar sin respuesta al final del metraje, presentan una complejidad que sorprende ver en una película de tan escasa duración y tan pocos diálogos.


Entre varias de esas ideas cabe destacar la relación que se establece entre los dos personajes protagonistas del filme, interpretados por Marc Garca Coté y Oriol Pla, en la que de un modo natural -a pesar de la forzada situación argumental (no por ello errónea)- se crea a través de la introspección de los chicos, forjándose sin un claro acercamiento verbal, más bien de una mimesis que en ningún momento se presenta como baladí, si no a través de un entendimiento que va más allá de lo físico. Así no es de extrañar que la película se haya convertido en la carta de presentación de un ciclo de cine LGBT, ya que aunque en ningún momento la película tenga una clara referencia homosexual en la relación, si que es fácil que venga en mente gracias a las miradas, gestos y situaciones de los tres actores (hay que sumar a Jan Cornet), y todos sabemos que algunas de las historias bíblicas presentan un oculto contenido homo-erótico que otros realizadores han sabido plasmar en sus filmes. De todos modos lo importante no es el tipo de relación que pueda suceder entre ellos, si no el contacto que establecen, más allá de géneros, tendencias u orientaciones.

Aunque Tots els camins de Déu pueda ser un filme al que es difícil entrar, y en ocasiones la sombra de Gus Van Sant (figura muy común en los filmes de varios realizadores que vienen del ESCAC), Kelly Reichardt o Albert Serra planee con demasiada insistencia sobre la película, al final se respira una fuerte carga personal en la película y una sinceridad absoluta en el trabajo, que como espectador no puedo dejar de agradecer, ya que hoy en día es difícil encontrar trabajos tan sinceros, valientes e intimos como el de Gemma Ferraté, y aunque el propio filme presente grandes motivos para ser visionado, este último es sin duda el que más fuerza tiene.

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TÍTULO ORIGINAL Tots els camins de Déu AÑO 2014 DURACIÓN 70 min. PAÍS España IDIOMA Catalàn DIRECCIÓN Gemma Ferraté GUIÓN Gemma Ferraté, Eduard Sola REPARTO Marc Garcia Coté, Oriol Pla, Jan Cornet PRODUCTORA Niu d'Indi

GÉNERO Drama
TEMÁTICA Amistad. Religión. Naturaleza. Muerte/Duelo

SINOPSIS
Cuenta la historia de los últimos tres días en la vida de un Judas contemporáneo, un hombre que huye de su propia culpa después de traicionar a su mejor amigo. Ahogado por su culpabilidad, entra en el bosque donde se reunirá con un joven misterioso que lo acompañará en su arrepentimiento, lo cual le ayudará a lidiar con sus sentimientos, con la comprensión de su culpa y cómo finalmente confrontarlo.

CRÍTICA
+ "Una manera de reflexionar sobre el mundo en el que vivimos, lleno de miedos y paranoias. La película recoge estos elementos y muchos más para crear imágenes hipnóticas, brutales, que transmiten el poder físico del cine en contacto con la naturaleza amenazante.[...] La fuerza se esconde en su constante inventiva, en los múltiples matices de esta historia que parece tan sencilla i elemental." (Time Out)

PUNTUACIONES
 
6,5 5,7 6,8
NOTA MEDIA: 6,3


TRAILER


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